Каких-нибудь несколько сотен лет назад невозможно было себе представить, чтобы основными потребителями культурного продукта были женщины: театральные постановки, картины, скульптуры, литература — все это создавалось без учета женских интересов. И, конечно, это влияло и на само содержание искусства: художник, рассчитывающий на успех, всегда находится если не в зависимости, то в тесной связи с потенциальной аудиторией. Сегодня культурный ландшафт изменился практически полностью: женщины чаще, чем мужчины, ходят в театры и музеи и читают тоже больше.

И это еще не все: обитательницами гуманитарных факультетов, занимающихся вопросами культуры, также, в первую очередь, являются именно девушки. Постепенная утрата мужского культурного доминирования прошла тихо и незаметно, и это подспудно куда больше влияет на нашу повседневную жизнь, чем активная деятельность феминисток: так как же произошел этот тихий переворот?

Не время для женщин

Разговор все же придется начать с обсуждения мужчин, ничего не поделаешь. В отличие от нашего времени, когда хороший вкус, утонченность и творческое начало скорее ассоциируется с феминностью, в Древней Греции так совсем не считали: идеальный юноша должен был быть не только красив телом, но и душой: он должен был разбираться в поэзии, музыке и других видах искусства. Достаточно вспомнить образ Феба для того, чтобы отпали всякие вопросы: красавец-бог и покровитель поэтов был едва ли не самым почитаемым в античности, а победа на Пифийских играх, где творческие соревнования соседствовали с атлетическими, считалась крайне престижной.

Таким образом устанавливалось равенство между физической силой и силой таланта — и то и другое уважалось в равной степени: сегодня сложно себе представить, чтобы идеальный мужчина ассоциировался с утонченным эстетом, а поэтический конкурс проходил на поле, где только закончился футбольный матч.
Женщины в этой картине мира практически отсутствовали. То есть они, конечно, были, однако лишь в виде муз, героинь мифов или объекта любви — и уж точно не в качестве основной аудитории для тех же создателей античных трагедий.

Хотя гречанки и посещали театрализованные представления, сами выступать на сцене они не могли. Более того, некоторые исследователи утверждают, что их еще и не на все постановки пускали, например на те же комедии, которые подчас были уж слишком фривольными.

Идеальной женщиной считалась примерная супруга, которая грамотно ведет хозяйство, хранит верность мужу и не особенно ропщет на судьбу — разборчивость в изящных искусствах не входила в перечень ее основных добродетелей. Примерно так же дела обстояли и в Древнем Риме, ну а после крушения империи и начала эпохи Средневековья все стало совсем грустно: «темные» времена были не самым лучшим периодом для женщин, ученых и представителей искусства.

Пока Европа пребывала во мраке, на другом конце света, в Японии, происходила выработка общественных устоев с абсолютно другими ориентирами. В Стране восходящего солнца вплоть до начала XX века считалось, что любой мужчина — будь то воин или представитель знати — обязан прекрасно разбираться в искусстве и уметь по достоинству оценить сад, обустройство дома, картину, женскую красоту или красоту природы.


И не только оценить, но еще и выразить все это в поэтическом тексте. В аристократических семьях юношу намеренно воспитывали утонченным, а белизна кожи и даже изнеженность совсем не считались недостатком, скорее наоборот: о гибели этого многовекового идеала, кстати, много писал Юкио Мисима в своем знаменитом романе «Весенний снег» из тетралогии «Море изобилия».

Благородной женщине в Японии также полагалось разбираться в изящных науках и уметь составить идеальный букет, найти подходящие слова для восхищения цветением сакуры и поддержать разговор с мужем о прекрасном. Несмотря на свое бесправие, положение женщин не было совсем безнадежным, отчасти это связано с тем, как трепетно японская знать относилась к искусству и красоте — и к женщине как их воплощению.

Одним из показателей этого является тот простой факт, что едва ли не треть литературных памятников в Японии написаны женщинами: здесь сразу вспоминается и «Повесть о Гэндзи» Мурасаки Сикибу (ХI век), и «Записки у изголовья» Сэй-Сенагон (ХI век), и «Непрошеная повесть» Хигути Итие (ХIV век). Интересно, что в одном из литературных памятников X века — в «Повести о прекрасной Отикубо», напоминающей историю Золушки, — девушка завоевывает любовь принца не только трудолюбием и красотой, но и тем, как ладно она пишет стихи и сочетает цвета в одежде.

Интересно, что похожим образом — как к произведению искусства — к женщине стали относиться и в Европе, правда, чуть позже, во времена эпохи Возрождения. Ренессанс вернул самому понятию культуры тот вес, которого оно было лишено в Средние века, когда идеалом человека был рыцарь — ну а в круг рыцарских добродетелей тонкий вкус не входил, как не входил он и в перечень добродетелей «прекрасной дамы», от которой требовалось лишь быть недосягаемой, присутствовать на турнирах, да изредка дарить платок какому-нибудь смелому воину на память.

Новые общественные идеалы привели к тому, что женщины, хотя бы формально возведенные на пьедестал почета, сами начали понемногу заходить на территорию культуры и покровительствовать талантам.

Одной из первых в этом деле стала французская принцесса Маргарита, которая не только сама была писательницей, но и оказывала поддержку таким людям, как Деперье, Клеман Маро и Эразм Роттердамский. Ее двор стал местом постоянных встреч ученых и поэтов, музыкантов и философов: в сущности, она создала то, что позднее будет называться литературным салоном.

Уже в XVII веке ее дело продолжила мадам де Рамбуйе, покровительствовавшая Франсуа Малербу, Жоржу де Скюдери, Корнелю и многим другим. С мнением образованных женщин, своим вкусом и обаянием завоевавших высокое положение в обществе, стали считаться, а некоторое и вести переписку.

Большие заслуги в деле повышения престижа искусства в целом принадлежат Людовику XIV. Король-Солнце, обожавший танцы, был уверен, что достижения в культуре не менее важны, чем экономические, и потому охотно поддерживал художников и архитекторов. Усилия были не напрасны — блеск и утонченность французского двора производили неизгладимое впечатление на всех иностранцев, и если бы не Людовик XIV, возможно, Франция бы не считалась и по сей день образчиком вкуса и хороших манер. Немало на культурный процесс влияли и фаворитки короля: так, мадам Монтеспан, одна из самых известных его любовниц, покровительствовала Мольеру, Филиппу Кино и Жану де Лафонтену, а маркиза де Ментенон (другая дама сердца Людовика) прославилась тем, что открыла первую в Европе женскую светскую школу в Сен-Сире. Впоследствии она стала прообразом многих женских учебных заведений, в том числе и Смольного института в Петербурге.

