Петрас Лукосиус: художник, играющий со светом

Есть художники, которые в своем творчестве пытаются охватить все жанры, всецело проявить себя в них, иные работают в одном направлении, но зато разнопланово и многогранно. А есть и такие, подобные музыкантам-виртуозам, играющим на одной струне, которые выбирают одну тему, один образ и раскрывают его во всю ширь и глубину. Так и литовский живописец Петрас Лукосиус, выбравший для себя одну единственную тему, полностью посвятил себя образу льющегося света во тьме, который открывает зрителю целый мир, пробуждающийся ото сна.


О художнике



Петрас Лукосиус (Petras Lukosius) родился в далеком 1956 году, когда Литва еще входила в Советского Союза. Четырнадцатилетним подростком начал посещать изостудию при школе искусств города Клайпеды. Затем было отделение декоративно-прикладного искусства «Telsiai» в техникуме деревообрабатывающей промышленности и факультет прикладных искусств Академии художеста в Вильнюсе.

Незаурядный талант Пертаса был подмечен преподавателями еще со школьной скамьи, и он был вовлечен во все конкурсы и всевозможные выставки, вплоть до Всесоюзных. Пройдет не так много времени, и состоявшийся литовский художник будет выставляться в лучших галереях по всему миру. И соответственно картины Петраса Лукосиуса станут украшением частных собраний коллекционеров по странам Европы, Азии, Америки.

Волшебные картины Петраса Лукосиуса



Творения мастера интересны своей неординарностью, где торжествует льющийся свет, пробивающийся сквозь толщи тьмы. Его удивительные работы, заставляющие окунуться в тайну природы солнечного и лунного луча. Ведь благодаря свету мы видим окружающую среду и предметы вокруг нас в определенном спектральном цвете. Когда меняется характер света - меняются и цвета предметов.


Художник мастерски сумел приручить многослойные потоки льющихся лучей и окутал ими дремучие чащи, штормящее море, горные массивы и причудливые готические строения, показав во всей красе природное величие световых потоков.


К примеру, темный непроходимый лес всегда выглядит зловеще. Одна надежда на луч света способный разрезать тьму и в корне изменить ситуацию. Пробиваясь сквозь густую крону деревьев даже небольшой лучик способен совершить чудо. Он начинает просачиваться и струиться, пробивая себе дорогу сквозь непролазные чащи. И его сила настоль велика, что он может представить нашему взору необычайную красоту и живописность, того зловещего леса, донедавна погруженного во тьму.


В своем творчестве художник, постигший силу льющегося света, отдает предпочтение образу леса и морской стихии, выглядящих на его полотнах многослойными стеклянными виражами, через которые струятся те самые всемогущие лучи.

Рассматривая неординарные пейзажи мастера, припомнились строки Светланы Коппел-Ковтун - поэтессы, эссеиста, публициста, автора сказок для детей и взрослых.


Я ведь тот, кого нет,
и даже не тень —
совсем иное...
Свет — мой приоритет,
хоть он — мишень,
как всё живое.


Тьмы открытая пасть
хотела б знать
свою добычу.
Может вскоре напасть
усталость ждать:
исход — обычен.


Но я тот, кого нет,
и я не тень —
совсем иное...
Свет — мой приоритет,
а мрак — мишень:
так луч устроен.

20 августа 2018 года.













Художников, которые посвятили себя одной теме в живописи, отшлифовав ее до идеала, не так уж и много в истории искусства. Как правило, большинство всегда в поиске новых горизонтов, свежих идей и образов.
Источник: kulturologia.ru
Поделись
с друзьями!
186
2
8
2 дня

Зима и дети - удивительные картины Роберта Дункана

Роберт Дункан начал рисовать в возрасте одиннадцати лет. В детстве он проводил каникулы у бабушки и дедушки, где его бабушка подарила ему первый набор масляных красок. Именно там он полюбил деревенскую жизнь и широкие, открытые пространства. Роберт Дункан, его жена Линда, их шестеро детей и целый двор домашних животных живут в маленьком городке Мидуэй в северном штате Юта. Он рисует то, что составляет его каждодневный труд, и его семья является неотъемлемой частью всего этого.


"Есть какое-то необъяснимое волшебство в том, как дети смотрят на мир. Они одновременно чувствуют всю гамму эмоций, но при этом живут в гармонии с миром. Именно поэтому мне так нравится наблюдать за ними и стараться передать этот особенный мир в своих картинах» - рассказывает Роберт Дункан.


Таких потрясающих результатов ему позволяет добиться наблюдательность и бесконечная любовь к природе, которая окружает каждого из нас. Своими картинами он хочет призвать нас к сохранению дикой природы для потомков.


Роберт Дункан родился в 1952 году, в городе Солт-Лейк-Сити и вырос в большой семье из десяти детей. Летом он проводил время на ранчо у Вайоминге, помогая дедушке и бабушке, которые на 10000 акров земли разводили крупный рогатый скот.

