Платья, как отражение моды, в живописи разных эпох

Испокон веков искусство и мода влияли друг на друга, заставляя критиков и модниц пристально следить за новыми тенденциями, наспех сменяющих друг друга. И пока одни оценивали картину с точки зрения технических характеристик, другие – бежали к портным, дабы в скором времени заполучить платье точь-в-точь, как у героинь, изображённых на полотнах.


1. Ренессанс


Ренессанс был временем культурного и художественного возрождения, поскольку классицизм совершил революционное возвращение в европейские общества. Однако в этот период также произошли значительные изменения в моде. Посмотрите, как знаменитые платья на картинах повлияли на моду в эпоху Возрождения.

Мученичество святой Екатерины, Лукас Кранах. \ Фото: nevsepic.com.ua

Портрет четы Арнольфини, Ян ван Эйк, 1434 год. \ Фото: educacion.ufm.edu.

«Портрет четы Арнольфини» Яна ван Эйка является одним из основных элементов изучения ткани в портретной живописи. Изумрудно-зелёный цвет шерстяной одежды на женщине и рукава с подкладкой из горностая демонстрируют статус семьи, поскольку только богатые люди могли позволить себе подобного рода ткани. Шерсть, шёлк, бархат и мех были редкостью и более дорогими в производстве, по сравнению с хлопком или льном, и были символом статуса и достатка. Один из самых обсуждаемых вопросов, связанных с картиной, заключается в том, беременна ли изображённая женщина (предположительно жена Арнольфини). Юбки эпохи Возрождения были такими пышными и тяжёлыми, что женщины задирали их, чтобы было легче двигаться.

Великолепный часослов герцога Беррийского, братья Лимбург, 1412-16 гг. \ Фото: digitalmedievalist.com

Добавленные пышные складки платья также показывают тенденцию к изображению женщин с ярко выраженным животом, поскольку это намекало на зачатие детей во время брака. Другой пример этого «Les Très Riches Heures du Duc de Berry» братьев Лимбург. На обоих изображениях женщины изображены с более округлыми животами. «Великолепный часослов герцога Беррийского» изображает свадьбу, и оно сопоставимо с портретом Арнольфини, поскольку обе женщины проецируют образ материнства в ожидании беременности. Не глядя на картину с современной точки зрения, можно увидеть это как запись того, что носили женщины и что было важно для людей, чтобы показать другим.

2. Периоды барокко и рококо


Княгиня Елизавета Эсперовна Трубецкая, Франц Ксавер Винтерхальтер. \ Фото: ru.wikipedia.org.

Периоды барокко и рококо характеризуются изысканным декором, декадансом и игривостью. Эти тенденции проявлялись не только в искусстве, но и в моде через замысловатые орнаменты и роскошные платья. Взгляните на некоторые из знаменитых платьев, вдохновлённых произведениями искусства.

Внимание неизвестного художника к деталям и к одежде - вот что делает картину «Элизабет Кларк Фрик (миссис Джон Фрик) и Малышка Мэри» важной записью жизни пуритан Новой Англии. В этом образе Элизабет одета в изысканные ткани и аксессуары Америки 1600-х годов. Её белый кружевной воротник указывает на популярное европейское кружево, встречающееся среди аристократических женщин. Из-под её платья виднеется вышитая золотом бархатная нижняя юбка, а рукава украшены лентами. Также на женщине есть украшения: жемчужное ожерелье, золотое кольцо и гранатовый браслет, что в свою очередь говорит о статусе и достатке. Эта картина предлагает уникальный взгляд на пуританскую жизнь Элизабет и её семьи.

Элизабет Кларк Фрик (миссис Джон Фрик) и Малышка Мэри, неизвестный художник, 1674 год. \ Фото: pinterest.com

Стоит также отметить тот факт, что художнику мастерски удалось смешать образы богатства в скромной обстановке. Картина ясно демонстрирует богатство Элизабет, подчёркивая её лучшую одежду и украшения. Это также отражает богатство её мужа, Джона Фрика, который мог позволить себе выполнять любые прихоти супруги, покупая ей различного рода наряды и украшения. Ко всему прочему картина символизирует их пуританское отношение благодарности к Богу, поскольку без Его благословения они не смогли бы иметь такую роскошь.

«Качели» Жана-Оноре Фрагонара - пример стиля рококо во французских аристократических кругах. Картина была частным заказом, когда французский придворный попросил художника написать свой портрет и портрет своей любовницы. Несмотря на то, что картина хранилась за закрытыми дверями, она раскрывает роскошь, легкомыслие и тайную природу французского королевского двора.

Качели, Жан-Оноре Фрагонар, 1767 год. \ Фото: hashtagtravelling.com.

Пастельно-розовое платье выделяется среди пышного сада и находится в центре внимания. Жан нарисовал платье свободными мазками кисти, которые имитируют широкие юбки и оборчатый лиф её платья. Его свободная кисть совпадает с сюжетом этой идиллической садовой сцены, наполненной кокетливыми и причудливыми образами.

Халат а-ля Франсез, сшитый во Франции XVIII века, 1770 год. \ Фото: google.com.

Его картина также демонстрирует тенденции, установленные во французском дворе для моды. Рококо превзошло моду, искусство и архитектуру, чтобы создать что-то уникально французское. Мода рококо включала в себя самые роскошные ткани, в том числе шелка пастельных тонов, бархат, кружева и цветочные узоры, а также чрезмерное количество бантов, драгоценных камней, оборок и декоративных украшений, чтобы создать образ, глядя на который, придворные и гости, сворачивали бы себе головы. Стиль определял разницу между бедными и богатыми, поскольку аристократия могла позволить себе роскошь изысканных тканей и украшений. Для женщин, носящих такие наряды в стиле рококо, картина является воплощением французского королевского двора до революции.

3. Знаменитые платья на картинах XIX века


Симфония в белом № 1, Джеймс Эббот Мак-Нейл Уистлер, 1862 год.\ Фото: post.naver.com

В XIX веке произошёл художественный сдвиг от неоклассицизма к раннему модернизму, уступив место стилям и школам мысли. В этом столетии также произошли изменения в моде. Читайте дальше, чтобы увидеть, как картины повлияли на появление знаменитых платьев и стилей, которые были заметно более современными, чем раньше.

«Искусство ради искусства» стало связано с «Симфонией в белом № 1» Джеймса Эббота Мак-Нейла Уистлера, который намеревался придать картине духовный смысл. Критики, однако, не увидели всего этого, поскольку на картине была изображена любовница художника, одетая в лёгкое белое платье. В итоге, этот портрет стал скандальным. В течение 1800-х годов женская одежда часто включала нижнюю юбку с кринолином, сделанную из стали. Женщины также носили корсеты среди множества других предметов нижнего белья, чтобы иметь возможность создавать более широкие юбки.

«Женщина в белом» - полная противоположность тому, что было модным и статусным по тем временам. Платье главной героини, изображённой на картине, представляло собой своего рода нижнюю одежду, которую мог видеть либо муж, либо любовник, поскольку считалось, что такую одежду очень легко снять. Для Уистлера его муза должна была стать частью общей сцены, которая радовала глаз. Он изобразил Хиффернан такой, какой видел её, и для зрителей в то время картина была одновременно запутанной и немного неприличной. Тем не менее, с приходом 1900 года такое платье стало нормой для повседневного ношения.

