Пейзажи художника Васендина, которого современники называют вторым Шишкиным

Всегда поражает творчество тех мастеров, которые, получив азы живописи и рисунка в детских студиях или в специализированных школах, впоследствии отправляются в самостоятельное плавание в поисках своей гавани в огромном океане изобразительного творчества. И что любопытно - многие действительно находят. А также славу и признание... В нашей публикации картины самобытного архангельского художника Юрия Васендина, снискавшего себе имя, а своим работам место в собраниях коллекционеров стран Скандинавии, Европы, Америки.


Кто-то скажет, что работы художника - стилизация "под старину". Да, возможно и взял Юрий Дмитриевич от великих мастеров прошлого некоторые эффектные технические приемы. Ведь не зря его лесные пейзажи нередко сравнивают с работами Ивана Шишкина. Но, безусловно, во всем творчестве мастера присутствует его собственное мировоззрение и изюминка. Смотрите и наслаждайтесь...

Автопортрет художника. / Юрий Дмитриевич Васендин - современный русский художник из Архангельска.

Художник Юрий Васендин (1958 г.р.) родился в Архангельске. Талант к творчеству проявился с ранних лет, особенно мальчик любил рисовать красками. Поэтому параллельно с общеобразовательной Юрий учился и в художественной школе. К концу учебы среди учеников студии будущий художник выделялся неординарными способностями, глубоким чувством композиции, точностью в проработке форм и знанием особенностей цветовой палитры. В результате этого его натюрморты, живописные пейзажи и скрупулезно прописанные портреты были всегда отмечены и педагогами школы и публикой на городских выставках.


Окончив в 1975 году Архангельскую художественную школу, талантливый юноша поступать в вуз не стал, а сразу устроился на работу художником в дом культуры поселка Маймакса. Параллельно с рекламно-оформительской деятельностью стал искать себя в живописи. Основной темой творческих исканий того периода были лесные дебри с элементами мистики и соответствующими образами.


Со временем, приняв за основу каноны русской реалистической школы передвижников, Васендин постепенно перешел от изображения мрачной суровой северной глухомани к лирическим "пейзажам настроения". Художник не стал останавливаться на достигнутом: наравне с вековыми сосновыми рощами, заливными лугами, лесными болотами в его творческом арсенале стали появляться сюжеты древнерусских былин, деревенских и городских мотивов и великолепные морские пейзажи.


Несмотря на устойчивую преданность лесным сюжетам, ему остаются интересны захолустные дворики "Старого Архангельска", поморские баркасы на Соломбалке и ветхие "двухэтажки" поселка Гидролизного завода.


Насладившись умиротворенной деревенской жизнью, художник стал искать вдохновения в поездках. Любой уголок земли достоин того, чтобы быть воспетым. Долины рек, головокружительные горные пейзажи, урбанистические сюжеты, заброшенные деревеньки и дальние монастыри, – во всём есть поэзия, если посмотреть на это глазами художника.



С годами у художника выработался авторский стиль в масляной живописи, отражающий глубокий профессионализм художника. Его работы участвовали в многочисленных выставках родного Архангельска, не раз представляли Русский Север на экспозициях Москвы и Санкт-Петербурга.


И уже к началу 90-х его произведения стали пользоваться спросом не только у отечественных, но и зарубежных ценителей живописи. Художник ежегодно возил свои картины в страны Скандинавии и Западной Европы. И они завоевывали все новых и новых поклонников. Его сказочно-прекрасные полотна привлекали зрителя и натурализмом, и нотками русского импрессионизма, и невероятным очарованием окружающей среды, и душевностью.


Творчество Юрия Дмитриевича невероятно живописное и живое. Умиротворяющая красота природного ландшафта, запах мха и хвойных иголок, шелест листвы – лишь немногая часть из всего того, что видит и слышит зритель, глядя на полотна мастера. Причем каждая из его работ вызывает безмерное желание сделать шаг на ту сторону холста, пройтись по светлым лугам и разъезженным грунтовым дорогам, по деревенским улицам и лесным тенистым тропам, а также лично ощутить теплые лучики солнца, пробивающиеся через ветви могучих деревьев.





И, что любопытно: любой сюжет, даже самый обыденный, становится отличным мотивом для потрясающего полотна, когда за кисть берётся виртуоз Юрий Васендин. Его северные пейзажи будоражат воображение зрителей, поражая техникой исполнения, в которой заключен и реализм, и импрессионизм. Поэтому и ценятся так его картины на арт-рынке. Ими с радостью пополняют свои частные собрания коллекционеры не только России, но и Финляндии, Швеции, Норвегии, Германии, Дании, Канады.

Источник: kulturologia.ru
Поделись
с друзьями!
2
0
4 часа

Удивительные пейзажи Педер Мёрк Мёнстеда, представителя «золотого века» датской живописи

Пасторальный пейзаж. Луг. Автор: Педер Мёрк Мёнстед.

«Золотой век» Дании дал миру немало талантливых живописцев, свершивших переворот в европейском искусстве. Датский художник Педер Мёрк Мёнстед, причисленный к их плеяде, признан одним из лучших пейзажистов-реалистов, творивших на рубеже двух прошлых эпох, а также одним из самых состоятельных мастеров живописи в Европе.


По большому счету «Золотым веком» в европейской культуре, в том числе и в живописи, считается первая половина XIX столетия. Это было время, когда, впитав и творчески переосмыслив мировые тенденции в искусстве, художники европейских стран стали авторами величайших художественных произведений. Однако, невзирая на то, что датчанин Педер Мёнстед родился на закате этого удивительного периода (а творить он стал еще позже), его считали ярким представителем и продолжателем идей гениальных мастеров, изменивших представление об изобразительном искусстве.

Зимний пейзаж. Автор: Педер Мёрк Мёнстед.

Живописец стал известен миру своими детализированными ландшафтными и деревенскими пейзажами, которые впечатляют зрителя величием и густых лесов, и бескрайних полей, и сценами из сельской жизни датчан, переданных с невероятно высокой точностью и натурализмом.

На занесенной снегом дороге. Автор: Педер Мёрк Мёнстед.

