Томас Кинкейд (англ. Thomas Kinkade; 1958, Сакраменто — 2012, Монте-Серено) — американский художник, отличался распространением печатных репродукций своих работ, в частности его картины часто встречаются на пазлах. Он характеризовал себя как «Томас Кинкейд, Художник Света» (зарегистрированная торговая марка) и как «самый коллекционируемый ныне живущий художник Америки». Компания Media Arts, распространяющая продукцию Томаса Кинкейда заявляет, что в 1 из 20 домов США в той или иной форме есть одно из изображений, выполненное Кинкейдом.

Томас Кинкейд вырос в маленьком городке Плейсервилль, штат Калифорния, окончил среднюю школу в 1976 году, учился в Калифорнийском университете в Беркли и Колледже Искусства в Пасадине. Женился в 1982 году, супругу зовут Нанетт, у них родились четыре дочери: Мерритт (р. 1988), Чандлер (р. 1991), Уинсор (р. 1995) и Эверетт (р. 1997), все названы в честь знаменитых художников.

Учителями Кинкейда до колледжа были Чарльз Белл и Гленн Весселс. Весселс и убедил Кинкейда поступать в Калифорнийский университет в Беркли. Отношения Кинкейда и Весселса показаны в полубиографическом фильме «Рождественский коттедж», выпущенном в 2008 году. После двух лет общего обучения в Беркли Кинкейд перевёлся в знаменитый национальный Художественный Колледж в Пасадене.

В июне 1980 Кинкейд провёл летнее путешествие по Соединённым Штатам со своим другом из колледжа, Джимом Гурнейем. Оба закончили своё путешествие в Нью-Йорке и заключили контракт с издательством Гуптилл на выпуск «Руководства по созданию эскиза». Двумя годами позже они выпустили «Руководство для художников по созданию эскиза» (The Artist’s Guide to Sketching), которое стало одним из наиболее продаваемых продуктов этой компании в том году. Успех книги привёл его и Гурнея в Студию Ральфа Бакши, создающую декорации к анимационному фильму «Огонь и Лёд» (1983). Пока Кинкейд работал над фильмом, он начал пробовать рисовать свет и воображаемые миры. После фильма Кинкейд решил зарабатывать как художник, продавая свои оригиналы в галереях по всей Калифорнии.

Главной особенностью картин Кинкейда являлись светящиеся блики и насыщенные пастельные тона. Он изображал в импрессионистском стиле светящиеся контуры, буколические, идиллические предметы, такие как сады, ручьи, каменные коттеджи, городские улочки.

Также он писал картины на различные христианские темы, изображал христианские кресты и церкви. Себя Кинкейд называл «набожным христианином» (все его дети имеют второе имя «Кристиан»). Кинкейд говорил, что получает вдохновение от религии и что в его работах содержится большой моральный аспект. Также он считал, что его задача как художника трогать людей всех вероисповеданий, чтобы принести мир и радость в их жизнь через образы, которые он создаёт.

Романтизм в изобразительном искусстве во все века очень привлекал мастеров, он всегда очень ярко проявлялся как в живописи, так и в графике. Говоря о художниках-романтиках современности, в первую очередь стоит отметить живописца из Ставрополя Евгения Кузнецова, обладающего ярким многогранным талантом, глубоким философским мышлением, владеющего оригинальным почерком и неординарным видением красоты.

В противовес классицизму, воспевающему силу человеческого разума, романтики всегда стремились донести до зрителя чувства: любовь и нежность, бурную страсть и трепетность, мечтательность и эйфорию, которые способны поглотить человека целиком, завладев мыслями и поступками. Поэтому и зрители всех эпох к романтизму всегда относились по-особенному...

Евгений Кузнецов - потомственный художник, родом из Ставрополя. Сказать, что «пошел по стопам отца» - не скажешь: отдавая должное академическому направлению отцовского почерка, сын все же пошел своим путем. И сказать, что Евгений с детских лет увлекался рисованием также не скажешь: лишь в 7 классе подросток сделал первые шаги в живописи. И уже позже Художественное училище родного города и Кубанский государственный университет живописи и графики дали юноше хороший старт.

