В мире живописи мало художников, которых можно узнать с первого взгляда — Lynn Boggess точно один из них. Его пейзажи не просто изображают природу, они ощущаются. При взгляде на холсты Боггесса хочется протянуть руку и прикоснуться — настолько фактурно он пишет.

Lynn Boggess (род. 1958) — американский художник из Западной Виргинии, прославившийся своими масляными пейзажами, которые он пишет не кистью, а мастихином. Он работает исключительно на пленэре — прямо в лесах, на склонах гор, у ручьёв. И это не просто поза: именно в живом, влажном, непредсказуемом воздухе Боггесс добивается той пастозной силы, которая делает его картины почти скульптурными.

Каждая работа — это погружение в материальность природы. Толстые, почти барочные мазки формируют текстуру деревьев, рыхлый снег, блики на воде. Картины не "изображают", а воссоздают — ощущение холодной весны, сырого камня, влажной травы. Плотная краска как будто приподнимает ландшафт над холстом.

Вдохновением для Боггесса остаются дикость и простота природы — леса Аппалачей, ручьи, скрытые тропы. При этом в его работах нет слащавости или «инстаграмной» красоты — наоборот, он будто находит грубую, первозданную поэзию в самых скромных ландшафтах.

Интересно, что до начала художественной карьеры Lynn Boggess преподавал живопись и анатомию в университете, и только позже полностью посвятил себя пленэру. Его работы выставлялись по всей Америке и ценятся как знатоками техники, так и теми, кто ищет в искусстве контакт с настоящей природой.

Юлия Барминова в большинстве работ создает близлежащий фрагмент моря в характерных ей насыщенных сине-зеленых оттенках в сопровождении яхт при почти полном отсутствии дальнего плана. Художница явно влюблена в саму водную стихию.

На вопрос когда Юлия решила стать художником она сказала, что ей кажется, что человек не выбирает творческую профессию. Если внутри него загорается творческая искра, то дальше происходит все само собой. Если есть минимальные условия, тот же карандаш и листок бумаги, то любовь к творчеству непременно проявится.

Юлия Барминова всегда рисовала, и от того даже не помнит подвижные игры со сверстниками. Подругам в тетрадки перерисовывала принцесс. Делала контрольные по черчению за шоколадки. Все это было естественно и просто. Далее решила учиться на архитектора, а параллельно старалась получить художественное образование: работала в разных студиях, училась рисовать маслом, акрилом. Всегда искала что-то за рамками академического образования, потому бросала очередную студию, искала новую.

После окончания обучения считала себя художником и в 2009 году впервые попробовала нарисовать морской пейзаж. Не получилось. Это была личная катастрофа. «Тогда решила: «Море никогда не буду рисовать. Это не мое». Выбросила художественные материалы и устроилась администратором в школу живописи. Лишь спустя четыре года подумала: если меня это радует, почему я этого не делаю?! Я могу рисовать все, что хочу, и просто получать от этого удовольствие. Теперь я никому не должна предоставлять отчеты, корочки и дипломы. Море я не рисовала, но выбрала два главных сюжета: архитектуру и цветы.»

Вскоре творчество изменилось. Прошло два года, как она жила на Кипре. Однажды проходила мимо порта, и при виде рыбацких лодок в сине-бирюзовых волнах на фоне красивейшего заката сердце застучало сильнее. Она нашла сюжет своей мечты.

В 2014 году нарисовала первую неплохую морскую акварель. Тогда же поняла, что нашла себя. Потому что море может рисовать бесконечно. От моря никогда не устает. Для нее это неисчерпаемая тема, бесконечно разнообразная, привлекательная, а потому призывающая к постоянным путешествиям, чтобы увидеть все своими глазами. Побывала во многих портах.

