Воспоминания о лете. Художник Говард Беренс - Моне XXI века.

Говард Беренс (Howard Behrens) — американский художник-живописец, которого заслуженно именуют Моне XXI века. И он чуть ли не единственный в своем роде, кто создает шедевры с помощью техники «ножом по палитре», то есть используя нож вместо кисти.

Предлагаем Вам подборку его работ, в которых все напоминает о солнце, море и путешествиях.




















Поделись
с друзьями!
555
1
19
7 дней

Осень в картинах русских художников

Осень в картинах русских художников самая яркая и трогательная пора, где красно-желтые, золотистые и теплые краски прекрасной поры бабьего лета, а где дождливый и трогательный пейзаж по-настоящему русской природы во всей ее красе осеннего великолепия.

Исаак Левитан. «Золотая осень»

Станислав Жуковский. Бабье лето

Иван Шишкин. Осень

Виктория Белова. «Осень»

И. Бродский. Поздняя осень

Кустодиев Б. М. — Осень в провинции. Чаепитие

Илья Остроухов. Золотая осень

Василий Поленов. Золотая осень

Леонид Афремов. Осень

Евгений Лушипин. Тихий вечер

Ефим Волков. Осень

Константин Крыжицкий. Осень

Ефрем Зверьков. Золотая осень.

Иван Шишкин. Лесная заводь. Осень

С. Жуковский. Лесное озеро. Золотая осень (Синяя вода)

Петр Петровичев. Нескучный сад. Осень

Николай Крымов. Осенний вечер. Золотая осень.

Архип Куинджи. Осень.

Александр Головин. Осень

Алексей Саврасов. Осень

Алексей Степанов. Осень

Юлий Клевер. Осень

Евгений Столица. Осень.

Эллерт Николай Людвигович. Осень
Поделись
с друзьями!
800
1
15
21 день

Восточные мотивы на мастихиновых картинах Валерия Блохина

«На Востоке всё иначе: другие краски, другой воздух, другие жизненные ценности и реальность сказочнее вымысла», - как-то отметил художник Валерий Блохин, много путешествуя по странам Азии, Африки, Ближнего Востока, изучая быт и культуру живущих там народов. А затем выплеснул свои впечатления от увиденного на холсты феерией ярких красок и покорил весь мир. В нашей публикации - рассказ об удивительном краснодарском живописце и галерея его изумительных работ, объединенная в цикл «Шелковый путь».


Валерий Блохин – известный художник-колорист, имя которого широко известно не только в России и Краснодарском крае, но и далеко за рубежом. Персональные выставки Валерия Блохина не раз с огромным успехом проходили в России, во многих европейских странах, а также в Северной и Латинской Америке, на Дальнем Востоке, в Южной Африке и странах Магриба.

Он обладатель золотой медали Академии искусств Чехии им. Масарика, почетным членом которой является уже немало лет, и серебряной медали Российской академии художеств, где также значится членом-корреспондентом. Его картины - это впечатления, привезенные из многочисленных странствий по миру. Каждое его творение, чётко выстроенное композиционно, максимально точно передает цвето-тональные особенности различных уголков земли, что является большой редкостью в художественном мире. Именно такой неординарный творческий подход к живописи и стал визитной карточкой художника. И хотя специалистам весьма сложно определить направление творчества Валерия Блохина, сам автор относит его к субъективному реализму.

Караван идет. Из цикла «Шелковый путь». Автор: Валерий Блохин

Восток - дело тонкое


Совет мудрецов. Из цикла «Шелковый путь». Автор: Валерий Блохин

Восточные мотивы на полотнах Валерия Блохина появились в связи с выставочной деятельностью за рубежом. Началось все в 1990 году в Германии, а затем была Индия, Вьетнам, Шри-Ланка. Именно Восток внес в его творчество экспрессию цвета, характерного для этих регионов. Каждая последующая поездка привносила много новых впечатлений и потрясений. Новые эмоции были настолько сильны, что стали основной темой в творчестве мастера. Все полученные впечатления от путешествий по странам Востока он запечатлевал на холстах: так появились Тибетская, Арабская, Вьетнамская, Египетская, Японская серии, которые он объединил в единый цикл "Шелковый путь".