Позднее, уже в XVIII и, конечно, в XIX веке, всевозможных литературных салонов, душой которых были состоятельные или благородные дамы, становилось все больше. Для образованных и амбициозных женщин, которые по понятным причинам были лишены возможности вести активную общественную жизнь, создание салона было едва ли не единственным шансом хоть как-то себя проявить. От обсуждения вопросов искусства гости постепенно стали переходить к обсуждению политики, и вскоре мирные литературные встречи превратились в рассадники вольнодумства — именем знаменитой мадам де Сталь, чей салон навещали оппозиционные французские деятели, можно было пугать автократов по всей Европе. Про нее, кстати, Константин Батюшков как-то сказал, что она «дурна как черт и умна как ангел».

В России знатные дамы также оказывали покровительство искусству: одной из первых в этом деле была Наталья Алексеевна, сестра Петра I, которая писала пьесы сама и поддерживала зачатки российского театра: усилиями царевны в 1706 году в Преображенском дворце стали показывать первые спектакли.
Неоценимую помощь в укреплении роли женщин в культуре сыграла и Екатерина II: столь же большие заслуги принадлежат и ее подруге, Екатерине Дашковой, без которой вообще сложно себе представить отечественную версию эпохи Просвещения. Если бы не они, вряд ли в XIX веке в России появилось бы столько литературных салонов под началом женщин — их всех даже трудно перечислить. Зинаида Волконская, Авдотья Голицына, Евдокия Ростопчина, Авдотья Елагина и многие-многие другие женщины имели огромное значение для Золотого века русской культуры. Их внимания и поддержки искали поэты и художники, философы и критики — за их благосклонность разворачивалась настоящая борьба. И все же хозяйки литературных салонов долгое время оставались исключением из правил, а мир искусства — в глобальном смысле — по-прежнему принадлежал мужчинам.

Переломный момент

Все начало меняться ближе к концу XIX века. Женщины постепенно входили в культурную жизнь — давать хорошее образование дочерям стало считаться престижным в аристократических и буржуазных кругах. Подтверждения этому можно найти повсеместно — даже в живописи: стоит лишь присмотреться к женским портретам того времени, и мы увидим, что книга стала почти непременным атрибутом девушки, тогда как прежде ничего подобного и рядом не наблюдалось. Даже героинь прошлого стали осовременивать с помощью такого «аксессуара»: например, одна из наиболее влиятельных художниц девятнадцатого столетия, Мария Спартали, изобразила Беатриче Портинари (возлюбленную Данте и героиню Ренессанса), с книгой, хотя в эпоху Возрождения подобный ее портрет вряд ли мог появиться на свет. Те же тенденции заметны и в литературе, в том числе русской, где женщины все чаще выступали в качестве моральных авторитетов: Наташа Ростова, Татьяна Ларина, Соня Мармеладова, Ольга Ильинская, Вера Павловна и многие другие героини имели все меньше общего с бездеятельными барышнями прошлых эпох.

Вскоре женщины стали активно влиять на культуру и общество не только в романах: как отмечает историк Эрик Хобсбаум, в конце XIX — начале XX века они оказались в довольно выигрышном положении для занятия искусством по сравнению с мужчинами.

«Во-первых, — пишет автор, — от большинства взрослых мужчин ожидалось, что они зарабатывают на жизнь, и, следовательно, у них меньше времени на культурное времяпрепровождение в течение дня, чем у замужних буржуазных женщин, которые не работали; во-вторых… буржуазное жилище все более „эстетизировалось“, а женщина по традиции осталась хранительницей дома».

Этот раскол еще сильнее проявился в XX веке, когда мужчины ушли на войну, а у женщин просто не осталось другого выхода, кроме как занять их место в «мирных» областях жизни, таких как культура, образование и искусство. Две мировые войны оказали решающее влияние на формирование новых представлений об идеалах мужского поведения в обществе: мужчины должны были быть в первую очередь солдатами и защитниками страны, а не тонкими ценителями искусства. Более того, эстетство и самозабвенное увлечение культурной жизнью в глазах общества стало восприниматься как нечто, по своей сути противоречащее маскулинности. Все это кардинальным образом изменило тенденции конца XIX века, когда во многих богатых семьях радовались сыну-дирижеру или сыну-скульптору, считая подобные профессии престижными.

Женщины перехватывают мяч и уверенно ведут

Интересно, что сегодня, когда больших войн вроде бы не наблюдается, а относительное равноправие постепенно приходит во все цивилизованные страны мира, «культурные весы», однажды склонившиеся в пользу женщин, не изменяют своего положения. От мужчин в большинстве случаев сейчас не требуется сломя голову идти в атаку на полях сражений, однако в сферу искусства это их отнюдь не вернуло. И подобная ситуация характерна не только для нашей страны, но и для всего мира. Приблизительное равенство — с точки зрения гендерного состава аудитории — сегодня наблюдается лишь в кино. Например, в США 52 % всех посетителей кинотеатров — женщины; в России этот процент даже чуть выше: 57 %. И это при том, что блокбастеров, которые, казалось бы, снимаются для мужчин, выходит на экраны по-прежнему много.

Однако кино все же не самый показательный пример. Наибольший разрыв в этом плане наблюдается в театральной среде.

В столичных театрах, в диапазоне от РАМТа до электротеатра «Станиславский», доля женской аудитории равна 70 % или даже слегка превышает данный порог.

Эта цифра (с небольшими поправками) остается практически неизменной в России более 20 лет. Схожая ситуация с гендерным составом аудитории существует и в Англии, и в США.

Чуть меньше дистанция между женщинами и мужчинами наблюдается среди музейной публики. По данным собственных исследований того же «Гаража» и Русского музея, на 60–70 % их аудитория состоит из женщин, и на 30–40 % — из мужчин. При этом не стоит забывать, что инициатором похода в театр или музей, скорее всего, является женщина — в конце концов, шутки и анекдоты о скучающем мужчине, вынужденном прийти на балет, тоже не появляются на пустом месте, да и за культурное просвещение детей, как правило, отвечает именно мать, а не отец.

В книжном деле также преобладает женская аудитория — речь опять же не только о России. Например, в Австралии, по различным данным, более 60 % читающей публики являются именно женщины. В нашей стране масштабные исследования на эту тему не проводились, однако достаточно лишь заглянуть в сообщества книжных магазинов в социальных сетях, чтобы понять, что к чему. Скажем, в группе торговой сети «Читай-город» во «ВКонтакте» более 448 000 участников, и около 357 000 из них — женщины. У магазина «Москва» похожее разделение: 28 000 и 23 000 соответственно. К слову говоря, в издательствах уже давно поняли, кто является их аудиторией, и это во многом влияет на то, какие именно книги выходят из печати.

