Чувственные картины Нэнси Ноэль (Nancy А. Noel)

«Нельзя отрицать, что лицо ребенка имеет свое «дыхание», дыхание, отражаясь в котором, мы на один миг остаемся где-то между сейчас и навсегда. Однажды я поняла это и вдохновение не покидает меня до сих пор, я поняла, что хочу написать лицо, которое потрясло меня. То лицо, которое согреет вас всех». Нэнси Ноэль (Nancy А. Noel).


Нэнси Ноэль стала всемирно известной благодаря своим чувственным картинам, на которых изображены дети и животные. Ключевой темой в её искусстве являются дети, чаще всего в образе ангелочков.


Нэнси Ноэль постоянно совершенствует свой стиль и её картины пользуются большой популярностью. Каждый день для художницы – это повод для того, чтобы стать лучше. Nancy Noel говорит, что: «только так можно быть искренней в своем творчестве: не останавливаться и пытаться отдать всё. Каждый день, я поражаюсь числу людей, до которых мне удалось донести мои работы, каждый день, я стараюсь для них».


Nancy Noel закончила факультет искусств колледжа Мунта Сэйнт Джозефа в Цинциннати. В 1970 г. открыла свою первую картинную галерею в Broad Ripple Village.


В 2005 Нэнси Ноэль купила старую Викторианскую церковь на Главной Улице в Zionsville и, отремонтировав её, устроила там картинную галерею, в которой теперь содержится наиболее полная коллекция её работ. Nancy А. Noel занимается благотворительностью, в том числе, она спонсирует множество дошкольных учреждений.


Нэнси Ноэль выпускает печатные издания со своими работами, которые самостоятельно продумывает вплоть до последней детали, и неудивительно, что они имеют многомиллионные тиражи.


Один из критиков пишет о картинах Нэнси Ноэль так: «Её искусство имеет власть излечивать, сообщать, преобразовывать и вдохновлять. Она захватывает сущность предметов, изображая их с почтением. На картинах Нэнси мир предстает естественный и мистический, изображенный с изяществом, которое исходит непосредственно от души. На холсте зрители видят вне живописи другое измерение: её работы подвигают нас ближе к пониманию того, кто мы есть и кем мы должны и могли бы быть».


В настоящее время Нэнси Ноэль живет и работает в г. Сионсвилл (Zionsville), штат Индиана, США.























Источник: juicyworld.org
Поделись
с друзьями!
360
0
6
4 дня

10 странных картин, проданных за миллионы долларов

Возможно, с точки зрения ценителя, эти картины — потрясающие произведения искусства, но разглядеть его в них, согласитесь, непросто.


1. Картина «Пространственная концепция» была продана на аукционе в Лондоне за 1 500 000 долларов.



«Кроваво-красное зеркало» Герхардта Рихтера, представляющее собой зеркало, замазанное краской, обошлось покупателю в 1 000 000 долларов.



Белый холст с зелёным пятном под названием «Зелёно-белый» Элсворта Келли ушёл за 1 600 000 долларов.



4. Полотно «Без названия» Марка Ротко продали с молотка за 28 000 000 долларов.



5. «Холсты Блинки представляют множество вариантов цветов, которые характеризуют внутренний мир творца». 1 700 000 долларов.



6. За картину «Собака» Хоан Миро кто-то заплатил 2 200 000 долларов.



7. «Белый огонь» Барнетта Ньюмена за 3 800 000 долларов.



8. Полотно без названия Сая Томбли за 2 300 000 долларов.



9. «Ковбой» Элсворта Келли был продан за 1 700 000 долларов.



10. «Голубой дурак» Кристофера Вула за 5 000 000 долларов.


Источник: factroom.ru
Поделись
с друзьями!
317
30
25
4 дня

Художник Владимир Давыденко и его чудесные работы

Владимир Давыденко создаёт свои работы в разных жанрах: пейзаж, марины, портрет, натюрморт, при этом все они выполнены на высоком уровне, где картины имеют ясный сюжет, эмоциональность, а каждая деталь тщательно проработана. В пейзажах Владимир Давыденко точно умеет передать переменчивое состояние окружающей природы, а в портретах вечные ценности: любовь, человечность и духовность.