Однако на рубеже столетий Мёнстед испытал сильное влияние французского импрессионизма и его стиль претерпел изменения. Картины мастера приобрели некий романтический и поэтический настрой, наполнились воздухом и свежестью, но при этом не утратили прежней утонченности и реалистичности.

Пасторальный пейзаж после грозы. Автор: Педер Мёрк Мёнстед.

Художник, как и прежде, уделял особое внимание точным деталям и цвету, но уже отошел от классического академизма, его картины заиграли некой новизной и были буквально одухотворены кистью мастера.

Катание на санях в солнечный зимний день. Автор: Педер Мёрк Мёнстед.

О художнике


Известный датский художник-реалист, признанный мастер пейзажа, представитель «золотого века» датской живописи - Педер Мёрк Мёнстед (Peder Mørk Mønsted) родился в 1859 году в восточной части Дании в селении Балле Мёллена на полуострове Ютландия, в семье преуспевающего судостроителя. Родители с детства заметили дар сына к рисованию и всячески его привлекали к творчеству. Подростком мальчик посещал уроки рисования при Художественном училище в Орхусе и весьма успешно развивал свои наклонности.

Датский художник Педер Мёрк Мёнстед. Автопортрет.

16-летним подростком Педер поступил в Королевскую Академию изящных искусств в Копенгагене, где три года осваивал академическую живопись под руководством знаменитых мастеров жанровой живописи Дании - Андриеса Фритца и Юлиуса Экснера. Затем талантливый юноша прошел курс обучения в частной школе Педера Северина Крёйера, который был одним из самых известных и ярких художников сообщества датских и северных художников, работающих в Скагене.

Окончив учебу в 1882 году, 20-летний юноша отправился в солнечную Италию за впечатлениями, где душа датчанина была покорена красотой и яркостью красок южных пейзажей. К слову, Педер Мёнстед за свою творческую карьеру много путешествовал, часто бывал в Швейцарии, Италии, северной Африке. Во время этих путешествий художник постоянно делал зарисовки ландшафтов и местных жителей. А в Греции, где в течение года гостил при монаршем дворе, Педер писал портреты членов королевской семьи и приближенных.

Березовая роща осенью. (1903 год.) Масло, холст. 114 x 70,5 см. Автор: Педер Мёрк Мёнстед.

В 1884 году, прежде чем вернуться из странствий в свой дом в Дании, он посетил Париж и пробыл там четыре месяца, в течение которых учился в студии Вильяма-Адольфа Бугеро, французского художника, видного представителя салонного академизма XIX века. В те годы без его произведений не обходилась ни одна выставка в Салоне. К слову, имя Бугеро стояло во главе французской живописи почти до начала ХХ столетия.

Закат над лесным озером. Автор: Педер Мёрк Мёнстед.

Переняв от маститого французского живописца некоторые секреты профессии и мастерства, Педер Мёрк Мёнстед вернулся домой и с головой окунулся в творчество. А через время вновь оставил свою мастерскую, отправившись в очередное странствие, дабы напитаться вдохновением.

У озера. Автор: Педер Мёрк Мёнстед.

Начало Первой мировой войны заставило Мёнстеда сократить свои европейские путешествия, но в 1920-х и 1930-х годах он снова путешествовал по странам Средиземноморья. В ходе этих поездок было создано множество эскизов, которые впоследствии стали картинами, представленными на нескольких международных выставках в салонах Парижа и Мюнхена.

Река Ландскаб. Автор: Педер Мёрк Мёнстед.

Невероятно реалистические картины датчанина, дышащие жизнью и живописью, были высоко оценены современниками. Он был особенно популярен в Германии, где провел несколько персональных выставок в Glaspalast в Мюнхене.

Ручей в лесу, 1905 год. Автор: Педер Мёрк Мёнстед.

Сейчас полотна Педера Мёрка Мёнстеда хранятся во многих музеях Европы, в частности его работы украшают коллекции музеев Ольборга, Баутсена, Рандерсе, его работы также можно найти в Музее Чи-Мэй на Тайване и Музее Дахеш в Нью-Йорке. Огромное количество полотен разошлось по многочисленным частным собраниям. В память о гениальном мастере пейзажа в 1995 году во Франкфурте-на-Майне прошла большая ретроспектива работ под названием «Свет Севера».

Закат на реке. Автор: Педер Мёрк Мёнстед.

Несколько слов о произведениях художника


Стоит отметить, что невзирая на многочисленные странствия художника по Европе и Африке, большинство полотен все же написано Педером Мёнстедом в Дании и посвящено именно ей. Однако немало работ автор посвятил и первозданным северным пейзажам Скандинавии.

На реке. Автор: Педер Мёрк Мёнстед.

Пропитанные ощущением атмосферы и воодушевления, пейзажи датского художника невероятно детализированы, но при этом не кажутся переутомленными. А достичь этого было совсем не просто. Также невероятно впечатляет использование цветовой палитры, где цвета невзирая на приглушенность кажутся сочными и объединенными светом.

Следует обратить внимание, как Мёнстед часто использовал черный для теней, а не темно-синий, зеленый и пурпурный, которые зачастую использовали импрессионистами. Многие художники-пейзажисты часто избегают черного, но при правильном использовании он может быть чрезвычайно эффектным.

Стоянка лодки на спокойном озере. Автор: Педер Мёрк Мёнстед.

Глядя на картины художника, зритель буквально окунается в ощущение безмятежности и умиротворения. Особо это чувствуется в картинах, где основным мотивом является вода. Именно эта природная стихия вызывает наибольшее восхищение в работах автора. Безмятежная красота рек, озер и ручьев по истине завораживают: настолько реалистично изображены на них и отражение на поверхности, и всплески и легкое волнение.

Теленок, 1931 год. Автор: Педер Мёрк Мёнстед.

Известно, что у многих, даже знаменитых импрессионистов были реальные проблемы, когда дело доходило до изображения воды в их композициях. И они заканчивали свои изображения, концентрируясь больше на эффектах света, чем на реалистическом изображении.


