При разговоре об итальянском искусстве нам в голову в первую очередь приходят имена великих мастеров Возрождения: Рафаэля Санти, Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонарроти.

Однако, искусство Италии не умерло в XV веке. На протяжении последующих столетий Италия подарила миру еще множество значимых имен, и сегодня мы хотим рассказать о тех из них, кто работал в 60-х годах XX века, о художниках причисляемых к движению “Arte Povera” (Бедное Искусство).

Движение Арте повера (букв. «бедное искусство») зародилось в Италии в 1960-е годы. Просуществовав всего несколько лет, оно стало самым заметным художественным течением послевоенной Европы. Художники Арте повера принесли в пространство музеев и галерей новые методы и материалы, соединив в своих скульптурах и инсталляциях природное и символическое, чувственное и концептуальное. От родственных течений — минимализма, концептуализма и поп-арта — их отличает внимание к первичному взаимодействию человека с материальным миром, эстетика природных стихий и ручного ремесленного труда.

Название «бедное искусство» в 1967 году предложил куратор и критик Джермано Челант. В этом году он организовал выставку «Arte Povera — Im Spazio» («Арте повера — в пространстве»). В ней приняли участие главные представители направления: Яннис Кунеллис, Микеланджело Пистолетто, Джованни Ансельмо, Джулио Паолини, Джузеппе Пеноне, Марио Мерц, к которым присоединилось ещё около десятка молодых итальянских художников.

Многие из них работали с простыми и грубыми материалами — мешковиной, углём, простынями, землёй, водой, хлопком, стальными прутьями, деревом и газетами. Но слово «бедность» в названии направления не стоит понимать буквально. Художники пытались достичь поэтического эффекта простейшими способами, пробиться к сути эстетического опыта, освободить переживание зрителя от предзаданных концепций и идеологий.

Движение Арте повера выкристаллизовалось на фоне политических протестов 1960-х. Участники движения разделяли антикапиталистические настроения эпохи, но не примкнули к какой-либо партии или группировке и целиком оставались на территории эстетики.

История и предшественники

В послевоенные годы Италия быстро превращалась из аграрной страны в развитое индустриальное государство, символом которого стал автомобиль ФИАТ 500. Конвейерное производство, массовые потребительские товары, модная индустрия — все эти блага современного мира хлынули на полуостров. Но экономическое чудо не избавило страну от социального неравенства, архаичных законов и отсталой системы образования. Конец 1960-х стал временем рабочих и студенческих протестов, которые были здесь ещё более ожесточёнными, чем в соседней Франции.

Главным «родным» для итальянцев художественным течением, которое получило международную огласку, по-прежнему был футуризм. Но в 1960-е уже сложно было разделять характерное для футуристов восхищение индустрией и техническим прогрессом. В произведениях Арте повера можно увидеть акцент на ручном труде и природных материалах, что было ответом не только на футуризм, но и на более современные течения — в первую очередь, американский минимализм и абстрактный экспрессионизм.

Если минималист Дональд Джадд делал свои кубы из холодного пластика и металла, то Пино Паскали создавал их из спрессованной земли. Если полотна представителей абстрактного экспрессионизма были герметичными, замкнутыми в себе посланиями, то Джулио Паолини раздел свои произведения до холста и подрамника, показав «сделанность» картины, обнажив её материальную основу.

Главными предшественниками Арте повера были такие заметные фигуры итальянской арт-сцены как Пьеро Мандзони, Лучо Фонтана и Альберто Бурри.

Бурри уже в 1950-е годы использовал в своих полотнах мешковину, металлические листы, песок, древесину и другие грубые, необработанные материалы.

Мандзони пропитывал холсты глиной, соединяя живопись и скульптуру в одно целое, а также использовал в качестве материала еду, собственную кровь, дыхание и экскременты. Лучо Фонтана разрезал полотна ножом, сведя творческий акт к минимальной основе. Его знаменитые разрезы не просто разрушают плоскость картины и размыкают её навстречу окружающему миру, но и показывают, что в основе творчества лежит простейший материальный процесс — жест художника.

Произведения художников нового поколения оказались не менее революционными. Когда молодой куратор из Генуи Джермано Челант впервые использовал название «Арте повера», основное ядро движения уже сформировалось. У них не было общей стилистики и лидера, но они двигались в общем направлении, хоть и делали это разными способами: как и более ранние представители художественного авангарда, они пытались разрушить границу между жизнью и искусством. Причём слово «жизнь» здесь нужно понимать с феноменологической точки зрения — как процесс восприятия, поток первичных чувственных ощущений.

Вскоре после первых общих выставок Джермано Челант опубликовал статью, которую можно было считать манифестом нового художественного течения — «Арте повера: заметки к партизанской войне». Хотя движение до конца сохраняло итальянские корни, Челант смог придать ему интернациональное значение. В 1969 году его книга «Арте повера» вышла на английском и французском, крупные выставки движения прошли в Лондоне, Амстердаме и Нью-Йорке. Уже через несколько лет Арте повера перестало существовать как единое художественное движение. Но в творчестве отдельных художников его основные принципы продолжают жить и развиваться до сих пор.