Ранчо было окружено открытой местностью, и Robert Duncan влюбился в сельскую жизнь и окружающую красоту. Начал рисовать уже в пять лет, а когда художнику было одиннадцать, бабушка дала ему набор красок и заплатила за три урока масляной живописи.

Роберт Дункан изучал искусство в Университете штата Юта, и много путешествовал чтобы посетить музеи и изучать великих художников. Эти путешествия включали поездки в Россию, Скандинавию, в другие страны Европы, а также частые поездки на Восточное побережье и по Канаде.



Robert Duncan был избран в Cowboy художников Америки в 29 лет и завоевала две серебряные медали на ежегодной выставке в Phoenix Art Museum. Через пять с половиной лет Роберт покинул Cowboy Artists, чтобы уделять больше времени живописи своей семьи, друзей и красивой сельской местности Мидуэй и долины Хибер.

В настоящее время Роберт, его жена Линда и шестеро детей живут в небольшом городке Мидуэй в северной части штата Юта. Быт семьи, домашние животные и красота природы, которую он бесконечно любит и является для художника предметом творчества. Он создал свое издательство Роберт Дункан Studios, которое в настоящее время издает и распространяет репродукцию с его картин: принт-постеры, открытки и календари.











Поделись
с друзьями!
829
1
28
7 дней

Тонкий мир грёз белорусского сюрреалиста Олега Чубакова

В наше время творческим людям очень сложно внести новизну в работу, особенно в художественном ремесле, так как практически все, являются и знатоками, истинными ценителями, и судьями. И если одни - искренне восхищаются, то другие обязательно отчаянно критикуют, называя китчем. Под прицелом взыскательной публики оказалось творчество современного белорусского художника Олега Чубакова, работы которого ценителями искусства воспринимаются неоднозначно.Сегодня мы предлагаем нашему читателю выразить собственное мнение о творчестве мастера.


Красочность и загадочность венецианских карнавалов, велосипедные прогулки, утонченные красавицы и их галантные поклонники... Всё это и многое другое оживляет художник на своих полотнах, мастерски передавая всю красоту образов в стиле современного сюрреализма.



С одной стороны работы Олега Чубакова ничто иное, как некие эфемерными картинки, персонажи которых балансируют с лёгкостью на грани пустоты и невесомости.
С иной точки зрения - картины мастера самобытны и оригинальны, пропитанные солнцем и светом, позитивной энергетикой и тонким лиризмом. Они с первых же минут привлекают внимание зрителя динамикой, которую автор ассоциирует с "движением души", а также гармонией красок и царящей вокруг волшебной атмосферой.



Отдельно несколько слов хотелось бы сказать о тематике произведений белорусского мастера. В его творчестве прослеживается несколько узконаправленных тем: велосипед, венецианский карнавал, театр, цирк, девушки, мир и вселенная. К изложению каждой из них живописец подходит с неординарным мировоззрением, закладывая и глубочайший смысл, и философию, и авторское воображение, и неземную красоту.


Работает мастер в основном акварелью, иногда для звучности вкрапляя акрил. Использует технику набрызга и монотипии, что придает работам особый шарм. Цветовое решение картин - экспрессивно. Особенно это чувствуется в цикле работ "Венецианский карнавал".






Несколько слов о художнике


Современный белорусский художник Олег Чубаков родился в 1969 году, в Минске. В 1985-м окончил местную художественную школу, а в 1995-м вышел из стен Белорусской Академии Искусств дипломированным художником, окончив факультет станковой графики. Со студенческой скамьи начал принимать активное участие в республиканских выставках, а со временем и международных. Публика Чехии, Франции, Бельгии, США впечатлялась его работами, окунаясь в атмосферу волшебства и мечты.


Художник и по сей день не останавливается на достигнутом, он постоянно находит новые способы выражения творческой мысли, сочетая различные техники, полет своей неуемной фантазии, раздвигая границы современного искусства.




Источник: kulturologia.ru
Поделись
с друзьями!
667
4
33
7 дней

«Собаки и дети». Трогательные картины английского художника Чарльза Барбера

Ученые постоянно твердят, что собака – это всего лишь животное и не нужно ее очеловечивать. Мол, она не способна на сложные эмоции и чувства. Однако каждый, у кого есть пес, знает, насколько преданным может быть четвероногий друг и как велико порой бывает его сочувствие, понимание и терпение. Особенно трогательно собаки относятся к детям. Замечательный английский художник-анималист XIX века Чарльз Бертон Барбер запечатлел в своих картинах все виды такой собачьей преданности.