Невероятно теплыми и душевными являются деревенские пейзажи датского мастера с их жителями и маленькими домами, утонувшими в цветах. По истине впечатляет.

Деревенские пейзажи художника Педера Мёнстеда.

Умер Педер Мёрк Мёнстед в 1941 году. Он до самой своей смерти был одним из наиболее популярных и состоятельных европейских живописцев. Его талант принес ему большое признание и богатство. Впрочем, вполне заслуженно.

Сельский пейзаж художника Педера Мёнстеда.
Источник: kulturologia.ru
Поделись
с друзьями!
635
2
20
20 дней

Чувственные портреты художника Мануэля Нуньеса, написанные на сусальном золоте


Золото во все времена было эталоном респектабельности и роскоши. Его в былые эпохи нередко применяли в иконописных и живописных творениях старые мастера. Продолжают применять его в своем творчестве и наши современники живописцы. Так, блеск и благородство драгоценного металла взял за основу американский художник Мануэль Нуньес, создающий восхитительные женские портреты. Его галерея портретной живописи с применением сусального золота наверняка впечатлит и не оставит равнодушным даже взыскательного зрителя.

Святая дева Мануэля Нуньеса.

Окунувшись в историю живописи, каждый припомнит сияющие полотна Густава Климта, знаменитого австрийского художника и графика, широко использовавшего в своем творчестве этот драгоценный металл. Самые известные его работы - «Портрет Адели Блох-Бауэр», «Поцелуй», покорившие мир романтичностью и чувственностью образов, относятся к «золотому периоду» творчества художника. Климт писал золотыми красками и работал с тончайшим листовым сусальным золотом. Эта техника придавала работам декоративную сказочность и роскошь. И во многом благодаря ей, он стал всемирно известным.

Прекрасные дивы Мануэля Нуньеса.

В свою очередь Мануэль Нуньес, опираясь на наработки предшественника, разработал свой стиль в жанре портрета, в котором мастерски использует золотосодержащие краски и тончайшие пластины драгоценного металла. Зачастую позолоченную поверхность художник использует как фон, на котором пишет изображения маслом. А красками, в состав которых входит смесь связующего вещества и золотой пыли, прописывает важные детали.

Прекрасные дивы Мануэля Нуньеса.

Характеризуя свою технику написания картин сусальным золотом, Мануэль говорит:«Само золото – дихотомия… Золото может одновременно символизировать низость или потворство с одной стороны, а с другой — праведную чистоту и совершенную духовность». Именно последнее качество драгоценного металла и пытается раскрыть в своих работах художник, создавая очаровательные и загадочные женские образы как современные, так и вневременные.

Святые девы Мануэля Нуньеса.

Стоит также отметить, что женщины в образе святых на портретах очень символичны. И, к слову сказать, именно блеск золота придает им некий особый мистицизм, сочетающий в себе внутреннюю силу и хрупкость, целомудрие и чувственность, любовь и страсть. Весь этот психоэмоциональный фон органично сосуществует в пределах одной картины. Ровно также как душа и тело человека, являющие единое целое.


И эти, что называется, драгоценные произведения искусства, отличающиеся изящностью и изысканностью, по истине оригинальны и самобытны. Техника их написания, манера и композиция очень напоминают полотна 19 столетия, что придает им особую ценность.


Вы наверняка обратили внимание, что некоторые картины мастера буквально насыщены христианской символикой, но это отнюдь не говорит о его религиозности. Нуньес свою карьеру начинал в качестве дизайнера и иллюстратора, и многие его работы - типичные образцы современной живописи. В результате долгих исканий его стиль - это сплав европейского символизма и art nuveau, щедро перемешанные с чисто испанской религиозной мистикой. Спросите, почему испанской? У художника - испанские корни...

Святая дева. / Рыжеволосая бестия. Художник: Мануэль Нуньес

Святые девы Мануэля Нуньеса.


И в заключение хотелось бы отметить, что картины американского живописца невероятно гармонично сочетают в себе его творческую фантазию, совершенство благородного металла, современные технологии, а также любовь к женщине.

Несколько слов о художнике


Мануэль Нуньес (Manuel Nunes) - американский художник.

Американский художник Мануэль Нуньес родился в 1956 году в солнечной Калифорнии. Там он вырос и выучился живописи. Его отец был известным певцом и автором песен, записал девять альбомов на испанском языке. Мануэль с ранних лет рос в творческой атмосфере, которая сформировала его как художника и помогла найти направление в творчестве. Нуньес закончил колледж искусств Центра дизайна в Пасадене и Отис Парсонс институт в Лос-Анджелесе. А после, в течение десятилетия трудился коммерческим иллюстратором и графическим дизайнером в индустрии моды.

Начиная с 1991 года, художник создал свой уникальный стиль, визитной карточкой которого стало использование сусального золота. С тех пор произведения мастера были отмечены призами и наградами на многих Международных конкурсах и форумах. Изящные портреты приобретаются ведущими галереями мира и частными коллекционерами.
Источник: kulturologia.ru
Поделись
с друзьями!
535
7
12
25 дней

Картины Андрея Захарова, за которые борются участники аукционов

Творчество Андрея Захарова, одного из самых узнаваемых и популярных художников России, принадлежит к ярким достижениям современной русской импрессионистической пейзажной живописи. Одаренный живописец из Костромы, обладающий смелой манерой письма, создает лирические пейзажи, наполненные мимолетным настроением и экспрессией. В каждой его работе - богатейшее многообразие родной природы, выразительность и невероятная красота окружающего нас мира, а также живописная поэзия, отражающая утонченные чувства русской души.


Март в деревне. Импрессионизм от Андрея Захарова.

Захаров - художник, который в некоторой степени отстранился от подробностей натурализма, нашел свой уникальный почерк в фактурной пластичности импрессионизма и экспрессионизма. При этом, сохранив трепетное отношение к природе и верность национальным традициям русской живописи.

Импрессионизм от Андрея Захарова.

