Юлия Барминова в большинстве работ создает близлежащий фрагмент моря в характерных ей насыщенных сине-зеленых оттенках в сопровождении яхт при почти полном отсутствии дальнего плана. Художница явно влюблена в саму водную стихию.

На вопрос когда Юлия решила стать художником она сказала, что ей кажется, что человек не выбирает творческую профессию. Если внутри него загорается творческая искра, то дальше происходит все само собой. Если есть минимальные условия, тот же карандаш и листок бумаги, то любовь к творчеству непременно проявится.

Юлия Барминова всегда рисовала, и от того даже не помнит подвижные игры со сверстниками. Подругам в тетрадки перерисовывала принцесс. Делала контрольные по черчению за шоколадки. Все это было естественно и просто. Далее решила учиться на архитектора, а параллельно старалась получить художественное образование: работала в разных студиях, училась рисовать маслом, акрилом. Всегда искала что-то за рамками академического образования, потому бросала очередную студию, искала новую.

После окончания обучения считала себя художником и в 2009 году впервые попробовала нарисовать морской пейзаж. Не получилось. Это была личная катастрофа. «Тогда решила: «Море никогда не буду рисовать. Это не мое». Выбросила художественные материалы и устроилась администратором в школу живописи. Лишь спустя четыре года подумала: если меня это радует, почему я этого не делаю?! Я могу рисовать все, что хочу, и просто получать от этого удовольствие. Теперь я никому не должна предоставлять отчеты, корочки и дипломы. Море я не рисовала, но выбрала два главных сюжета: архитектуру и цветы.»

Вскоре творчество изменилось. Прошло два года, как она жила на Кипре. Однажды проходила мимо порта, и при виде рыбацких лодок в сине-бирюзовых волнах на фоне красивейшего заката сердце застучало сильнее. Она нашла сюжет своей мечты.

В 2014 году нарисовала первую неплохую морскую акварель. Тогда же поняла, что нашла себя. Потому что море может рисовать бесконечно. От моря никогда не устает. Для нее это неисчерпаемая тема, бесконечно разнообразная, привлекательная, а потому призывающая к постоянным путешествиям, чтобы увидеть все своими глазами. Побывала во многих портах.

Однако ковидная самоизоляция прервала путешествия. Даже в Крым невозможно было поехать. Но благодаря этой изоляции Юлия решила записаться школу яхтинга для углубления в свою морскую тематику, и вскоре поехала в Питер, познала азы и стала ходить под парусом. С «помощью» карантина вышла на свой новый творческий уровень, перешла с берега в плавание. Теперь в мечтах переход на яхте по Всему Средиземноморью, а далее через Атлантику на Карибы.

„Я не верю в талант. Я верю в то, что время, желание, страсть и энергия, которые вы отдаете творчеству, возвращаются к вам результатом. Сколько вы отдали, столько и вернулось.

А дальше стоит прислушаться к своим желаниям. Надо перестать обманывать себя. Некоторые говорят: «Мне нравится обнаженная натура, но я буду рисовать красные цветы, потому что они лучше продаются». Надо вытащить наружу свою индивидуальность. Так быстрее станешь узнаваемым. Все художники, которых я знаю, очень принципиально относятся к выбору сюжета. Рисуют только то, что нравится. Мечтаешь рисовать камни или налить краску в банку и вылить ее на холст? Готов это делать бесчисленное количество раз? Значит, это твое. Посмотри на творчество как на нечто, где тебе позволено абсолютно все.

Я не родилась художником-акварелистом, рисующим море. Творчество дарило мне такое счастье, что я стала делать это снова и снова. И я хочу продолжать.“

Родился Алексей Адамов 6 сентября 1971 году в городе Таганроге. Получилось, что осенняя красота вошла в жизнь художника с самой первой поры его жизни. Вошла она и задремала на отведенный судьбой срок. Видимо, художнику надо пожить, вобрать многие впечатления от жизни, прежде чем начать творить красоту…

Первый свой рисунок Алексей предоставил на телеконкурс в возрасте 11 лет. Это был не пейзаж, не марина… Он изобразил концлагерь – прямую противоположность природной красоты. Можно долго и подробно разбирать чувства, мысли и мотивы маленького художника, но делать этого не стоит. Неизбежна ошибка. Одно точно – душа художника реагирует на уродства человеческого мира так же остро, как и на его красоту и вечную красоту природы. Последней Алексей Адамов и посвятил свое дальнейшее зрелое творчество. Благо, красоты в районе Таганрога и прилегающей обширной донской территории было много.