Одним из следствий всех этих культурных процессов стало то, что вот уже в течение 30–40 лет можно наблюдать настоящий расцвет женской литературы. Под этим имеется в виду не литература «для женщин», а литература, созданная писательницами.

Если еще в начале XX века к женщинам-авторам относились как бы свысока, пренебрежительно, уважая лишь отдельных представительниц вроде Вирджинии Вулф или Марины Цветаевой, то сегодня разделение по гендерному признаку практически полностью стерлось.

Женщины пришли как в массовую, так и в элитарную литературу, и произошло это во всем мире. В первом случае мы сходу можем назвать множество имен, в диапазоне от Джоан Роулинг до Э. Л. Джеймс, и во втором — ситуация не хуже. Ханья Янагихара, Элена Ферранте, Элис Манро, Фэнни Флэгг, Эмма Клайн — это лишь несколько имен, которые знает каждый, кто увлекается литературой. Если же вернуться к ситуации в России, то и нам есть, чем похвалиться в этом контексте: Людмила Петрушевская, Татьяна Толстая, Людмила Улицкая, Вера Павлова, Елена Фанайлова, Линор Горалик, Мария Степнова, Гузель Яхина, Анна Матвеева — имен так много, что впору говорить о Золотом веке женской прозы.

Судя по всему, схожая история скоро повторится и в других областях искусства. Так что если женщины пока и не победили мужской мир в реальной жизни, то в мирах более тонких — и более значимых с точки зрения вечности — именно их голос является сегодня решающим.

Комментарии экспертов

Редакция «Эксмо»

Владимир Хорос, редактор остросюжетной литературы

Вопрос о гендерной принадлежности той или иной книги сейчас приобрел особую сложность. Во-первых, сейчас не менее 85 % всей читающей аудитории составляют женщины. А во-вторых, последние уже давно запоем читают такую литературу, которая до недавнего времени считалась абсолютно мужской, например мистические триллеры, фантастику, приключенческий экшн, даже жесткий нуар.

Для того чтобы выделить ту или иную книгу как мужскую, нужны четкие критерии: в ней не должно быть ничего из того, что нравится женщинам.

Например, крайне жесткий нуар в духе «Кода 93» Оливье Норека или романов С. Крэйга Залера, полные насилия и жестокости, где речь идет либо о криминальных разборках, либо о какой-либо кровавой мести. Женщинам, как правило, необходима какая-никакая романтическая линия. Женщины дальше стоят от натурализма и более близки к психологизму. Поэтому среди них традиционно хорошо идут психологические триллеры или полицейские детективы, главными героями в которых являются либо яркие, интересные, сильные женщины с тяжелой судьбой, упорно преодолевающие трудности окружающего их мира, либо твердые, стойкие, надежные, умные мужчины (пусть далеко не идеальные), способные решить любой вопрос. Поэтому женской аудитории мы адресуем самый разный спектр книг — от Питера Джеймса и Анжелы Марсон, Камиллы Лэкберг и Дот Хатчисон, Джессики Феллоуз и Ти Кинси до Марио Пьюзо и Юсси Адлер-Ольсена, Джеймса Роллинса и Ли Чайлда. Это, разумеется, общие соображения — но в целом так.

Дмитрия Обгольц, редактор зарубежной современной литературы, и Алена Муркес, pr-менеджер зарубежной современной литературы

Современную литературу сейчас читают все, вне зависимости от возраста и гендерной принадлежности.

Если раньше у Чарльза Буковски было больше читателей мужчин из-за его стиля бунтаря, то сейчас его с удовольствием читают и женщины. То же самое касается и лауреата Букеровской премии 2016 года — Пола Бейти, книги которого наполнены сатирой на политику и черным юмором.
Не пугают женщин и сложные по структуре тексты лауреатов премий, таких как Джордж Сондерс и Кадзуо Исигуро.

Если раньше женщин в основном читали женщины, то теперь во многие шорт-листы премий входят писатели женского пола, и мужчины читают их не меньше. Например, Тони Моррисон, Дебора Леви, Зэди Смит — что показывает, что мир потихоньку отходит от шовинизма.

Женщины преобладают и в рядах поклонников французской литературы, например у Ромена Гари, Эрве Базена и феминистки Симоны де Бовуар.

2Наталья Файбышенко, кандидат филологических наук, психолог

Сложившаяся ситуация может быть связана с тем, что женщин сегодня на 11 миллионов больше, чем мужчин. Это, в свою очередь, приводит к повышенной конкуренции между женщинами: они стремятся быть более привлекательными, развитыми, знающими и образованными, в том числе культурно. С другой стороны, театры, музеи и книги — это миры, в которые женщины с удовольствием погружаются, отрываясь от привычной и часто не слишком счастливой реальности. Это скорее женская черта — уходить в мир грез и фантазий хоть на время. Мужчинам это свойственно в куда меньшей степени. Думаю, если для женщин театр — это возможность отдохнуть и расслабиться, то для мужчин это часто нечто противоположное. Отдыхают мужчины в основном все-таки по-другому.

Зоя Звягинцева, психолог

Я, как психолог, много разговариваю с женщинами разного возраста, семейного положения и образования о том, что им интересно в жизни, что делает их жизнь насыщеннее, полнее и осмысленнее. И я вижу, как меняются границы возможного для женщин с каждым годом. Традиционное дискриминирующее распределение функций в семье, когда муж только работает, а жена и работает, и делает все остальное по дому и уходу за детьми, постепенно перестает быть допустимым для обоих полов.

Мужчины хотят больше заниматься детьми, в семьях начинает особенно цениться эмоциональная поддержка, у женщин высвобождается время для досуга. Есть и еще одна современная тенденция, значимая как для женщин, так и для мужчин: увеличение продолжительности жизни позволяет при желании в 30–40 или даже 50 лет поменять профессию.

Сейчас на смену карьеры решаются многие женщины, и очень часто это оказывается какая-то творческая профессия: дизайн, культурология, иллюстрация, журналистика. Мне кажется, это важный этап в развитии общества в целом, поскольку искусство — отличный способ удовлетворения эмоциональных потребностей, способ осознать и пережить чувства. И чем больше женщина занимается творчеством, тем здоровее психический климат вокруг нее.

Марат Суставов, магистр социологии НИУ ВШЭ, руководитель проектов в исследовательской компании Tiburon Research

Социолог предложил бы в данной ситуации провести масштабное исследование о восприятии разного рода досуга — о посещении выставок, театров в сравнении с другими видами, — чтобы прокомментировать эту ситуацию. В отсутствии эмпирических данных предположу, что в итоге мы выявим разницу в гендерном восприятии досуга. Так же как профессии имеют гендерную окраску (медсестрами, педагогами и стюардессами чаще становятся женщины, а инженерами, программистами и пилотами — мужчины), так и то, чем «нормально» заниматься мужчинам и женщинам в свободное от работы время, диктуется отчасти степенью маскулинности и фемининности занятия. Культурно-творческую сферу я поместил бы ближе к фемининной на шкале маскулинности-фемининности.