Charles Burton Barber

Чарльза Бертона Барбера можно по праву назвать одним из лучших анималистов, писавших жанровые картины. Он был почетным членом Королевской академии художеств в Лондоне и любимцем королевы Виктории. На протяжении всей своей недолгой жизни (а умер он в 49 лет) Барбер рисовал животных, потому что безумно их любил.

Чарльз Бертон Барбер

Больше всего художнику нравилось изображать собак. Он считал их уникальными существами и восхищался широким спектром их эмоций. Особенно реалистично у анималиста получались бытовые сценки животных с детьми. Возможно, оттого, что у него у самого были две дочери.

При жизни художник был очень популярен и его картины украшали гостиные многих богатых английских домов. Даже сама королева позволяла Барберу рисовать детей при дворе. И хотя некоторые современники упрекали живописца за излишнюю слащавость (на его картинах всегда были изображены дети из обеспеченных семей в богатых интерьерах), даже критики признавали его мастерство и точность в изображении пород собак и передаче эмоций детей и животных. Его картины, написанные в 1870-1890-х годах, и в наше время не могут никого оставить равнодушным. Интересно, чтобы сказали людям эти четвероногие герои, умей они разговаривать?

«В школу? Одна? Нет, тебе нужен охранник. Ну, хотя бы для того, чтобы нести зонт».


«В школу» /Charles Burton Barber

«Ты влюблена в него, а я – в тебя, хозяйка. Погрустим?».


«Влюбленные» /Charles Burton Barber

«Просыпайся скорее! Мне скучно!»


«Пора будить» /Charles Burton Barber

«Я, конечно, читать не умею, но разделяю твои эмоции»


«Блондинка и ее брюнетка-мопс» /Charles Burton Barber

«Хозяйка сказала, что сегодня она доктор, а я – больной. Ну, больной так больной».


«Все не так плохо» /Charles Burton Barber

«Ну, потерпи еще немножко! Скоро каникулы».


«Учим уроки» /Charles Burton Barber

«Мне, конечно, не очень удобно с этой повязкой, но если тебе так легче болеть…»


«Двое больных» /Charles Burton Barber

«Не нравится мне все это.... Ты точно не уронишь щенков?»


«Девочка с собаками» /Charles Burton Barber

«Прогулка откладывается. И это наше общее горе...»


«День не для прогулок» /Charles Burton Barber

«Да терплю я. Терплю!»


«Надежда» /Charles Burton Barber

«Зачем вы обидели мою девочку?»


«Защитник» /Charles Burton Barber

«Не подлизывайся, кот! Она знает, что я ее люблю больше».


«Кошка и собака в картинках» /Charles Burton Barber

«Мы поможем тебе их слепить! И съесть».


«Маленькая стряпуха и два ее ассистента» /Charles Burton Barber

«Сегодня я твой партнер по танцам? Хорошо, только недолго, ладно?».


«Мой первый партнер» /Charles Burton Barber

«Господи, сохрани мою хозяйку, а мне пошли вот это вкусное яичко».


«Молитва» /Charles Burton Barber

«Ты как будто монстр, а мы как будто боимся?»


«Монстр» /Charles Burton Barber

«А может, больше не надо?»


«Обжегшись на молоке, дуешь на воду» /Charles Burton Barber

«Да пою я, пою….»


«Порванная струна» /Charles Burton Barber

«О, хозяйка полезла в наш заветный шкафчик!»


«Потайное место» /Charles Burton Barber

«Делаю вид, что мне приятно, но это очень холодно и мокро…»


«Принятие ванны» /Charles Burton Barber

«Да, нам стыдно. Переживем этот позор вместе».


«Провинились» /Charles Burton Barber

Картины Барбера очень добрые и уютные. Они переносят нас в мир беззаботного детства. Любителям такого искусства будет интересно ознакомиться и с картинами современного художника Джима Дэйли, на которых, кстати, тоже нередко встречаются домашние животные.

Текст: Анна Белова
Источник: kulturologia.ru
Поделись
с друзьями!
1104
1
18
2 месяца

Чем дольше смотришь, тем больше видишь: сюрреалистические миры Яцека Йерки

Польский художник Яцек Йерка известен своими выразительными картинами, в сюжете которых обычно фигурируют странные монстры, сказочные пейзажи и экстраординарные архитектурные строения. Он получил признание от различных научно-фантастических и фэнтезийных писателей. Работы Йерка даже используют для создания галлюциногенных пазлов.

Приземление

Яцек Йерка — польский художник-сюрреалист, выпускник факультета изобразительного искусства Университета Николая Коперника. Прославился художник своими фэнтэзийными сюрреалистичными картинами-загадками. Работы художника можно встретить в некоторых американских изданиях, они выставлялись в Польше, Германии, Франции, Монако и Соединенных Штатах, а также находятся в ряде коллекций по всему миру. В 1995 году Яцек получил премию World Fantasy Award как лучший художник.