Все его работы, написанные будто на одном дыхании, отображают не только чувства и ощущения самого художника, им присущи неповторимые авторские черты. Хотя, при первом и поверхностном взгляде на картины Андрея Захарова возникает ощущение какой-то незавершенности… Но, стоит внимательней вглядеться, "вжиться" в сюжет и становится очевидным, что мастером предельно "сказано" все, что задумано. Его яркий минимализм и эмоциональный настрой завораживает даже взыскательного зрителя.

Оттепель. Импрессионизм от Андрея Захарова.

Манера написания картин буквально захватывает мощной экспрессией. А насыщенная цветовая палитра одинаково заставляет играть и свет, и цвет, и тень. Корпусные мазки масляной краски, нанесенные на холст, в большей степени мастихином, выделяются не только яркостью, но и емкой фактурностью, рождая восхитительную живопись.

Галич. Весна в Успенской слободе. Импрессионизм от Андрея Захарова.

Вглядываясь в каждое полотно художника, наполненное умиротворенным покоем природной стихии, невозможно не отметить, что при работе мастер использует индивидуальные технические приемы, а в зависимости от настроения атмосферной среды - неповторимый специфический колорит. Объединяет же все работы Захарова - пронизывающая поэзия солнечного света, которая буквально заставляет каждую его работу играть яркой цветовой гаммой.

Импрессионизм от Андрея Захарова.

Мастер цветовых отношений буквально выстраивает свою живопись на тончайших колористических решениях, но при этом композиционно мыслит по большому счету, что придает его работам монументальное звучание, а экспрессивное движение мастихина создает невероятное богатство фактуры, заставляет холст вибрировать от света и различных цветовых оттенков.


Полотна Андрея Захарова, написанные этим универсальным инструментом, воплощают не только характерный для художника живописный пластический язык – «a la prima», но и его личное отношение к действительности, потребность в её образном осмыслении и художественном истолковании.

О художнике



Андрей Аркадьевич Захаров (1967) родом из Ростова Великого, что в Ярославской области. Будущий художник с пяти лет начал посещать художественную школу, что в дальнейшем и определило судьбу мальчика, который уже в юные годы твердо решил, что станет художником. Выбору профессии также поспособствовало то, что прадед художника по материнской линии, Захар Ржевский - был художником-самоучкой.


В 1981 году Андрей поступил в Федоскинскую школу, где обучался миниатюрной лаковой живописи, а затем в Ярославское художественное училище, откуда в 1987-м вышел дипломированным художником.


Еще будучи студентом, Андрей начал участвовать в художественных выставках России, а позже экспонироваться и в некоторых странах Европы. В последние годы Захаров - постоянный участник многочисленных выставок, пленэров в России и за рубежом: в Польше, Венгрии, Черногории, Италии, Греции, Франции, Германии и Китае. Он также является участником благотворительных аукционов в крупнейших аукционных домах мира - «Сотбис» и «Кристис». И, наверное, излишне говорить о том, насколько произведения русского современного импрессиониста известны и популярны среди коллекционеров мирового уровня.


Художественный талант и живописная манера костромского мастера нашли широкое признание, как у соотечественников, так и у ценителей искусства по всему миру. На сегодняшний день немало произведений мастера являются достоянием отечественных государственных художественных музеев Костромы, Белгорода, Воронежа, Вышнего Волочка, Ростова Великого, Санкт-Петербурга. Ну, а львиная доля работ Андрея Захарова находится как в частных собраниях коллекционеров, так и в различных государственных музеях и ведущих галереях многих стран мира.


Андрей Захаров - член Союза Художников России, заслуженный художник Российской Федерации, член Международного Художественного фонда и этот список можно продолжить, так как званий и степеней у мастера достаточно много. А еще он награжден золотой и серебряной медалью Российской Академии художеств, членом-корреспондентом которой является уже много лет.


В наше время не многие мастера могут сказать, что свои работы пишут непосредственно на пленэрах. Андрей Захаров - исключение, его очень сложно застать в мастерской за работой, обычно все свое время он проводит в поездках по разным уголкам мира. Занимаясь творчеством, он работает исключительно с натуры. Благодаря импрессионистической подвижности мазка мастер точно и остро запечатлевает мимолетное состояние природы, ее малейшие изменения в освещении, цвете, движении воздуха.


Андрей Захаров - заядлый путешественник, география его творческих поездок широка и разнообразна. Живописец неоднократно бывал на Русском Севере, который особенно любит. На Беломорье, в Карелии, Республике Коми и Холмогорах, среди нетронутой северной природы, он написал лучшие из своих произведений, в которые вложил мощные эпические образы суровой природной среды.

Ильмень.Соймы. Импрессионизм от Андрея Захарова.

Возвращаясь из каждой поездки, мастер привозит множество этюдов и натурных пейзажей, в которых неповторимо отражается его личное восприятие увиденного, собственные представления о своеобразии природы и городских ландшафтов разных стран.




Источник: kulturologia.ru
Поделись
с друзьями!
938
10
41
2 месяца

Магия света и цвета в загадочных картинах художника Дэвида Чейфица

Глядя на работы известного современного американского художника Дэвида Чейфица, сразу возникает желание перечислить в эпитетах все их достоинства: очень яркие, контрастные, красочные, сочные, фактурные и очень реалистичные, а также очень таинственные, загадочные, наполненные магией и волшебством. А еще они невероятно притягательны, колоритны, выразительны... Думается, что после просмотра подборки работ талантливого мастера у вас возникнет желание продолжить этот ряд.


Нередко в живописи многие художники используют этюдную манеру письма, которая предполагает некую недосказанность и незавершенность. А вот Дэвид Чейфиц (Cheifetz David) сумел мастерски объединить в своем творчестве и недосказанность этюдной манеры, и абстракционизм, и реализм, которые и образовали неповторимый авторский стиль живописца. Изысканное сочетание цветов, игра контрастов, реалистичность и насыщенность – все это вдыхает жизнь в работы мастера. Поэтому, увидев однажды его работы - забыть их уже, действительно, невозможно.

Натюрморт с чугунным котелком. Художник: David Cheifetz.