Слева направо: Портрет мисс Ллойд, Джеймс Тиссо, 1876. \ Портрет Кэтлин Ньютон, Джеймс Тиссо, 1878 год. \ Фото: pinterest.ru.

Джеймс Тиссо создал множество картин, изображающих женскую моду в конце 1800-х годов. Он опередил европейскую моду и хорошо известен тем, что рисовал свои сюжеты с учётом последних модных тенденций. Женская мода начала меняться среди молодых леди в Париже и Лондоне в конце 1800-х годов. Широкие и тяжёлые юбки их викторианских предшественников были заменены более узкими с пышными складками сзади.

Портрет мадам Х, Джон Сингер Сарджент, 1883-84 гг. \ Фото: ru.wikipedia.org

На картине «Мисс Ллойд» героиня одета в платье так, как его носили в обществе в то время, подчёркивая узкую талию и фигуру песочные часы. «Портрет Кэтлин Ньютон» (его тогдашней спутницы) – полная противоположность образу мисс Ллойд. Художник изобразил женщину в платье так, будто она излучает томность и соблазнительность. Тем не менее, у обеих женщин есть своё особое очарование и тайна, окружающая их. Само платье символизирует различия в популярной культуре в своё время. Один образ - традиционен и условен, в то время как другой - откровенно интимен и скандален для зрителей в 1800-х годах.

Джон Сингер Сарджент создал образ женщины, который, хотя и был неприемлем для его времени, стал одной из его самых узнаваемых и почитаемых картин. Это портрет мадам Виржини Готро, американской красавицы, смешанной с французским высшим обществом. Это вызвало такой скандал, что самому Джону пришлось уехать из Парижа в Лондон.

Вечернее платье от Hoschede Rebours, 1885 год. \ Фото: metmuseum.org.

Её корсет чрезвычайно заострён к нижней половине живота. Острый глубокий v-образный вырез и расшитые бисером бретельки едва прикрывают плечи и обнажают то, что считалось интимными частями женщины, неуместными для демонстрации на публике. После того как Сарджент представил картину на Парижском салоне 1884 года, она вызвала возмущение критиков и зрителей, ведь негоже замужней женщине высшего класса быть в столь провокационно виде. Зрителям в Салоне показалось, что на героине картины надето нижнее бельё, а не платье. И репутация Готро в глазах людей стала скатываться к нулю, ведь многие считали её непристойной личностью. В конце концов Сарджент убрал её имя с портрета, переименовав его в «Мадам Х».

4. Знаменитые платья на картинах ХХ века


Адель Блох-Бауэр, Густав Климт, 1907 год. \ Фото: mariapaulazacharias.com

Искусство в ХХ веке было сосредоточено на абстракции и выражении, претерпевая значительные изменения с новыми стилями и темами. Это также привело к исследованию новых форм и синтезов моды и искусства. Здесь представлены знаменитые платья, изображённые на картинах в течение двадцатого века.

Золотое платье Адель Блох-Бауэр, по сравнению с другими нарядами дам из высшего общества её времени, выделяется среди остальных. Вместо того, чтобы изображать женщину из высшего класса, отдыхающую в саду или читающую на диване, Климт превращает Адель в потустороннюю фигуру. Её платье - это кружащаяся фигура, наполненная треугольниками, глазами, прямоугольниками и иконографией. Нет никаких признаков корсетов с прямой шнуровкой или слоёв одежды. Модерн содержит темы природы и мифические образы. Это также относится к богемной моде, которую Густав носил сам и использовал в различных других картинах.

Эмили Флеге и Густав Климт в саду виллы, 1908 год. \ Фото: twitter.com.

Он часто рисовал рисунки, созданные модельером Эмили Флеге. Она не так хорошо известна в мире моды, как её современники или предшественники, но она сделала неплохой успех в создании моды для женщин своего времени. Временами это была совместная работа, поскольку Густав использовал её знаменитые платья и во многих других своих картинах.

La Musicienne, Тамара Лемпицка, 1929 год. \ Фото: bloombergquint.com.

Тамара Лемпицка создавала портреты, которые исследовали женственность и независимость в 1920-е годы. Художница в стиле ар-деко стала известна своими портретами знаменитостей, которые исследовали стилизованную и отшлифованную форму кубизма, ставшую её торговой маркой. Ира Перро (близкая подруга и, вероятно, любовница Лемпицки) рассматривается как буквальное проявление музыки в «La Musicienne». Что выделяет картину, так это её изображение синего платья. Техника Тамары отбрасывания резких теней с её насыщенной цветовой палитрой придаёт движение платью, так что кажется, будто оно парит в воздухе. Короткий подол платья и ниспадающие складки всё ещё напоминают о моде 1920-х годов, которая стала поворотным моментом в женской моде. Женщины носили платья, которые обнажали их ноги и руки, а также плиссированные юбки, в которых было легче танцевать.

Тамара вдохновлялась и изучала работы мастеров эпохи Возрождения и использовала аналогичные темы с современным подходом. Традиционно синий цвет можно увидеть на платьях Девы Марии на средневековых или ренессансных картинах. Ультрамариновый синий был редок и использовался для значительных картин.

Две Фриды, Фрида Кало, 1939 год. \ Фото: wordpress.com

Красочные и ручной работы мексиканские ткани вплетены в работы Фриды Кало. Она приняла эту одежду как часть своего наследия и носила её на многочисленных автопортретах и фотографиях. Знаменитые платья, показанные на картине «Две Фриды», символизируют её связи с обеими сторонами её европейского и мексиканского наследия.

Фрида слева отражает её воспитание в семье высшего среднего класса. Её отец был родом из Германии, и домашняя жизнь в детстве содержала западные обычаи. Белое кружево платья символизирует стиль, популярный в европейской моде. Эта вестернизированная версия контрастирует с желанием правой Фриды принять своё мексиканское наследие, надев традиционное платье. Эта одежда - то, что поощрялось её мужем Диего Риверой, особенно в их борьбе за перемены в своей стране. Платье демонстрировало её гордость за то, что она носит местную и традиционную одежду из Мексики.

Одежда Кало - важный аспект её жизни и работы. После того как в детстве она заболела полиомиелитом, и одна её нога стала короче другой, разноцветные юбки стали для неё способом скрыть свою ногу таким образом, чтобы защитить её от пристального внимания. В гардеробе художницы были платья из tehuana, блузки huipil, ребозо, украшенные цветами головные уборы и старинные украшения. Эти предметы одежды Кало, являются иллюстрацией её любви, боли и страданий, которые она включала в свои работы.
Источник: kulturologia.ru
Поделись
с друзьями!
512
6
27 дней

Светящиеся картины Томаса Кинкейда

Томас Кинкейд (англ. Thomas Kinkade; 1958, Сакраменто — 2012, Монте-Серено) — американский художник, отличался распространением печатных репродукций своих работ, в частности его картины часто встречаются на пазлах. Он характеризовал себя как «Томас Кинкейд, Художник Света» (зарегистрированная торговая марка) и как «самый коллекционируемый ныне живущий художник Америки». Компания Media Arts, распространяющая продукцию Томаса Кинкейда заявляет, что в 1 из 20 домов США в той или иной форме есть одно из изображений, выполненное Кинкейдом.