С 1981 года Евгений Кузнецов - постоянный участник всевозможных выставок страны. А немногим позже международных художественных форумов, проходящих в Германии, Австрии, Швейцарии, Франции, Вьетнаме, Египте, Кореи, Индии, Непале, США…

В начале 90-х Евгения Георгиевича приняли в члены Союза художников России. Чуть позже получил членство в Международной общественной организации живописцев «Солнечный квадрат». А в 2012 году мастера наградили золотой медалью Российской Академии художеств.

Евгений Кузнецов как художник - непостижим и непредсказуем. Он использует в различных комбинациях абстракционную фантастику и мистику, аллегорию и символизм, подчиняя их своему нестандартному мышлению. Он артистичен и интеллигентен, слегка загадочен и хорошо эрудирован, он всегда готов пойти на эксперимент и создать нечто новое, что другому человеку на ум никогда не придет. Задумав основной сюжет картины, мастер практически всегда к окончанию работы, меняет его до неузнаваемости: появляются новые художественные образы, меняется настроение и иногда изобразительные средства и методы.

К тому же художник в постоянном поиске новых приемов и материалов в своей работе. Так, подклейка бумаги и использование прозрачных гелей создает эффект объемности и фактурности, что является особенной чертой всех произведений мастера.

Сам Кузнецов так описывает процесс создания своих творений: «Так много случайностей. Осколки зеркала, некогда отражавшего прекрасный и гармоничный мир. Все раздробилось и перемешалось. Но все части еще живы, можно пытаться складывать их вновь. Если б только знать тот, прежний порядок. Так много возможностей. Те части, что были так далеки друг от друга, вдруг легли рядом, сошлись, почти сошлись, и то, что в них, явило новую, древно-тайную связь. Забавно и серьезно минор в мажоре, акцент на слабую долю, блюз, улыбки в осколках слез».

Живописец очень удачно применяет абстракцию в своей живописи. Причем она у него не бесформенная и неузнаваемая, а весьма органично гармонирует с реальными образами и отличается красотой и убедительностью. И что немаловажно, все его творения обладают позитивной жизненной энергетикой, внутренним свечением и философским содержанием.

И если главным делом жизни для Евгения всегда являлась живопись. То главным хобби – музыка и коллекционирование музыкальных инструментов. Художник весьма хорошо, как на любителя, владеет флейтой, гитарой и фортепиано. А из дальних путешествий он непременно привозит различные музыкальные инструменты для своей коллекции.

Вряд ли бы художник, не имеющий семейного счастья, смог бы творить такие удивительные романтические полотна, пропитанные нежностью и любовью. Жена Ольга - художница, преподающая рисование в школе и сын Егор - вот фундамент на котором стоит не только творчество художника.

Единство интересов и целей с первого дня семейной жизни позволяли быть этой паре безмерно счастливыми. Ольга с Евгением, еще будучи студентами, на велосипедах с этюдниками в поисках натуры изъездили все окрестности города. Да и сынишка с девяти месяцев стал полноправным участником выездных пленэров на дачу и в горы.

А когда Егорке исполнилось три годика, на семейном совете было решено, что он уже достаточно взрослый мальчик, чтобы отправится в путешествие в Новороссийск. Молодые супруги так и путешествовали — с рюкзаками, этюдниками и сыном за плечами. И где только не побывала чета художников, какие дороги России не исходили. Каждая поездка приносила массу новых впечатлений, этюдов и творческих замыслов. А самое главное - еще крепче объединяла семью.

Поэтому и не удивительно, что сын пошел по стопам не только своего отца, но и деда, Георгия Ивановича который был известным художником, когда-то приехавшим из Сибири поднимать целину искусства на Юге России… И не за горами то время, когда в Ставрополе состоится панорамный показ творчества трех поколений художников Кузнецовых.

Художник Джавад Солиманпур родился в 1965 году в иранском городе Тебриз. Он нигде не учился живописи, просто ему хотелось рисовать. Первые картины Джавад написал в 12 лет. "Я не хотел ничего - только рисовать. Я рисовал то, что мне нравится", - вспоминает художник.

Он останавливался на улице и наблюдал за людьми. Слушал их разговоры, всматривался в их лица. А потом переносил это на холст. "Люди обижались на меня, они думали, что я подслушиваю их разговоры. А мне просто нравилось на них смотреть..."

Первая выставка картин Джавада Солиманпура состоялась в 1978 году, когда Джаваду было всего 13 лет. "Живопись для меня сродни дыханию. Это просто моя жизнь", - говорит художник.