Города

Уже несколько десятков лет ценители искусства по всему миру восторгаются талантом художника. Летающие корабли, растущие на деревьях ягоды, деревья, растущие неестественным образом или мир в пасти дракона — все это символы, которые раскрывают философию жизни художника и позволяют взглянуть на мире его глазами.

Библиотека

Сам Яцек Йерка утверждает, что наибольшее влияние на его картины оказали такие художники, как Иеро́ним Босх, Пи́тер Бре́йгель-старший, Ян ван Эйк, Хуго ван дер Гус, ИЧСХ — все голландцы. Понятно, откуда такая страсть к мелким деталькам и тщательному выписыванию, достаточно только глянуть на полотна Босха. Впрочем, картинам Яцека Йерки это не вредит, а скорее наоборот стало своеобразной фишкой.

Экспресс-доставка

Именно за красоту мелких деталей а также за умопомрачительные сюжеты, сочетающие в себе технику пятидесятых, архитектуру, животных, природу и, внезапно, домашний уют, многие и любят картины Яцека.

Атака

Летняя спальня

Поезд

Бюджетный перелет

Тяжелая партия

Урожай

Спокойной ночи


Поворот домой

Порт

Аквариум
Поделись
с друзьями!
919
3
19
2 месяца

Известные художники и их таинственные картины о самых светлых чувствах

Тема любви – одна из самых популярных в искусстве и картины известных художников не стали исключением. Яркие, романтические, чувственные и эмоционально насыщенные, они позволяют окунуться в необычный водоворот эмоций. Какие же картины и каких мастеров искусства сегодня являются самыми яркими воплощениями романтической темы – то, о чем мы расскажем сегодня.

Густав Климт


Густав Климт

Немногие произведения искусства так обожаемы или широко воспроизводятся, как «Поцелуй» Густава Климта. Роскошные позолоченные объятия украшают плакаты, чашки и футболки за десять долларов по всему миру, но история картины гораздо больше, чем её сегодняшняя коммерческая вездесущность.

Когда Климт создавал свой шедевр, он был уже бесстрашным лидером Венского Авангарда. Кроме того, он нажил себе непримиримых врагов в чопорном австрийском художественном истеблишменте, которому претила беззастенчивая чувственность и эстетический декаданс его работ.

"Поцелуй"

«Поцелуй» Климта - это архетип человеческой нежности и желания. Он представляет страстный эротизм и то, как этот эротизм поглощает любовников. Картина, рождённая «золотым периодом» Климта, отличается сверкающими золотыми тонами, стилизованными штрихами и очень романтической визуальной аллегорией, вдохновлённой византийскими мозаиками. Примечательно, что привлекательный главный цвет включает в себя частицы сусального золота для эффекта.

Сюжет портрета - пара, разделяющая интимные объятия, их тела частично скрыты величественным одеянием, когда они стоят на коленях на полевых цветах и по выражению лица женщины видно, как она радуется тому, что находится в объятиях своего возлюбленного и получает его поцелуй.

Эта картина пересекает социальные границы: она иллюстрирует, что как только люди поглощены страстью, они духовно освобождаются от привязанности к этому миру и его ограничениям. Они становятся единым целым с космосом, который принимает всех существ, независимо от генетики.

Интересный факт: в то время, когда «Поцелуй» был написан, он рассматривался пост-викторианским обществом как порнографический материал, а на сегодняшний день это произведение искусства считается одним из самых выдающихся и уникальных в своём роде.

Рой Лихтенштейн


Рой Лихтенштейн

На первый взгляд эта романтическая картина влюбленных может показаться весьма странной. Но на самом деле всё гораздо проще, стоит лишь углубиться в контекст данной работы.

Американский красавчик встречается с симпатичной блондинкой. Их «любовь» настолько глубока, что внешний мир перестал существовать, и им даже не нужен воздух, чтобы дышать, когда они с головой уходят под воду в объятиях друг друга.

"Мы медленно вставали"

Однако Рой Лихтенштейн на самом деле высмеивает поверхностность любви здесь. Весь этот образ ложен и искажён, поскольку он представляет собой иллюзию «совершенной любви».

Не случайно он сделал её похожей на рекламу, заставив картину служить гораздо более глубокой цели: показать реальность того, как люди «покупают» такие иллюзии, не задумываясь о том, что же им предлагают на самом деле.

Интересный факт: для этого холста Лихтенштейн использовал композицию разделённой панели между текстом и изображением. Это должно было смешать повествование между двумя персонажами.

Рене Магритт


Рене Магритт

«Влюблённые II» - это произведение, которое раскрывает реальность любви, когда она идёт не так, как ожидалось. С одной стороны, это романтическая картина, изображающая влюблённых, разделяющих поцелуй крупным планом. Но, с другой стороны, это печальный, почти навязчивый образ. Рене Магритт был известен своими темами неудовлетворённых желаний, поэтому, возможно, вуали, обёрнутые вокруг голов главных героев, можно было бы интерпретировать как таковые. Они мешают паре вступить в полноценный поцелуй, ведь они изолированы и, таким образом, разочарованы.

