Пикассо садится в такси, таксист его узнал и говорит:
– Зачем вы так непохоже пишете?
– А похоже – это как?
Таксист достает из бумажника фотографию жены:
– Вот моя жена, здесь она на себя похожа.
– Что, она на самом деле такая маленькая и плоская?

Испанский художник, скульптор и керамист Пабло Пикассо стал основоположником кубизма – художественного направления, отвергавшего традиции натурализма и изобразительно-познавательную функцию искусства, в котором трёхмерное тело в оригинальной манере рисовалось как ряд совмещённых воедино плоскостей.

Пикассо как никто другой экспериментирует с цветом и передачей настроения и подает в новом свете саму форму, сознательно деформируя и односторонне интерпретируя ее. Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки, увеличивает и ломает объёмы, рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, не ограниченном плоскостью картины.

Пикассо при жизни говорил «Я не владею ни одной своей картиной потому, что оригинал Пикассо стоит несколько тысяч долларов — такую роскошь я не могу себе позволить». А сегодня Пикассо – самый «дорогой» художник: в 2008 году объём только официальных продаж его работ составил 262 млн долларов. 4 мая 2010 года картина Пикассо «Обнажённая, зелёные листья и бюст», проданная на аукционе за 106 миллионов долларов, стала самым дорогим произведением искусства, когда-либо проданным в мире.

По результатам опроса 1,4 млн читателей, проведённого газетой The Times в 2009 году, Пикассо был признан лучшим художником среди живших за последние 100 лет. Его полотна занимают первое место по «популярности» среди похитителей.

Афоризмы Пабло Пикассо о том, как найти свою оригинальность и обрести уверенность в себе как творческая личность:

• Может тот, кто считает, что может. А не может тот, кто считает, что не может. Это непреложный, неоспоримый закон.
  
  
• Когда искусствоведы собираются вместе, они говорят о форме, структуре и смысле. Когда художники собираются вместе, они говорят о том, где можно купить дешёвый растворитель.
  
  
• У юности нет возраста.
  
  
• Если бы правда была одна, ты бы не смог нарисовать сотню полотен на одну и ту же тему.
  
  
• Я могу рисовать как Рафаэль, но мне понадобится вся жизнь, чтобы научиться рисовать так, как рисует ребёнок.
  
  
• Искусство — это исключение ненужного.
  
  
• Я всегда делаю то, чего не умею, чтобы этому научиться.
  
  
• Откладывайте на завтра лишь то, что вы не хотите завершить до самой смерти. Действие — основной ключ к успеху.
  
  
• Если хочешь сохранить глянец на крыльях бабочки, не касайся их.
  
  
• Другие увидели то, что было, и спросили, почему. Я увидел то, что могло бы быть, и спросил, почему бы нет.
  
  
• Вдохновение существует, но оно приходит во время работы.
  
  
• Все пытаются понять живопись. Почему они не пытаются понять пение птиц?
  
  
• Если бы только можно было избавиться от мозга и пользоваться лишь глазами.
  
  
• Я отдыхаю, когда работаю, и устаю, когда бездельничаю или принимаю гостей.
  
  
• Мы не стареем, мы созреваем.
  
  
• Некоторые художники изображают солнце жёлтым пятном, другие же превращают жёлтое пятно в солнце.
  
  
• Я изображаю предметы так, как я думаю о них, а не так, какими я их вижу.
  
  
• Мир сегодня не имеет смысла. Так почему я должен рисовать картины, в которых смысл есть?
  
  
• Хорошие художники копируют, великие художники воруют.
  
  
• Я хочу жить как бедный человек с деньгами.
  
  
• Начинающего художника понимают лишь несколько человек. Знаменитого — еще меньше.
  
  
• Нет ничего хуже, чем великолепное начало.
  
  
• Искусство смывает пыль повседневности с души.
  
  
• Успех таит в себе опасность. Начинаешь копировать себя, а это — ещё более опасно, чем копировать других. Это приводит к бесплодности.
  
  
• Каждый ребенок — художник. Трудность в том, чтобы остаться художником, выйдя из детского возраста.
  
  
• Скрытая гармония лучше, чем очевидная.
  
  
• Художник — это человек, который пишет то, что можно продать. А хороший художник — это человек, который продает то, что пишет.
  
  
• Надо потратить много времени, чтобы стать, наконец, молодым.
  
  
• Всё, что ты можешь вообразить — реально.
  
  
• И среди людей больше копий, чем оригиналов.
  

Французский жанровый живописец Поль Шарль Шокарн-Моро (1855-1931) рисовал реалистичные сценки из жизни уличных детей: поварят, подмастерьев, алтарных мальчиков и просто школьников. Тема детей, растущих в опасном и жестоком уличном мире была довольно популярной в искусстве конца XIX – начала XX вв. Но на картинах Шокарн-Моро жизнь сорванцов раскрашивалась в веселые краски неожиданных приключений, и дети на них попадали в основном в юмористические ситуации.