С раннего детства мы видим, что мальчики обычно выбирают футбол, а девочки идут на танцы.

Набор релевантных занятий для каждого гендера в коллективном сознании влияет впоследствии на выбор нашего образования, а образование, в свою очередь, также определяет склонность к формированию определенного стиля жизни.

Среди женщин больше тех, кто имеет высшее образование, а оно все-таки формирует гуманистические ценности, в том числе ценность творческой деятельности и ее результатов. Вместе с этим высшее образование дает людям знания и навыки, без которых трудно потреблять элементы немассовой и тем более элитарной культуры.

Лиза Савина, галеристка, куратор и арт-менеджер

— Если верить статистике, основными потребителями культуры сегодня являются женщины. Как вы считаете, есть у этой ситуации какие-то социологические или психологические объяснения?

— Думаю, в России работают оба фактора — и социологический, и психологический, и оба они связаны с традиционной для нашего общества патриархальностью, подразумевающей некоторый мачизм, а следовательно, сниженный интерес к культуре в целом как к «немужскому» занятию. Но это если говорить о консервативных мужчинах в возрастной категории «40+». Те, кто не «ушиблен» советскими и постсоветскими травмами, достаточно подвижны, да и вообще молодежь потребляет культуру и искусство довольно активно без гендерной разницы.

— Вы говорили, что женщины являются скорее «эмоциональными потребителями» искусства: а как тогда к искусству относятся мужчины?

— В том социальном кругу, с которым преимущественно сталкиваюсь я, мужчины в целом проявляют интерес к искусству, у них меньше времени вне основного рода деятельности, но при этом среди осознанных коллекционеров значительно больше мужчин, чем женщин.

Женщины обычно покупают искусство с прикладными целями, в большинстве случаев руководствуясь эмоциональными маркерами. Мотивации мужчин значительно разнообразнее.
Опционал «нравится-не нравится», конечно, тоже присутствует, но для них мощной мотивацией являются статус и инвестиционный потенциал. Вообще, в вопросах покупки искусства мужчины значительно пассионарнее женщин.

— А с чем связано преобладание женщин в культурной сфере? Искусствоведы, журналисты, культурологи — если посмотреть на кафедры этих специальностей в вузах, то учатся там в основном именно женщины.

— Бытует мнение, что в культуру вовлечено больше женщин потому, что эта сфера традиционно ниже оплачивается и, мне кажется, здесь есть своя доля правды. Но вообще, и в Европе гуманитарные кафедры тоже преимущественно женские, другое дело, что до недавнего времени в рубрике «пришел к успеху» превалировали мужчины. В силу разных особенностей — в том числе и, как мне кажется, из-за традиционной структуры семьи, где ответственность за детей и быт до недавнего времени лежала исключительно на женщине.

Молодая художница Айрис Скотт (Iris Scott) создает настоящие шедевры живописи, работая в весьма необычной и очень интересной технике. Свои удивительные работы, привлекающие составом и стилем коллекционеров со всего мира, Айрис создает в Тайване. Именно там Айрис и открыла для себя эту потрясающую технику живописи пальцами, сделавшую её такой популярной.

Долгое время, Айрис Скотт (Iris Scott) в своих работах использовала традиционную кисть. Как говорит сама художница, идея создавать картины пальцами, возникла у нее случайно.

В 2009 году со степенью бакалавра изобразительных искусств в Вашингтонском университете, Айрис взяла годичный отпуск и переехала на Тайвань, где начала создавать свои картины.

Она поселились в маленькой квартире с видом на море. В квартире не было кондиционеров в кухне и ванной, где Айрис промывала кисти, кондиционер работал только в комнате, где девушка рисовала.

Вокруг стояла такая жара, что даже испачканные кисти не смогли заставить Айрис расстаться с прохладой от кондиционера, и она начала рисовать пальцами.

Надевая хирургические перчатки, Айрис Скотт (Iris Scott) использует пальцы как кисти, при этом все еще рисуя маслом.

«Новая картина всегда начинается утром с чашкой крепкого кофе в руке. Как и мой стоматолог, я надеваю фиолетовые перчатки из латекса и начинаю работать. Мои пальцы быстро танцуют на холсте — некоторые говорят, что это напоминает им пианиста в действии. Цвета сталкиваются и сливаются в моем сочинении, текстура становится густой и сочной».

Художники — особенные люди. Они продолжают творить и вносить свою неповторимую палитру, состоящую из чувств и эмоций, в мир искусства до самых последних дней. Вот он характер! Это настоящее свидетельство огромной творческой силы, которая остаётся жить вечно.

Удивительно, как на пороге финала многие творческие люди начинают ощущать окружающий мир иначе, острее и ярче что-ли. Это полностью отразилось на их картинах, которые закономерно и к большому сожалению, стали последними.

«Ласточкин хвост» стало завершающим полотном в серии картин, посвящённых теории катастроф французского математика Рене Тома. Эта теория подразумевала, что даже самые незначительные изменения в определенных обстоятельствах способны привести к глобальным переменам.

Винсент Ван Гог — «Корни деревьев» (1890)

Свои последние работы художник рисовал, когда уже почти полностью утратил зрение.

Пабло Пикассо — «Лежащая обнажённая и голова» (1973)

Работа художника осталась незавершённой.

Эдвард Мунк — «Автопортрет. Между часами и кроватью» (1940-1943),/h2>

Последняя картина художницы — натюрморт с арбузами. Этот продукт является популярным символом дня мертвых, который ежегодно отмечается в Мексике (на родине Фриды).

Фрэнсис Бэкон — «Эскиз быка» (1991)

Вячеслав Курсеев (Vyacheslav Kurseev) создает свои работы маслом и акварелью в реалистичной манере, в жанре пейзаж и городской пейзаж. В последние годы посвящает свой труд г. Саратов, в котором в настоящее время и проживает. Вячеслав Курсеев не просто пишет картины, он восхищает и позволяет ярче представить себе и историю и романтическую красоту саратовских кривых, но уютных улиц.

Вячеслав Курсеев говорит, что очень сожалеет о том, что старина уходит и уже нет возможности окунуться в атмосферу старого Саратова. С этим и связано, что в последние годы он работает над воссозданием на своих картинах старого Саратова. А чтобы они были правдоподобны Vyacheslav Kurseev изучал старинные фотографии, открытки и архивные документы.