"Влюблённые II"

Однако другие интерпретации склоняются к тому, что здесь всё гораздо печальнее, чем кажется на первый взгляд. Может ли это быть отражением отвержения, отрицания любви? Представляет ли он отношения в целом, и как они часто нарушаются из-за различных проблем, в том числе из-за отсутствия общения?

Эта картина настолько противоречива, что, исходя из вышеприведённых интерпретаций, художник также может показать в этом образе то, что как бы близко ни подходил человек к своему партнеру, он никогда не узнает свою истинную природу, которая представлена барьерами из ткани.

Ибо, как говорится, «каждый человек - это остров». Такой творческий приём играет на реальности, которую люди часто скрывают—они надевают маски, позволяя другим видеть только то, что лежит на поверхности, а не то, что находится в глубине их души.

Интересный факт: когда Рене было четырнадцать, его мать покончила с собой, утонув. Он видел, как её тело вытаскивали из воды, а лицо закрывала ночная рубашка.

Было высказано предположение, что общий для художника мотив окутанных лиц родился из этой травмы. Однако позже он опроверг это, заявив: «Моя живопись - это видимые образы, которые ничего не скрывают. Они пробуждают тайну, и действительно, когда человек видит одну из моих картин, он задаёт себе такой простой вопрос: «Что это значит?» На самом же деле это ничего не значит, потому что тайна тоже ничего не значит. Это непознаваемо».

Судзуки Харунобу



Японская пара прогуливается по снегопаду под одним зонтом. Сам зонтик может быть истолкован как придающий сцене дополнительную интимность. Как будто зритель почти прерывает прогулку влюблённых. Тот факт, что их лица серьёзны, почти печальны, предполагает потенциальную потерю или горе. Поэт Ногучи даже прокомментировал это полотно так: «Если бы не существовало «влюблённых под зонтиком» юного Харунобу, я бы только удивился, что же это за одинокая и заброшенная вещь - наша укиё-э?»

Спокойствие влюблённых, идущих под снегом, воплощает японскую эстетику ваби-саби, которая ценит несовершенную красоту природы. Эта пара олицетворяет молодую любовь, и, подобно героям «Поцелуя» Климта, они пользуются своим желанием побыть наедине, не привязанные к внешнему миру, доказывая, что, независимо от происхождения, все разделяют подобный опыт романтической любви.

Рембрандт


Рембрандт

«Еврейская невеста» Рембрандта - романтическая картина влюблённых, что получила своё название в начале девятнадцатого века после того, как коллекционер искусства уверил, что это был портрет еврейского отца, дающего своей дочери ожерелье в день её свадьбы. Однако позже это было опровергнуто, и наиболее распространённым мнением является то, что это Исаак и Ревекка из Ветхого Завета.

На полотне изображено выражение любви между супругами - стиль, редкий для голландских художников-реалистов эпохи барокко. Мужчина ласково касается левой рукой плеча женщины, в то время как его правая рука точно так же лежит на её груди. Этот лёгкий физический контакт указывает скорее на невинную любовь, чем на похоть. В противоположность этому, лица персонажей намекают на нечто более глубокое. Глаза мужчины означают неуверенность, в то время как взгляд женщины подразумевает созерцание, но никто из них не смотрит друг на друга. Может быть, это намёк на сомнение в их будущем?

"Еврейская невеста"

Как и другие картины, «Еврейская невеста» может быть истолкована как смесь духовной и физической любви. Однако это толкование также допускает некоторую ложь, поскольку это неаутентичный образ еврейской невесты и жениха из Библии. Вместо этого это приукрашенное романтизированное изображение культурного ритуала, выходящего за рамки опыта преимущественно христианского общества.

Ренуар


Танец в деревне (1883)

Любовники Ренуара в смятении от музыки, танцев, летней жары... и друг от друга. Их пикник был оставлен ​​в беспорядке; шляпа (его?) упала на землю; и девушке только остается поддаться поклоннику, который крепко держит ее за запястье и талию. Кажется, что вся картина колеблется. Центром мягкой и знойной композиции является улыбка на прекрасном лице девушки. Направленный прямо к зрителю, этот образ — фиксация момента истинного счастья.

Рубенс


Автопортрет с Изабеллой Брант (1609)

Эта картина создана Рубенсом вскоре после женитьбы и изображает супругов на фоне куста жимолости. Спокойствие и безмятежность исходят от картины, на которой фигуры изображены одинаково большими и рядом друг с другом — выражение самостоятельности и равноправного положения супругов. Рубенс расположился на скамье, а Изабелла — на коленях возле него на брошенном на землю голубом плаще. Все в саду процветает и эти двое оберегают друг друга своей любовью. Поза художника исполнена крайней непринужденности и свободы, он сидит, закинув ногу на ногу. История мирового портрета еще не знала подобной раскованности движения позирующей для портрета модели.

