Филиппинский художник Джордан Манг-Осан (Jordan Mang-Osan) рисует свои картины при помощи лишь холста, лупы и солнечного света. Многие из вас с помощью кисти или ручки такого никогда не добьются.

Филиппинский художник Джордан Манг-Осан (Jordan Mang-Osan) отличается от своих коллег тем, что рисует не карандашами, не кистями или еще чем, а при помощи энергии солнечных лучей.
Джордан Манг-Осан (Jordan Mang-Osan) использует увеличительное стекло, чтобы выжигать на деревянной поверхности свои рисунки.

Художник родом из горной провинции, которая богата этническим наследием. Именно им и вдохновляется Джордан Манг-Осан (Jordan Mang-Osan), выжигая свои изображения. Чаще всего, автор рисует портреты и привычные для данной местности пейзажи с рисовыми террасами.

Творчество филиппинца называют пирографией, а сам художник благодарит детство за подаренный инструмент для рисования.

Натали Пиколет (Nathalie Picoulet) — французская художница создает удивительные реалистичные нежные и чувственные женские портреты в технике пастель.

Натали Пикуле (Nathalie Picoulet) родилась в 1968 г., в г. Амьен, на севере Франции. Училась в университете изобразительного искусства, после окончания которого получила диплом о высшем образовании в области живописи.

Также Натали Пикуле изучала рисование в Высшей художественной школе в своем родном г. Амьен. С 1993 г. Nathalie Picoulet начала работать в жанре портретная живопись. Не так давно Натали Пиколе посвятила большую часть своих работ изображению обнажённой женской натуры (ню), и увлеклась технике рисования пастелью.

Натали участвовала в ряде выставок в Дьеппе, Амьене, Орлеане, Роскоффе и Париже, где она жила и работала в течение последних нескольких лет.

Таких удивительных портретов вы еще не видели!

Нью-йоркский художник Майкл Мэйпс (Michael Mapes) создает деконструированные портреты, которые являются частично коллажем, частично скульптурой и полностью креативными. Он использует фотографии и обрывки повседневных предметов, таких как стеклянные флаконы, булавки от насекомых и высушенные зерна, для создания сложных произведений искусства.

Его тщательно проработанные портреты позволяют заглянуть в душу художника – нет двух одинаковых, поскольку Мэйпс привносит что-то особенное в каждую свою работу.

В апреле прошлого года свой 90-летний юбилей отметил самый известный из ныне живущих художников Латинской Америки — колумбиец Фернандо Ботеро. В этом году «отцу» узнаваемых во всём мире толстяков исполнился 91, но, несмотря на почтенный возраст и прочное финансовое положение, он до сих пор работает, причём — стоя. Вот несколько фактов о человеке, которого называют «главным ориентиром колумбийского и латиноамериканского искусства».

Фернандо Ботеро родился в Медельине 19 апреля 1932 года и в детстве мечтал стать тореадором. Когда мальчику было всего 4 года, его отец скончался от сердечного приступа. Мать-швея осталась одна с тремя сыновьями на руках. Семье помогал дядя Фернандо, но средств всё равно категорически не хватало. К тому же дети воспитывались в строгих католических традициях, и Ботеро был лишён возможности посещать музеи или познакомиться с современным искусством. Зато мальчик часто бывал в костёлах, где видел работы средневековых мастеров.

В 12-летнем возрасте он несколько месяцев посещал школу матадоров, но спустя три года решил податься в художники, чем шокировал свою консервативную семью. Тем не менее, страсть к корриде у него осталась и вылилась в серию картин.

Ботеро устроился работать иллюстратором в газету «Эль Колумбиано» и решил всё же завершить среднее образование. И рисовал... Правда, своим творчеством он настроил против себя консервативные круги – из школы его исключили. Образование он вынужден был завершать в лицее Университета Антиокии и потратил на это всё заработанное. В ту пору Фернандо заинтересовался творчеством Пикассо, и мотивы великого мастера, несомненно, присутствуют в его картинах.

Карьера Ботеро пошла в гору 1958 году, когда он получил главный приз на Salón nacional de artistas в Боготе. С тех пор один из самых востребованных современных художников, пожалуй, единственный в мире, чьи работы можно было увидеть на известных проспектах и площадях мира. Среди них Елисейские поля в Париже, Гранд-авеню в Нью-Йорке, Рамбла дель Раваль в Барселоне, Торговая площадь в Лиссабоне, площадь Синьории во Флоренции и многие другие.

Свой оригинальный стиль Ботеро «нашёл» во второй половине 1950-х годов, когда во время написания «Натюрморта с мандолиной» инструмент вдруг приобрёл гротескные размеры. До этого художник изображал в основном мужчин и лошадей. Его картины были стилистически настолько разнообразны, что зрители могли принять их за работы разных художников. Нынешний же стиль Ботеро не меняется годами: невозможно сказать, была работа выполнена недавно или лет 20 назад.

Ботеро настаивает, что его персонажи не жирные, а «объёмные». «Я не рисую полных женщин. Никто не верит мне, но это правда. То, что я рисую — объёмно. Когда я пишу натюрморт, я также делаю его объёмным. То же самое касается животных и пейзажей, — сказал он. — Кого бы я ни писал — женщину, мужчину, собаку или лошадь, — я всегда делаю это с идеей объёма, а не потому что одержим толстяками».