Неконцептуальное концептуальное искусство

Для произведений Арте повера характерно взаимодействие природного и искусственного, чувственного и концептуального. Многие из художников долгое время использовали и развивали собственные приёмы, которые сделали их работы узнаваемыми. Микеланджело Пистолетто создавал полотна из зеркал и вставлял в них фотоизображения в натуральную величину: отражаясь в зеркале, зритель становится частью произведения. Ему же принадлежит самое известное произведение Арте повера — статуя Венеры Каллипиги, которая стоит спиной к зрителю перед кучей белья. Здесь угадывается и отсылка на античное наследие, и ироническое отношение к современной массовой культуре, с которой в это же время заигрывал поп-арт.

Алигьеро Боэтти сделал серию политических карт мира, на которых территория каждой страны раскрашена в цвета её флага. Карты вручную вышили афганские мастера по заказу художника. Самому Боэтти принадлежит только концепция, но не исполнение: это умозрительное творчество, которое, тем не менее, носит на себе следы материальности и тщательной ручной работы.

Форма, с которой любит работать Марио Мерц — это иглу, простейшее жилище, символ небесного купола и земного шара, домашнего пространства и жизни кочевника. Мерц создавал свои иглу из разного материала — стекла, камня, глины, дерева, добавляя в постройку неоновые лампы и надписи. Слово и число для Марио Мерца — такой же материал, как и другие. Надпись «Что делать?» в алюминиевой банке, наполненной воском, постепенно нагревается и размягчает содержимое ёмкости: материальное и символическое соединяются.

Ян Кунеллис использовал в своих инсталляциях уголь, кофе, бобовые крупы, растения, живых людей и животных. На одной из первых выставок Арте Повера он привёл в галерею двенадцать лошадей и на три дня поместил их в выставочное пространство. Лошадь — это одновременно и один из главных персонажей классических полотен и скульптур, и живое существо из плоти и крови. Художнику интересны оба этих измерения.

В отличие от минималистов и представителей поп-арта, художники Арте повера продолжали вести диалог с прошлым — в первую очередь, с наследием античности и эпохи барокко. Но одновременно с этим они обращались к первичным физическим силам и материальным процессам. Так, Пьера Паоло Кальцолари использует в своих инсталляциях охладительные установки: это живопись инеем, которую можно не только увидеть, но и ощутить.

«Закрутка» Джованни Ансельмо — скрученная полоска ткани, которую сдерживает металлический стержень, опирающийся на стену. В этой минималистичной скульптуре — и намёк на барочные драпировки, и материализация чистой физической энергии. Ансельмо любит подвешивать камни на стены художественных галерей, как бы демонстрируя зрителю сдержанные гравитационные силы. В другой своей работе от вставил в треугольный камень небольшой компас. Художник делает видимым то, что мы не замечаем: если Энди Уорхол изображает продукты массовой культуры, то Ансельмо показывает нам силу гравитации и магнитного поля.

Джузеппе Пеноне — художник, который тщательно исследует взаимоотношения между человеком и природой. Он работает с естественными процессами биологического характера — ростом и увяданием. В одной из первых своих работ он сделал медную копию своей руки и закрепил её на дереве в приморских Альпах. Через несколько лет дерево вытолкнуло руку, но на нём остался отпечаток художника.

Дерево для Пеноне — не инертный материал, а активный участник художественного процесса. В других своих работах он снимал слой за слоем с деревянных строительных блоков, делая видимым предыдущее состояние дерева, его сердцевину. Это и возврат в прошлое, и символическое превращение — движение от культуры к природе через время.

К середине 1970-х Арте повера перестало существовать как единое художественное движение. Творчество художников, которые входили в эту группу, с самого начала было разнородным и по стилю, и по содержанию. Несмотря на недолгое время существования и отсутствие ясной художественной программы, Арте повера значительное повлияло на многие современные художественные направления — концептуализм и лэнд-арт, искусство перформанса, инсталляции и скульптуры.

Новаторские художественные приёмы, внимание к чувственному и эфемерному, стремление оказаться в пограничной зоне между концепциями и ощущениями, естественным и рукотворным — всё это делает Арте повера значимым и интересным даже сегодня.

Автор: Олег Матфанов

В Ватикане сконцентрирована богатая история, духовное наследие и уникальная политическая конфигурация, которые делают его одним из самых захватывающих и загадочных мест на земле. Однако, что же представляет собой Ватикан? Является ли он просто городом, центром религиозного культа, государством или священной территорией? В этой статье мы разберем этот вопрос, раскроем тайны его структуры и узнаем, что делает его уникальным среди всех других мест в мире.

Город-государство Ватикан (лат. Status Civitatis Vaticanae) иногда рассматривается как карликовое государство-анклав полностью независимое от Италии. Ватикан расположен на Ватиканском холме (Своё название государство получило от названия холма Mom Vaticanus, с латинского vaticinia — «место гаданий») в северо-западной части Рима, в нескольких сотнях метров от реки Тибра. Общая длина государственной границы составляет 3,2 километра. Общая территория, занимаемая государством, составляет 0,44 кв. км.