Владимир Давыденко родился 22 ноября 1966 г., в г. Липецк. В настоящее время живёт в г. Москва. Является членом Союза Художников России, действительным членом Петровской Академии наук и искусств.




























художник Владимир Давыденко (Vladimir Davydenko)
Источник: billionnews.ru
Поделись
с друзьями!
917
0
39
14 дней

Сокровища электрика Ильина, или как коллекционер заткнул за пояс Эрмитаж

Когда в 1993 году в украинском городе Кировограде умер обычный пенсионер Александр Борисович Ильин, никто не мог даже предположить, что у него дома окажутся несметные богатства. Невероятно, но жилище обычного электрика оказалось заполнено произведениями искусства и старинными книгами, стоимость которых исчислялась миллионами долларов.


Родился Александр Ильин в 1920 году в городе Рыбинске, в семье бывшей дворянки Натальи Римской-Корсаковой и обычного рабочего. Несмотря на экспроприацию семейного имущества в годы революции, мать Александра смогла сохранить немало фамильных ценностей.

Александр Борисович Ильин

Александр Борисович Ильин Отец мальчика, хоть и работал на заводе, от жены проникся любовью к старинным красивым вещам и активно участвовал в пополнении домашней коллекции.

Ильин с детства рос в окружении произведений искусства и еще подростком начал неплохо в них разбираться. В 1941 году Александр Ильин поступил в Московский торфяной институт и сразу же едва не попал на фронт. Но парню удалось избежать массовой мобилизации первых дней войны и получить «белый билет».

Говорят, что за освобождение от военной службы Ильин рассчитался с комиссаром военкомата редкой старинной книгой, но проверить сегодня это уже невозможно. Пока сверстники Александра погибали на фронтах, он не терял даром времени и колесил по СССР, выискивая предметы старины и произведения искусства. Многие люди из-за нужды отдавали семейные реликвии за символическую плату или вовсе меняли на продукты.

Одна из кружек работы мастера Равича

Один из знакомых Ильина, известный коллекционер, позднее рассказывал, что Александр хвалился, как в только что освобожденном от блокады Ленинграде выменял на мешок муки серебряную кружку известного украинского мастера Ивана Равича. Таких эпизодов были сотни и домашнее собрание раритетов Ильина стремительно росло.

В 1944 году жизнь страстного любителя прекрасного Ильина едва не оборвалась — его поймали с поличным на краже продовольствия. В те годы за такое преступление было одно наказание — расстрел, но Александр получил всего… три месяца тюрьмы. Во сколько была оценена в этот раз его жизнь история умалчивает, но без взятки наверняка не обошлось.

После окончания войны Ильин оказался в УССР. Его семья переехала в Кировоград, а сам Александр надолго задержался в Киеве в качестве реставратора. Работал он в Киево-Печерской лавре до 1961 года, пока реконструкцию монастыря не свернули. Тогда он перебрался к родителям, вместе с внушительным багажом древних церковных книг и утвари из хранилищ православной святыни.

Библиотека Киево-Печерской лавры, откуда спасал книги Александр Ильин

Родным и друзьям Ильин рассказал, что за то, что он отреставрировал старинное Евангелие, монахи подарили ему несколько книг. Но основная часть богатства досталась ему в день закрытия Киево-Печерской лавры, когда ее оцепили солдаты. Тогда священники попросили Александра вынести тайком под одеждой ценные церковные книги и предметы, чтобы их не конфисковали. Ильин, рискуя попасть под уголовную статью, несколько дней курсировал между лаврой и своей квартирой, не вызывая ни у кого подозрений. Никто не мог и подумать, что рядовой реставратор выносит под пальто бесценные сокровища.

Стоит ли говорить, что немалая часть спасенного «прилипла» к рукам Александра и предъявить ему претензии у монахов бы не получилось. В Кировограде Александр Ильин стал жить как простой советский рабочий человек. Он устроился электриком в трест городских столовых, где работал до самой пенсии. Соседи и коллеги вспоминали Ильина как неопрятного и живущего крайне бедно одинокого человека, питавшегося в рабочей столовой и повсюду ходившего в спецодежде.

Вот так, по-простому, питался подпольный советский миллионер Ильин

Из необычных «излишеств», которые себе позволил скромный электрик, стоит упомянуть лишь немецкий мотоцикл военных лет. Его Ильин купил, чтобы свободно перемещаться по Украине.