У него есть множество детских портретов. Кажется, что художник проникает в душу ребёнка и раскрывает её для нас.

"Я знаю, что происходит у меня глубоко внутри, в моём сердце, когда я пишу свои картины. Но каждый для себя решает сам - что скрывается за этими лицами". Художник даёт нам возможность придумать свою историю, вглядываясь в эти портреты.

Сейчас Джавад Солиманпур живёт и работает в Турции, в Стамбуле. Его картины можно встретить на выставках во многих странах мира и в частных коллекциях. В 2013 году турецкое правительство заказало ему портреты всех президентов в истории Турции. Сейчас эти портреты украшают президентский дворец.

Но всё-таки главное в творчестве Джавада Солиманпура не парадные портреты, а портреты простых людей, переживших не лёгкую жизнь. : "С самого детства я хотел только рисовать, и больше ничего. Я нарисовал людей и вещи, которые мне понравились. У людей всегда было что рассказать, но они никогда не знали, что мне просто нравится смотреть, как они разговаривают, а не слушать, за что, может быть, я должен извиниться. Лица со всей их рябью, текстурой и тенями ... время останавливается, когда я рисую. И то, что лежит в основе взаимодействия моего искусства со зрителем, - это то, что исходит из глубины моего сердца. Это бесконечное интенсивное чувство и решение любых вопросов в живописи стало для меня обыденным, например, дыхание". - говорит художник.

Но рассказывая о творчестве Джавада Солиманпура, нельзя ограничиться только портретами. Среди полотен художника есть целая серия картин, на которых изображены букеты цветов. Небрежно стоящие в вазах, они переливаются нежными красками. И кажется, что можно уловить аромат этих дивных цветов.

Недаром цветы называют остатками рая на Земле.

А в 2009 году Джавад Солиманпур занял первое место в международном конкурсе в категории "Пейзажи". Бескрайние морские просторы, огни городов, деревья в морозном инее - всё такое живое и узнаваемое. Красота жизни, навсегда застывшая на этих удивительных картинах.

"Чтобы писать картины важна не только техника, но и душа и чувства", - говорит Джавад Солиманпур.

Британский портретист и пейзажист Герберт Джеймс Ганн родился 30 июня 1893 года в Глазго, в семье драпировщика Ричарда Ганна. Рисовать он начал в пять лет. Учился в школе искусств Эдинбурга. В 1911 году отправился в Академию Жюльена в Париже, где учился у Жан-Поля Лоренса. После этого Ганн отправился в Испанию, а затем вернулся в Лондоне, где в основном рисовал пейзажи. В Первую мировую войну в составе шотландских стрелков прошел военную службу во Франции. Он продолжал рисовать и во время войны.

Впервые Герберт Ганн женился в 1919 году на Гвендолин Торн, и у них было три дочери. В 1927 году он развелся с первой женой, после того как она сбежала с его натурщиком, банкиром-миллионером сэром Артуром Уинни.

Через два года он снова женился — на Паулине Миллер, с которой у них родились сын и дочь. Паулина стала моделью для самых известных его картин, в том числе дипломной работы 1961 года для подачи в Королевскую академию. К сожалению, любимая жена и муза умерла в 1950 году после продолжительной болезни, в возрасте 49 лет.

Профессионально Ганн начинал как пейзажист, много путешествовал. В 1929 году стал членом Общества изобразительных искусств и стал специализироваться исключительно на портретах. Его картины находятся в составе многих галерей, а коронационный портрет Королевы Елизаветы II (1953) — в Королевской коллекции в Тронном зале Виндзорского замка. В 1953 году был избран президентом Королевского общества портретистов и оставался в этой должности до своей смерти. В 1961 избран в Королевскую Академию в качестве полноправного академика. В 1963 году был посвящен в рыцари за заслуги в живописи.

Профессионально Ганн начинал как пейзажист, много путешествовал. В 1929 году стал членом Общества изобразительных искусств и стал специализироваться исключительно на портретах. Его картины находятся в составе многих галерей, а коронационный портрет Королевы Елизаветы II (1953) — в Королевской коллекции в Тронном зале Виндзорского замка. В 1953 году был избран президентом Королевского общества портретистов и оставался в этой должности до своей смерти. В 1961 избран в Королевскую Академию в качестве полноправного академика. В 1963 году был посвящен в рыцари за заслуги в живописи.