Население Ватикана — около 800 человек. Здесь следует заметить, что гражданство в Ватикане не наследуется и не может быть приобретено в силу рождения в государстве. Оно может быть получено только на основе служения Святому Престолу и аннулируется в случае прекращения трудовой деятельности в Ватикане.

Статус Ватикана в международном праве: вспомогательная суверенная территория Святого престола, при этом суверенитет государства Ватикан не является самостоятельным, а проистекает из суверенитета Святого престола. Ватикан используется лишь как местонахождение Святого Престола, папского двора и его обслуживающего персонала.

Ватикан имеет некоммерческую плановую экономику. Бюджет Ватикана составляет 310 миллионов долларов США имеет собственный банк, более известный под названием «Институт религиозных дел». Источники доходов — в первую очередь пожертвования католиков всего мира. Также большие доходы приносит туризм (продажа почтовых марок, ватиканских монет евро, сувениров, плата за посещение музеев и т.п.).

В Ватикане расположены всемирно известные шедевры архитектуры: Собор Святого Петра с внутренним убранством, ватиканские музеи, в том числе Сикстинская капелла и др. Также знаменита Ватиканская апостольская библиотека.

В античности территория нынешнего Ватикана не была заселена, так как в Древнем Риме это место считалось сакральным. В 326 г., после прихода христианства, над предполагаемой гробницей святого Петра была воздвигнута базилика Константина. С тех пор это место стало заселяться. Образовавшееся в средине VIII века Папское государство охватило большую часть Апеннинского полуострова, но в 1870 году было ликвидировано Итальянским королевством. В современном виде Ватикан возник в 1929 году на основании заключенных правительством Бенито Муссолини «Латеранских соглашений».

Официальное название «Ватикан» впервые было использовано в Латеранских соглашениях, заключённых 11 февраля 1929 года между Святым Престолом и правительством Италии во главе с Б. Муссолини, которые установили статус современного города-государства. Название было взято от названия Ватиканского холма, на котором расположено государство. Название же Ватиканского холма, вероятно, появилось от этрусского названия города «Ватикум», в настоящее время не существующего. Согласно легендам, на этом месте этрусские прорицатели (а позже — римские авгуры) провозглашали свои предсказания — «ватицинации» (лат. vaticinatio — «предсказание», «пророчество») . Исторически (до появления государства Ватикан) слово «ватикан» имело значение «дворец папы».

Официальное итальянское название Ватикана (итал. Stato della Città del Vaticano) означает в буквальном переводе «Государство Го́рода Ватикан». Хотя Святой Престол (который не идентичен Ватикану) и католическая церковь используют в официальных документах церковную латынь, Ватикан официально использует итальянский язык. Латинское название государства лат. Status Civitatis Vaticanæ используется в официальных документах не только Святым Престолом, но и в большинстве официальных церковных и папских документов.

Ватикан — теократическое государство, управляемое Святым Престолом. Сувереном Святого Престола, в руках которого сосредоточены абсолютная законодательная, исполнительная и судебная власть, является Папа Римский, избирающийся кардиналами на пожизненный срок. После смерти или отречения Папы и во время конклавa вплоть до интронизации нового Папы его обязанности (с существенными ограничениями) исполняет камерленго.

В Ватикане нет аэропортов, но есть одна вертолётная площадка — Ватиканский гелипорт. Он был открыт в 1976 году и используется для связи Ватикана с международными римскими аэропортами Фьюмичино и Чампино и загородной папской резиденцией в Кастель-Гандольфо.

Имеется железнодорожная ветка длиной 700 метров и вокзал, построенный в 1932 году с юго-запада от собора святого Петра. Ватиканская железная дорога соединена с сетью итальянских железных дорог.

В Ватикане есть радиостанция, построенная в 1931 году. Радио Ватикана вещает на 47 языках. С 1949 года в структуре Радио Ватикана работает телевизионный центр CTV (Centro Televisivo Vaticano), который обеспечивает прямые трансляции мероприятий на партнерских каналах и в Интернете.

Формально в процентном соотношении Ватикан является самым милитаризованным государством мира. Военными на действительной службе являются 18 % населения, а это более чем в три раза перекрывает показатели второй по милитаризации страны мира — Северной Кореи (4,9 %).

Выбор подарка — задача не из простых. Очень важно, чтобы он не только отвечал потребностям получателя, но и был заряжен позитивной энергетикой, ведь в обратном случае вы рискуете ненароком привнести в жизнь человека неприятности и страдания.

Конечно, все это касается людей, которые верят в приметы и суеверия. Они ни в коем случае не дарят часы, кошельки, ножи и букеты с четным количеством цветов. А вот в Италии, например, запрещено дарить фигурки котов и брошки. О том, какие еще подарки считаются неуместными в европейских странах, читайте в нашем материале.

Литва

Слоновая кость — редкий и дорогой материал, который еще с древних времен используют для изготовления декоративных предметов и украшений. Бусы, браслеты, амулеты, серьги из слоновой кости ценятся очень высоко и считаются отличным вариантом подарка, но… только не в Литве. Здесь считается, что изделия из этого материала преподносят другим только злые люди, желающие им неприятностей и даже серьезных заболеваний.