Имея удостоверение электрика, он заходил в дома советских граждан под предлогом проверки счетчиков и внимательно осматривал обстановку. Наметанный глаз профессионала сразу узнавал ценные предметы, которые Ильин тут же, как бы между делом, просил продать.

Жил электрик Ильин особняком и никто из коллег по работе и знакомых никогда не бывал у него дома. После выхода на пенсию Александр Борисович внезапно стал популярен среди коллекционеров старины. К нему приезжали за советом или оценкой какой-нибудь вещи из других концов страны, но чаще к Ильину обращались как к умелому реставратору.

Многие вещи из коллекции Ильина существуют в единственном экземпляре и не имеют цены

Александр Борисович умел с минимальными затратами восстанавливать безнадежно испорченные вещи, удивляя самых бывалых антикваров. Говорят, что для восстановления одного древнего кожаного переплета, Ильин подобрал кусок кожи на свалке и все равно справился с поставленной задачей безупречно.

С коллегами и клиентами Ильин встречался на нейтральной территории, поэтому о его богатстве никто даже не подозревал. Коллекционер никогда не был женат и не имел внебрачных детей. Из близких родственников у него были только два племянника, которым не удалось получить наследство своего дяди.

Племянники Ильина сами виноваты в том, что остались ни с чем. В 1993 году, после смерти коллекционера, они попытались продать в букинистическом магазине пару его книг и раритеты узнали несколько местных коллекционеров. Вскоре о том, что из дома покойного электрика являются на свет драгоценные фолианты, знал весь Кировоград.

Статья о коллекции Ильина в «Комсомольской Правде»

В один из дней в дом Ильина пришла милиция, а за ней комиссия из искусствоведов и историков. Увиденное в скромном доме пенсионера И Если ты читаешь эту надпись, значит кто-то взял эту статью с BigPicture.ru льина поразило видавших виды ученых. Дом был просто завален тысячами ценных книг, церковной утварью, картинами и старинной посудой.

Все вещи, которым не было цены, валялись как попало, иногда сложенные грудами, Все вокруг было покрыто слоем многолетней пыли. Коллекцию вывозили грузовыми автомобилями и, казалось, что ей нет конца. О племянниках Ильина, которые были законными наследниками сокровищ, все забыли и никто не собирался им ничего компенсировать. Да и сами они, пораженные шумихой вокруг дядиного дома, тихонько ретировались и затаились.

В этом неказистом доме хранил свою коллекцию Александр Ильин

Сегодня многие коллекционеры уверены, что далеко не все вещи из собрания Ильина оказались в распоряжении государства. Наиболее ценные экспонаты, аналогов которым не имел даже Эрмитаж, навсегда исчезли в квартирах и особняках чиновников и большого милицейского начальства.

Могилу Ильина энтузиасты отыскали только в 2016 году и на ней появился памятник с необычной эпитафией

Сегодня никто не может назвать точной стоимости сокровищ электрика Ильина, так как описи его коллекции не существует. Называют разные цифры, от 40 миллионов долларов, до миллиарда, но правды не знает никто. Это дело даже спустя тридцать лет окружает плотная завеса тайны и множество домыслов и легенд.
Источник: bigpicture.ru
Поделись
с друзьями!
754
14
32
14 дней

Все оттенки синего. Цвет, как символ в искусстве

Всякий цвет хорош, особенно если его использует мастер. И, хотя присутствие в живописи богатой палитры кажется естественным, однако так было далеко не всегда, и в иконографии прекрасный синий занял почетное место относительно недавно. Что ж, рассмотрим всю гамму оттенков синего с точки зрения символики.


А был ли синий?


Возлюбленная большинством эстетов синева неба и воды не всегда была в фаворе: древние греки и римляне ее не особо различали. Так полагали филологи XVIII века, отметив, что синие тона относительно редко встречаются в искусстве античности, а главное — в лексике древнегреческого и латинского языков. Более того, как свидетельствуют источники, у римлян синий ассоциировался с варварскими племенами кельтов и германцев, раскрашивающих тело синей краской для устрашения врага. Вероятно, именно поэтому в Риме синюю одежду не любили, к тому же она символизировала траур.