Марк Шагал


День рождения (1915)

Муза и жена Шагала, Белла, вспоминала, как в день рождения мужа она собрала у себя дома яркие платки, нарвала в соседнем саду синие цветы и украсила его мастерскую: «Я все еще держала цветы. Сначала порывалась поставить их в воду. Завянут же. Но очень скоро про них забыла. Ты так и набросился на холст; он, бедный, задрожал у тебя под рукой. Кисточки окунулись в краски. Разлетались красные, синие, белые, черные брызги. Ты закружил меня в вихре красок. И вдруг оторвал от земли и сам оттолкнулся ногой. Как будто тебе стало тесно в маленькой комнатушке. Вытянулся, поднялся и поплыл под потолком». Потолок раздвинулся — и влюбленные устремились в синеву витебского неба. Кто-то называет эту картину «метафорой обретенного счастья», а Марк Захарович был проще в определении: «Только открыть окно — и она здесь, а с ней лазурь, любовь, цветы. С тех давних пор и по сей день она, одетая в белое или в черное, парит в моих картинах, озаряет мой путь в искусстве».
Источник: kulturologia.ru
Поделись
с друзьями!
711
3
20
2 месяца

Роскошные коты на полотнах знаменитых художников разных времён

Испокон веков кошки были частью культуры, вплоть до Древнего Египта, где им поклонялись и прославляли, в прочем, как и на Руси. Хотя в некоторой культуре кошки считались исчадием Ада, безустанно следовавшим за ведьмами. Но как бы то ни было, а их изображение можно встретить практически в любой период времени. Исключением не стали и картины известных художников, которые сделали кошек частью своего творчества.


Луис Уэйн – Мальчишник


Луис Уэйн – Мальчишник. \ Фото: metodico.com.br

Луис Уэйн был одним из самых популярных английских иллюстраторов и его кошки заслуживают отдельной статьи. Он родился в 1860 году и прославился своими антропоморфными изображениями кошек. По словам английского писателя Герберта Уэллса, Луис придумал не только свой собственный кошачий стиль, а и создал самое настоящее кошачье общество и кошачий мир.

Именно из-за психического расстройства (шизофрения) художник так яро был одержим кошками. Они стали для него главным объектом во всех сферах жизни: от быта до искусства.

В итоге, Луис стал одним из самых известных ведущих специалистов по кошачьим и был избран президентом Национального кошачьего клуба. Кроме того, он был судьёй на соревнованиях и принимал активное участие в жизни благотворительных организаций для животных. За тридцать лет своей работы он создал множество тысяч рисунков, что и по сей день забавляют и радуют ценителей подобных творений.

Марк Франц – Белый кот


Марк Франц – Белый кот. \ Фото: pinterest.cl.

Франц Марк прославился с помощью ярко раскрашенных творений, где особое место занимали именно животные – лошади, собаки и, конечно же, кошки. И совсем неудивительно, что он неоднократно выставлялся на выставках, привлекая внимание толпы. Зачастую на его картинах изображены животные, в том числе и кошки в их естественном состоянии сна или ухода. На некоторых его знаменитых картинах изображены кошки на жёлтой подушке, две кошки - голубая и жёлтая, кошки в корзине и кошки на красной ткани.

Именно животные стали для него тем самым идеалом и символом, ассоциирующимся с невинностью, красотой и, конечно же, правдой. Он уделял особое внимание цветам и их символике: синий представлял собой силу, красный стал отображением жестокости, а жёлтый – тепла и истинно женского счастья.

Хиросигэ II – Белый кот, играющий со шнурком



Столь необычная гравюра была создана Хиросигэ II, что на протяжении нескольких лет внимательно наблюдал за работой своего непосредственного наставника. Но тем не менее, данное изображение отражает собственный уникальный подход Хиросигэ II к творчеству и стилю. Картина создана благодаря наблюдениям художника за поведением домашней кошки, которая всегда знает, как и чем себя занять и, конечно же, напакостить. Впрочем, изображение говорит само за себя, а владельцы кошек уже давным-давно оценили эту работу по достоинству.

Сюзанна Валадон – Рамину


Сюзанна Валадон – Рамину. \ Фото: devoir-de-philosophie.com.

Сюзанна Валадон была не только натурщицей, но и художницей, уроженкой Франции. В конце 1890-х годов ей была оказана великая честь стать первой творческой леди, допущенной в Национальное общество изящных искусств. Изначально она отдала своё предпочтение рисованию натюрмортов, а также творила различные портреты, растения, а также пейзажи, которые отличались и выделялись сильной идеей и сочными красками. Однако наибольшей популярности она заслужила своими красочными, обнажёнными дамскими телами, изображёнными с точки зрения леди. Ко всему прочему, она была ярой любительницей кошек и часто рисовала их, особенно свою любимую толстую Рамину.