Вячеслав Курсеев (Vyacheslav Kurseev) родился в г. Саратов в семье инженеров-строителей в 1965 г. В детстве посещал художественную школу, а в 1982 г. поступил в Саратовское художественное училище им. Боголюбова, которое успешно окончил по специальности – художник-оформитель в 1988 г.

Согласно статистике, около 10% населения мира, или примерно 650 миллионов человек, живут с инвалидностью. Глядя на произведения искусства в нашей подборке, и не скажешь, что они были созданы людьми с ограниченными возможностями. Эти люди действительно вдохновляют. Они живут в таких условиях, которые порой и представить сложно. Но инвалидность не стала для них помехой в творчестве.

Несмотря на то, что Мариуш родился без рук, он с самого детства занимается любимым делом – рисует картины. Большинство его работ – это портреты, написанные в гиперреалистичной манере. Глядя на них кажется, что реальность размывается, и рисунок становится ее частью. Это ощущение еще усиливается, если наблюдать за работой Мариуша, ведь он каждый день практически совершает невозможное.

Мариуш не является талантливым самоучкой. Он закончил Академию изобразительных искусств и дизайна во Вроцлаве. Его работы постоянно выставляются и занимают призовые места в престижных конкурсах. Свое творчество он совмещает с путешествиями. Художник объездил уже всю Европу:

«Я работал на улицах Берлина, Амстердама, Лондона, Парижа, Барселоны, Марселя, Венеции, Рима и Афин. Этот проект я назвал «Мариуш рисует». Таким образом я хочу вдохновлять других людей, показывать им, что пределы существуют только в нашем разуме.»

Хуан стал инвалидом в 4 года после несчастного случая. Он повредил обе руки током, и врачи вынуждены были провести ампутацию. Однако в 12 лет талантливый мальчик научился рисовать ногами и ртом, и с тех пор это занятие – главное дело его жизни. Он сам считает, что переломный момент в его творчестве наступил в 18 лет, когда из-за болезни отца Хуан вынужден был начать продавать свои картины. Это заставило молодого художника добиться еще большего совершенства в технике, и успех пришел. Сегодня его картины, написанные в традиционной манере китайской живописи, востребованы у коллекционеров во многих странах и продаются нарасхват. Кроме того, недавно Гофу назначили вице-куратором Музея талантов в провинции Чонджинг.

Эту десятилетнюю девочку ведущие издательства называют всемирно известным художником. Но кроме того, что она явный вундеркинд – рисовать начала с четырех лет, юная художница привлекает внимание общественности еще по одной причине. Девочка больна аутизмом. Ее абстрактные картины полны цвета и гармонии. Искусствоведы сравнивают юную художницу с Моне и пророчат ей большое будущее. Но для родителей Айрис важнее то, что именно благодаря рисованию девочка смогла выразить себя и наладить общение с близкими людьми. Ее мама так описывает момент знакомства Айрис с миром искусства:

«Как только лист бумаги был прикреплён на стол, девочка начала сплошное заполнение его причудливым сочетанием красок. Это было не случайным набором цветов, то, что я увидела перед собой, было прекрасно. Настроение Айрис Грейс тоже изменилось, Она была в восторге, невероятно счастлива и свободна. (…) Она посмотрела на меня и не оттолкнула. Это был для нас путь соединения.»

Питер Лонгстафф родился без рук, став жертвой талидомида, который принимала его мать во время беременности. Но он никогда не считал себя инвалидом. Он научился рисовать правой ногой.

В три года у Стивена Уилтшира диагностировали аутизм и синдром саванта. А теперь он известный всему миру британским архитектурным художником, отличающимся феноменальной способностью по памяти воспроизводить архитектурные пейзажи, увидев их лишь один раз.

В 2007 году в возрасте 85 лет ушел из жизни художник, доказавший, что настоящий талант всегда найдет возможность выразиться. Пол Смит родился с церебральным параличом. Всю жизнь он был вынужден пользоваться помощью других людей для того чтобы просто одеться или поесть. Однако он научился рисовать с помощью… печатной машинки. Вернее, всего лишь десяти символов и одного пальца правой руки. Создание каждой картины могло занимать у него дни, недели и даже месяцы.

При этом Пол никогда не учился читать или писать. Сложно даже представить себе эту технику исполнения, ведь картина сначала должна была появиться полностью в законченном виде в голове художника, а затем рисоваться построчно. Вот, кстати, те десять символов, с помощью которых созданы эти удивительные шедевры: — ! @ # % ^ _ ( & ). Всего Пол Смит напечатал несколько сотен картин. На них он изображал людей, животных, пейзажи, рисунки на религиозную тематику и сцены из Второй мировой войны.

Джейси Шейтан Тенет потерял правую руку более 20 лет назад и с тех пор мог рисовать только левой. Но его друг, инженер и дизайнер, сконструировал для него протез, с помощью которого художник может набивать татуировки.

Ракан Абдулазиз Курди из Саудовской Аравии доказывает, что инвалидность творчеству не помеха.

Викторин Флойд Флад — слепой фотограф, потеряла зрение в возрасте 26 лет.
Эта необычная фотохудожница родилась на Карибах, а затем эмигрировала в США. В 26-летнем возрасте девушка почти полностью потеряла зрение, но друзья помогли ей освоить специальную технику фотографии. Сегодня Викторин – один из немногих в мире фотографов с ограниченным зрением. Свои работы она делает в разных стилях, самый эффектный – это «рисование светом». Конечно, для оценки результата она вынуждена прибегать к помощи других людей, но концепция каждого снимка и его исполнение – это полностью ее авторская работа.

Дуг Джексон

Дуг Джексон родился с церебральным параличом и рисует с помощью кисти, прикрепленной к голове повязкой.

Самый наглядный символ роста, сезонного умирания и возрождения, дерево всегда было больше, чем часть пейзажа. Оно издревле стало неотъемлемым элементом фольклора, и даже в наши дни у некоторых народностей дерево является тотемом, мифическим предком племени. «Священные деревья» обладали магическими свойствами, заложенными в самой их природе. Может, часть этой магии присуща и полотнам с изображением деревьев? Разные деревья символизируют различные качества, подчеркивая общий смысл картины.

Уже по самой своей структуре дерево являло собой первичные представления об устройстве мироздания: корни — подземный мир, ствол — земной, крона — небо. Сколько героев фольклора попадало на небо, подымаясь туда по ветвям! Именно поэтому самый распространенный символ — Древо жизни, — органично вошел в изобразительную культуру и представляет собой основу традиционных орнаментов большинства народов. С помощью Древа Жизни человечество поднимается к духовному просветлению, спасению.

