Микеланджело Буонарроти был художником, архитектором, даже поэтом, но считал себя прежде всего скульптором.

Мраморная статуя «Скорчившийся мальчик» - единственная работа легендарного мастера в российских музеях. Возможно, «Скорчившегося мальчика» Микеланджело создавал для капеллы Медичи в церкви Сан-Лоренцо во Флоренции. В XVIII веке скульптуру приобрела Екатерина II.

«Мадонна у лестницы»

Ок. 1490
Каза-Буонарроти, Флоренция

Этот рельеф высотой 56,7 см — самая ранняя сохранившаяся работа Микеланджело-скульптора. Когда он создал «Мадонну у лестницы», ему было примерно 15 лет. В те годы Микеланджело жил при дворе Лоренцо Великолепного, фактического правителя Флоренции, который окружил себя юными дарованиями и предоставил им возможность учиться и совершенствоваться. Лестница, на фоне которой сидит Богородица с младенцем Христом, может символизировать союз земного и небесного, человеческого и божественного.

Снеговик

1494

В январе 1494 года во Флоренции случился на редкость обильный снегопад. Пьеро Медичи, сын и наследник Лоренцо Великолепного, не дал сугробам пропасть зря. Согласно Джорджо Вазари, ученику и биографу Микеланджело, Медичи послал за 18-летним скульптором и «приказал ему вылепить у себя во дворе статую из снега, которая вышла прекраснейшей».

Кого изображала скульптура, неизвестно. Еще один ученик и биограф Микеланджело, Асканио Кондиви, писал, что за недолговечный шедевр тот был удостоен места при дворе Пьеро и за его столом. Флорентийские художники эпохи Ренессанса порой, когда позволяли погодные условия, лепили скульптуры из снега и по собственному почину, оттачивая мастерство на податливом материале.

«Вакх»

1496–1497
Национальный музей Барджелло, Флоренция

Трудно поверить, но шедевр работы Микеланджело мог не понравиться заказчику. Так вышло со статуей бога вина, которую скульптор создал для кардинала Рафаэле Риарио. В итоге «Вакха» приобрел банкир Якопо Галли и поставил его в саду среди античных древностей.

Вероятно, это самая ироничная скульптура Микеланджело. Молодой мастер продемонстрировал приверженность классическому идеалу красоты и воспроизвел одну из традиционных для античного искусства поз, сумев, однако, показать, что хмельной бог нетвердо держится на ногах.

Римская, или ватиканская, «Пьета»

1498–1499
Собор Святого Петра в Риме

Всего скульптурных групп на сюжет оплакивания Христа работы Микеланджело известно три; эта самая ранняя и самая знаменитая. «Пьету» заказал ему в Риме французский кардинал Жан Билэр де Лагрола, изначально — для своей усыпальницы. Эта скульптура — единственная, которую Микеланджело подписал.

По словам Джорджо Вазари, однажды мастер услышал разговор приезжих из Ломбардии, которые обсуждали его шедевр как произведение другого человека, их земляка. Ночью Микеланджело пришел к скульптуре со светильником и выбил прямо на ленте, стягивавшей платье на груди Богородицы, латинскую подпись, которая переводится как «Микеланджело Буонарроти, флорентиец, исполнил».

«Давид»

1501–1504
Галерея Академии изящных искусств во Флоренции

Предшествующие скульпторы изображали этого ветхозаветного героя победителем, после поединка с великаном Голиафом, но Микеланджело решил не быть как все и изваял Давида до битвы, держащим в руке камень, которому еще только предстоит сразить супостата. «Поистине, творение это затмило все известные статуи, новые и древние», — писал Джорджо Вазари.

«Давид» изначально предназначался для кафедрального собора Флоренции. В итоге статую решили поставить на главной площади города, перед зданием Палаццо Веккьо, где заседало правительство республики, как символ независимости флорентийцев. Только в 1873 году «Давида» переместили в музей, чтобы защитить мрамор от непогоды; на площади в наши дни стоит копия.