Томас Кинкейд вырос в маленьком городке Плейсервилль, штат Калифорния, окончил среднюю школу в 1976 году, учился в Калифорнийском университете в Беркли и Колледже Искусства в Пасадине. Женился в 1982 году, супругу зовут Нанетт, у них родились четыре дочери: Мерритт (р. 1988), Чандлер (р. 1991), Уинсор (р. 1995) и Эверетт (р. 1997), все названы в честь знаменитых художников.


Учителями Кинкейда до колледжа были Чарльз Белл и Гленн Весселс. Весселс и убедил Кинкейда поступать в Калифорнийский университет в Беркли. Отношения Кинкейда и Весселса показаны в полубиографическом фильме «Рождественский коттедж», выпущенном в 2008 году. После двух лет общего обучения в Беркли Кинкейд перевёлся в знаменитый национальный Художественный Колледж в Пасадене.


В июне 1980 Кинкейд провёл летнее путешествие по Соединённым Штатам со своим другом из колледжа, Джимом Гурнейем. Оба закончили своё путешествие в Нью-Йорке и заключили контракт с издательством Гуптилл на выпуск «Руководства по созданию эскиза». Двумя годами позже они выпустили «Руководство для художников по созданию эскиза» (The Artist’s Guide to Sketching), которое стало одним из наиболее продаваемых продуктов этой компании в том году. Успех книги привёл его и Гурнея в Студию Ральфа Бакши, создающую декорации к анимационному фильму «Огонь и Лёд» (1983). Пока Кинкейд работал над фильмом, он начал пробовать рисовать свет и воображаемые миры. После фильма Кинкейд решил зарабатывать как художник, продавая свои оригиналы в галереях по всей Калифорнии.


Главной особенностью картин Кинкейда являлись светящиеся блики и насыщенные пастельные тона. Он изображал в импрессионистском стиле светящиеся контуры, буколические, идиллические предметы, такие как сады, ручьи, каменные коттеджи, городские улочки.


Также он писал картины на различные христианские темы, изображал христианские кресты и церкви. Себя Кинкейд называл «набожным христианином» (все его дети имеют второе имя «Кристиан»). Кинкейд говорил, что получает вдохновение от религии и что в его работах содержится большой моральный аспект. Также он считал, что его задача как художника трогать людей всех вероисповеданий, чтобы принести мир и радость в их жизнь через образы, которые он создаёт.













Поделись
с друзьями!
1033
3
36
2 месяца

Крайне необычная архитектура

Архитектура призвана удовлетворять как практические, так и художественные требования. Поэтому и цели у неё соответствующие — утилитарные с одной стороны, и эстетические с другой. Когда человек рассматривает любое здание, первое, что он отмечает - это его визуальную красоту. Конечно, бывает и так, что одно свойство реализовано за счёт другого. Кроме того, безмолвные сооружения могут рассказать многое. Архитектурные произведения знают всё об истории, традициях и художественных вкусах окружающего их мира. Одни из самых впечатляющих творений архитекторов, далее в обзоре.


Архитектуру сложно описать словами. Лучше один раз увидеть. В Интернете существует субреддит, посвящённый фотографиям некоторых из самых впечатляющих концептуальных зданий. Это онлайн-сообщество уже насчитывает более 617 тысяч участников. Снимки, которыми там делятся, просто великолепны.

Гранд-отель Ciudad de Mexico в стиле модерн, 1899 год, работы французского архитектора Жака Грюбера.



Архитектор Урбани, кроме эстетики и практичности, отмечает также важность технологий умного дома. «Любой, у кого есть смартфон, знает об удобстве управления всеми домашними функциями с помощью пары кликов, голосового сообщения или домашней видеопанели», - сказал специалист.

«Эти функции несут не только удобство и комфорт. Многие из них, в том числе управление освещением, отоплением и охлаждением, могут принести реальную выгоду в виде ежемесячных счетов за коммунальные услуги. Для архитекторов иногда становится проблемой создание пространства для размещения каких-либо механических устройств и необходимой электропроводки».

Минсельхоз, Казань, Россия.



Эклектичная монументальная архитектура этого великолепного здания сразу бросается в глаза. Классические формы с элементами в стиле ампир и центральным элементом - огромным двадцатиметровым деревом, подсвечиваются с наступлением темноты. Дворец находится у подножия холма. Перед ним разбита площадь.

Bинтовая лестница, вырезанная из цельного дерева в 1851 году, расположена в замке Леднице, Чешская Республика.



В небольшой чешской деревушке Леднице, недалеко от города Брно, находится одноимённый замок. Это потрясающее своей красотой строение в готическом стиле пользуется у туристов огромной популярностью. Замок является частью грандиозного замково-паркового комплекса. При входе в холл здания сразу бросается в глаза великолепная массивная лестница, ведущая на второй этаж. Она вырезана из одного дуба. Когда-то стены возле неё украшало множество портретов представителей рода Лихтенштейн. Сегодня сохранилось только три из них.

Павильон Просвещённых, Бангкок



Расположен этот павильон в парке Древний город. Изначально это место задумывалось как гольф-поле в форме территории Таиланда с миниатюрами исторически значимых построек этой страны. Но постепенно эта идея трансформировалась в парк миниатюр под открытым небом. В нём собраны оригиналы построек или воспроизведены точные копии с оригиналов.

Книжный магазин Чжуншугэ в Чэнду, Китай



Архитектурное бюро из Шанхая представило дизайн книжного магазина. Это уже третье футуристичное книжное бюро. Первые два были открыты в Пекине и в Гуйяне. Фирменным решением по-прежнему остаются зеркальные потолки и бесконечные стеллажи, которые визуально расширяют пространство.

Этот книжный магазин, как и предыдущие два, просто поражает воображение. За стеклянной дверью посетителей встречают необычные изогнутые С-образные полки из ореха, подсветка создаёт дополнительный объем. Из-за обилия зеркал совершенно непонятны истинные размеры помещения. Бесконечные книжные полки словно «перетекают» друг в друга и усиливают эффект бесконечности. Увлекаемые их «маршрутом» посетители переходят от арки к арке, время словно замедляет здесь свой ход...

Музей естественной истории, Лондон.



Ещё один важный аспект современной архитектуры - экологичность. В конце концов, по данным Управления энергетической информации США (EIA), здания генерируют почти 40% годовых глобальных выбросов парниковых газов.

«Неудивительно, что существует тенденция к созданию более энергоэффективных зданий, а также к разработке проектов домов, которые потребляют и пропускают меньше энергии», - пояснил Урбани.

«Вершиной этого типа дизайна является дом с нулевым расходом энергии, который буквально не имеет чистого потребления энергии. Это достигается не только за счет снижения энергопотребления, но и за счёт добавления энергии на стройплощадке, как правило, в виде солнечных панелей».