Постоянство ботанической памяти

Изобразительный язык христианства вобрал и трансформировал языческую символику. Поскольку основная масса верующих была в лучшем случае малограмотной, то, для того, чтобы донести смысл Святого писания, нужны были четкие толкования каждой детали, изображенной на иконе. В результате сложился своеобразный ботанический атлас. Например, акация символизирует чистоту Непорочной; миндаль — божественное приближение; кедр — Христа; каштан — целомудрие; вязь — благородство и преданность; ель — терпение; лимон — верность в любви; оливковое дерево — мир; цветок апельсина — чистоту, целомудрие и щедрость; тростник — смирение и символ страстей Христовых; верба — Святое писание.

Пальмовая ветвь часто сопровождает изображения аллегорий Победы и Славы чествующих победителей, и, конечно, означает победу. В христианстве же, пальма считается символом спасения и райской жизни, и, как правило, присутствует в сцене Входа в Иерусалим. Так, на картине «Крещение Христа», написанной юным Леонардо да Винчи совместно со своим учителем Андреа дель Веррокио, на заднем плане изображена пальма, как символ спасения.

Олива изображалась, как символ надежды на мир, счастливую семейную жизнь и размеренный труд — особенно художниками, творящими в эпоху постоянных войн и эпидемий. К тому же, согласно библейскому преданию именно ветку оливу принес голубь после потопа как знак возрождения. В работе представителя сиенской школы Нероччо ди Ланди «Благовещение» (ок. 1475 г.),

Архангел Гавриил просто благословляет Деву Марию, — в руках у него ничего нет. Зато на полу — ваза с цветком лилии, а вдали — оливковые деревья: символ мира, символ Спасителя. В произведениях многих мастеров сиенской школы можно видеть редкое изображение Архангела Гавриила с оливковой ветвью в руке.

В иконографической живописи иногда изображали въезд Иисуса Христа в Иерусалим с оливковой, а не с пальмовой ветвью в руках. Также молитва в Гефсиманском саду и Вознесение Иисуса происходят на Масличной горе, поэтому масличные сады любили изображать многие художники и в дальнейшем, как, например, Винсент Ван Гог.

А вот Сальвадор Дали, как истинный сюрреалист, трактовал значение оливы по-своему: в картине «Постоянство памяти» сухое дерево — символ древней мудрости, которая, к сожалению, уже стала античностью.

Фиговое дерево или смоковница, по принятой традиции означает вожделение или плодовитость. История гласит, о том, что Ромула и Рема, легендарных основателей Рима, волчица вскармливала в тени именно этого дерева, и оно считается символом процветания Римского государства.

А в христианском иконографии это благородное дерево означает ересь: как известно, Христос наложил проклятие на смоковницу, на которой не нашел плодов, после чего она засохла. Уже в классическом искусстве листьями смоковницы в соответствии с легендой прикрывались Адам и Ева.

Значение символики листьев и ветвей лавра пережило тысячелетия и сохранилось неизменным и однозначным по сей день: честь и слава.

Мирт — священное дерево богини Венеры, — обрело популярность в эпоху Возрождения с расцветом светской живописи. Атрибут богини любви можно увидеть на картине Тициана Веччелио (1488−1576) «Любовь земная и Любовь небесная» (1515). Например, заказывая Пьетро Перуджино (1452−1523) картину, Изабелла дЭсте (1474−1539), супруга маркграфа Мантуи, покровительница искусств подробно описала в письме, что должно было изображено на картина «Битва Любви и Целомудрия» (Лувр, 1503−1505): «Позади Венеры пусть будет мирт, как дерево более всего ей любезное».

Можжевельник — символ добродетели и чистоты. Леонардо да Винчи в «Портрете Джиневры де Бенчи» (1478−1480 гг.) как истинный художник Возрождения с ювелирной изобретательностью использовал символическое значение растения. Лицо молодой женщины написано на фоне можжевелового куста. По-итальянски можжевельник звучит как ginerpo, что намекает на имя героини — Джиневра.

Сосна считается символом смерти: будучи однажды срублена, она никогда больше не пускает ростков. К тому же любое растущее рядом растение быстро погибает.

Дуб почитали все народы во все времена за его силу и прочность. От друидов, которые прославили дубы в священных дубравах, до древних греков и римлян. Христианство придало дубу особое значение — он стал символом Христа. Также дуб может символизировать стойкость веры во время испытаний.
Возможно, именно это имел в виду Рафаэль, изображая мощного зеленого красавца, на полотне «Святое се

Возможно, именно это имел в виду Рафаэль, изображая мощного зеленого красавца, на полотне «Святое семейством под дубом» (1518 г.).

Всемирно известный Мамврикийский дуб, хранящий память о библейском событии (явление Господа Аврааму) традиционно изображается практически на всех иконах или фресках с изображением Святой Троицы.

Библейский памятник запечатлел и русский академист Карл Брюллов («Явление Аврааму трех ангелов у дуба Мамврикийского», 1821 г.), «У Богородицкого дуба» 1835 г.). Кстати, Мамврикийский дуб стоит и поныне в городе Хевроне, Палестинской автономии только уже засохший, а в церквях до сих пор продают сувениры, изготовленные, якобы из священной древесины.

Смерть и возрождение

Особое место в символике европейских художников занимает изображение сухого дерева.

Так, в картине Андреа Мантенья (1431−1506) «Моление о чаше» сухое дерево со стервятником однозначно указывает на трагический исход, а зазеленевшая ветка указывает на скорое воскрешение.

Три пня указывают на готовящееся распятие. За учениками — молодое деревце — символ новой жизни. Эта традиция была органично воспринята Каспаром Давидом Фридрихом (1774−1840) в начале XIX века. Поклонник древних лесов, Каспар Фридрих с увлечением начал изображать старые деревья («Дуб зимой», «Старый дуб с гнездом аиста»).

Засохшие, со сломанными ветвями, — в творчестве художника они воплощали конечность человеческой жизни и в соответствии с христианской традицией часто соседствуют с молодой зеленью. Крест на полотнах немецкого романтика всегда окружен вечнозелеными растениями («Крест в горах», «Зимний пейзаж»).

Душа живая

В XIX веке художники начали вносить драматизм и эмоциональный подтекст в пейзаж, выражать свои сокровенные чувства. У того же Фридриха Каспара переплетенные ветви деревьев обозначают сближение человеческих душ. К примеру, в «Белых скалах на Рюгене» (1818−1819) склонившиеся друг к другу деревья символизируют счастливый союз художника с его женой.

Фантастично выглядит дерево на полотне Максима Воробьева (1787−1855) «Дуб, разбитый молнией». Сила рока ударила по темному фону картины и разбила на части мощный дуб. Так художник выразил боль от утраты жены.