Польша

В некоторых странах существует традиция дарить человеку, уходящему на пенсию, золотые часы. Но поляки этой традиции не придерживаются. Наоборот, по их мнению, такой подарок означает прекращение дружеских отношений и приближающиеся невзгоды. То же самое касается обуви — новая пара ботинок здесь воспринимается как символ разлуки, якобы получатель подарка уйдет из жизни того, кто его подарил.

Швеция/h2>

В последнее время стало очень популярным преподносить на праздники красивое мыло ручной работы. С одной стороны, это — практичный подарок, который человек сможет использовать по прямому назначению. С другой, самые разнообразные дизайны мыла позволяют хранить его где-нибудь на полке в качестве сувенира, который даже с годами не испортится и не потеряет свой аромат. Однако в Швеции к такому подарку относятся негативно. Считается, что мыло может «смыть» дружеские отношения между дарителем и получателем. Мужчина-швед также никогда не подарит своей возлюбленной шелковый носовой платок, иначе есть риск, что со временем привязанность дамы к нему «сотрется».

Швейцария

Если вы решите подарить жителю Швейцарии пару красивых перчаток, не удивляйтесь, когда он вернет их вам обратно. Дело в том, что здесь перчатки символизируют неудачу для обеих сторон. Еще стоит быть внимательным при выборе букетов: три красные розы у швейцарцев означают пылкие чувства, их можно дарить только объекту страсти.

Ирландия

Каким бы вам красивым ни показалось зеркало, не вздумайте дарить его жителю Ирландии. Согласно местным легендам, зеркало — это окно в потусторонний мир. Получить его в подарок означает притянуть к себе неприятности.

Кроме того, ирландец вряд ли будет рад, если ему вручат вещь ручной работы, например, вязаный шарф, свитер или носки. Здесь нет никакой мистической подоплеки, просто в большинстве ирландских семей обязательно найдется человек, который умеет вязать, поэтому подобные подарки почти все получали на праздники в детстве.

Чехия

Эти удивительно красивые цветы хотела бы получить в подарок каждая девушка! Но у чехов каллы ассоциируются с траурными церемониями, поэтому, находясь в этой стране, лучше не покупать букеты с их добавлением. Зато в отличие от жителей многих других стран, чехи считают вполне приемлемым дарить друг другу нижнее белье, носки, косметические наборы, кухонные полотенца и другие практичные вещи.

Многие мужчины обожают ножи, и даже если ими не пользуются, с удовольствием собирают собственные коллекции с самыми разнообразными варианта Текст взят с сайта Новости в фотографиях - BigPicture.ru ми этого холодного оружия. Но у греков дарить ножи считается дурным тоном и плохой приметой. То же самое касается ножниц и парфюмов.

Англия

Если хотите порадовать англичанина галстуком, выбирайте любой, кроме полосатого. Здесь такие галстуки изначально указывали на принадлежность к тем или иным войскам, но их продолжали носить даже после ухода в отставку. Сейчас полосатые галстуки обычно выбирают сотрудники учебных заведений. Поэтому, вручив человеку такой подарок, вы можете вызвать у него недоумение.

А еще здесь не принято дарить слишком дорогие подарки. Сделать роскошный презент могут только родители своим детям, во всех остальных случаях это считается неуместным.

Нидерланды

Голландцы не любят чувствовать себя перед кем-то обязанными, поэтому дорогой подарок в большой коробке, скорее всего, вызовет у них негативные эмоции. Гораздо лучше будет вручить голландцу скромный сувенир, но только не в голубой упаковке! Здесь этот цвет считается цветом любви, поэтому ваш презент могут расценить неправильно.

Испания

У испанцев цветы считаются подарком на все случаи жизни, но и здесь нужно соблюдать некоторые правила. Например, не нужно дарить белые лилии или георгины, так как у местных жителей они ассоциируются с похоронами. Кроме того, под запретом букеты с 13-ю цветами.

Италия

Нам кажется, что симпатичная брошка может стать хорошим подарком для девушки, но у итальянцев это ювелирное украшение является атрибутом похорон. Впрочем, как и носовые платки. Запомните, что эти два предмета ни в коем случае не следует дарить своим итальянским приятелям.

А на Сицилии существует любопытное табу на котов: помолвленным людям запрещено дарить фигурки, статуэтки и прочие вещи с изображением этих милых животных. Считается, что они предвещают внезапную кончину. Также не рекомендуется упаковывать подарки в фиолетовую бумагу, так как этот цвет символизирует неудачу.

Германия

В Германии одними из самых неудачных подарков считаются косметические наборы, одежда, нижнее белье, туалетные принадлежности, постельное белье и прочие «интимные» вещи. На свадьбу здесь запрещено дарить предметы, имеющие острую форму, например, зонты, ножи, ножницы и прочее — это считается плохим знаком. Кроме того, не стоит дарить молодоженам деньги — это может быть воспринято как намек на их финансовую несостоятельность, а также является признаком плохого вкуса.