Римский мозаичист «Подготовка театрального представления, или репетиция сатиры», ок. 62−79, Неаполь, Национальный археологический музей

Фрески Виллы Мистерий, одной из помпейских вилл, наиболее сохранившихся при извержении Везувия в 79 г. Заказчики предпочитали красный, впоследствие получивший название «помпейский»

«И горний ангелов полет…»


Истинные художники обойтись без синего цвета все же не могли: и в раннехристианской мозаике, да и на миниатюрах он использовался достаточно часто, хотя до XII века его еще не воспринимали на равных с красным, белым и черным.

Четыре всадника Апокалипсис из Сен-Севера. 1028 г. Париж, Национальная библиотека.

Преображение. Византийская икона XII века из собрания Государственного Эрмитажа

В XIII веке все изменилось: художники, наконец, научились получать синюю краску из лазурита, кобальта и индиго. Синий вошел в моду, и аристократия уже не могла без него жить. Красильщики с усердием принялись изобретать различные оттенки синего, и он занял почетное место в искусстве Средневековья. Если раньше небеса были черными или белыми, то теперь стали синими, а прежде зеленое море на гравюрах тоже набрало синевы.


Созерцание «божественных» и «царственных» цветов возвышало дух средневекового человека, внушая ему благочестивый строй мыслей. И тут все осознали, что бездонная синева неба — не что иное, как обиталище высших сил, символ иного вечного мира, неразрывно связанный с откровением, Божественной непостижимостью.

Вход Господень в Иерусалим. Сцены из жизни Христа. Фрагмент Джотто ди Бондоне 1306

Постепенно из тусклого и угрюмого, каким синий оставался долгие столетия, цвет на кистях художников начал светлеть и превратился в ясный и жизнерадостный. Росписи во многих храмах, посвященных Богоматери, наполнились небесной синевой. Даже Богоматерь уже изображалась в синих одеждах. И потому, что она вознеслась на небеса, и потому, что синий считался предшественником черного, цвета траура. Голубой соединил в себе и земное, и небесное, воплотил духовную чистоту и целомудрие Божией Матери.

Страшный Суд (триптих) Фра Беато Анджелико 1435, 105×210 см

Алтарь Сан Доменико "Коронование Богоматери" Фра Беато Анджелико 1435, 213×211 см

Роскошь ультрамарина


Натуральный ультрамарин стали использовать в западноевропейской масляной живописи сравнительно поздно, на рубеже XIV—XV вв. Но Мадонна достойна лучшего! И одеяния Богоматери отныне полагалось рисовать, используя только драгоценный ультрамарин. Правда, художники использовали его только в тех картинах, которые выполняли на заказ. Недаром многие картины XV—XVI вв. оплачивались по количеству изображенных фигур, и заранее — отдельно за количество ультрамарина необходимого художнику.

Дрезденский триптих. Святая Екатерина Александрийская (фрагмент) Ян ван Эйк • Живопись, 1437, 27.5×8 см

Благовещение Ян ван Эйк • Живопись, 1436, 90×34 см

Мадонна с младенцем у фонтана Ян ван Эйк • Живопись, 1439, 19×12 см

У Микеланджело, например, есть картина, не законченная потому, что у заказчика не хватило денег на ляпис лазурь для одеяния Богоматери. Выполняя условие контракта, Микеланджело выстроил всю цветовую композицию вокруг пронзительно синей фигуры Богоматери, и когда оказалось, что ее нечем писать — мастер бросил картину.

Синюю краску в основном добывали из индигоносных растений, но она не была стойкой и не давала нужного цвета и оттенка, который так ценился священнослужителями. Наилучший результат давала ляпис лазурь (природный ультрамарин). Лазоревый камень можно было обменять на золото 1:1. После обработки из 100 грамм камня получали лишь 3 грамма красочного пигмента.

Ультрамарин низкого качества использовался и в византийских рукописях уже в VII в., и, конечно, в работах средневековых миниатюристов. Манускрипты XV — начала XVI столетия производили впечатление подлинной драгоценности во многом благодаря пигментам, изготовлявшимся на основе драгоценных и полудрагоценных минералов. Для изображения неба, например, использовалась водяная краска на основе ляпис-лазури.