Однако ковидная самоизоляция прервала путешествия. Даже в Крым невозможно было поехать. Но благодаря этой изоляции Юлия решила записаться школу яхтинга для углубления в свою морскую тематику, и вскоре поехала в Питер, познала азы и стала ходить под парусом. С «помощью» карантина вышла на свой новый творческий уровень, перешла с берега в плавание. Теперь в мечтах переход на яхте по Всему Средиземноморью, а далее через Атлантику на Карибы.

„Я не верю в талант. Я верю в то, что время, желание, страсть и энергия, которые вы отдаете творчеству, возвращаются к вам результатом. Сколько вы отдали, столько и вернулось.

А дальше стоит прислушаться к своим желаниям. Надо перестать обманывать себя. Некоторые говорят: «Мне нравится обнаженная натура, но я буду рисовать красные цветы, потому что они лучше продаются». Надо вытащить наружу свою индивидуальность. Так быстрее станешь узнаваемым. Все художники, которых я знаю, очень принципиально относятся к выбору сюжета. Рисуют только то, что нравится. Мечтаешь рисовать камни или налить краску в банку и вылить ее на холст? Готов это делать бесчисленное количество раз? Значит, это твое. Посмотри на творчество как на нечто, где тебе позволено абсолютно все.

Я не родилась художником-акварелистом, рисующим море. Творчество дарило мне такое счастье, что я стала делать это снова и снова. И я хочу продолжать.“

Картины талантливого художника Александра Маскаева — это волшебный мир сказочных персонажей и добрых котеек. Рассматривая котоистории, невольно погружаешься в мурлычущую, пушистую и бесконечно добрую атмосферу. Стоит заметить, что каждая работа мастера помимо явного смысла несет скрытый подтекст, заметный не сразу.

Каждая картина — тёплый сказочный мир, где пушистый рыжий кот и фантастические персонажи оживают, чтобы напомнить: иногда чудо кроется в мелких деталях, котах и улыбках, и в том, чтобы снять с души нагрузку сложностей.

Маскаев создаёт авторское направление «сказки в живописи» — живые, тёплые истории для детей и взрослых. Его картины называются «от печки», и действительно передают дух сельского уюта: коты чай пьют, рыбачат, отдыхают на снегу или играют с мышами. Каждая работа — отдельная целая история, которую хочется разглядывать долго.

Художник учился в Тюмени, жил и работал в Нижневартовске, а сейчас — в Луховицах Московской области. Он — член Союза профессиональных художников России, и его работы есть в частных коллекциях России, Японии, Германии, Италии и других стран.

Для Дэвиса цветок — это не просто ботанический объект, а сцена, на которой танцует свет. В его работах природа оживает — не только в форме, но и в настроении, словно каждый лепесток рассказывает свою историю, освещённую игрой света.

Дэвис родился в штате Калифорния (США) еще в 1946 году в семье музыкантов. К 20 годам художник окончил Fine Art at Pierce College и с тех пор на протяжении более сорока лет рисует живую природу, но последние 10 лет полностью сосредоточился на цветах.

Большую часть жизни Дэвис провёл в Сан-Фернандо-Вэлли. После службы в армии он обучался искусству, но бросил учёбу, чтобы полностью посвятить себя живописи, особенно цветам, как ему хотелось запечатлеть их «скрытую красоту» .

Под влиянием мастеров Золотого века Нидерландов, а также стилями ар-нуво и ар-деко, Брайан Дэвис стремился передать не только форму, но и атмосферу. Он говорил: «Цветок — это сцена, а свет — танцор». Искусствоведы называют его «мастером иллюзии»: многочисленные слои масла, внимание к свету и текстуре создают ощущение, что ты почти ощущаешь аромат розы или шёлк лепестков.

Для Дэвиса цветок — это не просто ботанический объект, а сцена, на которой танцует свет. Он снимает растения в естественной среде, затем пишет композицию, используя серию снимков как этюды, а создавая картину — играет цветом, меняя оттенки, форму листьев, добавляя динамику. Его техника — «value painting» — начинается с самых тёмных тонов, потом поверх них наносится светлая палитра, создавая удивительную глубину, текстуру и светящуюся прозрачность.