«Моисей»

1513–1515
Церковь Сан-Пьетро-ин-Винколи в Риме

Статую ветхозаветного пророка Микеланджело изваял для гробницы папы Юлия II. Над грандиозным многофигурным проектом усыпальницы, замысел которого то и дело менялся, скульптор с перерывами работал сорок лет, с 1505 по 1545 год. Моисей держит каменные скрижали с заповедями, ниспосланными ему Богом.

Рога на лбу пророка — частый мотив в европейской иконографии, следовавшей тексту Вульгаты, латинского перевода Библии. Там, в эпизоде, когда Моисей спускается со скрижалями с горы Синай к народу (Исход, 34:29), сказано: «…Et ignorabat quod cornuta esset facies sua» — «…И не знал, что лицо его стало рогато». Редкое слово из древнееврейского оригинала «каран» другие переводчики трактовали как «сияние». Однако оно родственно слову «керен» — «рог», а рог — это древневосточный символ мощи и особого статуса, так что это могла быть метафора величия, которым Бог отметил своего пророка.

«Пробуждающийся раб»

1530
Галерея Академии изящных искусств во Флоренции

Четыре флорентийские статуи «рабов», или «пленников», изначально тоже предназначались для гробницы папы Юлия II в Риме, однако масштаб грандиозного проекта был урезан, и они так и остались в мастерской скульптора.

Все четыре выглядят незавершенными, как будто не полностью извлеченными скульптором из камня, особенно «Пробуждающийся раб». Есть мнение, что Микеланджело не забросил ставшую ненужной работу, а увидел в незаконченности особую выразительность или даже воплотил таким образом неоплатонические идеи о душе в телесном плену.

«Военачальник»

1531–1534
Капелла Медичи в церкви Сан-Лоренцо во Флоренции

Микеланджело работал еще над одним грандиозным проектом усыпальницы — капеллой семьи Медичи при соборе Сан-Лоренцо во Флоренции; тут он проявил себя и как архитектор, и как скульптор.

Пышно отделаны парные надгробия герцогов Лоренцо и Джулиано Медичи — соответственно, внука и младшего сына Лоренцо Великолепного, с идеализированными фигурами усопших и аллегориями четырех времен суток. Задумчивый образ Лоренцо, герцога Урбинского, вдохновил Огюста Родена, создавшего «Мыслителя». Одна из трактовок загадочной звериной морды на ларце под локтем фигуры: это летучая мышь — символ меланхолии.

Флорентийская «Пьета»

Ок. 1550
Музей Опера-дель-Дуомо, Флоренция

Эту скульптурную группу Микеланджело, уже пожилой человек, скорее всего, предназначал для собственного надгробия. Здесь есть автопортрет художника — в облике ученика Христа, Никодима или Иосифа Аримафейского, который поддерживает вместе с Девой Марией тело Иисуса.

Но в процессе работы что-то пошло не так, и Микеланджело попытался разбить произведение, которое счел неудавшимся, а потом забросил его. Впоследствии «Пьету» доработал ученик ее создателя Тиберио Кальканьи, однако, например, левая нога Христа так и отсутствует.

Картины Фионы Смит — это настоящий фейерверк цвета, где растительные узоры и яркие мазки сливаются в живописный танец. На этом пестром фоне почти всегда появляются скромные, неприметные птицы — и в них художница вкладывает особый смысл, который хочется разгадать.

Эти птицы - творения художницы из Австралии Фионы Смит. Она всю жизнь проработала журналисткой, это была ее первая страсть. В молодости она получила соответствующее образование, закончив бакалавриат по направлению журналистика.

Но ею владела еще одна страсть - рисование. В 1980-х годах она посещала занятия в художественной школе Джулиана Эштона, рисуя для себя. Она очень долго не решалась оставить журналистику, чтобы посвятить себя живописи.

Вернувшись к занятиям живописью вполне осознанно в более "зрелом" возрасте, она стала учиться у самых знаменитых современных художников Австралии. Она стала писать все, что ее окружало. Все места, люди и вещи, которые вдохновляли и сформировали ее как личность и художника, стали появляться на ее полотнах.