Даже если чистый ноль — это слишком высокая цель, архитекторы всё равно по максимуму стараются реализовать как можно больше экологичных функций. К ним относятся герметичные ограждающие конструкции, эффективная изоляция, многопанельные окна, а также энергоэффективные приборы и системы.

«Сохраняя энергию, которую мы потребляем в наших домах, как можно дольше, мы потребляем меньше, нам нужно всё меньше», - сказали в TMD STUDIO. «Использование меньшего количества энергии для поддержания комфорта означает, что мы можем стать экологически ответственными и более ресурсоэффективными, что имеет жизненно важное значение для уменьшения последствий изменения климата».

Публичная библиотека в Канзас-Сити.



Здание этой библиотеки является уникальным по своей архитектуре. Расположено оно в самом центре Канзас-Сити и стало предметом гордости жителей этого города. И действительно, оно необыкновенное и поражает воображение любого, кто его видит. Проект был очень сложным. Здание было довольно старым и понадобились огромные средства на его ремонт. Дизайнерское решение украсить фасад в виде книжной полки оказалось очень оригинальным. Жители Канзас-сити, обычные посетители библиотеки, в течение двух лет выбирали названия художественных произведений, которые теперь там красуются.

Золотой мост во Вьетнаме



Полукруглый позолоченный мост опирается на две гигантские, направленные к небу «руки бога». Они покрыты мхом и выглядят, словно многовековые сооружения. В действительности же сооружение создано из стекла и стали. Со смотровой площадки открывается великолепный вид на горные пейзажи, а вдоль дорожки на мосту высажены клумбы с прекрасными цветами.

Будапешт, Венгрия.



Столица Венгрии - волшебное место. Величественный парламент или Рыбацкий бастион, сложно выбрать что краше. Перечислять достопримечательности можно бесконечно. Лучше приехать и увидеть всю красоту этого старинного европейского города самому.

Дом мастера начала 1900-х годов в Сиэтле.



TMD STUDIO, группа молодых специалистов из Лондона и Праги, работающих в области архитектуры, визуализации, дизайна интерьеров и исследований, соглашается, что устойчивая архитектура является ключом к экологически благоприятному будущему. «Только более экономно используя наши ресурсы, мы можем надеяться защитить нашу окружающую среду и климат», - говорят эксперты.

Многоквартирный дом в Тель-Авиве, Израиль.



Тель-Авив - прекрасный город с уймой достопримечательностей. Кроме археологических памяток здесь можно наткнуться и на настоящие чудеса ультрасовременной архитектуры. В Израиле даже обычный многоквартирный дом - настоящее чудо!

Потолок Шахской мечети в Исфахане, Иран./h2>



Эта мечеть - подлинный шедевр персидской архитектуры. Как внутри, так и снаружи стены мечети и минаретов декорированы бирюзовыми изразцами с геометрическими и растительными орнаментами. Чтобы придать облицовке особую выразительность, шах приказал использовать не наборную керамическую мозаику, а многоцветные глазурованные плитки, расписанные в технике «хафт-ранги» С персидского «семь цветов», «небесная радуга»).

Хатльгримскиркья в Рейкьявике.



Край суровых викингов должен выглядеть, наверное, именно так: метель и мороз. Название самой северной столицы в мире говорит само за себя. Рейкьявик в буквальном переводе означает «дымящаяся бухта». Собор Хатльгримскиркья - знаковая архитектурная достопримечательность. Это лютеранская церковь, четвёртое по высоте здание в Исландии. Церковь названа в честь поэта и духовного лидера Хадльгримюра Пьетурссона, автора книги «Passion hymns» (Гимны страсти). На постройку церкви ушло 38 лет. Здание используется в качестве обзорной вышки, с которой открывается замечательный вид на Рейкьявик и окружающие его горы.

Лазурно-голубой бассейн в Херст-касл, Сан-Симеон, Калифорния


Он был спроектирован архитектором Джулией Морган и построен между 1919 и 1947 годами.


Это имение неоднократно перестраивали. В 40-х годах 20 века хозяева наняли архитектора Джулию Морган. Она и спроектировала дизайн этого дома. Джулия эклектически перетасовывала стили различных периодов европейской истории: главный дом напоминает испанский собор эпохи платереско, а у кромки Нептунова бассейна живописно расположился павильон с перевезённым из Средиземноморья древнеримским фронтоном. Произведения искусства для украшения усадьбы (включая гигантские плафоны) доставляли из Европы.

Часовня Тернового венца (Thorncrown), Арканзас, архитектор Э. Фэй Джонс.



Задуманная в 1980 году Э. Фэй Джонсом (E. Fay Jones), бывшим учеником архитектора Фрэнка Ллойда Райта, эта структура сочетает в себе сталь и стекло, идеально вписываясь в окрестности. Готический дизайн и строгость линий могут быть не всем по душе, но неизменно оставляют неизгладимые впечатления.

Миланский собор, Италия.



Миланский собор или, как его ещё называют, Собор Дуомо, можно считать своеобразной антитезой Вавилонской башни. Это ожившая история архитектуры длиною в шесть веков. Его возводили архитекторы и инженеры из разных стран - Франции, Германии, Италии - и разговаривали они на разных диалектах, что не помешало им построить величественное культовое сооружение, хотя на это и ушло почти 600 лет.

Церковь Грундтвига в Копенгагене, Дания.



Был завершен в 1940 году, и его дизайн представляет собой сочетание собора и стиля старых датских загородных домов.

Источник: https://kulturologia.ru/blogs/060421/49462/


Это одна из самых необычных церквей в мире и наиболее узнаваемая религиозная памятка истории в Дании. Строительство церкви длилось целых два десятилетия. Сама задумка была уникальна, до того момента мир ещё не видел ничего подобного. Проектом занимался инженер Педер Вильхельм Йенсен-Клинт. Заканчивал работу уже его сын Кааре Клинт. Храм строился на деньги благотворительных пожертвований, страна не принимала в этом никакого участия. В 1940-м году было проведено официальное открытие уникального объекта – церкви Грундтвига, которая и сегодня является редким и ярким примером здания, выстроенного в стиле кирпичного экспрессионизма.

Викторианский дом в Сан-Франциско.



Архитектор Урбани сказал, что размещение нескольких поколений семьи под одной крышей было обычным делом до середины прошлого века. После окончания Второй мировой войны дома на одну семью стали более популярными. Этому поспособствовал послевоенный бум и желание каждого осуществить свою мечту.

«Сегодня люди живут намного дольше, что привело к появлению так называемого «поколения сэндвичей». Так прозвали людей, которые вынуждены заботится как о маленьких внуках, так и о пожилых родителях. Таким образом, растёт спрос на жильё с функциями, которые подходят для жизни нескольких поколений. Согласно опросам, наиболее популярными функциями в частных домах являются главные апартаменты на первом этаже и уборные на всех уровнях.

Собор Клермон-Феррана во Франции - полностью построен из камня чёрной лавы.



Собор Вознесения Девы Марии (Cathédrale Notre-Dame-de-l'Assomption) - католический собор в готическом стиле и важная историческая памятка. Здание построено целиком из чёрной вулканической породы и видно издалека.