Времена года. Апрель. Братья Лимбург

В средневековых Франции и Италии употребление синей краски контролировалось государством. В Германии была популярна не такая дорогая «немецкая синяя», изготавливаемая из менее дорогого материала — азурита. Но этот цвет был более холодным. Поэтому во Флоренции в XIV употребление в алтарных образах «немецкой синей» было запрещено. Нужен был только ультрамарин, который не выходил из фавора еще не одно столетие.

Мадонна с поющими ангелами. Сандро Боттичелли 1477, 135 см

Во Флоренции в XIV в. употребление в алтарных образах «немецкой синей» было запрещено.

Драгоценный пигмент любил использовать представитель «золотой плеяды» голландцев — Ян Вермеер (1632−1675). Еще в начале карьеры художник осознал, что, добавляя ультрамарин даже в черный, он может добиться уникальной передачи дневного света на холсте. В этом ему не было равных.

Молочница. Ян Вермеер • Живопись, 1660-е , 45.5×41 см

Дама, стоящая у вирджиналя Ян Вермеер • Живопись, 1670-е , 51.7×45.2 см

Мятежная палитра


Со временем цвет утратил символику, но не утратил своего значения как способ выражения художником и своего внутреннего состояния, а также эмоций своих героев.

Эмоциональную силу всех оттенков синего активно использовал испанский художник XVI века Эль Греко (1541−1614). Художник предпочитал пронзительный голубовато-стальной тон, посредством которого выражал взволнованные чувства героев, создавал атмосферу мистицизма на полотнах.

Вид Толедо Эль Греко (Доменико Теотокопули) • Живопись, 1599, 121.3×108.6 см

Использование экспрессивного свойства синего цвета стало отличительной особенностью палитры голландца Винсента ван Гога (1853—1890). Чувство тревоги и смятения переполняют все его работы, будь то портрет, пейзаж, натюрморт или жанровые сцена. В картине «Звёздная ночь» контрастом желтого и синего, сгущенного до черного, живописец выразил свое душевное смятение, страх, граничащий с криком отчаяния.

Звездная ночь Винсент Ван Гог Июнь 1889, 73.1×92.1 см

Еще один безумный гений был увлечен темно-синими красками — Михаил Врубель. От его погруженного в синь Демона веет одиночеством и безысходностью.

Демон сидящий Михаил Александрович Врубель 1890, 116.5×213.8 см

Голубой одиночества и печали закрепился в истории мировой культуры творчеством Пабло Пикассо в его, так называемом «Голубом периоде» (1901 — 1904). Мастером завладели темы старости и смерти, меланхолии и печали. В полотнах этого периода доминирует пронзительный по своему эмоциональному настрою голубой цвет. Его переполняли горечь потери, чувство вины, ощущение близости смерти. Депрессивные мотивы возникли в его творчестве после самоубийства друга — художника Карлоса Касагемаса. Позже Пикассо говорил: «Я погрузился в синий цвет, когда понял, что Касагемас мертв».

Две сестры Пабло Пикассо • Живопись, 1902, 152×100 см

Меланхоличная женщина Пабло Пикассо • Живопись, 1902, 100×69 см

Вдали от мирской суеты


Определеннно, цвета влияют на наше подсознание. Тёмно-синий может вызывать беспокойство, чувство безысходности и печали. Однако, становясь светлее, — передает покой. Именно за это свойство голубой и полюбили символисты, для которых он ассоциировался с водными гладями и бесконечностью небес, находящимися за пределами мирской суеты. Так на сцене русской художественной жизни начала XX века появилось объединение «Голубая роза». (П. Кузнецов и М. Сарьян, Н. Сапунов и С. Судейкин, П. Уткин и Н. Крымов, А. Фонвизин и др.).

Голубой фонтан Павел Варфоломеевич Кузнецов • Живопись, 1905, 131×127 см

Мираж в степи Павел Варфоломеевич Кузнецов • Живопись, 1912, 103×95 см

Озеро фей Мартирос Сергеевич Сарьян • Графика, 1905, 24.5×24.5 см

Навстречу эпохе Великой Духовности


Еще со времен немецкого романтизма синий считался символом духовных стремлений человека, духа в целом. В преддверии Первой мировой войны Василий Кандинский и Франц Марк с энтузиазмом надеялись на грядущую «эпоху Великой Духовности», которая объединит все виды искусства и культуры. Носителем такого универсального смысла для них стал «Синий всадник», изображенный на обложке альманаха (1911), давшему название группе. Марк разработал собственную теорию цвета, где придавал каждому из основных цветов особый духовный смысл — синий воплощал для него «мужское» и «аскетическое» начало.