Она стала находить настоящее вдохновение и радость в совершенно обыденных вещах. Например, в этой публикации Вы можете увидеть много птиц. Художница считает, что поводов для радости на самом деле гораздо больше, чем кажется на первый взгляд. Все для нашего вдохновения мы можем найти в самых простых и доступных вещах. Не нужно искать павлинов, чтобы восхищаться птицами! Конечно, спорить с тем, что павлины очень красивы не имеет смысла, но зачастую именно наши "птички с заднего двора" могут принести нам море радости!

На картинах Фионы мы часто видим обычных сорок. Да, они тоже есть в Австралии. Сороки такие элегантные и умные. Художница так полюбила этих красивых птиц, что они стали для нее частью большой семьи.

Эти картины с птицами - последняя серия работ художницы. Она посвящена нашим птичьим товарищам, сопровождающим жизнь человека на протяжении уже многих веков. На ее полотнах птицы часто представлены крупным планом на фоне узорчатого фона элегантных обоев и тканей эпохи якобинцев или стиля Людовика XV.

Живописные творения художницы смогли сочетать в себе все ее увлечения. Это и живопись, и стремление к красоте, и поиск идеальных цветов, способных сочетаться друг с другом. Создавая свои работы она смогла напомнить нам, своим зрителям, что иногда следует остановиться, оглянуться вокруг и задуматься о вещах, которые приносят нам настоящую радость.

Джуди Гарфин — выдающаяся художница из США, чьи работы погружают зрителя в мир ярких красок и сложных растительных узоров.

Джуди Гарфин родилась в 1945 году в Эдмонтоне ( Канада ) Художница известна своими чрезвычайно насыщенными и предельно детализированными картинами мира растений, которые незаметно могут для зрителя увести его в сферу своеобразной абстракции. Джуди училась в Лиге студентов-художников в Нью-Йорке, продолжила обучение графики и живописи в Vancouver School of Art with Tamarind. А далее совершенствовала своё мастерство под руководством абстрактного художника - экспрессиониста Грейса Хартигана ( Grace Hartigan ).

Окончив Университет искусства в Филадельфии, она получила степень бакалавра в области изобразительных искусств, что стало крепкой основой для её дальнейшего профессионального пути.

Гарфин известна своим уникальным подходом к живописи, в котором мастерски сочетаются элементы гиперреализма и абстракционизма. В её картинах стебли и листья сплетаются в причудливые узоры, достигая гармонии с яркими изображениями птиц, кажущихся живыми благодаря детальной прорисовке и насыщенной цветовой палитре.

Каждое её произведение — это не просто картина, а настоящая симфония из света и теней, где цвет и форма переплетаются, создавая динамичные и многослойные композиции.

Необычная техника исполнения Джуди заключается в том, что она начинает работать на чистом холсте, без предварительных эскизов. Ее процесс предполагает тщательную проработку каждой детали, что позволяет создавать запутанные, но гармоничные изображения, где все элементы органично дополняют друг друга.

Работы Джуди Гарфин отражают её глубокое уважение к природе. Мотивы растений и окружающего мира подчеркивают взаимосвязь между живыми существами и их элементами, что делает её картины особенно актуальными в контексте современных экологических проблем.

Сегодня Джуди Гарфин активно участвует в выставках как на национальном, так и на международном уровнях, получая признание критиков и зрителей за свою уникальную выразительность и эмоциональную насыщенность.

Её картины хранятся в частных коллекциях по всему миру, каждая из них наполняет пространство своей историей, приглашая зрителя в красочный и волшебный мир искусства.

Современное искусство использует все возможные способы для выражения идей. Художник Роуэн Мерш (Rowan Mersh) решил брать материалы для своей работы со дна морского и не прогадал. Тысячи ракушек соединяются в настоящие скульптурные шедевры, производя неизгладимое впечатление на зрителей. Посмотрите и вы на красоту, созданную в результате тандема человека и природы.