Его работы находятся в коллекциях Лос-Анджелесского музея, Ботанического сада Нью-Йорка, Галереи Хантингтона и многих частных коллекциях, включая дома известных музыкантов и актёров. Он также проводит мастер-классы, на которых делится секретами владения светом и тенью, помогая другим художникам и студентам достигать такого же ощущения глубины в цветах.

В его работах природа оживает — не только в форме, но и в настроении, словно каждый лепесток рассказывает свою историю, освещённую игрой света.

Русский художник Святослав Рерих (1904-1993) прожил большую часть своей жизни в Индии. Прожил очень плодотворно, впитав в себя всю глубину и высоту ее духовности, философии и культуры в целом. Имея в себе неоспоримый художественный дар, он воплотил все вмещенное им культурное богатство в своих картинах. Где-то в цвете, где-то в символах. Последние почти в каждой его картине. И от этого они становятся кратно сильнее и значимее.

Рерих Святослав Николаевич появился на свет в Петербурге 10 октября (23 по старому стилю) 1904 г., умер 30 января 1993 года в индийском городе Бангалор. Это величайший живописец русского происхождения, с 30-х годов ХХ столетия проживавший и творивший в Индии. Сын Елены и Николая Рерихов – прославленной творческой семьи общественных деятелей.

Особенности творчества художника Святослава Рериха

Полотна руки этого мастера отличает глубокий символизм, присущий им наравне с реалистичностью изображаемого. Своими работами автор демонстрирует верность гуманистическим идеалам, он посвящает их борьбе за мирное сосуществование народов разных вероисповеданий и национальностей.

С этой целью им используются, казалось бы, трудно сочетаемые и даже в каком-то смысле противоположные художественные концепции. Реализм русской школы живописи Святославу Рериху удается переплетать с традициями западного искусства в его лучших периодах. В этом причудливом узоре стилей находят себе место и индийские мотивы, которыми буквально пропитано творчество художника, долгое время жившего в этой стране с неисчерпаемыми сокровищницами искусства.

Будучи сыном таких родителей, как Николай и Елена Рерих, будущий художник с детства имел возможность развивать свои разносторонние способности в искусстве, доставшиеся ему по наследству от отца – великого живописца.

И мать, и отец всячески поощряли стремление сына к рисованию, развивали его природную склонность к естественным наукам. Благодаря этому талант Святослава Рериха раскрылся в полной мере, в чем может убедиться каждый человек, обративший внимание на любую из его картин.

Первой творческой попыткой этого живописца можно считать потрет, созданный им еще в подростковом возрасте, на котором автор запечатлел своего отца. По тому, кого выбрал Рерих Святослав Николаевич в качестве своей первой модели, можно судить о значимости фигуры родителя в его становлении. С самых ранних лет Святослав всячески участвовал в разносторонней деятельности семьи – помогал отцу с холстами и красками, иногда сопровождал в путешествиях по городам России, которые Николай Рерих часто посещал в рамках своего увлечения археологией. Их тесная связь сохранялась и позже: во многих работах Рериха Святослава Николаевича прослеживается сходство с поздними произведениями его отца.

Семья Рерихов в начале ХХ столетия переехала в Европу, где и продолжалось обучение и становление одаренного юноши. Изучая архитектуру в лондонской Академии искусств, Святослав Рерих не бросил писать картины. И снова его стремления нашли поддержку и одобрение у отца. Вместе они создали декорации для постановок великих русских опер в лондонских театрах. Николай Рерих отзывался о творчестве своего сына как об образце небезразличного, пылкого отношения к живописи, благодаря которому ему и удается достичь столь впечатляющего результата. Он отмечает напряженность всех элементов картин Святослава Рериха, несмотря на это находящихся в удивительной гармонии, называет талант сына «высоким даром», несущим радость и всем окружающим.