Умер художник в Лондоне 30 декабря 1964 года. 80-страничный каталог его работ, которые экспонировались в Шотландской национальной портретной галерее в Эдинбурге, был опубликован Национальной галереей Шотландии в 1994 году. Портреты Ганна - иногда мрачноватые по колориту - отличаются пристальным вниманием к деталям. Среди персонажей его портретов - королева Елизавета, Принц Филипп и Королева-мать, а также представители высшего света и истэблишмента Англии.

Это был первый день преподавания Сусуми. Молодого учителя.

Он шел по дороге к школе. Медленно, растягивая предвкушение. Свершилась его мечта и он будет преподавать в лучшей школе округа, сменив старенького учителя, уехавшего в другой город.

По дороге Сусуми любовался простирающимся пейзажем: цветение роз, первые проснувшиеся бабочки и горы в утренней дымке.

Вот и школьный двор. Несколько детишек шли в том же направлении, что и он. Старшие сами. Малыши с родителями. Но учеников еще мало. Молодой учитель, как полагается, пришел пораньше. Первыми он встретил женщину с мальчиком. Мать провожала сына в школу. А, может, бабушка. Немолодая женщина, чистенько, но небогато одетая. Она, явно, была чем-то озабочена, как и мальчуган с умными, но печальными глазами. Но в это время раздался задорный детский смех, группка юных озорников отвлекла учителя. Солнце выплыло из-за облачка. Сусуми заулыбался и ускорил шаг.

Его первый урок. Он преподает живопись младшим школьникам. Ученики стараются быть серьезными, но дети есть дети. Сегодня он рассказывает им о красном цвете и они пишут красных птиц, красные цветы, красные ягоды, всё, что может быть красным. В его классе - тот самый грустный мальчик. Сусуми подходит к нему и замирает. На бумаге изображено... красное дерево. Совершенно алое. Дети начинают хихикать. У мальчика на глазах наворачиваются слезы. Смех детей усиливается. Маленький ученик умоляюще смотрит на учителя и тихо просит разрешения выйти. Тот разрешает. Смех продолжается. Провожая взглядом мальчика, Сусуми оборачивается и смотрит на оставшихся. Хохот затихает. Только один мальчишка, самый крупный, с задиристой улыбкой, продолжая смеяться, поясняет учителю:

- Это Точиро. Он дальтоник. В школе не сразу это поняли. Он у нас даже отличником был. А оказалось, что его друг Томо всё время ему подсказывал, какую брать краску. А потом, Томо сломал ногу и сейчас не ходит в школу. Точиро теперь некому подсказывать, и его обман раскрылся. Теперь его собираются выгнать!

Урок был окончен и Сусуми поспешил искать расстроенного ученика. Мальчик нашелся на скамейке у школы с мокрым от слез личиком.

- Не плачь, Мне очень понравилось твое дерево.

Мальчик недоверчиво посмотрел на него.

- Правда, правда. Красным может стать любой предмет. Например, на восходе его в алые краски окрасит солнце. Даже если с одним предметом другого цвета, рядом находится красный, тогда этот предмет начинает сам "окрашиваться" от него. Это называется "рефлекс". Живопись - это не всегда точный цвет. Живопись - это не только глаза, ум и знания, это, прежде всего, - сердце.

Мальчик изумленно смотрел на учителя. На щеке его алмазиком поблескивала последняя слезинка, но, где-то в уголках глаз замерцала надежда.

На следующем уроке живописи молодой учитель повел всех детей в школьный сад. Дети расположились вокруг розового куста, который очень любили бабочки. Учитель сказал, что это очень важная работа и лучшая будет представлена на школьной выставке.

Точиро посмотрел с отчаянием на простирающийся пейзаж. Он стоял поодаль от других детей. Бедно одетый, младший ребенок из небогатой многодетной семьи. Что тут скажешь... Он был из далекой деревни. Чтобы успевать в школу маленькому ученику надо было вставать чуть ли не ночью. Семья была бедной, но дружной. Старшие дети работали, средние помогали по хозяйству и с младшими. Точиро начал рисовать раньше, чем ходить. Красок в доме не было и он рисовал углем. Он всё время рисовал. И семья решила, что мальчику надо учиться в лучшей школе округа. Они старались, откладывали с заработков на его обучение, отказывая себе даже в необходимом. Купили первые краски, старший брат сделал кисти, сестра сшила школьную сумку. На занятия водила мама. Остальные были с раннего утра на работе.