В 1985 году Алексей закончил Художественную школу Таганрога, с инициативы бабушки, которая привела его в школу. Далее Алексей закончил художественное училище имени М.Б.Грекова в городе Ростов-на-Дону. Об этом училище у художника остались самые теплые воспоминания. В своей художественной галерее он хранит под стеклом журнальный список посещаемости однокурсников. Образ наставника Владимира Ивановича Бегмы и по сей день служит Алексею творческим ориентиром.

Если Алексея Адамова спрашивают о том, когда он начал рисовать, он говорит, что помнит себя всегда рисующим. Рисовал и его отец, и мастерски занимался чеканкой. То есть, была в его жизни какая-то предопределенность, направленность судьбы, помогшая сделать правильный выбор и стать художником.

К настоящему времени Алексей Адамов провел много персональных и прочих выставок. В его возрасте это хороший показатель, говорящий о том, что человек нашел свое место в жизни. А это далеко не часто случается…

Его картины словно дышат солёным ветром. Байрон Пикеринг не просто рисует море — он передаёт его мощь, движение и настроение. В каждом мазке — буря или штиль, закат или рассвет, и всё это так реалистично, что хочется сделать шаг вперёд и окунуться в глубину. Его живопись — это признание в любви океану, которое завораживает и притягивает.

Вырос Byron среди озер штата Висконсин, где оценил всю манящую красоту скалистых берегов озера Верхнего. Часто бывал там со своими друзьями-художниками. После завершения учебы в технологическом институте Нью-Йорка, войдя в быстро развивающуюся сферу технологий, он оказался в штате Орегон, а вскоре и на берегу моря.

Именно тогда Byron Pickering приобщился к морским красотам, когда поселился у моря на побережье штата Орегон в l971 году. Сама судьба распорядилась этой встречей художника и изрезанной скалами береговой линией, с постоянно меняющимся прибоем.

Близость океана и сообщество художников вновь возродило в нем желание рисовать. Byron наблюдал за движением волн ежедневно, пытался понять, схватить принцип движения воды, ее текучести. Видать, технологическое образование к тому располагало. Очень много работ было посвящено именно прибою, движению волны в разнообразных условиях, при разном освещении. Благодаря своим многочасовом наблюдениям Byron очень хорошо прочувствовал море, и теперь оно раза за разом оживает в каждой его новой картине.

После года интенсивной художественной практики, Byron провел свою первую персональную выставку в одной из прибрежных галерей. Далее последовали многочисленные аншлаги. Публика была в восторге, художник нашел признание. В 1981 году Byron и его семья открыли галерею искусств и антиквариата «Пикеринг студия». Живопись для галереи и серии ежегодных семинаров заняли последующие тринадцать лет жизни Байрона.

Далее можно расписать на полстраницы награды и заслуги Byron Pickering, но это уже излишне, так как его картины в этом смысле отлично все рассказывают без слов.

Картины Сергея Маршенникова привлекают взгляд своей необычной, завораживающей техникой: он мастерски играет с солнечным светом, тенями и яркими красками, создавая полотна, полные тепла и внутреннего сияния. Узнайте, как художнику удается добиваться такой живой атмосферы и уникального колорита, способного оживить даже самые простые сюжеты.

Джозеф Коут (Josef Kote) увлекся живописью в ранней юности. Его вдохновляли живописные портовые пейзажи родного городка Влор в Албании. Начиная с 13 лет, он прикладывал немало усилий, чтобы постичь тонкости мастерства. Но, конечно, сам по себе диплом специалиста по живописи и сценографии не гарантирует успеха на творческом поприще. А Джозефу удалось найти свой уникальный стиль и «язык». Используя особую технику нанесения красок, албанский художник создает изумительные картины, которые излучают свет и энергию.

Спешим поделиться с вами неповторимыми работами истинного мастера, который жил и работал в Греции, Торонто и Нью-Йорке. Вы можете совершить небольшое красочное путешествие, ведь каждая его картина — это дивная симфония цвета.