Отель Park Royal Сингапур



Отель-сад Parkroyal on Pickering в Сингапуре - оазис цветущей зелени в центре шумного мегаполиса. Фасад, разработанный архитектурным бюро WOHA, украшен тропическими растениями, лианами, пальмами и бутонами. Пышные висячие сады заполняют окружённое бетоном и стеклом пространство, создавая природные ландшафты в условиях урбанизации. Это также один из первых экоотелей Сингапура, использующих солнечную энергию: ночное освещения здания и садов питают фотоэлектрические панели, что позволяет снизить потребление электричества в разы. При отделке гостиницы, открытой в январе 2013 года, использовались только натуральные материалы.

Очень узкий угловой дом, Амстердам, Нидерланды



По данным специалистов, при проектировании зданий с учётом экологических последствий есть три основных проблемы. Первая из них - это материалы, используемые для строительства. Вторая проблема - энергоэффективность здания. Последний же фактор, который следует учитывать - это расположение здания и само здание.

«Дом может быть энергоэффективным и использовать строительные технологии с низким уровнем воздействия, но это ничего не будет значить, если экосистема пострадает в результате строительства. Более целостный подход ко всем этим факторам проектирования становится всё более распространенным в современной архитектуре».


Наконец, при строительстве также важно помнить о гибкости. По большей части семьи и домохозяйства сейчас более разнообразны, чем когда-либо. Это, в свою очередь, значит, что кому-то нужна большая столовая, а кому-то тихий кабинет для работы. «Нынче в цене дома и планировки, которые могут гибко приспособиться к любому количеству и возрасту жителей. Лучше даже когда они способны развиваться вместе с этими жителями с течением времени. Такие проекты наиболее привлекательны», - пояснил Урбани.

«Для архитекторов это может означать создание пространства, которое можно легко разделить на зоны или расширить с помощью панелей или дверей. Дизайнеры могут помочь в данном случае тем, что будут включать во все части дома подобные материалы и мотивы оформления».

Замок Гогенцоллерн, Германия.



«Замок в облаках» – другое его название, ведь он располагается на вершине одноимённой горы. Это самый посещаемый замок в Германии. Старинное здание является весьма ярким образчиком немецкого архитектурного стиля, гармонично сочетающего в себе элементы средневековья и неоромантики. Тем не менее, даже на фото замка Гогенцоллерн в Германии видно, что его архитектура не выглядит цельной. Дело в том, что от двух первых разрушенных крепостей оставались некоторые фрагменты, и их оставляли в ходе дальнейших реконструкций.

Музей прибрежной геоморфологии в Ванкувере



Это необычайное здание является старейшим морским музеем. Лучшим в своём роде. Он посвящён морской истории Ванкувера.

Les Espaces D'abraxas, Нуази-ле-Гран, Франция.



Этот жилой комплекс находится в пригороде Парижа. Построен он был ещё в начале 1980-х годов. Это необычайно яркий пример неоклассического постмодернизма. Из-за уникальной архитектуры, именитые режиссёры любят разворачивать действия своих фильмов на его фоне.

Вход в ночной клуб в Сеуле, Южная Корея.



Людям иногда сложно приобрести собственное жильё. Кроме того, многие места нашей планеты страдают от перенаселения. Возможно, человечеству не светит колонизация Марса и Луны в ближайшее время, но кое-что люди таки могут сделать. Последние архитектурные тенденции дают множество причин для воодушевления в отношении будущего строительства.
Поделись
с друзьями!
1280
1
18
3 месяца

Пейзажи художника Васендина, которого современники называют вторым Шишкиным

Всегда поражает творчество тех мастеров, которые, получив азы живописи и рисунка в детских студиях или в специализированных школах, впоследствии отправляются в самостоятельное плавание в поисках своей гавани в огромном океане изобразительного творчества. И что любопытно - многие действительно находят. А также славу и признание... В нашей публикации картины самобытного архангельского художника Юрия Васендина, снискавшего себе имя, а своим работам место в собраниях коллекционеров стран Скандинавии, Европы, Америки.


Кто-то скажет, что работы художника - стилизация "под старину". Да, возможно и взял Юрий Дмитриевич от великих мастеров прошлого некоторые эффектные технические приемы. Ведь не зря его лесные пейзажи нередко сравнивают с работами Ивана Шишкина. Но, безусловно, во всем творчестве мастера присутствует его собственное мировоззрение и изюминка. Смотрите и наслаждайтесь...

Автопортрет художника. / Юрий Дмитриевич Васендин - современный русский художник из Архангельска.

Художник Юрий Васендин (1958 г.р.) родился в Архангельске. Талант к творчеству проявился с ранних лет, особенно мальчик любил рисовать красками. Поэтому параллельно с общеобразовательной Юрий учился и в художественной школе. К концу учебы среди учеников студии будущий художник выделялся неординарными способностями, глубоким чувством композиции, точностью в проработке форм и знанием особенностей цветовой палитры. В результате этого его натюрморты, живописные пейзажи и скрупулезно прописанные портреты были всегда отмечены и педагогами школы и публикой на городских выставках.


Окончив в 1975 году Архангельскую художественную школу, талантливый юноша поступать в вуз не стал, а сразу устроился на работу художником в дом культуры поселка Маймакса. Параллельно с рекламно-оформительской деятельностью стал искать себя в живописи. Основной темой творческих исканий того периода были лесные дебри с элементами мистики и соответствующими образами.


Со временем, приняв за основу каноны русской реалистической школы передвижников, Васендин постепенно перешел от изображения мрачной суровой северной глухомани к лирическим "пейзажам настроения". Художник не стал останавливаться на достигнутом: наравне с вековыми сосновыми рощами, заливными лугами, лесными болотами в его творческом арсенале стали появляться сюжеты древнерусских былин, деревенских и городских мотивов и великолепные морские пейзажи.


Несмотря на устойчивую преданность лесным сюжетам, ему остаются интересны захолустные дворики "Старого Архангельска", поморские баркасы на Соломбалке и ветхие "двухэтажки" поселка Гидролизного завода.


Насладившись умиротворенной деревенской жизнью, художник стал искать вдохновения в поездках. Любой уголок земли достоин того, чтобы быть воспетым. Долины рек, головокружительные горные пейзажи, урбанистические сюжеты, заброшенные деревеньки и дальние монастыри, – во всём есть поэзия, если посмотреть на это глазами художника.



С годами у художника выработался авторский стиль в масляной живописи, отражающий глубокий профессионализм художника. Его работы участвовали в многочисленных выставках родного Архангельска, не раз представляли Русский Север на экспозициях Москвы и Санкт-Петербурга.


И уже к началу 90-х его произведения стали пользоваться спросом не только у отечественных, но и зарубежных ценителей живописи. Художник ежегодно возил свои картины в страны Скандинавии и Западной Европы. И они завоевывали все новых и новых поклонников. Его сказочно-прекрасные полотна привлекали зрителя и натурализмом, и нотками русского импрессионизма, и невероятным очарованием окружающей среды, и душевностью.