Творческая манера, которая завораживает даже далекого от искусства живописи зрителя


Бедуин на верблюде. Из цикла «Шелковый путь». Автор: Валерий Блохин

Как признается сам живописец, сюжеты своих картин он никогда не задумывает заранее – они рождался, как говорится, на ходу. Каждую свою работу автор начинает с абстрактных цветовых пятен, а уже потом ищет в них реальность, какой-то намек на рисунок. Что любопытно, неотъемлемой составляющей творческого процесса для художника является музыка. Только под звуки любимых мелодий он полностью отдается настроению и начинает творить. Каждый творческий человек знает: если без настроения браться за работу — ничего хорошего не выйдет.

Воин-всадник. Из цикла «Шелковый путь». Автор: Валерий Блохин

Незамысловатые сюжеты на своих картинах живописец щедро обыгрывает необузданной цветовой гаммой. Удивительно, как посредством силуэтов и ярких цветов удается ему очень точно передать настроение и суть изображаемого. Сам Валерий Блохин, отвечая на вопросы любопытных созерцателей, говорит, что особых секретов у него нет, но наблюдать за его экспромтом безумно интересно даже людям, далеким от искусства. Каждое его произведение – некий самодостаточный, замкнутый в себе мир, куда он мастерски уводит зрителя по пути визуального восприятия.

Техника и инструменты


Караван в пути. Из цикла «Шелковый путь». Автор: Валерий Блохин

Многие уже наверняка отметили необычную живописную манеру мастера, слегка напоминающую акварель. Тем не менее, Блохин пишет маслом и весьма нестандартно. Он редко использует в своей работе кисти, в основном в ход идут пальцы (по словам художника, так лучше чувствуется фактура материала, толщина слоя краски). Но по большому счету орудует он над своими полотнами мастихином и валиком, нанося мазки один за другим, различные по тональности, насыщенности и плотности.

Африка. Из цикла «Шелковый путь». Автор: Валерий Блохин.

Мастерски орудуя этими инструментами, художник будто волшебник постепенно на полотне вырисовывает узнаваемые образы, к примеру бедуинов с верблюдами или мчащегося куда-то вдаль воина-всадника, кочевников или же загадочных восточных женщин.

Цветовое пятно - как главный атрибут сюжета


Воин-всадник на лошади. Из цикла «Шелковый путь». Автор: Валерий Блохин.

Весь секрет в техническом подходе, к которому художник пришел не сразу. Лишь методом проб и ошибок, а также благодаря своему упорству и трудолюбию, он нашел свой уникальный авторский почерк и обрел мировую славу. Ключевую роль в становлении мастера сыграло знакомство с художником Алексеем Паршковым, который и порекомендовал не жалеть краски и больше экспериментировать с цветом.

Яркая живопись на грани абстракции


Будучи превосходным мастером рисунка, нюансы которого освоил еще в художественном училище, Валерий стал буквально выливать разведенную краску на холст, лежащий на горизонтальной поверхности, а когда та растекалась в разном направлении, перемешиваясь, создавая вычурные разводы и необычные сочетания, он начинал мыслить абстрактно и буквально силой своего воображения "вытягивать" из этих пятен сюжет.

Нагая восточная женщина. Из цикла «Шелковый путь». Автор: Валерий Блохин

Будучи превосходным мастером рисунка, нюансы которого освоил еще в художественном училище, Валерий стал буквально выливать разведенную краску на холст, лежащий на горизонтальной поверхности, а когда та растекалась в разном направлении, перемешиваясь, создавая вычурные разводы и необычные сочетания, он начинал мыслить абстрактно и буквально силой своего воображения "вытягивать" из этих пятен сюжет.

Музыкант. Из цикла «Шелковый путь». Автор: Валерий Блохин

А так как работа шла не от формы, а от цветового пятна, то и вскоре пришло профессиональное чувство цвета. Таким способом и сложилась его особая техника: сначала - абстрактные пятна, и только потом дописывается реальность.