Есть в произведениях Дэвида, что-то и от старых голландских натюрмортов, где темный фон играет особую роль. Он невероятно контрастирует с яркостью, сочностью, свечением предметов, которые зачастую не имеют четких границ. Отсюда у зрителя создается впечатление, что весь предметный ряд окружен световой оболочкой, подобной ауре или некой дымке.

Старинное столовое серебро. Художник: David Cheifetz.

Молодой художник научился мастерски показывать неповторимость и очарование в обыденных вещах, а также чувствовать и передавать красоту старинных предметов. Он также нашел изюминку в минимализме композиций, что является высшим пилотажем в его живописи. Его реалистическая манера письма также довольно необычна: насыщенные цвета, частые контрастные сочетания, игра света и тени, тонкая деталировка и фактурность. Иногда возникает желание потрогать руками тот или иной предмет, чтобы ощутить то, что он действительно нарисован, а не реален.

Артефакты. Художник: David Cheifetz.

Уж больно притягателен свет и цветовая гамма каждой работы мастера. Яркие блики, контрастные тени и цветные рефлексы подчеркивают мощную энергетику каждого полотна настолько, что от них просто невозможно оторвать взгляд.

Пламя и лед. Художник: David Cheifetz.

Стоит особо отметить рефлексы, которые ложась не только на рядом стоящие предметы, драпировку и предметную плоскость, и даже воздушное пространство, невероятно оживляют картины и придают им особое очарование и некую таинственность.

Утренний кофе. Художник: David Cheifetz.

Натюрморт с тыквой.

Натюрморт с виноградом. Художник: David Cheifetz.

Натюрморт с желтыми розами. Художник: David Cheifetz.


Натюрморт с кофеваркой. Художник: David Cheifetz.


Портреты и пейзажи Дэвида Чейфица


Ночной город. Художник: David Cheifetz.

Помимо чудесных натюрмортов, которые прославили этого художника на весь мир, работает он и в других живописных жанрах. Он пишет портреты, городские пейзажи, фантастические сюжеты, в которых также использует свои излюбленные технические приемы.

Портрет Жасмин. Художник: David Cheifetz.

Отчаяние. Художник: David Cheifetz.

И, как видим, живая, этюдная манера письма Дэвида Чейфица, акцентируемая на световом эффекте, его крепкий корпусный мазок, а также минимальная загруженность деталями, говорит о большом таланте молодого художника, впереди у которого большие творческие перспективы.

Жасмин. Художник: David Cheifetz.

А незавершенность картин и вовсе создает у зрителя такое впечатление, что сейчас войдет художник с волшебной кистью и одним взмахом закончит свою работу. Разве это не волшебство?

О художнике


Дэвид Чейфиц (David Cheifetz) - родился в 1981 году на северо-западе тихоокеанского побережья Соединенных Штатов. В 2004-ом он окончил Университет Вашингтона и получил степень бакалавра изобразительных искусств и архитектуры. Несколько лет проработав архитектором, решил учиться живописи. В 2007-м поступил в школу изобразительных искусств Schuler School of Fine Arts в Балтиморе. Постигал азы живописи сразу на нескольких курсах. А мастерство совершенствовал, беря уроки у лучших художников. С 2009 года полностью окунулся в творчество, став профессиональным художником. А вскоре получил широкое признание и награды.

Дэвид Чейфиц - американский художник.

В сентябре 2010 года один из популярных художественных журналов отметил его как «восходящую звезду» среди художников в возрасте до 30 лет. А уже через два года о нем писали несколько крупных художественных изданий. В настоящее время художник живет и работает в Пало-Альто, штат Калифорния, со своей супругой Жасмин.

А уже на сегодняшний день David Cheifetz является известным живописцем Соединенных Штатов Америки. Ежегодно он принимает участие в различных выставках, в том числе и персональных. Его картины уходят в частные собрания коллекционеров, причем не только США. Работы художника пока оцениваются в пределах от 900 до 3500 долларов. А если учесть, что размеры его «миниатюр» колеблются в пределах 30х40 см, то это довольно неплохой старт для молодого перспективного мастера.
Источник: kulturologia.ru
Поделись
с друзьями!
652
2
8
2 месяца

Очарование городских пейзажей в акварелях Джона Салминена

Если вы являетесь поклонником акварельной живописи, то галерея работ американского художника Джона Салминена, представленная в нашей публикации, доставит вам немало приятных впечатлений и неожиданностей. Творчество непревзойденного мастера городского пейзажа буквально окунет вас в хрупкое очарование, легкость и невесомость, стремительность и мимолетность момента, заставит ощутить гармонию мироздания и прочувствовать как живопись, переплетаясь с лиризмом, может звучать как симфония.

Оттепель. Художник: John Salminen.

И, думается, что для многих знакомство с творчеством американского художника станет настоящим открытием. Поэтому, увидев однажды его восхитительные живописные работы, построенные на тонком чувстве гармонии в минимализме палитры красок, а также потрясающем техническом стиле, именуемом авторским почерком, вы их уже никогда не забудете.

Джон Салминен - американский художник-акварелист и педагог.

Джон Салминен (John Salminen), добившийся больших высот в искусстве акварели и завоевавший всемирную популярность, является признанным американским художником-акварелистом и педагогом, а также членом многочисленных художественных обществ, в том числе Американского общества акварелистов - Dolphin Fellowship.

Помимо этого, он - почетный член Научно-исследовательского института акварелистов Цзянсу в Китае. Джон также первый американец, которому когда-либо присуждено членство в австралийском институте акварели. Будучи за время своей творческой карьеры участником более 40 международных акварельных выставок в Китае, Тайване, Таиланде, России, Сингапуре, Мексике, Пакистане, Канаде, Италии, Турции, Бельгии и Австралии, он стал обладателем многочисленных наград призов и премий. Всего на счету художника более 250 таких поощрений, в том числе Золотая медаль Американского общества акварелистов в 2006 и 2010 годах. Также он был многократно задействован в международном судействе в сфере художественных конкурсов по акварели.


Мастерство художника-акварелиста сегодня оценено по достоинству: его картины входят в число коллекций Национального Акварельного Общества в США, также работы Джона Салминена включены в постоянные коллекции Азиатского музея акварельного искусства, Галереи и музея акварельного искусства Гуаньхуа в Китае и Армянского художественного музея, а также они являются украшением многочисленных частных и корпоративных коллекций по всему миру.