Башня синих лошадей Франц Марк • Живопись, 1913, 130×200 см

В поисках идеала


Прекрасный синий не давал покоя художникам ХХ столетия. Найти абсолютный, идеальный цвет, который бы стал воплощением духовности и бесконечности вознамерился художник Ив Кляйн. Как он сам признавался, на поиски его вдохновило небо на картинах Джотто и именно через цвет он и познал нематериальное…

Свои изыскания он начал в конце пятидесятых. В 1957 году в Милане: одиннадцать синих картин одинакового размера. Это был знаменитый «Синий Ива Кляйна» («Международный Синий Цвет Кляйна» — англ. International Klein Blue или IKB), формулу которого художник запатентовал в 1960 году.

То ли античный бог, то ли мессия в божественном сиянии. Портрет коллеги-художника из группы «Новых реалистов», сплошь покрашенный IKB. Ив Кляйн. «Арман» (1962) Центр Помпиду. Париж

Впрочем, «неофициальная» палитра, свободная от патентованных территорий и доступная для использования без оглядки, от этого беднее не стала. Ведь у синего — бесконечное множество оттенков.
Источник: artchive.ru
Поделись
с друзьями!
395
3
4
19 дней

30 невероятных граффити с улиц всего мира

Граффити — искусство с бунтарским оттенком, которое врывается в серую повседневность, напоминая о важном, или вдохновляя видеть красоту во всём. На форуме Reddit есть целое сообщество, где пользователи собирают самые невероятные граффити, найденные на улицах по всему миру. Взглянем на самые яркие и запоминающиеся примеры!


1. Реалистичное граффити от художника Jan Is De Man


2. Граффити с важным смыслом


3. Невероятные детали


4. Спящий котик


5. Граффити наоборот


6. Не верится, что это настоящее граффити. Глазго, Шотландия


7. Трёхмерный эффект


8. Важное граффити от бразильского художника Эдуардо Кобра


9. Уличное искусство в Детройте, США


10. Граффити на острове Аруба


11. Красота!


12. Уличное искусство от художника L7matrix


13. Жутковатый рисунок


14. Некоторые граффити раскрашивают повседневность


15. Стрит-арт в Норвегии


16. Большая змейка на лестнице


17. Большое граффити на фабрике в Хямеэнлинне, Финляндия


18. Художник нарисовал бездомного там, где он часто сидит


19. Берлин, Германия


20. Работа дуэта испанских художников Pichiavo


21. Богомол


22. Граффити о детстве


23. 3D-арт, ломающий мозг


24. Где-то в Чехии


25. Какой масштаб!


26. Лисица и её нарисованная версия


27. Просто спящий Гомер


28. Стрит-арт во Франции


29. Граффити-рентген


30. Стильное граффити от художника Vile из Португалии

Источник: boredpanda.com
Поделись
с друзьями!
985
0
21
24 дня

Яблоки в искусстве: здоровое искушение

Сочный и такой обыденный фрукт, яблоко в изобразительном искусстве — объект парадоксальный. Это таинственный и неоднозначный символ, раскрывающий массу значений и объединяющий множество противоположных смыслов.


Яблоко можно смело назвать «двуликим» и вечным символом. Уже много веков оно олицетворяет как добро, так и зло, проходя и через все нюансы других значений, в зависимости от эпохи и принятого мировоззрения.

Из глубин мифологии


Для раскрытия «секрета» яблока совершим небольшое мифологическое путешествие. В славянских сказках герои часто отправляются на поиски молодильных яблок, чтобы спасти раненого или больного от смерти. Хотя не только у славян яблоки наделены такими свойствами. Яблоко — плод дерева жизни. Под таким деревом решались судьбы людей, под ним собирались боги, здесь искали бессмертия, здоровья и молодости. Конечно же, с яблоком в качестве сочного талисмана. Также яблоко является символом богатства и благополучия.

Богиня Идун Дж Пенроуз • Живопись, 1890

В мифологии скандинавов яблоки были пищей богов, они давали вечную молодость и пристально охранялись богиней-хранительницей Идун. У кельтов яблоко символизировало знание и мудрость, а в Авалоне — стране блаженных — росли яблони, плоды которых даровали счастье и бессмертие.