Портрет восточной женщины. Из цикла «Шелковый путь». Автор: Валерий Блохин

И если ранее он в своей работе опирался на предварительный карандашный набросок, то сейчас – вначале на эмоции, и только затем на детали… Присмотритесь, экспрессивность в его работах просто зашкаливает. Но еще больше поражает умение мастера вовремя остановиться, чтобы не сделать работу слишком завершенной. А ведь иногда так сложно уловить эту грань, после которой любое вмешательство в картину будет ей только во вред…

Портрет восточной женщины. Из цикла «Шелковый путь». Автор: Валерий Блохин

Из цикла «Шелковый путь». Автор: Валерий Блохин

Девушка на лошади. Из цикла «Шелковый путь». Автор: Валерий Блохин

Несколько слов из биографии мастера-колориста



Художник Валерий Маратович Блохин родился в 1964 году в Новороссийске. Мальчишкой увлекался дзюдо и художеством. А когда пришло время выбирать, выбрал второе. Потому как на оба увлечения катастрофически не хватало времени. Бросив дзюдо, закончил местную художественную школу и поехал поступать в Краснодарское художественное училище. В 1984 году Блохин был уже дипломированным специалистом. Не пройдет и трех лет, как Валерий постепенно станет участником городских, краевых, республиканских, всесоюзных и международных выставок. В 1990 году он стал членом Союза художников России, а с 2007 года - членом Творческого союза художников России.

Цветочный натюрморт. Автор: Валерий Блохин.
Источник: kulturologia.ru
Поделись
с друзьями!
578
0
13
1 месяц

Художник Иван Марчук - «гений современности»

Согласитесь, не многие современные художники в милости у критиков, а еще меньшему кругу удается при жизни добиться мирового признания, почестей и высоких званий. Но, они все-таки есть. И среди таких имя живописца Ивана Марчука стоит в первых рядах.



В британском рейтинге «Топ-100 гениев современности» он занял 72 ступень. Сейчас Марчук - титулованный художник, лауреат Шевченковской премии, изобретатель авторского стиля живописи. И сегодня в нашей публикации уникальная галерея работ мастера, манера которого напоминает переплетение множества разноцветных нитей на холсте.


Несколько слов о художнике


Иван Марчук (1936 г.р.) родом из села Москалевка Тернопольской области (Украина). Родился он в семье известного на всю округу мастера ткацких дел. Еще с раннего детства художник знал, что путь его предначертан: «Понимаете, откуда-то сверху Бог мне подсказал: "Ты должен заниматься именно этим. Бери карандаши или ручку и порть свой альбом". И я начал его портить – срисовывать из читанки писателей. И если уж перст Господень указал мне на то, что я должен взять в руки кисть… Это, очевидно, и был талант. Я уже не спал, не ел – рисовал, где только можно было, и думал, как это продолжить»,- из воспоминаний самого Ивана Марчука.

В дороге. 1990 год. Холст, темпера. 80х80. Автор: Иван Марчук

В 1956 году Иван окончил Львовское училище прикладного искусства. Обучение в котором дало юному Марчуку колоссальные знания о различных декоративно-прикладных техниках. Далее продолжил обучение на кафедре керамики Львовского института прикладного и декоративного искусства. Еще будучи студентом, он исследовал мировые художественные течения, принципиально обходя соцреализм. Еще тогда молодой художник фанатично искал свой путь, свой стиль и технику.

Творческий путь


Пробуждение. 1992 год. Автор: Иван Марчук

И творил он всегда как подсказывала ему душа, тонко чувствовавшая и красоту родного края, и несправедливость, и боль.

Адажио. Автор: Иван Марчук

В 1979 году его картины были представлены на первой коллективной выставке нонконформизма в Мюнхене, Париже, Нью-Йорке и Лондоне. В том же году состоялась и первая персональная выставка в Москве.

Натюрморт с яблоком. Автор: Иван Марчук

Живопись в стиле «плентанизм» от Ивана Марчука

С 2006 года по решению Международной академии современного искусства в Риме является членом "Золотой гильдии", в которой насчитывается всего 51 художник со всего мира. А в 2007-м года по версии британской газеты The Daily Telegraph назван "гением современности".