Настоящий французский парфюм — идеальный подарок для женщины. Но только не в самой Франции! Здесь дарить дамам духи могут только мужья или ухажеры. К тому же, следует избегать хризантем и красных роз: первые часто можно увидеть на местных кладбищах, вторые — указывают на тесную романтическую связь, поэтому дарить их, опять же, могут только самые близкие люди.

Вы все еще не верите, что Италия — красивейшая страна мира? Тогда посмотрите на эти фотографии, и вы поверите в это раз и навсегда!

Над крышами Рима. Между 100 г.до н. э. и 400 г. н. э. Рим был крупнейшим городом мира. Сегодня он, по крайней мере, остается одним из самых красивых городов.

Необычное, увенчанное куполом и шпилем здание Моле-Антонеллиана появилось в Турине в XIX веке. Сегодня в нем располагается Национальный музей кинематографа, считающийся самым высоким музеем в мире. На переднем плане — площадь Витторио Венетто, а вдалеке, за границей города, виднеются Альпы.

Город Сан-Джиминьяно в Тоскане называют «городом башен». В дни расцвета Сан-Джиминьяно здесь было 72 дома-башни, до наших дней сохранились 14.

Гондолы — плоскодонные лодки, сконструированные специально для передвижения по узким и неглубоким венецианским каналам. Гондольер ловко орудует тяжелым веслом, не закрепленным в уключине. В 2010 году в гильдии гондольеров появилась первая женщина, получившая лицензию на эту работу.

Трасса SS163, или просто Амальфитана — живописнейшая дорога, проходящая вдоль амальфитанского побережья. Выдолбленная в скалах над морем трасса с многочисленными поворотами, спусками, подъемами и узкими виадуками, перекинутыми через пропасти, заставляет невольно вздрагивать даже храбрецов.

Озеро Комо длиной около 40 километров — третье по величине из трех крупнейших итальянских озер: Маджоре и Комо превосходят его по размеру. Оно было престижным местом отдыха еще в античности: Плиний Младший построил тут для себя целых две виллы.

Первое поселение у подножия Везувия появилось еще в IX в.до н. э. В 750 г.до н. э. здесь поселились греки, назвав новую колонию Неаполис — «новый город». С тех пор Неаполь не раз переходил из рук в руки, но своего названия не менял никогда.

Этот мост через реку Серчьо в Тоскане, построенный в XI веке, называют «Мостом Дьявола» — по легенде, сам Вельзевул принимал участие в его постройке. Однако служил он целям самым что ни на есть набожным: по нему пролегала дорога паломников, двигавшихся из Франции в Рим.

Бари — средневековый городж, стоящий на мысу, открытом всем ветрам. Жители превратили его в настоящую крепость, где высокие каменные стены домов служили защитой не только от неприятеля, но и от солнца и ветра. Сегодня Бари — крупный туристический центр.

Аппенинские горы, «хребет Италии», протянулись более чем на 1200 километров с севера на юг Италии. В Аппенинах произрастает более 1800 видов растений, включая редкие виды орхидей, и обитают многие редкие животные: Аппенины — единственное место в Италии, где можно встретить волков.

Расположенный на небольшом треугольнике земли, разделяющем озера Комо и Лекко, Белладжио часто называют красивейшим городом Италии.

Старинный город Оривето расположен на вершине вулканического туфового холма, поднимающегося на 300 метров над окружающей долиной. Большинство домов в городе также сделаны из розоватого вулканического туфа. Кафедральный собор возвышается над окружающими зданиями.

Собор Санта-Мария-дель-Фьоре, кафедральный собор Флоренции, возвышается над городскими крышами. Левее на той же улице Кальцайоли. стоит Палаццо Веккьо, городская ратуша, башня которой возвышается над городом на 94 метра. Перед ним, на пьяцца дель Синьора, стоит копия микеланджеловского Давида, а оригинал хранится в галереи «Академия» к северу от кафедрального собора.

Купол собора Санта-Мария-дель-Фьоре был создан архитектурным гением Филиппо Брунелески. Роспись купола картинами страшного Суда выполнили живописцы Джорджио Вазари и Фредерико Цуккаро.

Купол собора Санта-Мария-дель-Фьоре был создан архитектурным гением Филиппо Брунелески. Роспись купола картинами страшного Суда выполнили живописцы Джорджио Вазари и Фредерико Цуккаро.

Деревня Санта Маддалена в Доломитовых Альпах — излюбленное место фотографов, которые массово приезжают сюда запечатлеть местные красоты. Самый высокий из горных пиков возвышается на 3000 метров над уровнем моря.

На острове Стромболи в группе Липарских островов расположен активный действующий вулкан. Каждый 15-20 минут из его жерла вырываются снопы искр, пар и камни. Тем не менее, на острове постоянно проживает около 500 человек, не считая многочисленных туристов.

В долине реки Чечина в Тоскане множество вулканических холмов. Именно здесь была построена первая в мире станция по производству геотермальной энергии.

Городок Атрани приьулился на скале над морем, занимая крохотную площадь в 0,12 кв. км.

Национальный парк Чинкве Терре на берегу Генуэзского залива включает пять небольших поселений. Деревня Риомаджоре — самая посещаемая из них. Каменная тропа над берегом под романтическим названием «Тропа любовников» связывает Риомаджоре с соседней деревней Манарола.