Данью уважения к личности отца можно считать тот факт, что Святослав Николаевич Рерих вступил на должность вице-президента музея Corona Mundi, посвященного его отцу. Тогда же он в первый раз попал в Индию, с чего и началось знакомство живописца особенностями индийской культуры, впоследствии целиком и полностью покорившей его сердце.

В Америку Рерих приехал, чтобы продолжить свое архитектурное образование, чем он и занимался поначалу в Колумбийском университете, а потом в Гарварде. Для развития своих разносторонних наклонностей этого он считал не достаточным, поэтому параллельно посещал отделение скульптуры, работал над иллюстрациями для книг, писал картины, в том числе и в графическом направлении.

В этот период вплетается его будущая индийская жизнь. Целью первой поездки в эту страну для Святослава Николаевича Рериха была помощь семье во время Центрально-Азиатской экспедиции.

После поездки он вновь вернулся в Америку, где его художественная деятельность не осталась без внимания критиков. Талант Рериха впервые был признан ими после выставки его работ в Нью-Йорке, вызвавшей определенный ажиотаж в СМИ. В 1925 году он получил высшую награду на выставке, приуроченной к 150-летию Филадельфии, на экспозиции было представлено около сотни его работ.

Индия – ее значение для творчества живописца

Как только обучение подошло к концу, художник переехал в Индию, где на тот момент уже жила его семья. Там он с тем же рвением, что и в США, активно включился в общественную и культурную жизнь, постигая ее особенности и отдавая дань ее очарованию в своих картинах. Рерих был настолько влюблен в Индию, что считал ее своей второй – духовной – родиной. Гимном любви к этой стране с многовековыми утонченными традициями можно считать многие замечательные по своей внутренней силе полотна автора.

Здесь Святослав Рерих пишет несколько десятков картин уже с колоритом, присущим индийским культуре. Так, в 1933 году он закончил «Портрет Николая Рериха в тибетском одеянии». Это полотно принято считать одним из самых значительных его произведений. Признание по-прежнему сопровождает Рериха, и его полотна, на которых изображены во весь рост Индира Ганди и Джавахарлал Неру – индийские премьер-министры – до сих пор служат украшением Центрального зала, где располагается парламент Индии.

Здесь же, в духовной атмосфере гармонии со всем миром, художник нашел спутницу жизни, которой стала известная индийская киноактриса Девика Рани. Рерих Святослав Николаевич познакомился с ней на съемках фильма, для которого он создавал декорации. Девика Рани стала источником вдохновения для художника и его верным другом и спутником во всех начинаниях.

Портретистика – это то, с чего начал свое становление этот мастер. Благодаря его настойчивости и активному непрекращающемуся саморазвитию ему удалось достичь вершин в этом жанре. Его портреты поражают не поверхностным, внешним сходством, а глубинным соответствием личности того человека, который предстает перед зрителем. По картинам Святослава Николаевича Рериха хорошо виден его подход к созданию портрета, состоящий в том, чтобы создать не просто сходство, а сходство внутреннее, духовное.

Присутствуют среди его произведений и пейзажи, эпические, глубоко символичные полотна. Все они свидетельствуют о мастерстве и виртуозности Святослава Рериха, о его склонности к нестандартным решениям в воплощении своих задумок.

Картины Святослава Николаевича Рериха отличаются исключительным изяществом подачи и лаконичностью. Они максимально точно передают духовный облик человека, его глубинную сущность и характер.

Особенно много среди полотен Рериха Святослава Николаевича портретов его семьи. Однако, несмотря на безусловное влияние личности Николая Рериха на его творчество, этот великий живописец является самобытным автором, чей стиль и техника, перекликаясь с отцовской, представляют собой совершенно иную манеру исполнения.

