Нью-йоркский художник Игаль Озери (Yigal Ozeri) родился в Израиле. В его стиле живописи так много гиперреализма, что картины с высочайшим уровнем детализации ошеломляют. Нужно внимательно присмотреться к полотнам, чтобы поверить, что мастер кропотливо выводил их кистью, а не снимал на цифровую фотокамеру. Игаль Озери больше всего известен кинематографическими портретами молодых женщин. Его картины выставляют на выставках по всему миру.

На протяжении более 25 лет талантливый израильский художник Игаль Озери (Yigal Ozeri) раздвигает границы фотореалистичной живописи, создавая крупномасштабные масляные картины красивых женщин, запечатлённых на просторах солнечных ландшафтов. В отличие от современных мастеров гиперреализма, которые отнюдь не всегда копируют повседневную реальность, Игаля Озери причисляют к мастерам фотореализма, так как художник работает исключительно с фотографиями и не рисует с натуры.

Художник работает с большой группой помощников, которые производят фотосъёмку моделей на природе. По достижению желаемого результата, отражаемого на фотографии в виде наилучшей позы модели, правильного света и других аспектов, начинается работа самого Игаль Озери. Практически невидимые мазки художника превращаются в потрясающие реалистичные портреты, гармонично переплетающиеся со спокойными пейзажами.

В настоящее время Игаль Озери живёт и работает в Нью-Йорке; за многолетнюю карьеру его работы приняли участие в многочисленных выставках как на родине, так и за рубежом. Кроме того, его работы находятся во многих престижных постоянных коллекциях по всему миру, включая музеи современного искусства в Израиле, Сан-Диего, Музей американского искусства Уитни и в других не менее значимых учреждениях.

«Моя идея состоит в том, чтобы создавать не зеркальные отражения действительности, чего и добиваются фотореалисты, а чтобы отражать пространство между миром высокой чёткости (реальности) и фантазией. Мои образы должны быть прочитаны, как если бы они были стихами или сонетами. Добиваясь этой цели, я уделяю особое внимание работе над интенсивностью света, а также предпочитаю, чтобы композиции изобиловали деталями. По сути, мои работы находятся под влиянием прерафаэлиты — художников Данте Габриэля Россетти и Джона Эверетта Милле».

Октавио Окампо (Octavio Ocampo) родился в семье мексиканских художников и дизайнеров в 1943 году в городе Селая. Он с детства изучал искусство, образование получил в Школе живописи и скульптуры, затем в Художественном институте Сан-Франциско. На этапе поисков себя работал художником-декоратором в театре и кино, создал декорации к более 120 мексиканским и американским фильмам.

Октавио Окампо – представитель стиля метаморфоз, очень близкого к испанскому сюрреализму, родоначальником которого был Сальвадор Дали. Окампо пишет картины-иллюзии со скрытыми изображениями и бесконечными смыслами. Игрой воображения мастер сплетает реалистические и метафорические детали в неповторимые картины с зашифрованными образами. Немалое место в его творчестве занимает католическая символика.

«Я называю свой стиль «метаморфическим», потому что когда вы смотрите на мои картины, они переходят от одного изображения к другому. Моя философия в том, что мы живём в разных вселенных, параллельных друг другу. Вселенная и философия – вот мой стиль...», – говорит художник.

Окампо популярен и как портретист. Наиболее известны его портреты таких известных личностей как Джимми Картер, Хосе Лопес Портильо, Мигуэль Алеман Вальдес, Сезар Чавес, Джейн Фонда и Шер (портрет использовали для обложки альбома «Heart Of Stone»). Работы Октавио Окампо демонстрируют в персональных и коллективных выставках по всему миру. В родном городе художника создали музей его имени.

Иван Пазламачев (Ivan Pazlamatchev) — болгаро-американский художник. Родился в 1968 году. Образование получил в Школе изобразительного и прикладного искусства, София, Болгария, где учился с 1982 по 1987 год. Затем в Колледж Санбридж, Честнат-Ридж, Нью-Йорк, где учился с 1992 по 1995 год.

Иван Пазламачев - верный поклонник фигуративной традиции. Его картины погружены в аллегорические повествования и композиционные напряжения, с современной интерпретацией, подкрепленной классическим обучением, полученным в престижной Школе искусств в Софии, Болгария. Обладая более чем 30-летним опытом работы в качестве художника, Иван выставлялся в галереях и музеях Европы и по всему Восточному побережью Соединенных Штатов.

"В своих нынешних картинах я начал с того, что уделил пристальное внимание лицу. Оно — наше зеркало для мира. В картинах я раскрываю свои секреты, настроения, мысли, желания, рассказывая историю человека, на которого вы смотрите так, как будто он находится близко.