В порту. Художник: John Salminen.

Окраина. Художник: John Salminen.

Есть в акварельной технике Джона Салминена какая-то особая изюминка, позволяющая ощутить вкус необыкновенного очарования и динамичного, стремительно меняющегося на наших глазах мира. Но, что больше всего впечатляет в акварелях художника, так это способность удивительно точно передавать настроение. Настроение природной среды, атмосферы, персонажей и самих городских улиц. Его неотразимые городские пейзажи, написанные прозрачной акварелью, хочется рассматривать в мельчайших подробностях.

У фонтана. Художник: John Salminen.

У кафе. Художник: John Salminen.

В работах мастера очень тесно взаимосвязаны реализм и некая музыкальная поэтичность, которыми пронизаны все акварели художника. А достигает он такого спецэффекта благодаря художественным приемам. Блики, ярко отражающие свет, рефлексы и тени, играющие на фасадах домов, на мокрых от дождя тротуарах и на асфальте дорог. Именно они создают неотразимое впечатление от увиденного и дают возможность зрителю слышать музыку дождя, шорох голых ветвей на деревьях, звуки многолюдного города, а также шум от проносящихся по дорогам автомобилей.

Эйфелева башня. Художник: John Salminen.

Работы художника — это моменты обычной жизни любого города. Суета городской жизни, запечатленная на бумаге - это особый мир, который очень близок и знаком горожанам. А, чтобы более точно воссоздать мельчайшие детали этой жизни, Джон, не имея возможности стать посреди улицы с мольбертом, использует фотоаппарат. Вначале он или его супруга Кэти фиксирует увиденное при помощи камеры, а уже после художник воссоздает картину в красках.

Светофор.

Акварели Джона интересны и динамикой композиций. Ощущение движения и круговерти не покидает зрителя от первого взгляда на его работы и до последнего.

Мегаполис. Художник: John Salminen.

В свете фонарей. Художник: John Salminen.

В парке. Художник: John Salminen.

Триумфальная арка. Художник: John Salminen.

Пирс. Художник: John Salminen.

Не правда, ли - каждая картина мастера буквально приковывает к себе внимание и будто погружает в красочное измерение, передающее атмосферу разных городов, их уникальную цветовую гамму. Неотразимые уличные сцены, мастерское использование игры света и тени, кропотливо и практически интуитивно воссозданные малейшие оттенки цветов и тонкая деталировка - в этом вся прелесть картин художника, влюбленного в акварель.

О художнике


Джон Салминен - американский художник-акварелист и педагог

Джон Салминен (1945 г.р.) родился и вырос в Сент-Пол, штат Миннесота. В юные годы хотя Джон и учился в колледже на музыкальном отделении, но был невероятно очарован художественной студией. И после окончания учебы уже получил степень бакалавра и степень магистра в Университете Миннесоты на отделении изобразительного искусства. На сегодняшний день живет и работает в построенном из дерева бревенчатом домике, окруженном 40 акрами соснового леса в Дулуте, штат Миннесота.

Долгие годы параллельно с обучением учащихся средней школы сам писал картины, формируясь как художник. Теперь Джон регулярно проводит мастер-классы, презентации и активно участвует в многочисленных выставках по всему миру. В поездках собирает материал для будущих работ — фотографирует городские пейзажи. В его работе ему помогает его супруга Кэти — профессиональный фотограф и педагог, которая привозит ему снимки разных городов, которые в дальнейшем становятся основой его произведений.

Ночной город. Художник: John Salminen
Источник: kulturologia.ru
Поделись
с друзьями!
746
0
22
2 месяца

Чем покорили мир 7 великих художников-экспрессионистов

Творчество художников-экспрессионистов – загадка, которую так сложно разгадать, а созданные ими образы настолько многогранны и противоречивы, что, глядя на них, есть где разгуляться воображению. Акцент на цвета, ломанные линии и рваные штрихи – лишь малая часть того, что с первых же секунд привлекает внимание зрителя, увлекая его в эксцентричный мир искусства, где не всё так просто, как кажется на первый взгляд, ведь у каждой картины есть своя история, а у каждого художника – свой непревзойдённый и узнаваемый стиль, ставший визитной карточкой на века…


1. Эдвард Мунк


Автопортреты Эдварда Мунка

Эдвард Мунк, который никогда не был женат, называл свои картины своими детьми и ненавидел разлуку с ними. Живя в одиночестве в своём поместье под Осло в течение последних двадцати семи лет своей жизни, всё более почитаемый и всё более изолированный, он окружил себя работой, которая датировалась началом его долгой карьеры. После его смерти в 1944 году, в возрасте восьмидесяти лет, власти обнаружили за запертыми дверями на втором этаже его дома коллекцию из тысячи с лишним картин, четырёх с половиной тысяч рисунков и почти пятнадцать с половиной тысяч гравюр, а также ксилографии, офорты, литографии, литографские камни, гравюры на дереве, медные таблички и фотографии. Тем не менее, в последней иронии своей трудной жизни, Мунк известен сегодня как создатель одного образа, который затмил его общее достижение как первопроходца и влиятельного художника, и гравёра.

Крик.

Его «Крик» - это икона современного искусства, картина, изображающая бесполое, скрюченное существо с лицом эмбриона, с широко раскрытым ртом и широко раскрытыми глазами в крике ужаса, воссоздала видение, которое охватило его однажды вечером в юности, когда он шёл с двумя друзьями на закате.

В Экли он занялся пейзажной живописью, изображая сельскую местность и фермерскую жизнь вокруг себя, сначала в радостных тонах, а затем в более мрачных. Он также вернулся к любимым образам, создав новые версии некоторых картин.

''Солнце'', 1910-1913 гг.

В последние годы своей жизни художник поддерживал оставшихся в живых членов своей семьи материально и общался с ними по почте, предпочитая не навещать их. Большую часть времени он проводил в одиночестве, описывая страдания и унижения своих преклонных лет. Когда он был поражён почти смертельным гриппом во время Великой пандемии, он запечатлел свою тощую бородатую фигуру в серии автопортретов, как только смог взять в руки кисть.