Когда смотришь на картины Валерия Блохина, кажется, будто реальность начала таять, оставляя за собой только эмоции, цвет и движение. Его живопись — это диалог на грани абстракции, где можно уловить очертания мира, но ощутить нечто большее — настроение, ритм, энергию. Блохин не просто пишет красками — он играет с восприятием, провоцирует чувство и оставляет зрителя наедине с собственными ассоциациями. Кто он — этот художник, чье полотно вибрирует между сном и явью?

Валерий Блохин родился в 1964 в г. Новороссийске.
В 1984 году закончил Краснодарское художественное училище.
С 1987 года — городские, краевые, республиканские, всесоюзные и международные выставки.
С 1990 года — в Союзе художников России.
C 1999 года – почетный член Академии Искусств Чехии им. Масарика, награжден золотой медалью этой же кадемии.
В 2006 году – награжден серебряной медалью Российской Академии Художеств.
С 2007 года – член Творческого союза художников России.

Валерий с детства занимался дзюдо и художеством. Когда первое стало мешать второму, выбрал второе. Бросил дзюдо в Новороссийске, поехав поступать в Краснодарское художественное училище, после того, как закончил местную художественную школу. В Краснодаре никого из знакомых не было. Мама привезла его в город, устроила в школу, сняла квартиру. Здесь уже он заканчивал восьмой класс, готовился поступать в художественное училище.

При этом, жил Валерий в городе сам, без родителей. Приходилось учиться образцово, чтобы не вызывали в школу родителей. А когда проводили в школе родительские собрания, то находил на улице соответствующих прохожих и уговаривал их сходить в школу. Особенно любил подбирать девушек, в качестве сестер. Находил в этом веселье.

Сам Валерий работать начал рано – около семнадцати лет. После армии уже стал работать серьезно. Но были свои проблемы. Частных заказчиков тогда не существовало. Сбыт картин через Художественные галереи шел только по факту пребывания в рядах Союза художников.

Ситуация стала меняться после 1987 года. В ту пору открылся в Краснодаре первый «Арбат» в скверике. Художники работали прямо на глазах у прохожих. Что-то даже стало продаваться. Но и здесь все шло не гладко. Власти «Арбат» переносили по городу из одного места в другое несколько раз. Это очень негативно повлияло на атмосферу в художественном «Арбате», многие художники ушли.

Восточные мотивы в творчестве Валерия Блохина появились в связи с выставочной деятельностью за рубежом. Началось все в 1990 году в Германии, а затем дошло дело и до Индии, Вьетнама, Шри-Ланки. Восток внес в творчество Валерия еще больше цвета, характерного фейерверка костюмов, орнаментов. От первой поездки было много впечатлений. Их группу там много водили, показывали обряды, различные праздники, показывали то, что иностранцам обычно не показывают. И все это под характерную мелодичную восточную музыку. А Валерий любит музыку.

Каждая последующая поездка привносила много новых впечатлений и даже потрясала. Новые эмоции были настолько сильны, что стали основной темой его творчества.

В живописи Валерий Блохин любит цвет. Но пришел к этому не сразу. После училища он был неплохим рисовальщиком. Однако тот уровень творчества был изучен другими вдоль и поперек. Возникла некоторая неопределенность и вопрос: куда идти дальше?

Знакомство с Алексеем Паршковым очень повлияло на молодого художника. Тот порекомендовал не жалеть свои работы и холсты, больше экспериментировать с цветом. И Валерий стал выливать краску на холст, учиться мыслить более абстрактно. А так как работа шла не от фигуры, а от цветового пятна, то и вскоре пришло понимание цвета. Сложилась его особая техника: сначала идут абстрактные пятна, и только потом дописывается реальность. До определенного момента Валерий не знает, что появится на холсте. Ранее он опирался, как и большая часть художников русской школы, на рисунок, карандашный набросок, который затем заполнялся цветом. А сейчас – сначала эмоции, и только затем – детали…

Как пример, Валерий приводит разглядывание стен, в которых имеются небольшие выпуклости, трещины, неровности. Из всего этого вырисовываются фигуры, лица. Это его метод в живописи – поиск в абстрактном реальных вещей.