Также широко известна картина Ивана Шишкина — «Среди долины ровныя» (1882 г.), написанная им через год после внезапной смерти любимой жены. Он сильно переживал потерю и, гуляя долиной, увидел дуб, в котором узнал себя: одинокого, но не сломленного бурями и невзгодами. Его же полотно «Срубленный дуб в Беловежской пуще» (1892) вызывает иное чувство: такое впечатление, что убили живое существо…

Наивная Фрида

По-своему трактует образ своей связи с окружающим миром мексиканская художница Фрида Кало (1907−1954). Ее стиль иногда характеризуют как наивное искусство. Она изображала себя обвитую корнями, как часть природы, которая должна была ее поглотить. Продолжательница народной традиции она по-новому видит буквальную связь растений и человека. Например, портрет ученого-ботаника Лютера Бербанка (1931) и работа «Корни» (1943 г.) прочитываются просто-таки прямолинейно.

Сад Поднебесной

Немного иной эстетический культ дерева существует в китайской живописи. В искусстве Поднебесной самое популярное растение — ива, как символ скромной красоты и утончённости, знак весны в природе, атрибут богини материнства Гуаньинь.

Сосна — также любимый объект китайских художников, поскольку олицетворяет и конфуцианскую сдержанность и стойкость, и даосский идеал «пользы бесполезного» (древесина изогнута, сучковата и непригодна для поделок).

…Художники всех времен и народов показывали особую символику деревьев, и, зная, о сокрытом смысле изображения, можно иначе взглянуть на многие известные работы.

Дети любопытны. Часто даже счастливый финал сказки их не вполне устраивает, ребенок спрашивает: «И что потом?». А при разглядывании детских портретов задает вопрос: «Что с этим мальчиком (девочкой) было дальше?». Рассказываем о дальнейшей судьбе юных героев известных работ. Судьбе во многом счастливой или же, как минимум, яркой. В этой публикации вы найдете подборку детских портретов разных эпох в хронологическом порядке.

Портрет жизнерадостного малыша со щеглом (именно эту птичку сжимает нарисованный кулачок) стал революционным для своего времени. Художник Аньоло Бронзино написал маслом по дереву пухленького смеющегося младенца, а не вычурного вельможу — взрослого в миниатюре, как в те времена изображали отпрысков знатных господ. А на портрете не кто иной, как Джованни Медичи (1543 — 1562) — сын Козимо I, герцога Флоренции, великого герцога Тосканы и Элеоноры Альварес де Толедо. Кроме того, художник не стал писать Медичи в полный рост и обошелся без классического поворота головы на ¾, изобразив личико ребенка почти фронтально.
Этот портрет не раз удостаивался звания «Самое счастливое и красивое изображение ребенка» в эпоху Возрождения.
Как же сложилась дальнейшая судьба титулованного малыша? Указание на его предназначение содержится в картине. Птичка в руке (щегол) в католичестве — символ воскрешения Христа. Аньоло Бронзино таким образом намекал, что юного Медичи ждет ранг кардинала: в те времена второго сына правителя готовили к церковной карьере.

Джованни Медичи и вправду стал кардиналом, причем еще в 15-летнем возрасте. Церковная должность не стала помехой страсти к охоте и коллекционированию античных статуй. Правда, жизнь кардинала была недолгой. В девятнадцатилетнем возрасте он скончался на руках у отца. Современники подозревали, что Джованни отравил младший брат.

Тринадцатилетний мальчик на портрете является и его автором. Великий Альбрехт Дюрер (1471 — 1528) был первооткрывателем во многом и прожил удивительно насыщенную жизнь, что вполне может служить эквивалентом жизни счастливой. Начнем с того, что в западноевропейском искусстве именно Дюрер первым стал писать автопортреты. Потом он же первым напишет и автобиографию.

Некоторые критики полагают, что создание «Автопортрета» было обусловлено прежде всего желанием мастера проследить изменение собственного облика. Вот он и начал настолько рано, насколько смог.
За неполных 60 лет своей жизни Дюрер сумел прославиться не только как художник, но и как геометр, теоретик искусства, механик и архитектор. Возможно, единственное, где он не преуспел — это семейная жизнь. Увы, современники свидетельствовали, что отношения с супругой у Дюрера были прохладными, и детей у них не было.

Самая знаменитая девочка Испании

Диего Веласкес прославил инфанту Маргариту (1651 — 1673) в веках. Великий художник написал шесть портретов маленькой принцессы — будущей императрицы Священной Римской империи, королевы Германии, Венгрии и Чехии, эрцгерцогини Австрийской. Ее образ до сих пор вдохновляет художников и поэтов.

Нельзя сказать, что реальная жизнь инфанты сложилась так же удачно, как судьба ее образа. Но тем не менее она смогла получить в жизни то, чем мог похвастать мало кто из представителей королевских династий того времени. Инфанта Маргарита была счастлива в браке. Да-да, ее супруг — император Леопольд І, для которого писалось большинство портретов Маргариты, — нежно любил свою жену. А инфанта отвечала ему взаимностью. У них были схожие вкусы, они оба ценили искусство. «Единственная Маргарита» — называл ее Леопольд. А ведь вероятность любви в таком союзе была невысокой: о браке договорились в момент рождения девочки. Не так уж часто получается любить по приказу. В жизни инфанты Маргариты была счастливая любовь, но, к сожалению, сама жизнь «самой знаменитой девочки Испании» продлилась недолго — всего 22 года. Маргарита с детства была болезненной, и ее хрупкий организм не выдержал многочисленных родов. За шесть лет супружества инфанта родила четверых детей.

«Верная супруга и добродетельная мать»

На портрете, написанном в стиле рококо, Иван Вишняков изобразил десятилетнюю девочку-графиню — Сарру Элеоору Фермор (1740 — 1824). Эта работа является одной из самых знаменитых картин времен императрицы Елизаветы Петровны. Ткань платья молоденькой графини выписана настолько точно, что современные английские специалисты распознали образец шелка середины XVIII века, производимый в Англии по французским рисункам.
Но вернемся к портрету. Десятилетняя девочка все делает, как взрослая: приняла правильную позу, держит веер согласно этикету, старательно сохраняет осанку в корсете, а губы сложила в «правильную» светскую улыбку. А ведь позировать юной Сарре пришлось много-много часов. Такое терпение было сторицей вознаграждено. И не только тем, что портрет девочки кисти Вишнякова прославился. Сама Сарра — дочь генерала Виллима Фермора, обрусевшего шотландца, прожила долгую счастливую жизнь.

Графиня Сарра Фермор вышла замуж по тем временам поздно, в 20 лет, за своего ровесника Якоба Понтуса Стенбока. По некоторым данным, Сарра Элеонора родила девятерых детей. В их семейном дворце в Таллине сейчас находится кабинет эстонского премьер-министра, зал заседаний правительства и кабинеты других государственных мужей.