Картины в стиле *ню*. Автор: Иван Марчук

"Когда я вхожу в мастерскую и смотрю на стопы картин, когда вспоминаю полотна, рассеянные по миру, теплее становится… Это единственное, в чем я доволен собой. Есть выражение: «Жизнь идет, а биография стоит», так вот, чтобы удостовериться, что моя биография не стояла, я мысленно перебираю свои работы… Нужно время, чтобы картину сделать, а их у меня уже больше пяти тысяч, и я смело могу сказать, что недаром прожил жизнь"- так комментирует свой длинный творческий путь 84-летний мастер.

«Дайте мне тысячу лет – и я разрисую небо».

Лунная ночь. 1882 год. Автор: Иван Марчук

Уникальная техника «плентанизм»


Пейзажная живопись от Ивана Марчука

Начиная с первого цикла работы мастера получили название «Голос моей души» и стали основой для всех последующих направлений в творчестве художника. Именно с этого периода появились у картины, созданные в новой авторской технике «плентанизм». Название происходит от слова «пльонтати», то есть – плести.

Фрагмент полотна, выполненный в стиле «плентанизм»

Внимательно присмотревшись, вы увидите, что его полотна как будто созданы уникальным переплетением множества разноцветных нитей. Потрясающая завораживающая техника, приковывающая взгляд и вызывающая желание у зрителя потрогать руками и попробовать смотать нити на клубки.

Краски в своем творчестве художник использует на водной основе, по консистенции довольно густую, которая, ложась на холст имеет объемную фактуру, что и создает впечатление кружевных плетений.

Пейзажная живопись от Ивана Марчука

Наиболее всего впечатляют невероятные пейзажи самобытного мастера. На первый взгляд, казалось бы, совершенно простые пейзажи. Но, свето-цветовая гамма играет свою невероятную роль, придавая полотнам дополнительное значение. К примеру, вот чей-то дом, светлый и радостный, хотя покосившийся забор свидетельствует о запустении. Справа под лучами весеннего солнца греется старое дерево, такое же ветхое, но не менее значимое для цветовой и композиционной целостности картины. Жизнь здесь пришла в упадок, но не погасла.

Пейзажная живопись от Ивана Марчука

Полотна художника с изображением хат-мазанок никак нельзя отнести к тоскливым пейзажам. Мастер оживил их определенным деталям: вкраплениями солнечного или лунного света, бликам сверкающего снега и наложению мерцающих теней.


На них можно смотреть подолгу, не уставая взглядом отслеживать хитросплетения красочных тончайших мазков.





P.S. «Свои картины я не выдумывал, они мне являлись, это картины-притчи…»

Украинская (Чернобыльская) Мадонна. Автор: Иван Марчук

Лети, бабочка! Лети... Автор: Иван Марчук

Это поистине слова мудрого человека, прожившего длинную плодотворную жизнь и оставившего после себя наследие, которое будет жить в веках.



Поделись
с друзьями!
1042
15
60
2 месяца

Сказочные картины Юлия Клевера

Юлий Юльевич Клевер — русский художник немецкого происхождения. Преподавал в Академии Художеств и в Центральном училище технического рисования в Санкт-Петербурге, где заведовал кафедрой монументальной живописи. Но в XIX веке Клевер считался салонным художником, его даже называли любимым живописцем царской семьи, поэтому после революции о былой популярности он мог только вспоминать.

Пруд с белыми лилиями. 1893

При этом картины Юлия Клевера просто завораживают. Обычные русские пейзажи и заброшенные деревеньки на них выглядят сказочными, волшебными. Леса, озера, заснеженные равнины манят и привлекают своей загадочностью. Мы предлагаем вам полюбоваться картинами Юлия Клевера и заодно узнать немного о его судьбе.

Девственный лес. 1880

Юлий Юльевич Клевер родился 19 (31) января 1850 года в Дерпте. С детства проявлял наклонности к рисованию и в 1867 году, после окончания гимназии, по настоянию семьи начал учиться архитектуре в Императорской Академии художеств, однако вскоре перевёлся в пейзажный класс. За успехи в живописи он был удостоен малой и большой серебряных медалей Академии.