Марк Шагал – Поэт


Марк Шагал – Поэт. \ Фото: pinterest.com.au.

Марк Шагал – художник, который стал популярен в эпоху модернизма, а также остался в памяти как еврейский творец. Так называемый «золотой век» данной художественной эпохи он переживал в столице Франции, где занимался разработкой и синтезом нескольких отдельно взятых течений, начиная от кубизма, и заканчивая фовизмом, сюрреализмом и другими. В течение всей жизни, что была достаточно долгой, он творил и воплощал в своих картинах уникальные идеи и сюжеты. Среди них особенно ярко выделялись сцены крестьянской жизни, а также весьма интимные моменты пребывания в маленьком мирке еврейских деревень. Всё это было подано в мечтательной, лёгкой манере.

Что же касается кошек, то они зачастую подчёркивали нереальность его картин и становились главными действующими лицами на многих полотнах. Зачастую они были спутниками людей, которых изображал художник, будь то поэты, музыканты или женщины.

Пабло Пикассо – Кошка, поймавшая птицу/h2>



Кот Пикассо, ловящий птицу, был создан в двух вариантах в 1939 году, буквально за несколько месяцев до того, как грянула война. Как вспоминал художник, его постоянно беспокоила эта тематика, и к сожалению, он сам не мог понять, из-за чего именно.

На картине изображена птица, которая всеми силами старается вырваться из цепких лап своего мучителя. И даже нейтральный фон не спасает сложившуюся ситуацию, а лишь напротив, акцентирует внимание на насильственной сцене, где кот до последнего тянет время, дабы сохранить птичке жизнь, и чем дольше он удерживает момент, тем сильнее испытывает глубокое чувство власти, ощущая своё превосходство.

Минь Чжэнь – Чёрный кот


Минь Чжэнь – Чёрный кот. \ Фото: google.com.

Мин Чжэнь был творцом родом из Китая, а также резчиком печатей. На свет он появился в Наньчане, Цзянси, и провёл большую часть своей жизни в китайском городе Хубэй. Свою популярность он заслужил, рисуя человеческие фигуры пальцами. Согласно определенным теориям, его относят к группе из восьми необычных творцов – китайских художников, активно трудившихся в начале XVIII века. Свою популярность в династии Цин они заслужили тем, что активно и резко отбрасывали ортодоксальные сюжеты в художественном искусстве, возводя на первое место стиль, который они считали выразительным и индивидуалистическим.

К сожалению, никакой конкретной информации о данном изображении не сохранилось. Но, впрочем, глядя на столь довольного кота, ничего добавлять не хочется. Кто знает, вдруг он слопал весь корм поблизости и теперь попросту счастлив и гордится собой.

Генриетта Роннер-Книп – Игра котёнка


Генриетта Роннер-Книп – Игра котёнка. \ Фото: sarahbguestperry.blog

Генриетта Роннер-Книп известна изображением домашних животных, особенно кошек.
Картины с домашними животными были популярны у богатых буржуа в Викторианский период, а её бесчисленные кошачьи полотна оказались фаворитами.

Как правило, её картины представляют исключительно кошачьих и не несут в себе никаких метафорических значений. Художница с интересом следила за жизнью кошек, дабы после перенести это на свои полотна. В итоге, она построила в своей мастерской специальное, прозрачное помещение, где кошки могли вытворять всё что угодно, не обращая внимания на происходящее вокруг. Так стали рождаться максимально живые и реалистичные изображение кошек, увлечённых играми, выкрутасами и различного рода шкодными проделками.

Барт ван дер Лек – Кошка


Барт ван дер Лек – Кошка. \ Фото: twitter.com.

Барт ван дер Лек обрел популярность, прежде всего, как соучредитель журнала De Stijl. В начале 1900-х годов, совместно с другими творцами, такими как Мондриан и Кандинский, он начал трудиться непосредственно в жанре абстракции, заложив её основы. Для этого он пользовался тремя основными красками – красной, желтой и синей.

К такому решению он пришел, долго находясь в поисках так называемой идиомы. Искусство родом из Египта, с которым он познакомился в Лувре, когда посещал Париж с визитом, оказало на него серьёзное влияние.

Вдохновлённый этим, он создал новую стилистику с сильно упрощёнными деталями и пастельными оттенками. Поэтому, при создании своей работы «Кошка», он акцентировал внимание на белом, чёрном, а также теплых оттенках красного, сделав их ключевыми цветами данной картины.