Сьюзен Брабо – современная американская художница. Она никогда не училась живописи, у нее есть степени бакалавра по биологии и математике, она много лет была актрисой и певицей, выступала в комедийных шоу в Калифорнии и играла на Бродвее. А рисовать она начала в ожидании своего ввода в основной состав успешного мюзикла… И получились удивительные, наполненные яркими красками мгновения из повседневной жизни обычных людей. Сьюзен с удивительной лёгкостью «схватывает на лету» настроение своих персонажей, их характер, может рассказать целую историю о том или ином человеке. Ее картины так и хочется рассматривать, находя в них новые и новые подробности!

Что поражает зрителя в первую очередь в работах Сьюзан Брабо (Susan Brabeau) — это её сверхъестественный талант «фотографирования» людей. Она способна «схватить» их настроения, их особенности, и даже их язык тела.

Художница может через ряд частных моментов рассказывать целую историю о том или ином человеке, историю, которая трогает сердце, разжигает воображение и восхищает чувства. Все её работы отражают любовь к прошлым простым временам.

Сьюзан создает семейные портреты в виде шуточных сценок из жизни, портреты некоторых выдающихся политических деятелей, написанные ею, украшают Капитолий и государственные учреждения штата Северная Каролина. Множество работ выставлено на различных выставках и в артгалереях.

Восхищаясь гениальными художниками эпохи Ренессанса, мы нередко забываем о тех, кто научил их живописи и ваянию, кто показал, как сохранить для вечности такую изменчивую и преходящую красоту. А ведь учителя выдающихся творцов Возрождения и сами были одаренными людьми, знаменитыми художниками. Они мечтали передать свой опыт и знания молодому поколению – и оказались в тени славы своих учеников…

Фра Филиппо Липпи – учитель Боттичелли

Липпи в пятнадцатилетнем возрасте принял монашеский обет - «фра» в его имени означает «брат». Глядя на трогательных Мадонн, созданных им, невозможно даже представить, какой безумной была биография художника. В двадцать четыре года он сбежал из монастыря, хотя практически всю жизнь продолжал носить иноческие одежды.

По легенде, он побывал в плену у берберов и несколько лет провел в Африке. Нетрудно заметить, что все его Богоматери – на одно лицо, и это не идеальная непорочная дева, а реальная женщина … его жена. Монах Фра Филиппо Липпи был женат, мало того – он похитил прекрасную Лукрецию Бути из монастыря. Этот брак доставил обоим немало переживаний – Липпи тревожило то, что их союз не был признан законным (правда, вмешался Козимо Медичи, и папа римский освободил чету от монашеских обетов), а Лукрецию беспокоила безалаберность супруга. Его постоянно преследовали кредиторы, он регулярно ввязывался в авантюры и сомнительные предприятия…

В живописи же Липпи был новатором. Он пропагандировал реализм и чувственность, отказывался от канонов и жестких правил в религиозной живописи и первым начал писать круглые картины – в дальнейшем эту композцию использовали многие флорентийские художники, в том числе и Боттичелли. Последний был учеником Липпи – и, по-видимому, натурщиком.

Андреа дель Верроккьо – учитель Леонардо

Андреа дель Верроккьо происходил из богатой семьи и получил образование как ювелир, однако занимался живописью, скульптурой и архитектурой. Его юность была омрачена случайным убийством сверстника, и его первой, правда, не сохранившейся, живописной работой был портрет погибшего юноши.

Впрочем, в истории Верроккьо остался как скульптор. Самая ранняя из известных его работ – бронзовая статуя Давида. Утонченный, почти женственный, слегка нарциссичный юный победитель предстает перед зрителями с торжествующей улыбкой. Верроккьо одним из первых начал создавать статуи, которые сохраняли выразительность с любого ракурса. Верроккьо и его мастерская выполняли работы как для католической церкви, так и для светских заказчиков. Нежные ангелы и лиричные Мадонны соседствуют здесь с суровыми кондотьерами и блистательными представителями семейства Медичи.

Верроккьо стал одним из провозвестников Ренессанса, соединял в своих работах античную чувственность и средневековый спиритуализм. Он не завел собственной семьи, отдавая все силы искусству и педагогике. Мастер много и талантливо преподавал, воспитав целое поколение мастеров Возрождения. В его мастерской постоянно велись жаркие споры о живописи, цвете, символике изображения.

Самым знаменитым учеником Верроккьо был Леонардо да Винчи. Молодой Леонардо принимал участие при создании некоторых работ учителя – как подмастерье. Известно, что Леонардо написал образ ангела для картины Верроккьо «Крещение Христа». Сохранившиеся рисунки Верроккьо однозначно указывают на то, что мастерство владения серебряным карандашом великий Леонардо унаследовал именно от него.

Доменико Гирландайо – учитель Микеланджело

Настоящая фамилия Гирландайо – Бигорди, и существует легенда, что его отец был изобретателем ювелирных «гирлянд», которые носили в волосах юные флорентийские модницы. Учился Доменико у вышеупомянутого Верроккьо.