Зимний пейзаж с березой, освещенной заходящим солнцем


В 1871 году его картина «Заброшенное кладбище зимой» была положительно оценена художественным сообществом и приобретена графом П. С. Строгановым. В 1872 году картина «Закат» была приобретена великой княгиней Марией Николаевной. А после того, как в 1876 году его картину «Березовый лес» пожелал приобрести Александр II, Юлию Юльевичу, не кончившему академического курса, было присвоено звание классного художника первой степени, а в 1878 году за картину «Старый парк» («Вид запущенного парка в Мариенбурге») он получил звание академика живописи.

«Берёзовая роща», 1883

Перед грозой. 1899

В 1890-х годах Ю.Ю. Клевер был вынужден уехать в Германию: его привлекли как свидетеля к громкому делу о финансовом злоупотреблении его знакомого, бывшего конференц-секретаря Академии художеств П. Ф. Исеева. Семья Клеверов вернулась в Россию только в 1915 году. После революции 1917 года живописец получал материальную поддержку от Общества художников имени А. И. Куинджи. Умер Юлий Юльевич в 1924 году.

Дебри. 1895

«Ланшафт с деревьями в цвету», 1916

Клевер создал свой уникальный стиль, который завораживал зрителя: некоторая доля декоративности, в основе сюжета таинственное и заброшенное (полуразрушенное) место, и всё это освещено закатным (восходящим) солнцем, лучи которого придают пейзажу мистическое, порой зловещее, содержание. При этом полотна художника невозможно назвать нереалистичными и абсолютно надуманными. Есть доля сказки, мифа, страшилки. Но полотно смотрится, как реальный живой пейзаж. В этом и заключается особый дар и уникальный почерк Юлия Клевера.

«Старый парк», 1895

«Март», 1882

«Закат солнца зимой», 1891

Рыбацкая деревня. 1892

В парке Гатчинского дворца. 1894

Красная Шапочка

Зимний пейзаж с избушкой

Утренняя тишина

«Оттенки заходящего солнца», Конец 1890-х

«Закат», 1893
Поделись
с друзьями!
1313
3
28
3 месяца

Гиперреалистичные портреты художника Вячеслава Грошева: талант или ремесло?

Не секрет, что гиперреализм в современном мире искусства особо не жалуют ни критики, ни продвинутые ценители, которые так и норовят приписать этот стиль к обычному, никому не интересному ремеслу. Тем не менее некоторые художники считают, что лишь опираясь на реалии жизни, технические наработки мастеров прошлого, собственный талант и свое художественное мировоззрение можно создавать настоящую подлинную живопись, которая останется на века.

По правде говоря, творческий путь, избранный художником-гиперреалистом, зачастую бывает очень нелегок и тернист. Эти живописцы постоянно находятся под шквальным огнём критики, причем «достается» им, что называется, «со всех сторон». Одни упрекают авторов в недостаточной оригинальности сюжетов, «механичности», в плагиате, что превращает их высококвалифицированный труд из высокого искусства в обыденное ремесло. Эти высказывания постоянно перекликаются с недовольством, звучащим из другого «лагеря» критиков: «чересчур сильные заигрывания с эротоманией», а также «сто раз виденные у других авторов мифологические и фэнтезийные аллюзии».

К глубокому сожалению, все это вместе взятое просто-напросто обесценивает кропотливый труд художника, превращая его в продукт низшего качества, предназначенный для дилетантов от мира ценителей живописи. Именно поэтому в сегодняшней нашей публикации мы попытаемся представить гиперреализм в самом, что называется лучшем свете.

Портрет девушки. Автор: Вячеслав Грошев.

Гиперреализм, воплощённый кистью Вячеслава Грошева


Современный художник Вячеслав Грошев (1974 г.р.) родом из России, но уже много лет живет в Канаде, где имеет свою прекрасно оборудованную студию. И отбоя от заказчиков у художника нет. Пишет он портреты в потрясающей технике гиперреализма, пишет очень много, успешно и весьма плодотворно. И хотя художник утверждает, что искусство, это, в первую очередь, очень тяжелый труд (и это действительно является абсолютной правдой), зрителя не покидает ощущение, что его работы необычайно легки и изящны. Будто написаны они на одном дыхании, на одном взмахе кисти. Это касается практически всех полотен автора, будь то дети в виде ангелочков, портреты подростков, взрослых людей или изображения красивых женщин в стиле ню...