Долина Орча появлялась на пейзажах всех крупных художников эпохи Возрождения. Сегодня она внесена в список Всемирного наследия ЮНЕСКО.

В 1501 году Микеланджело получил в Риме письмо от друзей из Флоренции. Они сообщали ему, что Совет попечителей кафедрального собора Санта Мариа дель Фьоре собирается передать гигантский кусок мрамора иногороднему скульптору, чтобы он изваял для собора фигуру легендарного библейского героя Давида. Микеланджело только недавно закончил скульптуру «Пьета» (1498-99 годы) и сразу прославился как выдающийся молодой скульптор. Друзья считали, что ему не следовало упускать тот мрамор, и советовали вернуться во Флоренцию, чтобы сделать скульптуру самому.

У мраморного блока, который прозвали «гигант», была неудачная история: его вырубили в каменоломнях Каррары 35 лет назад, и все эти годы он лежал на деревянных подпорках во дворе собора в ожидании обработки. Почти 20 лет назад скульптор Агостино ди Дуччо начал обрабатывать его для фигуры Давида. Но он неудачно продырявил мрамор между намеченными ногами и сточил часть краёв. Этим он изуродовал мрамор, контракт с ним был разорван и попечители собора не знали, как завершить статую.

Микеланджело вернулся во Флоренцию и обмерил гиганта. Он был более 6 метров в длину и почти 2 метра шириной и толщиной. За годы мрамор потемнел под воздействием дождей, снегов и ветров и стал более хрупким (качество мрамора лучше для обработки, когда он свежевыточен). Микеланджело видел его дефекты, оставшиеся после неудачной обработки. Они ограничивали возможности в выборе позы статуи Давида: при любой постановке фигуры придётся сохранить положение ног, которое собирался придать фигуре неудачник Дуччо.

В эпоху Ренессанса образ героя Давида был очень популярен у итальянцев. По библейской легенде Давид был израильский юноша-пастух, небольшого роста. Но он сумел победить врага своего народа — филистимлянского (палестинского) гиганта и силача Голиафа (его имя означает на иврите «гильям и «джалут» — огромный араб). Давид с размаха бросил в него камень, размахнувшись пращой, убил и затем отрубил ему голову его же мечом. С этой победы началось наступление израильтян и изгнание филистимлян со своей земли. Давид потом стал прославленным царём Израиля и основателем Иерусалима как столицы.

Два выдающихся флорентийских скульптора — Никколо Донателло и Андреа Верроккьо — ранее уже создали бронзовые статуи Давида. Обе статуи представляли его в момент торжества, сразу после победы на Голиафом. Донателло изваял стройного грациозного юношу лет 15-ти, полностью обнажённого. Он стоит в вызывающей позе триумфатора, держа большой меч, у его ног лежит большая отрезанная голова Голиафа. Это была первая обнажённая мужская фигура со времени римских статуй — женоподобный и заманчиво грациозный юноша, никак не передающий героический образ библейского героя. Современники видели в ней скрытые гомосексуальные наклонности Донателло.

Изваять образ Давида по-своему было для Микеланджело заманчивой идеей. Ему было 26 лет, хотя в Риме он уже был известным скульптором, но во Флоренции старшины собора ещё не видели его «Пьеты», среди всего им созданного не было героической фигуры и образа, они не доверяли ему. Он сделал восковую модель со своим представлением Давида, чтобы представить старшинам. В ней он изобразил обнажённого Давида не юношей, а молодым мужчиной. Он стоит прямо и напряжённо смотрит на что-то вдали. Он ещё не триумфатор, совершивший свой подвиг. Микеланджело хотел передать образ героической решимости и представил его в тот момент, когда Давид готовится к броску камня из пращи. В фигуре и лице Давида он старался передать энергию напряжения и сосредоточения — скрытая бурная сила. Такой психологической задачи ещё не ставил перед собой ни один скульптор.

Для старшин эта интерпретация образа Давида была малопонятной, они колебались — дать ли Микеланджело мрамор-гигант. Пьеро Содерини, гонфалоньер (глава) города, предлагал отдать его для работы Леонардо да Винчи. Леонардо в это время вернулся из Милана, где он прославился фреской «Тайная Вечеря», и тоже жил во Флоренции. Ему было уже 52 года, он не имел опыта работы с мрамором. Он даже считал скульптурное искусство механическим, уступающим живописи. Микеланджело, наоборот, ставил скульптуру выше живописи.