Творчество Юрия Дмитриевича невероятно живописное и живое. Умиротворяющая красота природного ландшафта, запах мха и хвойных иголок, шелест листвы – лишь немногая часть из всего того, что видит и слышит зритель, глядя на полотна мастера. Причем каждая из его работ вызывает безмерное желание сделать шаг на ту сторону холста, пройтись по светлым лугам и разъезженным грунтовым дорогам, по деревенским улицам и лесным тенистым тропам, а также лично ощутить теплые лучики солнца, пробивающиеся через ветви могучих деревьев.





И, что любопытно: любой сюжет, даже самый обыденный, становится отличным мотивом для потрясающего полотна, когда за кисть берётся виртуоз Юрий Васендин. Его северные пейзажи будоражат воображение зрителей, поражая техникой исполнения, в которой заключен и реализм, и импрессионизм. Поэтому и ценятся так его картины на арт-рынке. Ими с радостью пополняют свои частные собрания коллекционеры не только России, но и Финляндии, Швеции, Норвегии, Германии, Дании, Канады.

Источник: kulturologia.ru
Поделись
с друзьями!
884
1
23
4 месяца

Самые странные произведения искусства, за которые люди готовы платить миллионы

Если вы не считаете себя знатоком современного искусства, то, возможно, некоторые из представленных в этой подборке арт-объектов покажутся вам шуткой или провокацией, однако все это – общепризнанные шедевры, очень дорого оцениваемые и продаваемые на аукционах. Они, несомненно, заставляют задуматься о том, что же такое настоящее искусство, и как отделить по-настоящему талантливые произведения, если никаких точных критериев кроме внутренних ощущений каждого отдельного зрителя здесь нет и быть не может.


«Щенки» и шарики Джеффа Кунса


Этого американского художника называют «самым успешным после Уорхола», а также гением китч-культуры. Первой его известной работой стал аквариум с плавающими в нем тремя баскетбольными мячами. В 1992 году Джефф покорил весь мир, создав 13-метрового «Щенка» из цветов. Эта громадина умудрилась уже объехать весь мир – первый вариант создавался в Германии для выставки, затем скульптура, увеличившись в размерах, переехала в Сидней, побывала на временной экспозиции в Нью-Йорке, а позднее была приобретена испанским Музеем Гуггенхайма в Бильбао. Тут, как любое уважающее себя произведение искусства, она нашла и поклонников, и ненавистников - три человека, переодевшиеся в садовников, попытались взорвать скульптуру, но были пойманы полицией. Теперь «Щенок» - местная достопримечательность.

Джефф Кунc, «Щенок», 1992 год

Еще один песик от Джеффа Кунса входит в десятку самых дорогих произведений искусства в мире. «Balloon Dog» был продан на Christie's за 58,4 миллионов долларов. Если вы умеете делать из шариков точно такого же, но не догадывались его продать, не расстраивайтесь и посмотрите следующие работы. Возможно, что творческое вдохновение посетит вас в самом неожиданном месте. Кстати, «Кролик» Кунса побил этот рекорд, за него заплатили 91,1 миллионов долларов. Эти и целую серию подобных блестящих скульптур мастер сделал из нержавеющей стали.

«Кролик», Джефф Кунс

«Фонтан» Марселя Дюшана


«Фонтан», Дюшан, 1917 год

История этого шедевра печальна. К сожалению, его оригинал был утрачен после первой выставки, что, возможно, породило анекдот об уборщице, которая выкинула инсталляцию, приняв ее за мусор. Сегодня нам остается наслаждаться только единственной фотографией и 8-ю копиями, сделанными позднее другими художниками. Ну, а если серьезно, то «Фонтан» Дюшана, созданный в 1917 году для выставки Общества независимых художников, считается важной вехой направления искусства XX века и признан специалистами величайшим произведением своей эпохи. Если вы чувствуете замешательство, то вот цитата одного из защитников этого арт-объекта (конечно, признания «Фонтан» достиг в результате горячих споров):

«То, что сделал ли Мистер Мутт (Дюшан) фонтан своими руками или нет, не имеет значения. Он ИЗБРАЛ это. Он вдохнул в вещь жизнь, убрав его старое значение, создав для объекта новую мысль» (Беатрис Вуд, американская художница, писательница и журналистка)


Так что, перед нами не просто обыкновенный писсуар с надписью «R.Mutt» (Р. Дурак), а оригинальный реди-мейд и шедевр концептуального искусства. В декабре 2004 года в результате опроса среди британских профессионалов, эта работа Дюшана была признана самым великим произведением XX века, набрав 64 % голосов и опередив картину Пикассо «Авиньонские девицы». Одна из восьми копий была продана на аукционе Сотбис за 1,7 миллионов долларов.

«Физическая невозможность смерти в сознании живущего» Демьена Херста


Эта странная инсталляция – творение одного из самых богатых художников на планете (на 2010 год состояние Херста оценивалось в 215 миллионов). Что, кстати, говорит о востребованности его искусства, потому что отец Демьена был простым механиком. Херст - «плохой мальчик», которого в детстве арестовывали за кражи в магазине, а затем не хотели брать в колледжи искусства, сегодня считается одним из самых выдающихся художников Британии.

«Физическая невозможность смерти в сознании живущего», Демьен Херст, 1991 год


Тигровая акула, погруженная в огромный аквариум с формальдегидом – одна из работ серии «Natural History», по мнению искусствоведов, является знаковой для британского искусства 1990-х. В 2004 году известный коллекционер купил это странное произведение за 12 миллионов.

Ящики и Тайна Женщины Сальвадора Дали


Разбирать подробно работы эксцентричного испанского художника, вероятно, опасно – можно слишком сильно отдалиться от реальности и погрузиться в мир иллюзий и ассоциаций. Однако тема женщины с выдвигающимися из ее тела ящиками была для Дали, вероятно очень важной. Обычно эти странные построения объясняют женскими тайнами и секретами, которые у женщины, как высокоорганизованного существа, тоже «разложены по полочкам».

«Венеры с ящиками» Сальвадора Дали

Невидимое искусство


Наверное, любому человеку, связанному с творчеством, знакомо ощущение того, что лучшее произведение – это то, которое пока еще не написано, не нарисовано, не создано и находится на уровне замысла. В Нью-Йорке этот принцип смогли не только «овеществить», но даже и продать. MONA (The Museum on Non-Visible Art) – это музей невидимого искусства. На пустых белых стенах висят только таблички с названием работ и их описанием, вот так. А тот, кто не может представить сам «работу своей мечты», тот пусть не ходит в музеи, где выставляются настолько великие произведения, что наш грешный мир недостоин для их материализации! По мнению создателей музея, речь идет о совершенно новом уровне концептуального искусства.

Музей невидимого искусства MONA в Нью-Йорке

Однако купить такой шедевр за обычный «презренный металл», оказывается, можно. Так, например, в 2011 году невидимую картину Джеймса Франко «Свежий ветер» приобрели за 10 тысяч долларов. Ну, а дальше каждый решает сам для себя, что это – идеальная схема мошенничества, описанная еще Андерсеном, или прорыв и новый виток в развитии современного искусства.
Источник: kulturologia.ru
Поделись
с друзьями!
470
19
30
4 месяца

Удивительные пейзажи Педер Мёрк Мёнстеда, представителя «золотого века» датской живописи

Пасторальный пейзаж. Луг. Автор: Педер Мёрк Мёнстед.