Автопортрет художника.

Маленькая шалунья. Автор: Вячеслав Грошев.

Невероятно впечатляет зрителя и великолепная техника живописи мастера, основанная на кропотливом и доскональном изучении творческих секретов художников-классиков, а также талант самого Грошева, что и позволяет создавать ему настоящие шедевры в жанрах портрета и сюжетной картины. Вильям Бугро, Леон Базиль Перро, Фредерик Морган. Присмотритесь к работам этих мастеров-портретистов - не они ли вдохновляли нашего современника Вячеслава Грошева?

Полевые цветы. Автор: Вячеслав Грошев.

К слову сказать, невзирая ни на какие критические замечания, на сегодняшний день герой нашей статьи всячески обласкан экспертами и ценителями живописи, живущими по ту сторону Атлантики. Популярность его выставок растёт из года в год, но сам мастер воспринимает это как на некий моральный «аванс» и стимул к дальнейшему самосовершенствованию. Для него живопись — пусть любимая и благодарная, но упорная и требующая полнейшей самоотдачи - работа.

Беззаботное лето. Автор: Вячеслав Грошев.

"Приехав в Монреаль, я начал писать картины. Я всегда знал, что могу это делать, но не было ни времени, ни возможности. Разумеется, что я был обучен основам живописи, рисунка, композиции и т.д., сначала в художественной школе, затем пару лет с преподавателями. Но именно здесь я начал рисовать по десять часов в сутки, шесть дней в неделю. И уже сейчас мои картины не только у частных заказчиков, но и в собраниях коллекционеров Канады, США и Европы," - говорит сам Слава Грошев о своем увлечении, ставшим профессией.

Задумчивое настроение. Автор: Вячеслав Грошев.

Работу этого художника можно сравнить с манипуляциями заправского фотокорреспондента, который буквально «ловит» в объектив реальную жизнь в высшей точке её эмоционального выражения, как бы «вырывая» из рук Вечности глубоко символичный миг, и делится им со зрителем. Однако у живописца-реалиста, желающего достичь того же эффекта, куда больше свободы действий, чем у работника камеры. Он посредством холста и красок творит собственную реальность. Однако, как ни крути, добиться от публики доверия к достоверности своего «высказывания» художнику намного сложнее.

Сын раввина. Автор: Вячеслав Грошев.

Гимнастка. Автор: Вячеслав Грошев.

Увлекательная книга. Автор: Вячеслав Грошев.

Портреты девочек. Автор: Вячеслав Грошев.

Потаенное место. Автор: Вячеслав Грошев. / Полевые цветы.

Хотелось бы также отметить, что помимо изумительных портретов пишет Вячеслав Грошев и сюжетные полотна на библейские темы. К слову, весьма оригинальны и эротичны работы художника, выполненные в стиле "ню". (Их можно посмотреть на других ресурсах.)

Библия. Десять заповедей. / Суд царя Соломона. Автор: Вячеслав Грошев.

Авраам и Исаак. / Сара и Исаак. Автор: Вячеслав Грошев.

Маленькие ангелочки. Автор: Вячеслав Грошев.
Источник: kulturologia.ru
Поделись
с друзьями!
1396
5
63
3 месяца

Творческие советы самого оригинального художника XX века Пабло Пикассо

Пикассо садится в такси, таксист его узнал и говорит:
– Зачем вы так непохоже пишете?
– А похоже – это как?
Таксист достает из бумажника фотографию жены:
– Вот моя жена, здесь она на себя похожа.
– Что, она на самом деле такая маленькая и плоская?


Испанский художник, скульптор и керамист Пабло Пикассо стал основоположником кубизма – художественного направления, отвергавшего традиции натурализма и изобразительно-познавательную функцию искусства, в котором трёхмерное тело в оригинальной манере рисовалось как ряд совмещённых воедино плоскостей.

Пикассо как никто другой экспериментирует с цветом и передачей настроения и подает в новом свете саму форму, сознательно деформируя и односторонне интерпретируя ее. Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки, увеличивает и ломает объёмы, рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, не ограниченном плоскостью картины.