Представляем вашему вниманию работы немецкого художника-мариниста Карстена Мейвальда. Его картины отличаются высокой степенью реализма, уделяя особое внимание игре света и тени, а также природным явлениям, таким как закаты и морские пейзажи. Среди техник, которые использует художник, – акриловая и масляная живопись на холсте. Работы посвящены преимущественно морским темам, включая пляжи, дюны и морские волны.

Карстен Мейвальд родился в 1966 году в Оствестфалии, Германия. Его интерес к искусству проявился с самого раннего детства: он начал рисовать и писать картины еще в юном возрасте. На протяжении своей жизни Мейвальд развивался как графический дизайнер в сфере рекламы, но со временем полностью посвятил себя живописи.

Карстен Мейвальд известен своими реалистичными и эмоциональными морскими пейзажами. В его картинах часто изображаются побережья, бушующие волны, песчаные дюны и маяки. Художник уделяет особое внимание свету, теням и игре цвета, создавая почти фотографический реализм. Его работы передают атмосферу спокойствия и умиротворения, предлагая зрителю почувствовать себя частью изображенного пейзажа.

Картины Мейвальда завораживают своей детализированностью. Он мастерски передает движение воды, отблески света на волнах и мягкость песка под ногами. Художник стремится, чтобы зритель мог буквально "погрузиться" в его произведения, ощутить их всем телом и почувствовать свежесть морского воздуха.

Творчество Карстена Мейвальда пользуется большой популярностью как в Германии, так и за ее пределами. Его картины регулярно выставляются в известных галереях, таких как Galerie Meisterstück и Glaserei Knoke, а также на различных международных выставках. Его произведения можно найти в частных коллекциях по всей Европе.

Одним из центральных аспектов работ художника является желание передать моменты спокойствия и отдыха в повседневной жизни. В эпоху, когда люди сталкиваются с постоянным стрессом, давлением и стремлением к потребительству, работы Мейвальда напоминают о важности паузы, наслаждения простыми радостями жизни и связи с природой.

Карстен Мейвальд женат, воспитывает троих детей и проживает в своем родном регионе, Оствестфалии. Его семья оказывает ему поддержку, а его дом, окруженный природой, вдохновляет на создание новых произведений.

Талантливый мастер и человек с тонким восприятием природы, он продолжает вдохновлять тысячи поклонников по всему миру своими уникальными картинами.

В современном мире много информации, ОЧЕНЬ много информаци. Часто хочется прервать поток мыслей и отдохнуть от всего. Хорошо в том помогает глубокое ритмичное дыхание и контроль мысли, медитация. Сегодняшняя галерея сродни медитации в изобразительном искусстве, так как деталей в работах минимум: лишь наполнение чистым цветом, несколькими цветовыми, тональными переходами и парой-другой линий. Нет сюжета, нет поиска смысла, переживаний. Остается лишь спокойное восприятие цвета, уравновешенной композиции, часто лишенной центра и акцентов…

Камилла Уэст родилась в 1969 году. Получила образование в Академии искусств Фунена, Дания, в период с 1991 по 1997 годы. Пишет картины маслом по холсту, обычно изображая пейзажи южного региона Дании.

Большинству зрителей ее работы будут непонятны своим максимальным минимализмом. Некоторые картины вызовут отчетливые ассоциации лишь у тех, кто сам, как и она, наблюдал самые разнообразные морские пейзажи.

Судя по работам, она живет недалеко от моря, часто бывает на берегу. Это видно по тем ее картинам, которые запечатлели особо редкие минуты вечернего и утреннего освещения. Чтобы увидеть подобное, надо очень часто находиться у моря в ожидании соответствующего сочетания поверхности моря, света, облаков и тумана.

Иногда все складывается, и тогда ты своими глазами видишь такие необыкновенные сочетания цвета и форм, в которые сложно поверить. Тем более сложно поверить подобному в картинах. Да, художница упростила, стилизовала, подправила, но характерную суть при этом оставила…

Кто видел подобное вживую, тот и в картинах узнает. Навсегда запоминаются острова, висящие в свете золотого заката, море гладкое, почти как зеркало, и туман, в красочном освещении стирающий границы всех стихий: земли, воды, неба и огненного света…

Камилла Уэст черпает вдохновение из того, что видит и переживает. От повседневной жизни, смены времен года, перемены цвета в природе. Личное запечатлено как сжатые образы и мысли в живописной форме.