Учитель подошел к мальчику.

- Не бойся. Отпусти страх. Пусть твоя голова отдохнет перед уроком арифметики, а сейчас пусть поработает твое сердце...

Точиро не отчислили, он остался в школе. Его работа оказалась лучшей. Но мальчуган немножко схитрил. Он не написал куст пурпурных роз. Он написал тень от куста и пархающие тени бабочек. А рядом, в правом углу написал тристишие:

"Черная бабочка кружила над головкой цветка,
Вдруг исчезла, лишь солнце скрылось за облака,
Была ли бабочка или только тень от цветка?"

Его работа, действительно, была настолько неординарной, что вызвала большой резонанс. О мальчике написали в газетах и профессиональных журналах. Сам того не ведая, малыш открыл новое направление в живописи. Около пятидесяти художников настолько увлеклись этим, что вскоре в столице была организована выставка. Страна пестрела афишами с изображением той самой картины Точиро. Большими буквами на афише было выведено названием выставки и нового направления, открытого мальчиком-дальтоником: "ЖИВОПИСЬ ТЕНЕЙ".

В первом зале расположили работы мальчика, а в следующих сорока восьми, его взрослых последователей.
Вся школа приехала на открытие. И вся семья юного художника. В газетах появилось фото с выставки. В центре на фото Точиро, рядом с ним улыбающаяся мама, друг Томо, опирающийся на палочку и Сусуми - учитель живописи.

А позже случилось невероятное. Точиро, вдруг, начал чувствовать цвета. Да-да, не видеть, а именно чувствовать. Окружающие и сам мальчик были в изумлении. Даже врачи и ученые не могли дать этому феномену объяснение. И только учитель спокойно сказал:

- Когда ум отпускает страх, сердце открывает глаза.

P.S.

Значение японских имен:
Точиро - Талантливый
Томо - друг
Сусуми - движущийся вперед, успешный.

©Виолетта Велиева

Всегда поражает творчество тех мастеров, которые, получив азы живописи и рисунка в детских студиях или в специализированных школах, впоследствии отправляются в самостоятельное плавание в поисках своей гавани в огромном океане изобразительного творчества. И что любопытно - многие действительно находят. А также славу и признание... В нашей публикации картины самобытного архангельского художника Юрия Васендина, снискавшего себе имя, а своим работам место в собраниях коллекционеров стран Скандинавии, Европы, Америки.

Кто-то скажет, что работы художника - стилизация "под старину". Да, возможно и взял Юрий Дмитриевич от великих мастеров прошлого некоторые эффектные технические приемы. Ведь не зря его лесные пейзажи нередко сравнивают с работами Ивана Шишкина. Но, безусловно, во всем творчестве мастера присутствует его собственное мировоззрение и изюминка. Смотрите и наслаждайтесь...

Художник Юрий Васендин (1958 г.р.) родился в Архангельске. Талант к творчеству проявился с ранних лет, особенно мальчик любил рисовать красками. Поэтому параллельно с общеобразовательной Юрий учился и в художественной школе. К концу учебы среди учеников студии будущий художник выделялся неординарными способностями, глубоким чувством композиции, точностью в проработке форм и знанием особенностей цветовой палитры. В результате этого его натюрморты, живописные пейзажи и скрупулезно прописанные портреты были всегда отмечены и педагогами школы и публикой на городских выставках.

Окончив в 1975 году Архангельскую художественную школу, талантливый юноша поступать в вуз не стал, а сразу устроился на работу художником в дом культуры поселка Маймакса. Параллельно с рекламно-оформительской деятельностью стал искать себя в живописи. Основной темой творческих исканий того периода были лесные дебри с элементами мистики и соответствующими образами.

Со временем, приняв за основу каноны русской реалистической школы передвижников, Васендин постепенно перешел от изображения мрачной суровой северной глухомани к лирическим "пейзажам настроения". Художник не стал останавливаться на достигнутом: наравне с вековыми сосновыми рощами, заливными лугами, лесными болотами в его творческом арсенале стали появляться сюжеты древнерусских былин, деревенских и городских мотивов и великолепные морские пейзажи.

Несмотря на устойчивую преданность лесным сюжетам, ему остаются интересны захолустные дворики "Старого Архангельска", поморские баркасы на Соломбалке и ветхие "двухэтажки" поселка Гидролизного завода.