Геракл дарит яблоки Гесперид Афине. Античная Вазопись • Живопись, XX век

Согласно мифологии древних греков, золотые яблоки вечной молодости росли в прекрасном саду у берегов реки Океан. Охраняли их дракон Ладон и сестры Геспериды. Как известно, яблоки удалось похитить Гераклу, что вошло в мифологию как двенадцатый его подвиг, а в искусство — как один из наиболее популярных сюжетов в античной вазописи.

Сад Гесперид как сюжет интересовал некоторых художников «Нового времени». Наиболее известные работы: «Сад Гесперид» Фредерика Лейтона, «Сад Гесперид» Эдварда Берн-Джонса, триптих «Геспериды» Ханса фон Маре.

Сад Гесперид Сэр Фредерик Лейтон • Живопись, 1891, 169.5×169.5 см

Сад Гесперид Эдвард Коли Бёрн-Джонс • Живопись, 1873, 119×98 см

Часто с яблоком изображены грации — богини красоты и изящества в древнеримской мифологии. Яблоко, соответственно, символизирует здесь молодость, здоровье и красоту. Иногда грации держат шары — символы совершенства, интерпретируемые как золотые яблоки. Примечательно, что яблоко появилось в руках граций в эпоху Возрождения. С таким же смыслом и значением яблоко становится атрибутом Венеры.
Как знак богатства и силы яблоко использовала геральдика.

Три грации Рафаэль Санти • Живопись, 1505, 17×17 см

«Яблоко принесло миру все зло»


В мифологии наряду с символами плодородия, молодости и здоровья яблоко вписывается в образную систему зла. Причиной Троянской войны также было яблоко — яблоко раздора. Золотое яблоко с надписью «прекраснейшей», которое подбросила обиженная богиня Эрида за то, что Пелей и Фетида не пригласили ее на свою свадьбу. Конечно, и Гера, и Афина, и Афродита претендовали на символический приз — каждая считала себя красивейшей. Зевс приказал Парису наградить яблоком прекраснейшую. Афродита подкупила юношу обещанием отдать ему в жены прекрасную Елену. С истории похищения Парисом Елены и началась Троянская война, а яблоко стало символом раздора. Вот так невинный фрукт превратился в источник бед и… прекрасных полотен.
Из цикла греческой мифологии именно суд Париса является наиболее популярным сюжетом. Авторство известнейших работ с одноименным названием принадлежит Питеру Рубенсу, Лукасу Кранаху Старшему, Огюсту Ренуару, Михаилу Врубелю.

Суд Париса Лукас Кранах Старший 1530-е , 36.4×50.8 см

Суд Париса. Пьер Огюст Ренуар 1913, 73×92.5 см


Тема яблока раздора остается интересной и современным живописцам — многие прибегают к мотивам, напоминающим о пасторальном конкурсе красоты Париса. Выше, к примеру, картина Александра Мельникова «Яблоко Раздора». Другие же работы обращают на себя внимание индивидуальным авторским видением яблока, которое «принесло миру все зло»: ох, и недоброе яблочко изображено на картине Размадзе Рамаза!

Яблоко раздора Рамаз Размадзе • Живопись, XX век

Яблоко в религиозной живописи


С появлением христианства рождается образ «яблока грехопадения». Позже он трансформируется в библейский мотив собственно грехопадения и искушения. Кстати, в книге Бытия яблока нет — упоминаются только «плоды». Поэтому в ранней средневековой живописи, где каждый предмет и каждое явление — символ с огромным значением, — яблока на полотнах не найдешь.

А вот на многих иконах и картинах последующих веков Младенец Христос уже держит яблоко, символизирующее его будущую миссию искупителя грехов всего человечества. Яблоко здесь — спасение. Иногда вместо яблочка Младенец держит державу («яблоко Царского чина») — символ власти.

Мадонна с младенцем под яблоней Лукас Кранах Старший 1530-е , 87×59 см

Интересно осмыслен христианский сюжет китайским художником Хэ Ци в работе «Бегство в Египет». Как и в традиционной христианской живописи, Младенец Христос держит яблоко — символ спасения, искупления первородного греха. Вот только техника мастера нетрадиционна.