Это мысленные образы или образы настроения, которые, используя силу цвета, показывает нам мирный пейзаж. Он передает нам мощную природу, которая лежит в основе всего.

Картины Камиллы Уэст выглядят так, будто созданы одним движением. Быстро. И невероятно уверенно.

"Когда я замечаю определенный мотив — в основном проходит мало времени, прежде чем он обретет свою форму на холсте. Техника требует, чтобы краска не успела высохнуть до завершения работы, и таким образом она сохраняет свежее и яркое выражение. Штрихи нельзя исправить, и если что-то пойдет не так, нельзя рисовать поверх, так как нижележащие слои будут мешать окончательному результату. Мне больше всего нравится, когда это молниеносно."

В ее работах легко проследить непосредственность и легкость.

Мастер-стеклодув Леопольд Блашка и его сын Рудольф посвятили свои жизни созданию самых изысканных и натуралистичных стеклянных моделей. Они не позиционировали свои работы как произведения искусства и не изготавливали их для широкой публики. И даже сейчас, когда стеклодувы обладают гораздо большим количеством инструментов и возможностей, от миниатюрных скульптур, созданных отцом и сыном Блашка в XIX веке, захватывает дух.

В США Леопольд и Рудольф Блашка известны прежде всего благодаря уникальной коллекции стеклянных цветов, созданной для Гарварда. Однако во всем мире их прославили искусно выполненные скульптуры морских созданий: осьминогов, медуз, улиток, морских анемонов, кораллов, морских звезд, морских огурцов и множества других видов. Модели Блашка изготавливались из прозрачного, цветного и окрашенного стекла, некоторые из них были собраны с помощью проволоки. Все эти скульптуры были заказаны научными учреждениями для частных исследовательских коллекций и не продавались широкой публике. Исследователи творчества Блашка подсчитали, что Леопольд и Рудольф создали несколько тысяч уникальных моделей, большинство из которых сохранились по сей день.

В конце XIX века стеклянные модели Блашка пользовались невероятной популярностью в научных кругах. Их использовали в качестве учебных пособий в школах и институтах по всему миру, от США и Европы до Японии, Новой Зеландии и Индии. Однако со временем стеклянные морские создания начали исчезать: постепенно творения Блашка перемещались на дальние полки и в музейные хранилища, где они покрывались пылью и стирались из памяти людей. Прошло несколько десятилетий, прежде чем морские сокровища вновь обрели былую известность.

Одна из крупных коллекций стеклянных скульптур Леопольда и Рудольфа Блашка была обнаружена в 1960-х годах в Университете Корнелла. Сейчас 570 моделей из этой коллекции хранятся в Музее стекла Корнинга в штате Нью-Йорк. На выставках они демонстрируются вместе с подготовительными эскизами и с оригинальными инструментами отца и сына Блашка.

Но вернемся немного назад во времени. В XVIII веке начало эпохи Просвещения и Французская революция привели к разрушению прежних социальных и религиозных институтов. На их место пришли наука и образование. В то время как существование Царство Божьего было поставлено под сомнение эволюционной теорией, многообразный мир природы начали воссоздавать в таксидермии и диорамах в музеях по всему миру. Зоопарки, ботанические сады, аквариумы и музеи занялись созданием собственных миниатюрных искусственных вселенных.

Благодаря появлению дешевого листового стекла в Лондоне в 1853 году открыли первый крупный общественный аквариум. Здесь и возникла главная проблема: тела беспозвоночных невозможно было сохранить в первозданном виде. Предполагалось, что они будут храниться в стеклянных банках, наполненных спиртом, однако из-за отсутствия костной структуры медузы и другие морские существа просто распластывались по дну, а из-за спирта естественные цвета тускнели. Здесь и пришел на помощь Леопольд Блашка.

В 1850 году жена 28-летнего Леопольда Блашка и его новорожденный сын умерли от холеры, а спустя год скончался его отец. И тогда Блашка, который всегда интересовался естественной историей, отправился в годичное путешествие из родной Богемии в Америку в надежде, что чудеса природы смогут залечить его душевные раны. Во время этой поездки корабль, на котором плыл Леопольд, на две недели застрял на Азорских островах к западу от Португалии, и Блашка целыми днями наблюдал, как из глубины выплывают светящиеся медузы. Рожденный в семье ремесленника, занимавшегося изготовлением стеклянных глаз и ювелирных украшений, Леопольд стал представлять себе медуз, выполненных из стекла. Тогда он еще даже не представлял, что посвятит морским существам остаток своей жизни.