Гирландайо был знаменит фресковыми циклами на библейские темы, где наряжал ветхозаветных и евангельских персонажей в современные ему одежды и досконально прорабатывал бытовые детали. Прообразами героев его картин служили знатные жители Флоренции, заказывавшие свои портреты «в роли» волхва или святого.

Вместе со своим братом – в дальнейшем тот предпочел должность администратора в мастерской Доменико – он расписывал стены Ватиканской библиотеки. По приглашению Папы Сикста IV он участвовал в росписи Сикстинской капеллы. В дальнейшем Гирландайо, овеянный славой и буквально заваленный заказами, работал исключительно во Флоренции. Помимо фресок, он выполнял портреты и мозаики, а также руководил огромной мастерской, где выполнение заказов от церкви и знатных горожан было буквально поставлено на поток.

Гирландайо был учителем одного из «титанов Возрождения» - Микеланджело. Правда, тот провел в мастерской Гирландайо лишь год в качестве подмастерья. Удивительно, но это имя – Микеланджело – принял в монашестве один из сыновей Гирландайо от второго брака.

Пьетро Перуджино – учитель Рафаэля

В отличие от своих коллег, Перуджино родился в бедной семье и всю свою юности провел едва ли не в нищете. Однако это не помешало ему снискать славу и богатство, которым он был совершенно неспособен распорядиться – ходили слухи, что всю жизнь он спал в сундуке, хотя и мог позволить себе более пристойное ложе.

Сам Перуджино учился все у того же Верроккьо, а затем побывал в ученичестве у самого Леонардо да Винчи. Вместе с Гирландайо и Боттичелли участвовал в работе над росписями Сикстинской капеллы. Его фреска «Вручение ключей святому Петру» демонстрирует виртуозное владение перспективой и отличается реалистичностью типажей, мимики и жестикуляции персонажей. В то же время Перуджино – мастер лирических образов. Его нежные золотоглазые святые и Мадонны взирают на зрителей с мягким укором.

Перуджино возглавлял большую мастерскую, но самым его прославленным – и, вероятно, самым любимым – учеником был Рафаэль. Перуджино было суждено пережить своего ученика на четыре года. Ему выпала нелегкая, хотя и благородная, участь – завершить работы Рафаэля для церкви в Перудже.

Текст: Софья Егорова

Что может быть более весенним и красивым, чем цветы? Французская художница Клер Баслер умеет изобразить их так, что захватывает дух. Ведь она влюблена в цветы. Несколько лет назад она приобрела разрушенный замок XIII века Шато де Бовуар и решила вместо холстов использовать его каменные стены.

«Несколько лет назад мы с мужем Пьером приобрели (в Эшасьере, регион Овернь ) старый замок из 40 комнат. Дом был в ужасном состоянии, ничего не было — ни отопления, ни света, ни газа. Мы въехали зимой и начали ремонт. Первые десять дней температура в комнатах была −20 °С, еще десять дней −15 °С. Мы ютились в одной комнате, где Пьер пытался оборудовать кухню. И так как у меня не было холстов, я стала рисовать тут же — прямо на стенах. Помню, кошки притащили в дом подмерзших птиц. Вдруг птицы отогрелись и принялись летать по комнате, кошки носились за ними, собаки за кошками, Пьер сверлил, и посреди этого бедлама я выводила на стенах травы и ирисы».

Клер превратила свою студию в огромный цветник, больше похожий на роскошный зимний сад, чем на обычную мастерскую. Здесь художница ежедневно пишет картины, на которых, словно по волшебству, «расцветают» яркие маки, нежные пионы и утонченные лилии.

Каждая комната Шато де Бовуар — это отдельное произведение, но все вместе они составляют единое целое — переход от одного помещения к другому гармоничен. Это дом не только мастерская, но и галерея, в которой проходят экскурсии.

«Мои картины — это мой способ общения с миром, я пишу не цветы, а стараюсь с их помощью изобразить саму жизнь. По-моему, цветы так хорошо отражают то, что мы чувствуем каждый день: наши мысли, эмоции, слабости и сильные стороны. И сюжет этот неисчерпаем».

Из: Claire Basler

Виктор Габриэль Жильбер зарекомендовал себя как художник французских жанровых сцен. Его природные способности к рисованию обнаружились в раннем возрасте, но в силу финансовых обстоятельств он должен был работать в качестве ремесленника. Единственное официальное художественное образование получил в школе у Пьера Левассера «Эколь де Ла Вилле де Пари».

Несмотря на отсутствие подготовки, Жильбер быстро пришел к известности в парижском обществе. Первая выставка его работ состоялась в 1873-1874 гг. в Салоне.

В середине 1870-х он стал близким другом Пьера Мартина, одного из главных сторонников движения импрессионистов. Мартин приобрел произведения Виктора Жильбера вместе с картинами таких именитых художников, как Моне, Ван Гог, Сезанн и Гоген.

Именно благодаря этой поддержке Жильбер смог отказаться от профессии декоратора и посвятить все свое время живописи.

Жильбер умер 21 июля 1935 года, и похоронен в кладбище Montmartre в Париже.