Мотив грехопадения тонкой нитью вписал Ян ван Эйк в работе «Портрет четы Арнольфини»: найдете яблочки?

Портрет четы Арнольфини Ян ван Эйк 1434, 82×60 см

Яблоко искушения


Яблоко как символ искушения нельзя строго отнести к религиозной живописи, но корни мотива все же библейские. Начиная с периода Возрождения, образы Адама и Евы интересуют живописцев сами по себе, а не только как воплощение первородного греха. Известнейшие произведения принадлежат Лукасу Кранаху Старшему, Питеру Рубенсу, Хендрику Гольциусу, Уильяму Блейку.

Некоторые живописцы заменили в своих работах сад или дерево веткой с яблоком, или на одно яблоко в руке Евы либо Адама.

Адам и Ева Питер Пауль Рубенс 1628, 237×184 см

Приблизительно в XIX веке искусство начинает переосмысливать мотив искушения и отходить от негативного окраса, приправленного грехопадением. Яблоко отдаляется от греха и символизирует высокое чувство — Любовь.
Яблоко здоровья и благополучия

С течением времени, сменой эпох, направлений и стилей художники возвращают яблоку оптимистическое, светлое значение символа любви, жизни, весны и благополучия.

Золотой век Лукас Кранах Старший • Живопись, 1530, 73×105 см

Еще в эпоху Возрождения живописцы начали превращать свои райские сады в яблочные. В работах Сандро Боттичелли «Весна», «Золотой век» Лукаса Кранаха Старшего яблоня — и центр мира, и дерево жизни, и олицетворение молодости.

Весна (Примавера) Сандро Боттичелли • Живопись, 1485, 314×203 см

Очень часто яблоко представлено именно символом молодости, красоты и здоровья. Не зря многие мастера изображают свои модели с яблоками в руках (работы: Рафаэль Санти «Портрет юноши с яблоком», полотна Владимира Боровиковского «Портрет Екатерины Николаевны Арсеньевой», «Портрет Скобеевой», «Девочка с яблоком» Василия Тропинина и множество других работ).

Обратите внимание на цвет такого яблочка — он обязательно нежный, золотистый, так сказать, «с румянцем», который издавна ассоциируется со здоровьем.

Девочка с яблоком Василий Андреевич Тропинин 1800-е , 34.7×27.5 см

Плоды нашего времени


Культура ХХ века вносит свои коррективы в символизм фрукта-героя. Знатный садовод по жизни, Клод Моне рисовал цветущий яблоневый сад — олицетворение полноты и жажды жизни. Около двухсот натюрмортов и масса яблок на столе — таков вклад Сезанна в «яблочную тему». Сказавший как-то «Я удивлю Париж яблоком!», художник обещание сдержал: простой фрукт у него — символ нового видения в искусстве.

Живой натюрморт Сальвадор Дали • Живопись, 1956, 125×160 см

Задачу превращения обычного в необычное решал и Сальвадор Дали. «Предел тупости рисовать яблоко как оно есть. Нарисуй хотя бы червяка, истерзанного любовью, и пляшущую лангусту с кастаньетами, а над яблоком пускай запорхают слоны, и ты сам увидишь, что яблоко здесь лишнее», — заявлял он и рисовал загадочно парящий натюрморт. С помощью красного яблока он «решился и начал постигать пространство-время путём созерцания левитации, которая разрушает энтропию».

Сын человеческий Рене Магритт 1964, 116×89 см

Кстати, в наше время художники не прочь изобразить яблоко ядовито-зеленым, подчеркивая двойственный смысл кисло-сладкого образа. Огромный интерес к яблоку-символу проявлял бельгийский художник-сюрреалист Рене Магритт, наделяя фрукт на первый взгляд традиционными смыслами. Например, яблоко — олицетворение первородного греха и предстоящего в жизни искушения в работе «Сын человеческий».
Источник: artchive.ru
Поделись
с друзьями!
281
2
24 дня
Уважаемый посетитель!

Показ рекламы - единственный способ получения дохода проектом EmoSurf.

Наш сайт не перегружен рекламными блоками (у нас их отрисовывается всего 2 в мобильной версии и 3 в настольной).

Мы очень Вас просим внести наш сайт в белый список вашего блокировщика рекламы, это позволит проекту существовать дальше и дарить вам интересный, познавательный и развлекательный контент!