Ко всему прочему, он написал ряд автопортретов, на одном из них под названием «Между часами и кроватью», датируемом 1940-1942 годами, незадолго до его смерти, зритель видит то, что стало с человеком, который, как он писал, отстал от «танца жизни».

Между часами и кроватью. \ Фото: daily.afisha.ru.

Застывший и физически неуклюжий, он стоит, зажатый между дедушкиными часами и кроватью, словно извиняясь за то, что занимает так много места. На стене позади него выстроились его «дети», один над другим. Как преданный родитель, он пожертвовал всем ради них…

2. Василий Кандинский


Василий Кандинский. \ Фото: pinterest.de.

Один из пионеров абстрактного современного искусства, Василий Кандинский использовал вызывающую воспоминания взаимосвязь между цветом и формой для создания эстетического опыта, который вовлекал зрение, звук и эмоции публики. Он полагал, что полная абстракция даёт возможность для глубокого, трансцендентального выражения и что копирование с натуры только мешает этому процессу.

Открытый источник. \ Фото: taxidiatexnis.blogspot.com.

Высоко вдохновлённый созданием искусства, которое передавало бы универсальное чувство духовности, он ввёл новый изобразительный язык, который лишь слабо связан с внешним миром, но выражал многое о внутреннем опыте художника. Его визуальный словарь развивался в три этапа, переходя от ранних, репрезентативных полотен и их божественной символики к его восторженным и оперным композициям, а также к его более поздним, геометрическим и биоморфным плоским цветовым изображениям. Искусство и идеи Василия вдохновляли многие поколения художников, от его учеников в Баухаузе до абстрактных экспрессионистов после Второй мировой войны.

Композиция на белом. \ Фото: art.albomix.ru.

В. Кандинский был не только художником, но и теоретиком искусства, педагогом и литератором. В 1910 году создал монументальный труд «О духовном в искусстве». В 1913 году в Берлине вышел в свет знаменитый труд Кандинского «Живопись как чистое искусство». В 1926 году издал книгу «Точка и линия на плоскости», которая переведена на многие языки мира.

«Черные волнистые линии». 1915

3. Эгон Шиле


Эгон Шиле. \ фото: google.com.ua.

С его фирменным графическим стилем, охватом фигуральных искажений и смелым вызовом общепринятым нормам красоты, Эгон Шиле был одной из ведущих фигур австрийского экспрессионизма.

Портрет Валли. \ Фото: pinterest.at.

Его портреты и автопортреты, жгучие исследования психики и интимности своих натурщиков, являются одними из самых ярких и запоминающихся работ в XX веке. Художник, поразительно плодовитый в течение своей короткой карьеры, знаменит не только своими психологически и эротически насыщенными работами, но и своей интригующей биографией: его распущенный образ жизни отмечен скандалом, дурной славой и трагически ранней смертью от гриппа в возрасте двадцати восьми лет, через три дня после смерти его беременной жены, и в то время, когда он был на грани коммерческого успеха, который ускользал от него на протяжении большей части его карьеры.

Эгон Шиле. Автопортрет с цветами-фонариками. 1912 г.

Эгон был ключевой фигурой в развитии экспрессионизма в живописи. Он написал феноменальное количество автопортретов и выполнил более трёх тысяч рисунков. Его работы часто имеют яркое эмоциональное содержание в дополнение к откровенному изучению человеческого тела. Он работал вместе с Густавом Климтом и Оскаром Кокошкой, другими ключевыми австрийскими художниками той эпохи.

Эгон Шиле. Смерть и девушка. 1915 г. Музей Леопольда, Вена. Wikiart.org

Короткая, но плодотворная художественная карьера Эгона, откровенное эротическое содержание его работ и обвинения в интимных домогательствах сделали его предметом многочисленных фильмов, эссе и танцевальных постановок, а Музей Леопольда в Вене располагает самой обширной коллекцией работ Шиле: более двухсот экспонатов.

4. Марк Шагал


Марк Шагал. \ Фото: bomengart.com.

Произведения Шагала пропитаны его еврейским наследием, часто включающим воспоминания о его доме в Витебске, Беларусь, и его народной культуре. К этим темам, как правило, художник всегда возвращался. Некоторые утверждают, что его стиль живописи после войны был более сдержанным, меланхоличным, даже обращённым назад во времени к постимпрессионизму, но, как всегда, его работа была полностью уникальной, выполненной в собственном, неподражаемом стиле. Марк на протяжении всей своей карьеры сочетал элементы многих школ современного искусства, включая кубизм, фовизм, символизм, сюрреализм, орфизм и футуризм. Тем не менее, его творчество выявило более глубокие уровни резонансной, лирической эмоциональной эстетики, музыки и культуры, глубокого, внутреннего понимания еврейского наследия.

День рождения. \ Фото: styleinsider.com.ua.

Шагал стал единственным в мире художником, чьими витражами украшены культовые сооружения сразу нескольких конфессий: синагоги, лютеранские храмы, католические костелы — всего 15 зданий в США, Европе и Израиле.

Над городом. \ Фото: pinterest.es.

В 1985 году Шагал умер и был похоронен во Франции. На момент своей смерти он оставил ряд своих обширных коллекций в различных отраслях и стилях искусства. Работы Марка демонстрируют мастерское понимание цвета и глубокий эмоциональный резонанс, что, возможно, является причиной того, что его работы всё ещё так популярны сегодня.

Его вклад в мир искусства ХХ века - это тот, на который могут претендовать лишь очень немногие художники.

Витражи Марка Шагала

5. Пауль Клее


Пауль Клее. \ Фото: elrincondemisdesvarios.blogspot.com.

Пауль был честолюбив и идеалистичен, но держался сдержанно и спокойно. Он верил в постепенную органическую эволюцию событий, а не в форсирование изменений, и его систематический подход к работе перекликался с этим методическим подходом к жизни.