«Золотой век» Дании дал миру немало талантливых живописцев, свершивших переворот в европейском искусстве. Датский художник Педер Мёрк Мёнстед, причисленный к их плеяде, признан одним из лучших пейзажистов-реалистов, творивших на рубеже двух прошлых эпох, а также одним из самых состоятельных мастеров живописи в Европе.


По большому счету «Золотым веком» в европейской культуре, в том числе и в живописи, считается первая половина XIX столетия. Это было время, когда, впитав и творчески переосмыслив мировые тенденции в искусстве, художники европейских стран стали авторами величайших художественных произведений. Однако, невзирая на то, что датчанин Педер Мёнстед родился на закате этого удивительного периода (а творить он стал еще позже), его считали ярким представителем и продолжателем идей гениальных мастеров, изменивших представление об изобразительном искусстве.

Зимний пейзаж. Автор: Педер Мёрк Мёнстед.

Живописец стал известен миру своими детализированными ландшафтными и деревенскими пейзажами, которые впечатляют зрителя величием и густых лесов, и бескрайних полей, и сценами из сельской жизни датчан, переданных с невероятно высокой точностью и натурализмом.

На занесенной снегом дороге. Автор: Педер Мёрк Мёнстед.

Однако на рубеже столетий Мёнстед испытал сильное влияние французского импрессионизма и его стиль претерпел изменения. Картины мастера приобрели некий романтический и поэтический настрой, наполнились воздухом и свежестью, но при этом не утратили прежней утонченности и реалистичности.

Пасторальный пейзаж после грозы. Автор: Педер Мёрк Мёнстед.

Художник, как и прежде, уделял особое внимание точным деталям и цвету, но уже отошел от классического академизма, его картины заиграли некой новизной и были буквально одухотворены кистью мастера.

Катание на санях в солнечный зимний день. Автор: Педер Мёрк Мёнстед.

О художнике


Известный датский художник-реалист, признанный мастер пейзажа, представитель «золотого века» датской живописи - Педер Мёрк Мёнстед (Peder Mørk Mønsted) родился в 1859 году в восточной части Дании в селении Балле Мёллена на полуострове Ютландия, в семье преуспевающего судостроителя. Родители с детства заметили дар сына к рисованию и всячески его привлекали к творчеству. Подростком мальчик посещал уроки рисования при Художественном училище в Орхусе и весьма успешно развивал свои наклонности.

Датский художник Педер Мёрк Мёнстед. Автопортрет.

16-летним подростком Педер поступил в Королевскую Академию изящных искусств в Копенгагене, где три года осваивал академическую живопись под руководством знаменитых мастеров жанровой живописи Дании - Андриеса Фритца и Юлиуса Экснера. Затем талантливый юноша прошел курс обучения в частной школе Педера Северина Крёйера, который был одним из самых известных и ярких художников сообщества датских и северных художников, работающих в Скагене.

Окончив учебу в 1882 году, 20-летний юноша отправился в солнечную Италию за впечатлениями, где душа датчанина была покорена красотой и яркостью красок южных пейзажей. К слову, Педер Мёнстед за свою творческую карьеру много путешествовал, часто бывал в Швейцарии, Италии, северной Африке. Во время этих путешествий художник постоянно делал зарисовки ландшафтов и местных жителей. А в Греции, где в течение года гостил при монаршем дворе, Педер писал портреты членов королевской семьи и приближенных.

Березовая роща осенью. (1903 год.) Масло, холст. 114 x 70,5 см. Автор: Педер Мёрк Мёнстед.

В 1884 году, прежде чем вернуться из странствий в свой дом в Дании, он посетил Париж и пробыл там четыре месяца, в течение которых учился в студии Вильяма-Адольфа Бугеро, французского художника, видного представителя салонного академизма XIX века. В те годы без его произведений не обходилась ни одна выставка в Салоне. К слову, имя Бугеро стояло во главе французской живописи почти до начала ХХ столетия.

Закат над лесным озером. Автор: Педер Мёрк Мёнстед.

Переняв от маститого французского живописца некоторые секреты профессии и мастерства, Педер Мёрк Мёнстед вернулся домой и с головой окунулся в творчество. А через время вновь оставил свою мастерскую, отправившись в очередное странствие, дабы напитаться вдохновением.

У озера. Автор: Педер Мёрк Мёнстед.

Начало Первой мировой войны заставило Мёнстеда сократить свои европейские путешествия, но в 1920-х и 1930-х годах он снова путешествовал по странам Средиземноморья. В ходе этих поездок было создано множество эскизов, которые впоследствии стали картинами, представленными на нескольких международных выставках в салонах Парижа и Мюнхена.

Река Ландскаб. Автор: Педер Мёрк Мёнстед.

Невероятно реалистические картины датчанина, дышащие жизнью и живописью, были высоко оценены современниками. Он был особенно популярен в Германии, где провел несколько персональных выставок в Glaspalast в Мюнхене.

Ручей в лесу, 1905 год. Автор: Педер Мёрк Мёнстед.

Сейчас полотна Педера Мёрка Мёнстеда хранятся во многих музеях Европы, в частности его работы украшают коллекции музеев Ольборга, Баутсена, Рандерсе, его работы также можно найти в Музее Чи-Мэй на Тайване и Музее Дахеш в Нью-Йорке. Огромное количество полотен разошлось по многочисленным частным собраниям. В память о гениальном мастере пейзажа в 1995 году во Франкфурте-на-Майне прошла большая ретроспектива работ под названием «Свет Севера».

Закат на реке. Автор: Педер Мёрк Мёнстед.

Несколько слов о произведениях художника


Стоит отметить, что невзирая на многочисленные странствия художника по Европе и Африке, большинство полотен все же написано Педером Мёнстедом в Дании и посвящено именно ей. Однако немало работ автор посвятил и первозданным северным пейзажам Скандинавии.

На реке. Автор: Педер Мёрк Мёнстед.

Пропитанные ощущением атмосферы и воодушевления, пейзажи датского художника невероятно детализированы, но при этом не кажутся переутомленными. А достичь этого было совсем не просто. Также невероятно впечатляет использование цветовой палитры, где цвета невзирая на приглушенность кажутся сочными и объединенными светом.

Следует обратить внимание, как Мёнстед часто использовал черный для теней, а не темно-синий, зеленый и пурпурный, которые зачастую использовали импрессионистами. Многие художники-пейзажисты часто избегают черного, но при правильном использовании он может быть чрезвычайно эффектным.

Стоянка лодки на спокойном озере. Автор: Педер Мёрк Мёнстед.

Глядя на картины художника, зритель буквально окунается в ощущение безмятежности и умиротворения. Особо это чувствуется в картинах, где основным мотивом является вода. Именно эта природная стихия вызывает наибольшее восхищение в работах автора. Безмятежная красота рек, озер и ручьев по истине завораживают: настолько реалистично изображены на них и отражение на поверхности, и всплески и легкое волнение.

Теленок, 1931 год. Автор: Педер Мёрк Мёнстед.