Эти два гения искусства встретились впервые. Леонардо был на 23 года старше. Высокий, красивый, статного сложения, одетый в дорогие наряды, он был прославлен и богат. Микеланджело видел некоторые его работы и восхищался ими. Но сам Леонардо, с его мягкой, застенчивой натурой, раздражал его. Микеланджело был некрасив, с поломанным носом, невысок, небогат и ещё мало известен. От мягкой иронической улыбки Леонардо он легко воспламенялся и доходил до бешенства. Был эпизод, когда однажды группа молодых флорентийцев остановила Леонардо на улице и попросила его прокомментировать непонятное место в поэме Данте «Божественная комедия». В это время мимо проходил Микеланджело, известный знаток поэмы. Леонардо мягко сказал: «Микеланджело может вам объяснить, что значит этот стих». Микеланджело вспыхнул, он подумал, что Леонардо насмехается над ним и жёлчно ответил: «Сам объясняй, ты ведь великий мастер, сделал гипсовую модель коня, а отлить в бронзе не смог, опозорился. Только твои остолопы-миланцы могли поверить, что ты справишься с такой работой!». (Этот эпизод описан многими авторами того времени. В Милане Леонардо делал скульптуру герцога Сфорца на коне, вылепил прекрасную модель, но ему не дали бронзы для отлива, забрав ее для изготовления пушек).

Характер у Микеланджело был независимый и гордый, а поведение резкое. Но натура его была такая же решительная и сильная, какую он собирался передать в образе Давида. Поэтому он упорно настаивал на том, чтобы мраморного гиганта передали ему, а не Леонардо.

После долгих затяжек, в августе 1501 года, Микеланджело наконец получил от правителей Флоренции разрешение на работу над гигантом. В сентябре он начал ваять фигуру Давида.

***

По его указанию, 11-тонного «гиганта» поставили вертикально и обнесли заграждениями с крышей. Он работал над статуей два с половиной года — до января 1504-го, иногда так тяжело и упорно, что, обессиленный, оставался спать в мастерской. В процессе работы у него было много трудностей — чтобы статуя выглядела свежей, надо было убрать потемневшую поверхность. В мраморе оказалось много тонких, как волосок, трещин. Их приходилось обходить. Работал он над ним один, в закрытом сарае, никого, кроме подсобных рабочих, туда не допускал.

Микеланджело точно рассчитал секреты формы гигантской статуи — он изваял её с некоторым специальным нарушением пропорций фигуры. Учитывая её высоту 6 метров и то, что на пьедестале она будет казаться ещё выше, он рассчитал, что людям, смотрящим на неё снизу, верх статуи будет казаться маленьким. Поэтому он сделал руки длинней, корпус в грудной клетке шире и тоже длинней, и голову Давида большего размера, чем в натуральном сочетании. К тому же из-за дефекта мрамора он вынужденно дал статуе несколько разный угол наклона в верхней и нижней половинах. И он лучше других знал, что наименее прочное место статуи — это её ноги внизу, в узких голеностопных суставах. Давид стоит с основным упором на правую ногу, левая слегка отведена в сторону и полусогнута (вынужденное положение из-за дефекта мрамора). Поэтому он усилил более слабую правую ногу, на которой держался весь вес, формой куска короткого дерева.

Статуя была почти закончена в январе 1504 года. Тогда Микеланджело разрешил посмотреть на неё видным художникам — Леонардо, Боттичелли, Перуджино и другим. Они поразились, увидев перед собой не мальчика, а юношу в расцвете сил, в момент напряжения сил. Его суровый и сосредоточенный взгляд, выражающий непреклонную волю, потряс всех.

К сожалению, неизвестно, что говорили Микеланджело эти художники. Леонардо сделал быструю зарисовку позы фигуры. Но об их впечатлении написал Джоржо Вазари, первый историк искусств, ученик и друг Микеланджело:

«Мрамор был уже испорчен и изуродован предыдущим мастером, и в некоторых местах его не хватало, чтобы Микеланджело мог сделать то, что он задумал... конечно, настоящее чудо совершил Микеланджело, оживив то, что было мертвым... Поистине творение это затмило все известные статуи, новые и древние... ни в каком отношении сравниться с ней они не могут: с такой соразмерностью и красотой, с такой добротностью закончил ее Микеланджело.... и позы столь изящной не видано было никогда, ни грации, ни с чем не сравнимой, ни рук, ни ног, ни головы, которые настолько отвечали бы каждому члену этого тела своей добротностью, своей искусностью и своей согласованностью. И, право, тому, кто это видел, ни на какую скульптуру любого мастера наших или других времен и смотреть не стоит».

Вазари сам слышал рассказы Микеланджело, и описал также один смешной эпизод:

«Посмотреть на новую статую явился гонфалоньер Содерини. Взглянув вверх на статую, очень ему понравившуюся, он сказал Микеланджело, что, по его мнению, нос у нее велик: Микеланджело влез, чтобы угодить ему, на подмостья у плечей статуи и, поддев резцом немного мраморной пыли с площадки подмостьев, начал постепенно осыпать пыль вниз, работая будто резцами, но к носу не прикасаясь. Затем он сказал: „А ну-ка, посмотрите на него теперь“. — „Теперь мне нравится больше, — сказал гонфалоньер, — вы его оживили“. Микеланджело спустился с мостков, про себя над ним подсмеиваясь и сожалея о людях, которые, желая выказать себя знатоками, говорят такое, чего сами не понимают».

За эту работу Содерини заплатил Микеланджело 400 скудо (равняется приблизительно 5000 долларов). По тем временам это было самым высоким гонораром скульптора.