Когда есть тема, я создаю дверь для глаз, чтобы в неё можно было войти. С самого начала это казалось нереальным, поэтому я придумал хитрую уловку — в основном полосы, но также пузыри и вуали. Это придавало лицу частичную дымку, в которой оно плавало. Это выдвинуло вперед поверхность картины и оставило глубину доступной только для лица.

Затем моя любовь и интерес к повествованиям в картинах классического искусства дали мне еще одну возможность дополнить историю. С двусторонним вариантом. Интерпретация предмета из классической картины, помогающая объяснить лицо и лицо, отвечающее взаимностью. В некоторых работах повествование прерывается объектами, взаимодействующими с лицом."

Автопортреты писали не только художники-портретисты. Познание мира через исследование собственного образа широко распространено среди мастеров кисти всех времен.

Подвид портрета, автопортрет осмелился выйти на арену творчества художников во времена Ренессанса, Возрождения. Название жанра «автопортрет» происходит от двух слов — «автор» и «портрет», то есть автопортрет — портрет самого себя.

Некоторые художники написали множество автопортретов, другие помещали собственное изображение в групповые картины.

Собственно, градации разновидностей автопортрета не так много. Часто художники изображают себя за работой, с кистью и красками, пишущими картину — такой автопортрет условно можно назвать профессиональным.

Проникновение в глубины личного сознания, выраженного художником на полотне, можно назвать личностным автопортретом.

Поскольку собственное лицо — самая доступная мастеру натура, автопортреты художников встречаются в групповых картинах. Мастера изображали себя в качестве персонажей картин на историческую, библейскую или мифологическую тему, помещали себя в групповых изображениях вместе с друзьями или членами семьи.

Одним из первых художников, изобразивших себя в групповом портрете, был итальянец Томазо Мазаччо. Его автопортрет (1425) изображен на росписи в капелле Бранкаччи. Считается также, что Сандро Боттичелли изобразил себя на картине «Поклонение волхвов»: обратите внимание на фигуру справа.

Искусствоведы долгие годы пытаются выяснить, является ли знаменитая «Мона Лиза» своеобразным автопортретом Леонардо да Винчи?

Автопортрет, помимо всего прочего — ценнейший исторический документ, отражение отношения художника к окружающему его миру и обществу, отражение его социальных ценностей. Свои образы оставили потомкам Рафаэль Санти (1483—1520), Микеланджело Буонарроти (1475—1564), Тициан Вечеллио (1477—1576).

Стремясь передать самую сущность портретируемого, его глубокие внутренние стремления, потаенные мысли, художники, как правило, старались «разговорить», узнать получше свою модель. Что же касается автопортрета, изображения себя самого — этот опыт для многих из них становился достаточно тяжелым личным переживанием, ни с чем не сравнимым опытом. Заглянуть в собственную душу, откровенно изобразить свою натуру, которую многие люди стараются прятать как можно глубже… Пожалуй, автопортрет для художника — это всегда испытание, акт самопознания — дело нелегкое, но очищающее. Также по автопортрету судят о творчестве художника в целом: насколько он откровенен в своих работах, хотя мало кто из людей бывает до конца честен с самим собой.

Известные художники — мастера автопортрета: Альбрехт Дюрер, Рембрандт, Орест Кипренский, Иван Крамской, Поль Сезанн, Ван Гог, Фрида Кало, Зинаида Серебрякова, Михаил Сарьян, Фернандо Ботеро.

Jane Small - английская художница. Она не просто рисует красивые картины. Дело в том, что ее картины воистину необычны. Эти картины нарисованы пчелиным воском. Никогда бы не подумал, что можно рисовать картины воском, но это выглядит очень красиво.

Jane Small специализируется на медитативных романтических картинах, часто мистического и духовного содержания: "Моя жизнь сосредоточена на том, чтобы сделать как можно более открытой окружающую нас атмосферу таинственности и чем больше я пишу, тем больше склоняюсь к тишине и одиночеству. Много раз зрители говорили мне, что мои картины вызывают чувство спокойствия, комфорта, надежды, связности или очарования".

Сергей Гетиу (Serghei Ghetiu) — литовский художник. Родился 1 января 1976 года в небольшом городке Сорока в Молдове. С ранних лет он увлекался лепкой из глины и рисованием. Его самая первая выставка состоялась ещё в детстве в городском доме культуры. Рисование и живопись увлекли его так, что у него не было сомнений в том, что он будет учиться дальше. Он посещал художественную школу, которую успешно окончил в 1991 году.