Известно, что у многих, даже знаменитых импрессионистов были реальные проблемы, когда дело доходило до изображения воды в их композициях. И они заканчивали свои изображения, концентрируясь больше на эффектах света, чем на реалистическом изображении.


Невероятно теплыми и душевными являются деревенские пейзажи датского мастера с их жителями и маленькими домами, утонувшими в цветах. По истине впечатляет.

Деревенские пейзажи художника Педера Мёнстеда.

Умер Педер Мёрк Мёнстед в 1941 году. Он до самой своей смерти был одним из наиболее популярных и состоятельных европейских живописцев. Его талант принес ему большое признание и богатство. Впрочем, вполне заслуженно.

Сельский пейзаж художника Педера Мёнстеда.
Источник: kulturologia.ru
Поделись
с друзьями!
749
2
20
4 месяца

Картины Андрея Захарова, за которые борются участники аукционов

Творчество Андрея Захарова, одного из самых узнаваемых и популярных художников России, принадлежит к ярким достижениям современной русской импрессионистической пейзажной живописи. Одаренный живописец из Костромы, обладающий смелой манерой письма, создает лирические пейзажи, наполненные мимолетным настроением и экспрессией. В каждой его работе - богатейшее многообразие родной природы, выразительность и невероятная красота окружающего нас мира, а также живописная поэзия, отражающая утонченные чувства русской души.


Март в деревне. Импрессионизм от Андрея Захарова.

Захаров - художник, который в некоторой степени отстранился от подробностей натурализма, нашел свой уникальный почерк в фактурной пластичности импрессионизма и экспрессионизма. При этом, сохранив трепетное отношение к природе и верность национальным традициям русской живописи.

Импрессионизм от Андрея Захарова.

Все его работы, написанные будто на одном дыхании, отображают не только чувства и ощущения самого художника, им присущи неповторимые авторские черты. Хотя, при первом и поверхностном взгляде на картины Андрея Захарова возникает ощущение какой-то незавершенности… Но, стоит внимательней вглядеться, "вжиться" в сюжет и становится очевидным, что мастером предельно "сказано" все, что задумано. Его яркий минимализм и эмоциональный настрой завораживает даже взыскательного зрителя.

Оттепель. Импрессионизм от Андрея Захарова.

Манера написания картин буквально захватывает мощной экспрессией. А насыщенная цветовая палитра одинаково заставляет играть и свет, и цвет, и тень. Корпусные мазки масляной краски, нанесенные на холст, в большей степени мастихином, выделяются не только яркостью, но и емкой фактурностью, рождая восхитительную живопись.

Галич. Весна в Успенской слободе. Импрессионизм от Андрея Захарова.

Вглядываясь в каждое полотно художника, наполненное умиротворенным покоем природной стихии, невозможно не отметить, что при работе мастер использует индивидуальные технические приемы, а в зависимости от настроения атмосферной среды - неповторимый специфический колорит. Объединяет же все работы Захарова - пронизывающая поэзия солнечного света, которая буквально заставляет каждую его работу играть яркой цветовой гаммой.

Импрессионизм от Андрея Захарова.

Мастер цветовых отношений буквально выстраивает свою живопись на тончайших колористических решениях, но при этом композиционно мыслит по большому счету, что придает его работам монументальное звучание, а экспрессивное движение мастихина создает невероятное богатство фактуры, заставляет холст вибрировать от света и различных цветовых оттенков.


Полотна Андрея Захарова, написанные этим универсальным инструментом, воплощают не только характерный для художника живописный пластический язык – «a la prima», но и его личное отношение к действительности, потребность в её образном осмыслении и художественном истолковании.

О художнике



Андрей Аркадьевич Захаров (1967) родом из Ростова Великого, что в Ярославской области. Будущий художник с пяти лет начал посещать художественную школу, что в дальнейшем и определило судьбу мальчика, который уже в юные годы твердо решил, что станет художником. Выбору профессии также поспособствовало то, что прадед художника по материнской линии, Захар Ржевский - был художником-самоучкой.


В 1981 году Андрей поступил в Федоскинскую школу, где обучался миниатюрной лаковой живописи, а затем в Ярославское художественное училище, откуда в 1987-м вышел дипломированным художником.


Еще будучи студентом, Андрей начал участвовать в художественных выставках России, а позже экспонироваться и в некоторых странах Европы. В последние годы Захаров - постоянный участник многочисленных выставок, пленэров в России и за рубежом: в Польше, Венгрии, Черногории, Италии, Греции, Франции, Германии и Китае. Он также является участником благотворительных аукционов в крупнейших аукционных домах мира - «Сотбис» и «Кристис». И, наверное, излишне говорить о том, насколько произведения русского современного импрессиониста известны и популярны среди коллекционеров мирового уровня.


Художественный талант и живописная манера костромского мастера нашли широкое признание, как у соотечественников, так и у ценителей искусства по всему миру. На сегодняшний день немало произведений мастера являются достоянием отечественных государственных художественных музеев Костромы, Белгорода, Воронежа, Вышнего Волочка, Ростова Великого, Санкт-Петербурга. Ну, а львиная доля работ Андрея Захарова находится как в частных собраниях коллекционеров, так и в различных государственных музеях и ведущих галереях многих стран мира.


Андрей Захаров - член Союза Художников России, заслуженный художник Российской Федерации, член Международного Художественного фонда и этот список можно продолжить, так как званий и степеней у мастера достаточно много. А еще он награжден золотой и серебряной медалью Российской Академии художеств, членом-корреспондентом которой является уже много лет.


В наше время не многие мастера могут сказать, что свои работы пишут непосредственно на пленэрах. Андрей Захаров - исключение, его очень сложно застать в мастерской за работой, обычно все свое время он проводит в поездках по разным уголкам мира. Занимаясь творчеством, он работает исключительно с натуры. Благодаря импрессионистической подвижности мазка мастер точно и остро запечатлевает мимолетное состояние природы, ее малейшие изменения в освещении, цвете, движении воздуха.


Андрей Захаров - заядлый путешественник, география его творческих поездок широка и разнообразна. Живописец неоднократно бывал на Русском Севере, который особенно любит. На Беломорье, в Карелии, Республике Коми и Холмогорах, среди нетронутой северной природы, он написал лучшие из своих произведений, в которые вложил мощные эпические образы суровой природной среды.

Ильмень.Соймы. Импрессионизм от Андрея Захарова.

Возвращаясь из каждой поездки, мастер привозит множество этюдов и натурных пейзажей, в которых неповторимо отражается его личное восприятие увиденного, собственные представления о своеобразии природы и городских ландшафтов разных стран.




Источник: kulturologia.ru
Поделись
с друзьями!
1003
10
41
5 месяцев
Уважаемый посетитель!

Показ рекламы - единственный способ получения дохода проектом EmoSurf.

Наш сайт не перегружен рекламными блоками (у нас их отрисовывается всего 2 в мобильной версии и 3 в настольной).

Мы очень Вас просим внести наш сайт в белый список вашего блокировщика рекламы, это позволит проекту существовать дальше и дарить вам интересный, познавательный и развлекательный контент!