Он был главным образом чертёжником (кстати, левшой). Его рисунки, иногда кажущиеся очень детскими, были очень точными и контролируемыми.

Пейзаж. 1922

Клее был острым наблюдателем природы и природных стихий, что было для него неиссякаемым источником вдохновения. Он часто заставлял своих учеников наблюдать и рисовать ветви деревьев, системы кровообращения человека и аквариумы с рыбами, чтобы изучить их движение.

Посланник осени. \ Фото: meisterdrucke.jp.

Только в 1914 году, когда Пауль отправился в Тунис, он начал понимать и исследовать цвет. Кроме того, он был вдохновлён в своих цветовых исследованиях своей дружбой с Кандинским и работами французского художника Робера Делоне. От Делоне Пауль узнал, каким может быть цвет, когда он используется чисто абстрактно, независимо от его описательной роли.

Художник также находился под влиянием своих предшественников, таких как Винсент Ван Гог, Анри Матисс, Пикассо, Кандинский, Франц Марк и других членов группы «Синий всадник», которые считали, что искусство должно выражать духовное и метафизическое, а не просто то, что видно и осязаемо.

Пейзаж с жёлтой птицей. \ Фото: amazon.com.mx.

На протяжении всей его жизни музыка оказывала большое влияние, проявляясь в визуальном ритме его образов и в стаккато нот его цветовых акцентов. Он создал картину, очень похожую на то, как музыкант играет музыкальное произведение, как будто делая музыку видимой или визуальное искусство слышимым.

Художественное наследие Клее было огромным, даже если многие из его преемников не ссылались на его работу открыто как на очевидный источник или влияние. Ещё при жизни Пауля сюрреалисты обнаружили, что его кажущееся случайным сопоставление текста, абстрактных знаков и редуктивных символов наводит на мысль о том, как разум в состоянии сна рекомбинирует разрозненные предметы повседневности и таким образом даёт новое понимание того, как бессознательное обладает властью даже над реальностью бодрствования.

Кот и птица. \ Фото: blog.seniorennet.be.

Репутация художника значительно выросла в 1950-х годах, когда, например, абстрактные экспрессионисты могли видеть его работы на выставках в Нью-Йорке. Использование Паулем знаков и символов особенно интересовало художников Нью-Йоркской школы, особенно тех, кто интересовался мифологией, бессознательным и примитивизмом (а также искусством самообразования и искусством детей). Использование Клее цвета как выразительного средства выражения человеческих эмоций само по себе также привлекло художников, отдающих предпочтение богатой цветовой палитре, таких как Жюль (Джулс) Олицки и Хелен (Элен) Франкенталер.

6. Франц Марк


Франц Марк. \ Фото: yandex.ua.

Будучи ведущей фигурой в немецком экспрессионистском движении, Марк помог переосмыслить природу искусства. Экспрессионистское движение было известно своим интересом к духовности и примитивизму, а также использованием абстракции. Франц включил свою любовь к теологии и животным в свою работу, чтобы создать альтернативное, более духовное видение мира. Он изображал мир глазами животных, которые он использовал, чтобы подчеркнуть те аспекты современности, которые он рассматривал неблагоприятно. Но его более поздние работы также вышли за пределы репрезентативных форм в чистую абстракцию, прокладывая путь для следующего поколения художников.

Белый бык отдыхает в лесу. \ Фото: pixels.com.

Хотя его карьера была короткой, его выразительные линейные формы и символическое использование цвета оказали длительное влияние на миры абстракции и экспрессионизма. Впрочем, таких художников, как Джексон Поллок и Виллем де Кунинг, можно назвать его потомками. Эти художники были вдохновлены способностью Марка вызывать чувство эмоций с его интересом к духовному и примитивному, а также его использованием ярких цветов. Абстрактные экспрессионисты опирались на вклад Франца, создавая картины, которые подчёркивали более минимальные, обобщённые формы, сфокусированные главным образом на линейном выражении и цвете.

Судьба животных. \ Фото: diary.ru

Эти новые подходы к экспрессионизму стремились подчеркнуть личную борьбу художников с изменениями, произошедшими после окончания Второй мировой войны. Более поздние поколения экспрессионистов, такие как художники цветового поля, которые довели экспрессионизм до его самого минималистского, упрощенного состояния, можно рассматривать как потомков Марка и его современников. Действительно, Франц Марк, как один из основателей немецкого экспрессионизма, сыграл важную роль в определении модернизма в XX веке и за его пределами.

7. Ван Гог


Звёздная ночь над Роной. \ Фото: artwalk.london.

Наглядные примеры широкого влияния Ван Гога можно увидеть на протяжении всей истории искусства. Фовисты и немецкие экспрессионисты работали сразу после Ван Гога и переняли его субъективное и духовно вдохновенное использование цвета. Абстрактные экспрессионисты середины XX века использовали технику размашистых выразительных мазков кисти Ван Гога, чтобы показать психологическое и эмоциональное состояние художника. Даже неоэкспрессионисты 1980-х годов, такие как Джулиан Шнабель и Эрик Фишль, в долгу перед выразительной палитрой и кистью Ван Гога.

Красные виноградники в Арле. \ Фото: ru.wikipedia.org.

В популярной культуре его жизнь вдохновила музыку и многочисленные фильмы, в том числе «Жажда жизни» Винсента Минелли (1956), в котором исследуются изменчивые отношения Ван Гога и Гогена. За свою жизнь Ван Гог создал девятьсот картин и сделал тысячу сто рисунков и эскизов, но за свою карьеру продал только одну картину. У художника не было собственных детей, и большинство его работ досталось его брату Тео.

Пшеничное поле
Источник: kulturologia.ru
Поделись
с друзьями!
944
10
54
2 месяца
Уважаемый посетитель!

Показ рекламы - единственный способ получения дохода проектом EmoSurf.

Наш сайт не перегружен рекламными блоками (у нас их отрисовывается всего 2 в мобильной версии и 3 в настольной).

Мы очень Вас просим внести наш сайт в белый список вашего блокировщика рекламы, это позволит проекту существовать дальше и дарить вам интересный, познавательный и развлекательный контент!