Британского мультимедийного художника Роуэна Мерша привлекает красота природы. Он использует тысячи морских ракушек для создания завораживающих современных скульптур.

Его экспериментальный метод — превращать обычные предметы в высокое искусство, уделяя особое внимание форме, цвету и геометрии.

Для того, чтобы создать скульптуру, которая впоследствии украсит стену, нужно потратить от двух до шести месяцев.

Мерш прочесывает побережье в поисках материалов для творчества, которые может подарить море: от иголок морских ежей до разнообразных ракушек.

Вдохновленный идеей многоплановости материалов, Мерш заинтригован особенностями ракушек — они несут посылы символизма и традиции, которые он воплощает в своих работах.

Серия Pithváva — скульптуры на стене — создана из десятков тысяч ракушек дентария, собранных на берегу Тихого Океана на северо-западе Америки. Раньше эти ракушки высоко ценились американскими индейцами и использовались в качестве товара для обмена.

Питвава — божество из мифов первых жителей Америки, создавшее ракушки дентария и наделившее их символикой «священного богатства».

«Мои работы из этого цикла несут идею «священного богатства» через выражение его в современном звучании», — объясняет автор смысл, который вложил в свое творчество.

Скульптуры Роуэна Мерша можно рассматривать как в целостности, так и в мельчайших деталях.

Зрители восхищаются красотой каждой ракушки.

Утонченные и хрупкие, эти ракушки, каждая из которых обладает индивидуальными особенностями, привлекают внимание и воодушевляют на поиски тонких различий между ними.

Для автора эта индивидуальность — часть общей интриги. Он старается подчеркнуть красоту каждой ракушки, показать ее форму и оттенок.

Завораживающая красота этих работ доказывает, что природа — лучший в мире творец. Главное — хорошенько присмотреться, и тогда каждый сможет увидеть необычайную гармонию во всем, что нас окружает. А такие художники как Роуэн Мерш открывают наши глаза и сердца для этого познания.

Искусство постоянно ищет новые формы для воплощения идей. Корейский художник нашел способ выражать свои творческие фантазии с помощью бумаги. Его удивительные композиции — это миниатюрные коробочки, собранные в огромные инсталляции. Кропотливая работа занимает очень много времени, но результат того стоит.

Смотрите фото потрясающих инсталляций из бумаги в нашем материале.

Художник Кван Юнг Чунь (Kwang Young Chun) сворачивает миниатюрные коробочки, а потом соединяет их в огромные настенные или напольные инсталляции. Каждая композиция состоит из тысяч отдельных упаковочек из шелковичной бумаги, окрашенных чаем, пигментом и буквами, которые были изначально отпечатаны на старом бумажном материале, используемом для инсталляций. Работы, которые Чунь называет «агрегациями», демонстрируют цветовые и рельефные градации на текстурных поверхностях.

На создание таких сложных конструкций Чуня вдохновил его собственный детский почерк. Он рос болезненным ребенком, а медикаменты в то время в Корее упаковывали в треугольные коробочки из шелковичной бумаги. Художник вырос в Южной Корее, жил в 1960-х годах в США и учился там в Филадельфийском колледже искусств. После окончания учебы он вернулся в родную страну.

На своем сайте Чунь пишет, что чувствовал себя дезориентированным во время учебы в Америке из-за разногласий тех ценностей, в которых был воспитан, и культурных идеалов США. Он называет себя корейским художником и начал создавать свои удивительные бумажные скульптуры в 1995 году.

Кропотливая работа, необычный творческий метод и захватывающая красота огромных бумажных инсталляций выделяют корейского художника среди многих других. Он выбрал свой путь воплощения идей любви к Родине и ее ценностям, рассказывая о высокой культуре своей страны другим людям с помощью оригинальных и неповторимых композиций.

Иногда живопись говорит больше, чем слова. Она не рассказывает — она дышит, чувствует и смотрит на мир иначе. Картины Вячеслава Палачева — именно такие: в них нет показной громкости, но есть глубина, которая втягивает. Его полотна словно раздвигают привычную реальность, открывая за ней что-то странное, тонкое, почти сказочное. Это не просто изображения — это окна в мир, где повседневное вдруг обретает тайну. Перед вами — работы художника, который умеет видеть невидимое и делиться этим зрением с каждым, кто готов смотреть.