Старшины собирались поставить Давида на вершине собора, но не решились из-за его веса. Сам Микеланджело представлял себе статую как героическую дворцовую эмблему. Он считал, что Давид, который защитил свой народ и справедливо им управлял, должен казаться флорентийцам героем-символом их города, чтобы они поняли общественное значение статуи. Поэтому он думал, что Давид должен стоять на центральной площади — Площади Сеньории. Был создан совет 30-ти, чтобы решить, куда лучше поставить Давида. В Совет входили видные художники Леонардо, Боттичелли, Андреа дела Роббиа и Перуджино. Совет тоже решил поставить его на главной площади перед входом во дворец правительства «Палаццо Векия» — старый дворец.

Хотя расстояние от мастерской Микеланджело до дворца было всего около одного километра, но транспортировка статуи была настолько сложной, что заняла четыре дня. В ней участвовали 50 человек и 20 лошадей. Члены Совета и толпа любопытных флорентийцев сопровождали статую все дни. При транспортировке нельзя было допустить, чтобы статуя сотряслась — она могла сломаться от толчков.

Вазари описал эту транспортировку:

«...статуя оказалась такой огромной, что начались споры, как доставить ее на площадь Синьории. И тут два мастера Джулиано да Сангалло и брат его Антонио устроили очень прочную деревянную башню, к которой подвесили статую на канатах так, чтобы при толчках она не повреждалась, а равномерно покачивалась; тащили ее на канатах при помощи лебедок по гладким бревнам и, передвигая, поставили на место.... придумано это было прекрасно и остроумно».

Давида установили на площади 8 сентября 1504 года.

***

Открытие статуи должно было превратиться в народное торжество. Люди Флоренции в нетерпении собрались на площади, и когда её поставили, все замерли — вид и значение фигуры были им непонятны. Они увидели необычно громадную обнажённую мужскую фигуру, а ожидали увидеть какого-нибудь святого в обычном церковном облачении, как статуи в соборе. Трудно представить себе удивление толпы — эстетическое чувство у большинства горожан не было развито. Они сразу начали относиться к скульптуре как к воплощению чего-то живого и враждебного. Особенно испугало их выражение силы и решительности в лице Давида. Они прозвали его «terribilita» — устрашающий. В первую же ночь чернь стала бросать в статую камни, хотели разбить её. Пришлось усиленно охранять Давида.

Этот эпизод непонимания и даже раздражения толпы ярко демонстрирует, что Ренессанс даже на своём высшем уровне ещё не был массовым явлением. У флорентийцев заняло время, чтобы привыкнуть и полюбить статую, потом они гордились ею. Давид стал каноном эпохи Ренессанса, его образ вдохновлял многих художников.

Статуя Давида простояла на площади 370 лет — до 1873 года, когда её перевезли в галерею Академии Флоренции, а на её место поставили гипсовую копию.

Из книги Владимира Голяховского «Интеллектуалы эпохи Ренессанса»

Кто такой великий художник? Тот, кто хорошо пишет картины? Тот, кто устраивает множество своих выставок? Тот, чьи работы красуются в лучших музеях и картинных галереях мира? Наверное, несколько лет назад можно было бы так сказать. Сейчас художника называть великим можно, если его признает «старая» школа, если он идет параллельно новому, не переходя грани безумного, сублимируя классику и модерн. Безусловно, работы гения вызывают эмоции у зрителя. Сегодня мы расскажем о потрясающем современном художнике из Италии, работы которого можно смело ставить в ряд с шедеврами художественного искусства.

Аурелио Бруни, так зовут итальянского художника. Он был рожден в городке Блера в октябре 1955 года. Бруни не имеет художественного образования, юноша выучился на сценографиста в институте искусств Сполето. Аурелио является самородком, ведь как художник он состоялся исключительно благодаря самообразованию, фундаментом послужили знания, полученные о живописи еще в школьные годы. Писание картин маслом Бруни открыл для себя в возрасте 19 лет, с тех пор с кистью он не расставался. Сейчас художник работает и творит в Умбрии.

Самые ранние работы Бруни больше примыкают к направлению сюрреализма, это очень четко ощущается в созданных им образах.

По мере взросления художник переходит на сторону лирического романтизма, символизма. Утонченность, пластичность линий, детализация — все это начинает прослеживаться на полотнах итальянца. Удивительно то, что неодушевленные предметы встают в ряд с одушевленными, а именно с человеком: каждый элемент выглядит гиперреалистично, однако, это не мешает разглядеть суть, уловить смысл, заложенный художником.

Изысканность, эстетика, чувственность работ вызывает легкое ощущение меланхолии, одиночества и задумчивость. Именно таким духом насквозь пропитаны потрясающие картины Аурелио Бруни.

Итальянский художник Витторио Джардино родился 24 декабря 1946 года, в Болонье. Здесь в 1969 году он получил высшее образование в электротехнике. В возрасте 30 лет решил оставить свою работу и посвятить себя комиксам и живописи. Интересно, что известным он стал благодаря комиксам на политические темы. Иногда он рисовал также эротические комиксы про девушку по имени Little Ego. Но в его творчестве можно найти и такие очаровательные картины, которые, благодаря необычной технике, великолепно передают атмосферу жаркого лета в Италии.