Пьер Огюст Ренуар – Жюли Мане (Девочка с кошкой)


Пьер Огюст Ренуар – Жюли Мане (Девочка с кошкой). \ Фото: tr.pinterest.com

Берта Моризо и её муж Эжен Мане, брат легендарного творца, знали Ренуара много лет. Ссылаясь на восторг художественными данными Ренуара, супруги сделали заказ у художника, попросив у него портрет своей дочери. Кстати, изначально кошка являлась лишь приятным дополнением, но позже стала ключевой фигурой в данной работе, играя на контрасте эмоций между девочкой и тем, как котёнок сладко посапывает у неё на руках.

Маргерит Жерар – Обед кошки


Маргерит Жерар – Обед кошки. \ Фото: ritzherald.com

Маргерит Жерар была известна тем, что писала картины маслом и гравюры под руководством своего шурина, великого Жана-Оноре Фрагонара. Возможно, именно он убедил её добавить кошек к своим композициям, поскольку он также был знаменит этим. Как жанровый художник, Жерар сосредоточилась на прорисовке деталей интимной, бытовой жизни. Однако при этом она разительно отличалась от иных женщин-живописцев, которые любили ссылаться на классическую древность, она же частенько использовала одежды и декор более новых времен. Многие из её полотен иллюстрируют переживания матери, а также раннего детства в семье, а некоторые подчёркивают важность музыки и женского общения. Но как известно, кошки – не менее важны. Особенно, если взглянуть на данную картину, где и так всё понятно без лишних слов.

Пьер Боннар – Белый кот


Пьер Боннар – Белый кот. \ Фото: google.com

Здесь Боннар воспользовался новым приемом деформации, стремясь воссоздать юмористический образ этого животного, занявшего весьма причудливую позу. Художник долго решал вопрос не только с внешним видом, но и с позицией конечностей, что видно на подготовительных рисунках. Японское вдохновение можно найти в искусной композиции, что строится на основе асимметрии, а ещё непосредственно в подборе сюжета – тот, который был весьма распространен в гравюрах, которые он так любил. Большую часть своего существования художник трудился над нереальным количеством полотен, где кошачьи изображались зачастую как небольшие, вкрадчивые детали, что можно было даже не заметить, а в другом случае, как животное на этой работе, становились акцентами и ключевыми фигурами.

Утагава Куниёси – Коты, представляющие 53 станции Токайдо


Утагава Куниёси – Коты, представляющие 53 станции Токайдо. \ Фото: taringa.net.

Пятьдесят пять кошек изображены на этих полотнах иллюстратора из Японии Утагавы Куниеси. Один из них выползает из корзины, несколько ловят крыс, другие едят рыбу. И вовсе не стоит упоминать о том, что художник любил кошек. Когда он стал учителем, молодые люди, учащиеся у него, заметили, что его мастерская была переполнена ими. Его любовь к кошкам прокралась в его творчество, и они стали появляться во многих его лучших гравюрах. Иногда они предстают как персонажи из хорошо известных историй, в других случаях они являются прекрасно выразительными этюдами. Часто Куниеси изображал кошек в полностью антропоморфной форме.

«55 кошек» - это веселая имитация «Пятидесяти трёх станций Токайдо», которая была наиболее успешной коллекцией Укиё-э. Так называемая Восточная Морская дорога имела пятьдесят три различные почтовые остановки на своём маршруте, и они обеспечивали лошадей, пропитание и жилье для путешественников. Куниеси принял решение изобразить их через кошачьи каламбуры.

Теофиль-Александр Стейнлен – Чёрный кот



Le Chat Noir был развлекательным заведением XIX века в богемном парижском районе Монмартр. Он был открыт осенью 1881 года на бульваре Рошешуар и закрыт в 1897 году вскоре после гибели Салиса. Историки с уверенностью утверждают, что оно было первым задокументированным кабаре – местом, где посетители могли отдохнуть за небольшими столами, распивая определенные виды питья и наслаждаясь выступлением варьете.

Данный рисунок, созданный Теофилем Стейнленом, является непосредственной рекламой места, которое в свою золотую эпоху было отчасти местом встречи художников, а отчасти – музыкальной, творческой площадкой. Также на протяжении нескольких лет кабаре выпускало еженедельник с аналогичным именем, где были опубликованы не только новости из жизни «Чёрного кота», а и множество литературных произведений, политических сатир и поэзий. На сегодняшний день любой желающий может купить репродукцию с изображением «Чёрного кота», которая продаётся на каждом шагу в столице Франции.
Источник: liveinternet.ru
Поделись
с друзьями!
767
4
13
3 месяца
Уважаемый посетитель!

Показ рекламы - единственный способ получения дохода проектом EmoSurf.

Наш сайт не перегружен рекламными блоками (у нас их отрисовывается всего 2 в мобильной версии и 3 в настольной).

Мы очень Вас просим внести наш сайт в белый список вашего блокировщика рекламы, это позволит проекту существовать дальше и дарить вам интересный, познавательный и развлекательный контент!