Талантливый российский художник Вячеслав Палачев родился в 1980 г. в небольшом поселке Семибратово (Ярославская обл) в творческой семье. Его мама и дед с ранних лет привили ему любовь к изобразительному искусству.

Как рассказывает сам Вячеслав, становиться художником его никто не принуждал. Но посвятить себя творчеству он решил в возрасте еще 17 лет. В первое время Вячеслав работал в технике финифть. При использовании этой методики художники создают произведения с помощью специального порошка, эмали и металлической подложки. Финифтью живописец увлекся потому, что ей отлично владеют его близкие. Именно в этой технике Вячеслав познавал основы цвета и композиции.

Однако позднее художника увлекли городские пейзажи. Вячеслав Николаевич начал писать маслом Ростов и Ярославль. Также живописец создал большое количество сельских пейзажей и картин с запечатленными на них красотами природы.

Как говорит сам художник, все детство он провел на велосипеде в окрестностях родного поселка. Художник часто ходил в лес за грибами и на рыбалку.

Сегодня, создавая свои картины, Вячеслав Палачев вспоминает те свои детские ощущения — лесные прогулки, деревенские закаты, размеренное течение реки. По словам художника, эти воспоминания очень помогают ему настраиваться на нужный лад и создавать соответствующее настроение и в своих картинах.

Как признается живописец, красоты окружающей природы очень много для него значат и дают неисчерпаемый материал для его работы. Художник зачастую начинает даже переживать о том, что не успевает переносить на свои полотна все, что считает достойным внимания.

Деревенские избы, утренний туман, покосившиеся заборы, старый колодец — такие воспоминания о каникулах в деревне или на даче есть у многих из нас. Кому-то повезло время от времени оживлять эти воспоминания, посещая знакомые с детства места.

Тем же, у кого такой возможности нет, не стоит огорчаться. Достаточно повесить дома или в офисе картину Вячеслава Палачева. Полотна художника несут покой и тишину. Картины Вячеслава способны наполнять душу тем теплом, которое человек испытывает только в детстве.

Хотя художественного образования у Вячеслава нет, его картины отличаются почти фотографичной точностью. Художник отлично умеет схватывать детали, цвета, их сочетания и взаимосвязи. Этюды Вячеслав пишет непосредственно на природе, а затем дорабатывает их в мастерской.

Сегодня работы Вячеслава Палачева знают не только в России. Его полотна есть в частных коллекциях в Австрии, США, Германии, Англии.

Южнокорейский художник Ян-Санг Ким (Young-sung Kim) покоряет мир живописи невероятными картинами, которые выглядят скорее как фотографии, нежели полотна.

Впервые Ким начал рисовать 20 лет назад. Художник использует гиперреализм для того, чтобы показать разницу между живыми существами и вещами в нашем мире. Вдохновение Ким черпает в природе и городской жизни вокруг.

Ян-Санг Ким — один из самых высокооплачиваемых художников-гиперреалистов современности. На создание каждой картины уходит от трех до десяти месяцев. Небольшая картина стоит около 8 тысяч фунтов стерлингов (более 800 тысяч рублей), большая — 100 тысяч фунтов стерлингов (более 10 миллионов рублей).

Своими произведениями художник задает вопрос, почему общество заставляет человека ставить материальные ценности выше духовных.

Например, золотая рыбка внутри стакана с водой олицетворяет красоту жизни, которая заперта в тюрьме, сотворенной руками человека.

Ким использует предметы, являющиеся противопоставлением по своей сути, чтобы подчеркнуть разницу между миром живого и материальных благ.

Важным аспектом работ художника стала угроза, которую представляет современное общество по отношению к древностям и природе. В серии своих картин Ким пытается выразить то, как много всего исчезло из-за развития культа материальных ценностей.