Насладившись умиротворенной деревенской жизнью, художник стал искать вдохновения в поездках. Любой уголок земли достоин того, чтобы быть воспетым. Долины рек, головокружительные горные пейзажи, урбанистические сюжеты, заброшенные деревеньки и дальние монастыри, – во всём есть поэзия, если посмотреть на это глазами художника.

С годами у художника выработался авторский стиль в масляной живописи, отражающий глубокий профессионализм художника. Его работы участвовали в многочисленных выставках родного Архангельска, не раз представляли Русский Север на экспозициях Москвы и Санкт-Петербурга.

И уже к началу 90-х его произведения стали пользоваться спросом не только у отечественных, но и зарубежных ценителей живописи. Художник ежегодно возил свои картины в страны Скандинавии и Западной Европы. И они завоевывали все новых и новых поклонников. Его сказочно-прекрасные полотна привлекали зрителя и натурализмом, и нотками русского импрессионизма, и невероятным очарованием окружающей среды, и душевностью.

Творчество Юрия Дмитриевича невероятно живописное и живое. Умиротворяющая красота природного ландшафта, запах мха и хвойных иголок, шелест листвы – лишь немногая часть из всего того, что видит и слышит зритель, глядя на полотна мастера. Причем каждая из его работ вызывает безмерное желание сделать шаг на ту сторону холста, пройтись по светлым лугам и разъезженным грунтовым дорогам, по деревенским улицам и лесным тенистым тропам, а также лично ощутить теплые лучики солнца, пробивающиеся через ветви могучих деревьев.

И, что любопытно: любой сюжет, даже самый обыденный, становится отличным мотивом для потрясающего полотна, когда за кисть берётся виртуоз Юрий Васендин. Его северные пейзажи будоражат воображение зрителей, поражая техникой исполнения, в которой заключен и реализм, и импрессионизм. Поэтому и ценятся так его картины на арт-рынке. Ими с радостью пополняют свои частные собрания коллекционеры не только России, но и Финляндии, Швеции, Норвегии, Германии, Дании, Канады.

«Золотой век» Дании дал миру немало талантливых живописцев, свершивших переворот в европейском искусстве. Датский художник Педер Мёрк Мёнстед, причисленный к их плеяде, признан одним из лучших пейзажистов-реалистов, творивших на рубеже двух прошлых эпох, а также одним из самых состоятельных мастеров живописи в Европе.


По большому счету «Золотым веком» в европейской культуре, в том числе и в живописи, считается первая половина XIX столетия. Это было время, когда, впитав и творчески переосмыслив мировые тенденции в искусстве, художники европейских стран стали авторами величайших художественных произведений. Однако, невзирая на то, что датчанин Педер Мёнстед родился на закате этого удивительного периода (а творить он стал еще позже), его считали ярким представителем и продолжателем идей гениальных мастеров, изменивших представление об изобразительном искусстве.

Живописец стал известен миру своими детализированными ландшафтными и деревенскими пейзажами, которые впечатляют зрителя величием и густых лесов, и бескрайних полей, и сценами из сельской жизни датчан, переданных с невероятно высокой точностью и натурализмом.

Однако на рубеже столетий Мёнстед испытал сильное влияние французского импрессионизма и его стиль претерпел изменения. Картины мастера приобрели некий романтический и поэтический настрой, наполнились воздухом и свежестью, но при этом не утратили прежней утонченности и реалистичности.

Художник, как и прежде, уделял особое внимание точным деталям и цвету, но уже отошел от классического академизма, его картины заиграли некой новизной и были буквально одухотворены кистью мастера.

О художнике

Известный датский художник-реалист, признанный мастер пейзажа, представитель «золотого века» датской живописи - Педер Мёрк Мёнстед (Peder Mørk Mønsted) родился в 1859 году в восточной части Дании в селении Балле Мёллена на полуострове Ютландия, в семье преуспевающего судостроителя. Родители с детства заметили дар сына к рисованию и всячески его привлекали к творчеству. Подростком мальчик посещал уроки рисования при Художественном училище в Орхусе и весьма успешно развивал свои наклонности.