Часто Валерий настраивается на творчество так – садится, включает музыку – чаще джаз и фольклор — и мысленно начинает путешествовать. Если получается, то приступает к работе. А если настроение не возникает, то за краски не берется. Ведь если без настроения браться за работу — ничего хорошего не выйдет.

Когда смотришь на картины Роберта Бейтмена, кажется, что вот-вот услышишь шорох травы под лапами хищника, плеск воды от крыльев утки или треск льда под медвежьей тушей. Этот канадский художник-анималист — не просто мастер реализма, он настоящий летописец дикой природы. Его работы — это не просто изображения животных, а глубокие истории о выживании, гармонии и исчезающей красоте мира, который мы часто не замечаем. В его картинах столько силы, точности и уважения к природе, что они кажутся по-настоящему живыми.

Robert Bateman — канадский художник-анималист. Он родился в городе Торонто в 1930 году. О своем детстве Robert рассказывает, что он всегда был художником и одновременно натуралистом, потому как все дети любят и природу, и искусство. Но дети взрослеют и когда им исполняется 12-13 лет, то начинают интересоваться «взрослыми» вещами.

А Robert Bateman не достиг своей стадии «взрослого» человека, так как серьезно увлекаться изобразительным искусством и изучением природы именно в 12 лет… Именно тогда Robert нарисовал свой первый рисунок и начал ежедневно рисовать разных птиц, по приходу из школы. Он тогда рисовал в реалистической манере, используя маленькую кисть. Но через несколько лет , испытав влияние друзей, он стал писать в более свободном стиле, уже большой кистью и более ярко.

А Robert Bateman не достиг своей стадии «взрослого» человека, так как серьезно увлекаться изобразительным искусством и изучением природы именно в 12 лет… Именно тогда Robert нарисовал свой первый рисунок и начал ежедневно рисовать разных птиц, по приходу из школы. Он тогда рисовал в реалистической манере, используя маленькую кисть. Но через несколько лет , испытав влияние друзей, он стал писать в более свободном стиле, уже большой кистью и более ярко.

В 1950 году Robert закончил Академический институт в Форест Хилл. Четыре года спустя с отличием окончил по географии Торонтский университет, получил степень бакалавра искусств. Далее Robert взялся за преподавательскую и просветительскую деятельность, при этом не забывал о творчестве. За относительно короткое время пережил увлечение импрессионизмом и постимпрессионизмом в манере Ван Гога. Затем последовал его период кубизма и импрессионистской абстракции. Но на всех этих этапах его продолжала вдохновлять природа, и поскольку он был по своей сути натуралистом, в нем всегда жило стремление к отображению природы с максимальной точностью.

В 32 года Robert Bateman посетил персональную выставку Эндрю Уайета, известнейшего американского художника-реалиста. Эндрю был мастером детализации, при доведении картин всегда пользовался маленькой кистью. Бейтмэн вспоминал, что тогда пришел к выводу, что в этом единственный путь для художника-натуралиста. После осознания этой идеи, он почувствовал себя раскрепощенным.

Так Роберт Бейтмэн обрел свой индивидуальный путь в искусстве, и верен ему до сего дня. Он не ощущает необходимости менять стиль, ведь тот животный мир, которому посвящены его многие картины, он сам по себе бесконечно разнообразен. В нем можно находить бескрайнее вдохновение, неиссякаемый источник новых идей.

На сегодня Robert Bateman является самым признанным и известным художником живой природы. Список его выставок очень длинный. Он продолжает читать свои лекции по искусствам и охране природы, и заслуги Роберта в это деле отмечены высокими государственными наградами. В университете Роял Роудс (Канада) открыт Образовательный центр Роберта Бейтмэна – т.н. «экодом», который идеально вписывается в окружающую среду и не нарушает ее естественного состояния.