Пабло Пикассо в своей студии

Пикассо при жизни говорил «Я не владею ни одной своей картиной потому, что оригинал Пикассо стоит несколько тысяч долларов — такую роскошь я не могу себе позволить». А сегодня Пикассо – самый «дорогой» художник: в 2008 году объём только официальных продаж его работ составил 262 млн долларов. 4 мая 2010 года картина Пикассо «Обнажённая, зелёные листья и бюст», проданная на аукционе за 106 миллионов долларов, стала самым дорогим произведением искусства, когда-либо проданным в мире.

По результатам опроса 1,4 млн читателей, проведённого газетой The Times в 2009 году, Пикассо был признан лучшим художником среди живших за последние 100 лет. Его полотна занимают первое место по «популярности» среди похитителей.

Пабло Пикассо: Эволюция автопортрета - от 15 до 90 лет

Афоризмы Пабло Пикассо о том, как найти свою оригинальность и обрести уверенность в себе как творческая личность:

  • Может тот, кто считает, что может. А не может тот, кто считает, что не может. Это непреложный, неоспоримый закон.

  • Когда искусствоведы собираются вместе, они говорят о форме, структуре и смысле. Когда художники собираются вместе, они говорят о том, где можно купить дешёвый растворитель.

  • У юности нет возраста.

  • Если бы правда была одна, ты бы не смог нарисовать сотню полотен на одну и ту же тему.

  • Я могу рисовать как Рафаэль, но мне понадобится вся жизнь, чтобы научиться рисовать так, как рисует ребёнок.

  • Искусство — это исключение ненужного.

  • Я всегда делаю то, чего не умею, чтобы этому научиться.

  • Откладывайте на завтра лишь то, что вы не хотите завершить до самой смерти. Действие — основной ключ к успеху.

  • Если хочешь сохранить глянец на крыльях бабочки, не касайся их.

  • Другие увидели то, что было, и спросили, почему. Я увидел то, что могло бы быть, и спросил, почему бы нет.

  • Вдохновение существует, но оно приходит во время работы.

  • Все пытаются понять живопись. Почему они не пытаются понять пение птиц?

  • Если бы только можно было избавиться от мозга и пользоваться лишь глазами.

  • Я отдыхаю, когда работаю, и устаю, когда бездельничаю или принимаю гостей.

  • Мы не стареем, мы созреваем.

  • Некоторые художники изображают солнце жёлтым пятном, другие же превращают жёлтое пятно в солнце.

  • Я изображаю предметы так, как я думаю о них, а не так, какими я их вижу.

  • Мир сегодня не имеет смысла. Так почему я должен рисовать картины, в которых смысл есть?

  • Хорошие художники копируют, великие художники воруют.

  • Я хочу жить как бедный человек с деньгами.

  • Начинающего художника понимают лишь несколько человек. Знаменитого — еще меньше.

  • Нет ничего хуже, чем великолепное начало.

  • Искусство смывает пыль повседневности с души.

  • Успех таит в себе опасность. Начинаешь копировать себя, а это — ещё более опасно, чем копировать других. Это приводит к бесплодности.

  • Каждый ребенок — художник. Трудность в том, чтобы остаться художником, выйдя из детского возраста.

  • Скрытая гармония лучше, чем очевидная.

  • Художник — это человек, который пишет то, что можно продать. А хороший художник — это человек, который продает то, что пишет.

  • Надо потратить много времени, чтобы стать, наконец, молодым.

  • Всё, что ты можешь вообразить — реально.

  • И среди людей больше копий, чем оригиналов.

Эскиз «Пикассо и Дали рисуют яйцо» – у каждого свой взгляд на вещи...
Источник: fit4brain.com
Поделись
с друзьями!
958
5
29
3 месяца
Уважаемый посетитель!

Показ рекламы - единственный способ получения дохода проектом EmoSurf.

Наш сайт не перегружен рекламными блоками (у нас их отрисовывается всего 2 в мобильной версии и 3 в настольной).

Мы очень Вас просим внести наш сайт в белый список вашего блокировщика рекламы, это позволит проекту существовать дальше и дарить вам интересный, познавательный и развлекательный контент!