Вернувшись из путешествия, Леопольд Блашка осел в Дрездене, снова женился, а через несколько лет у него родился сын Рудольф. Мальчик буквально рос в мастерской отца, постепенно обучаясь у него премудростям стекольного дела. Когда Рудольфу исполнилось 23, отец и сын стали, как сейчас сказали бы, полноправными партнерами по бизнесу.

Поскольку стеклянные скульптуры, которые создавали Блашка, были в первую очередь учебными моделями, Леопольд и Рудольф были в первую очередь сосредоточены на точности исполнения. Они использовали самые современные научные иллюстрации, которые только могли достать, а некоторые рисовали сами.

По мере того, как отец и сын Блашка повышали свой уровень мастерства и оттачивали методы работы, совершенствовались и их исследовательские методы. Они собирали заспиртованные образцы по всему миру, ездили в экспедиции для сбора материалов и даже построили небольшой аквариум, чтобы работать с натуры. Для работы со стеклом Леопольд и Рудольф использовали аналог современной паяльной лампы, которая приводилась в действие с помощью мехов с ножной накачкой. Некоторые модели вроде тел медуз или кальмаров создавались из выдувного стекла. Но одна из причин, по которой работы Блашка кажутся невероятно реалистичными, почти невозможно реалистичными для своего времени, заключается в том, что они не полностью стеклянные. По словам одного из руководителей Музея стекла Эрика Гольдшмидта, Леопольд и Рудольф использовали в своих моделях краски, эмаль и даже бумагу.

Для повышения эффективности отец и сын Блашка изготавливали заранее множество мелких деталей, которые хранили в картонных коробках. Эти коробки, заполненные крошечными щупальцами, глазками маленькими головами медуз заполняли большую часть рабочего пространства мастеров. По мнению экспертов, создание заготовок и растущее мастерство позволяли Леопольду и Рудольфу изготавливать по одной модели в день, и в общей сложности за 30 лет они могли произвести более 10000 морских скульптур.

В 1886 году в Дрезден приехал профессор Гарварда Джордж Линкольн Гудейл. Приехал с единственной целью: встретиться с отцом и сыном Блашка и уговорить их изготовить серию стеклянных ботанических моделей. Гудейл находился в процессе создания Гарвардского ботанического музея, и увидев однажды стеклянных морских существ, понял, что Леопольд и Рудольф — именно те, кто ему нужен. В то время Гарвард был мировым центром ботанических исследований, но проблема заключалась в сохранении образцов под прессом. Из-за этого растения становились плоскими и двухмерными и со временем теряли цвет. Поэтому стеклянные модели представлялись Гудейлу идеальным решением. Леопольд Блашка согласился выполнить заказ после долгих уговоров и за внушительную сумму. В итоге в 1890 году отец и сын подписали с Гарвардом эксклюзивный десятилетний контракт. Однако спустя пять лет Леопольд Блашка умер, и в дальнейшем Рудольф работал в одиночку. Он продолжал создавать модели для Гарварда вплоть до 1938 года (в общей сложности их получилось 4400), пока в возрасте 80 лет не решил наконец-то отправиться на пенсию. Через год Рудольф Блашка ушел из жизни, не оставив после себя ни потомства (хотя был женат), ни профессиональных преемников.

По мере того, как работы Блашка «старели» и изнашивались, их часто отправляли в хранилища, а некоторые и вовсе были утеряны. В течение долгих лет модели пылились в шкафах и многие из них оказались в аварийном состоянии. И только недавно хрупкая красота стеклянных морских созданий снова стала возрождаться. К примеру, только в 2002 году новый директор Музея сравнительной зоологии Гарвардского университета обнаружил в хранилище коллекцию стеклянных моделей Блашка.

В США ведущая роль в возвращении известности творениям Леопольда и Рудольфа принадлежит Музею стекла Корнинга.

Учреждение прикладывает все возможные усилия для сохранения хрупкого наследия стеклодувов. Эта кропотливая работа, кроме прочего, помогает экспертам музея лучше понять методы работы Блашка и материалы, которые они использовали.