После школы он пошел служить в армию. С первого месяца военной службы его заметили как художника, так как он сделал пару рисунков для своих коллег. Его призвали в штаб, и он стал полковым художником. Заказов было много, и он был очень популярен в своей воинской части. После службы ему предложили постоянную работу в столице графическим дизайнером, но он отказался, так как решил, что это сильно ограничит его свободу и планы на будущее.

В возрасте 21 года он решил поступить в Колледж искусств «Александру Плэмэдэалэ» в Кишиневе, Молдова. И успешно сдал вступительные экзамены. Но через полгода ему пришлось бросить учебу из-за финансовых трудностей. Он решил работать и оставить живопись в качестве хобби. В возрасте 26 лет он снова поступил в университет, но на этот раз не как художник, а как лингвист. По практическим соображениям и слабой экономической ситуации в Молдове он решил выбрать другую специальность, потому что с компьютеризацией художники стали невостребованными на рынке. Он преуспел в учебе и получил стипендию для учебы в Германии. Там он окончил университет по специальности «немецкая филология и коммуникация». В то же время он, конечно, рисовал и даже продавал свои работы на Ebay.

После учебы он переехал со своей будущей женой в Литву, где живет до сих пор. Буквально этот шаг определил его профессию художника. Его солидные знания немецкой филологии были не нужны без знания литовского языка, и живопись снова вышла на первый план. С тех пор он работает художником, и ему очень нравится эта работа. Его картины находятся во многих странах мира, и он не собирается останавливаться на достигнутом. Он постоянно работает над своими навыками, пробует и совершенствуется. Его картины висят в галереях Вильнюса и Каунаса.

Сергей Гетиу говорит:

«Искусство для меня — это прежде всего эмоции, которые я получаю в процессе работы. Насколько я помню себя в раннем детстве, я любил визуализировать свои чувства и настроения, поэтому я рисую все, не выбирая одного направления, так как в этом мире есть много вещей, которые я хочу запечатлеть на своих картинах, будь то люди, природа или натюрморты. Моя любовь к деталям нисколько не усложняет это восприятие, а мой многолетний опыт работы в живописи позволяет мне быстро, без особых поисков, решать задачи в живописи. Мои картины отражают мое душевное состояние и эмоции, поэтому они такие яркие и насыщенные деталями».

Галерея работ Фрица Таулова — одного из самых знаменитых норвежских художников-пейзажистов девятнадцатого века.

Художник Фриц Таулов (Frits Thaulow) родился в семье аптекаря в октябре 1847 года. Окончил Академию искусств в Копенгагене.

В начале своей карьеры художника рисовал марины. После переезда в Париж увлекся импрессионизмом, начал писать пейзажи и в 1889 году, на Всемирной выставке в Париже, показал свои зимние пейзажи и буквально на следующий день всемирно знаменитым.

Вскоре Frits Thaulow вернулся в Норвегию, увлекся городским пейзажем, он стал организатором ежегодной выставки современного искусства в Осло.

В 1892 году художник навсегда покинул Норвегию и поселился в Париже. Художник был известен и финансово успешен. Его работы выставляли по всей Европе и в Америке.

Фриц Таулов умер в 1906 году в Нидерландах.

Фриц Таулов любил рисовать простые сюжеты. Зачастую это были дневные и вечерние виды укромных деревенских уголков Норвегии со стоячими прудами и тихо струящимися речками, со скромными домиками, покрытыми снегом, и с немногими человеческими фигурами, или же виды парижских улиц и пустынных закоулков в городках и селах Нормандии.

Однако при этом талантливый живописец выказывал не только виртуозную технику, но и удивительно тонкое чувство природы. Непосредственность в диалоге с природой для него — самое первое условие творчества. Отсюда — подчеркивание безыскусственности мотива, известная фрагментарность. Вместе с тем Таулова можно назвать и романтиком.

Художник не всегда акцентирует внимание на подробностях, с особой тонкостью запечатлевая освещенные солнцем стынущие реки и ясное небо. Подлинное искусство заключается в том, чтобы поймать достойный момент, суметь передать движение и жизнь, — глядя на полотна Фрица, можно ощутить холод снега и ледяной воды, неповторимый аромат осенней листвы, и «увидеть» легкий ветерок, запутавшийся в траве на летней лужайке…

Он любит жемчужно-серые, палевые, голубовато-зеленые тона. Освещение почти всегда неяркое — пасмурный или туманный день, сгустившиеся сумерки или ночной мрак, чуть разгоняемый светом из окон.

В работах художника ощущается взволнованность, приподнятость настроения, его любовное отношение к природе, стремление и зрителя заставить увидеть ее красоту.