Первый романтик

Орест Кипренский в 1809 году представил на суд публике портрет двенадцатилетнего Александра Челищева (1797 — 1881). Картина мгновенно обрела популярность. С этого полотна начинается эпоха романтического портрета в русской живописи.

Кипренский написал мальчика, который готовится поступать в Пажеский корпус. Чуть не впервые в русской художественной школе живописец не стал «старить» свою модель, приближая ее к миру взрослых. На полотне действительно мальчик, в глазах которого наивность и детское простодушие. Но выбранное сочетание цветов — темная куртка, едва видимый ворот белой рубашки, и жилет алого цвета — придают образу нотки загадочности.
Герой портрета прожил долгую жизнь, в которой хватало романтики. В 1812 году юноша воевал. В составе Силезской армии дошел до Парижа. За боевые заслуги его неоднократно награждали. Позднее Челищев входил в тайное общество декабристов, но в самом восстании не участвовал.

Уйдя в отставку, в возрасте 36 лет женился на дальней родственнице Александра Пушкина и стал благонамеренным помещиком. В этом браке родилось четверо детей. Челищев на покое прожил почти полвека, вспоминая «минувшие дни и битвы, где вместе рубились они». Некогда романтичный мальчик изведал и бури, и покой. Это ли не счастье?

Портрет детей художника

Самый дорогой русский художник конца ХІХ века — Константин Маковский — был нарасхват. Слава придворного живописца выходила далеко за пределы Российской империи. Именно его пригласили писать первый президентский портрет Теодора Рузвельта. При этом у Маковского находилось время создавать портреты детей, в том числе и собственных. А их у художника было девятеро от трех браков.

Самыми известными стали портреты сына Сергея (1877 — 1962) и дочери Елены (1878 — 1967). Маковский писал Сережу с локонами. В те времена многие художники не разрешали стричь своих маленьких сыновей — длинные волосы подчеркивали хрупкость ребенка (длинноволосым писал своего сына и Ренуар, речь о котором пойдет ниже). А наибольшую известность в жанре детского портрета приобрела картина, которая так и называется: «Портрет детей художника» — на ней Лена и Сережа изображены вместе. Двое прелестных малышей в саду — два цветка среди цветов.

Позже именно Елена и Сергей стали и самыми знаменитыми среди других детей Маковского.
Сергей в 1920 году эмигрировал сначала в Прагу, а потом в Париж. Он получил блестящее образование. Стал искусствоведом и поэтом, чьи стихи высоко ценил Николай Гумилев, посвятивший другу Сергею произведение «Я верил, я думал». Маковский написал пять монографий об изобразительном и прикладном искусстве и еще одну — о художественной критике.

Елена Маковская эмигрировала в тогда еще Германскую империю. Стала востребованным художником. Вышла замуж за венского скульптора Рихарда Лукша и родила троих детей: двух сыновей и дочь. Скульптура Лукш-Маковской — «Судьба женщины» — до сих пор украшает парк в Гамбурге. А одна из ее картин демонстрируется во дворце Бельведер рядом с работами Густава Климта.

Кто угадает в его чертах шекспироведа?

Один из самых знаменитых детских портретов кисти Валентина Серова — «Портрет Мики Морозова». Художник написал четырехлетнего сына предпринимателя, мецената и коллекционера Михаила Морозова и одной из крупнейших представительниц религиозно-философского и культурного просвещения России начала ХХ века Маргариты Мамонтовой.

Малыш не очень любил позировать, поэтому Серову пришлось писать портрет короткими сеансами, длившимися не более 20 минут.

Миша (Мика) Морозов (1897 — 1952) с двух лет обучался английскому языку. Впоследствии учился в Великобритании, затем вернулся в Россию и окончил филологический факультет МГУ. Михаил Морозов стал знаменитым литературоведом, театроведом, педагогом, переводчиком и одним из основателей советского научного шекспироведения.

Великий сын великого отца

Пьер Огюст Ренуар — один из основателей французского импрессионизма, художник, о котором говорили, что он «не написал ни одной печальной картины», подарил миру немало детских портретов. Любимыми моделями были его собственные ребятишки.

«Огюст Ренуар был безумным отцом. Чтобы угомонить маленького сына Жана на полчаса для позирования, е
«Огюст Ренуар был безумным отцом. Чтобы угомонить маленького сына Жана на полчаса для позирования, ему прямо в мастерской читали Андерсена… Жан не был красавчиком, но его волосы были — чистое золото. Сыновьям отращивали шевелюры, преследуя две цели: защитить голову от возможных травм и подарить Ренуару несколько новых вдохновляющих золотистых бликов на детских волосах. Жан распрощался с волосами, когда родился младший брат…» — истории о художнике в Артхиве.

У Огюста Ренуара и его жены Алины было три сына: Пьер, Жан и Клод. Все они, так или иначе, связали свою жизнь с искусством. Младший, Клод, стал художником-керамистом. Старший, Пьер, — талантливым актером. Средний, Жан, — кинорежиссером. Творчество Жана Ренуара (1894 — 1979) опровергает расхожую формулировку: «На детях гениев природа отдыхает». Для некоторых ценителей искусства не Жан — сын великого отца, а Пьер Огюст — отец великого сына.

Жан Ренуар снял самую значительную ленту французского довоенного кино — «Великую иллюзию» (1937). В фильме Ренуара нет ни одной батальной сцены, гибнет лишь один из героев, тем не менее «Великая иллюзия» до сих пор считается одним из самых выдающихся антивоенных фильмов. Жюри Венецианского фестиваля 1937 года не решилось присудить фильму Гран-при и изобрело для него специальный утешительный приз — за лучший актерский ансамбль.

Фильм в нацистской Германии запретил министр пропаганды Йозеф Геббельс, который назвал Ренуара «кинематографическим врагом № 1» и призвал своего итальянского коллегу из состава фашистского правительства Муссолини сделать то же самое, что и последовало. Долгое время считалось, что все европейские копии «Великой иллюзии» уничтожили нацисты, но в 1945 году в Мюнхене американцы нашли негатив (сохранили его сами немцы). Ленту восстановили. Фильм занял пятое место в списке 12 лучших фильмов всех времен и народов.

В 1974 году Жан Ренуар получил Оскар с формулировкой: «Гению, который с завидной преданностью работал в немом, звуковом, игровом, документальном и телевизионном кино, завоевав всемирное восхищение». Не скажем о всех жителях Земли, но наверняка для всех кинематографистов получение Оскара — это и есть самое настоящее СЧАСТЬЕ!