16-летним подростком Педер поступил в Королевскую Академию изящных искусств в Копенгагене, где три года осваивал академическую живопись под руководством знаменитых мастеров жанровой живописи Дании - Андриеса Фритца и Юлиуса Экснера. Затем талантливый юноша прошел курс обучения в частной школе Педера Северина Крёйера, который был одним из самых известных и ярких художников сообщества датских и северных художников, работающих в Скагене.

Окончив учебу в 1882 году, 20-летний юноша отправился в солнечную Италию за впечатлениями, где душа датчанина была покорена красотой и яркостью красок южных пейзажей. К слову, Педер Мёнстед за свою творческую карьеру много путешествовал, часто бывал в Швейцарии, Италии, северной Африке. Во время этих путешествий художник постоянно делал зарисовки ландшафтов и местных жителей. А в Греции, где в течение года гостил при монаршем дворе, Педер писал портреты членов королевской семьи и приближенных.

В 1884 году, прежде чем вернуться из странствий в свой дом в Дании, он посетил Париж и пробыл там четыре месяца, в течение которых учился в студии Вильяма-Адольфа Бугеро, французского художника, видного представителя салонного академизма XIX века. В те годы без его произведений не обходилась ни одна выставка в Салоне. К слову, имя Бугеро стояло во главе французской живописи почти до начала ХХ столетия.

Переняв от маститого французского живописца некоторые секреты профессии и мастерства, Педер Мёрк Мёнстед вернулся домой и с головой окунулся в творчество. А через время вновь оставил свою мастерскую, отправившись в очередное странствие, дабы напитаться вдохновением.

Начало Первой мировой войны заставило Мёнстеда сократить свои европейские путешествия, но в 1920-х и 1930-х годах он снова путешествовал по странам Средиземноморья. В ходе этих поездок было создано множество эскизов, которые впоследствии стали картинами, представленными на нескольких международных выставках в салонах Парижа и Мюнхена.

Невероятно реалистические картины датчанина, дышащие жизнью и живописью, были высоко оценены современниками. Он был особенно популярен в Германии, где провел несколько персональных выставок в Glaspalast в Мюнхене.

Сейчас полотна Педера Мёрка Мёнстеда хранятся во многих музеях Европы, в частности его работы украшают коллекции музеев Ольборга, Баутсена, Рандерсе, его работы также можно найти в Музее Чи-Мэй на Тайване и Музее Дахеш в Нью-Йорке. Огромное количество полотен разошлось по многочисленным частным собраниям. В память о гениальном мастере пейзажа в 1995 году во Франкфурте-на-Майне прошла большая ретроспектива работ под названием «Свет Севера».

Несколько слов о произведениях художника

Стоит отметить, что невзирая на многочисленные странствия художника по Европе и Африке, большинство полотен все же написано Педером Мёнстедом в Дании и посвящено именно ей. Однако немало работ автор посвятил и первозданным северным пейзажам Скандинавии.

Пропитанные ощущением атмосферы и воодушевления, пейзажи датского художника невероятно детализированы, но при этом не кажутся переутомленными. А достичь этого было совсем не просто. Также невероятно впечатляет использование цветовой палитры, где цвета невзирая на приглушенность кажутся сочными и объединенными светом.

Следует обратить внимание, как Мёнстед часто использовал черный для теней, а не темно-синий, зеленый и пурпурный, которые зачастую использовали импрессионистами. Многие художники-пейзажисты часто избегают черного, но при правильном использовании он может быть чрезвычайно эффектным.

Глядя на картины художника, зритель буквально окунается в ощущение безмятежности и умиротворения. Особо это чувствуется в картинах, где основным мотивом является вода. Именно эта природная стихия вызывает наибольшее восхищение в работах автора. Безмятежная красота рек, озер и ручьев по истине завораживают: настолько реалистично изображены на них и отражение на поверхности, и всплески и легкое волнение.

Известно, что у многих, даже знаменитых импрессионистов были реальные проблемы, когда дело доходило до изображения воды в их композициях. И они заканчивали свои изображения, концентрируясь больше на эффектах света, чем на реалистическом изображении.

Невероятно теплыми и душевными являются деревенские пейзажи датского мастера с их жителями и маленькими домами, утонувшими в цветах. По истине впечатляет.

Умер Педер Мёрк Мёнстед в 1941 году. Он до самой своей смерти был одним из наиболее популярных и состоятельных европейских живописцев. Его талант принес ему большое признание и богатство. Впрочем, вполне заслуженно.