По словам Ботеро, все его три жены были худыми. Нынешняя супруга, скульптор из Греции София Вари, по его утверждению, весит всего 55 килограммов. От предыдущих жён у художника четверо детей: трое от бывшего министра культуры Колумбии Глории Сеа и сын от второй, Сесилии Самбрано.

Самым важным элементом в своей студии Ботеро считает свет, который непременно должен падать с севера. Художник также использует в живописи все традиционные материалы — масло, акварель, пастель и так далее, за исключением акрила. «Мысль о том, что это — пластик, меня не привлекает», — пояснил он.

Фернандо Ботеро коллекционировал работы своих коллег, однако позже передал всё собрание в дар Колумбии, и оно стало основой для музея его имени в Боготе. После этого художник перестал покупать произведения искусства. Кроме того, Ботеро пожертвовал государственным учреждениям более 400 собственных картин. Впервые это произошло в 1978 году, когда Музей Антиохии в Медельине выразил желание приобрести одну из его работ.

Единственное произведение, которым Фернандо Ботеро, по его словам, хотел бы владеть, это «Крещение Христа» Пьеро делла Франческа. Картина находится в коллекции Национальной галереи в Лондоне. На вопрос, на что бы художник пошёл, чтобы получить это полотно, он ответил коротко: «Украл бы».

Наибольшее впечатление на Ботеро во время путешествия в Испанию произвели картины Веласкеса и Гойи. Он также сделал несколько пародий на известные полотна европейских художников: Леонардо да Винчи, Ван Гога, Рафаэля, Жана Огюста Доминика Энгра и других.

При этом Ботеро в своём творчестве обращается и к тёмным сторонам жизни. Например, к теме войны наркокланов на своей родине и издевательствам над заключёнными в тюрьме Абу-Грейб в Ираке.

По мировой популярности Фернандо Ботеро соперничает со своим соотечественником — писателем Габриэлем Гарсия Маркесом. Он один из самых богатых художников мира. Считается одним из немногих живописцев, кто ещё при жизни смог извлечь выгоду из своего огромного успеха в искусстве. Владеет домами в Монако, Италии, Греции, Колумбии и Франции, где ныне живёт.

Настенная роспись давно уже не вызывает ни у кого удивления. А вот изображения на асфальте, да еще и огромные — это диковинка. Австралиец Китт Беннет (Kitt Bennet) расписывает тротуары, шоссе, причалы и парковки, создавая гигантские фрески. Оценить их можно только с высоты птичьего полета, ведь некоторые работы занимают сотни квадратных метров.

Китт Беннет создает самые разные изображения, но чаще всего это люди или скелеты, распростершиеся на земле. Они словно гиганты, упавшие с неба на улицы Мельбурна, и застывшие в разных позах. Очевидно, что работа над такими горизонтальными фресками — очень трудоемкий и длительный процесс. Художник использует большие ведра краски и валики, а также мел для создания черновых контуров. Помогает ему в работе квадрокоптер, обеспечивающий обзор «холста».

Чтобы изображения выглядели реалистичнее, Беннет играет с тенями и бликами, создавая иллюзию объема. От картин австралийца захватывает дух, жаль, что, стоя на земле, увидеть их во всей красе не получится. Вы можете неделями топтать очередной шедевр Китта, но так и не поймете красоту его работы. Но стоит подняться на высоту 100-200 метров и увиденное точно запомнится надолго.

Картины уличного художника-фрилансера могут показаться старшему поколению странными. Но юные австралийцы всегда восхищаются ими, так как Беннет чувствует ритм улиц. В его работах часто встречаются предметы современной молодежной культуры: велосипеды, ролики, скейтборды, кроссовки Converse.

Современное искусство отражает мир под множеством углов, у кого-то вызывая восхищение, а у кого-то недоумение. К категории современного искусства относят произведения, созданные в конце 20-го и в 21-м веке. Со временем те, кого мы называем современными художниками сегодня, оставят после себя прочное наследие, на которое мир искусства будет опираться.

Лю Сяодун (Liu Xiaodong) родился в 1963 в Китае. Он один из самых известных современных художников Китая. Покинул Цзиньчэн, чтобы заняться искусством в Пекине. Лю поступил в Центральную академию изящных искусств, где получил степень бакалавра, затем и магистра. Он до сих пор живёт в Пекине и в настоящее время является профессором.

Сяодун — фигуратор, пишущий на темы простых людей, работников секс-бизнеса и бездомных. Его современная живопись черпает вдохновение в своём окружении, но его работы часто изображают социальные проблемы, которые он подчеркивает в своих произведениях в таких местах, как Израиль-Палестина, Тибет и сельский Китай. Лю Сяодун создает чрезвычайно реалистичные работы, используя цвета для усиления эмоций.

Художник выставлялся на международном уровне и представлен рядом галерей.

29. ТАКАШИ МУРАКАМИ

Такаши Мураками (Takashi Murakami) родился в 1962 г. в Токио, Япония. Он был отмечен и, одновременно, раскритикован за его культурно насыщенный стиль современного искусства. Его критики утверждают, что он «распродает» искусство, применяя коммерческий подход к искусству и создавая стиль псевдо-японской поп-культуры.

Отталкиваясь от обзоров, Такаши Мураками становится знаковым вкладчиком в современное искусство с его придуманным стилем под названием «superflat», который является теорией, основанной на плоских, 2-D образах японского стиля манги и аниме. В 2002 году Такаши Мураками получил приглашение от Марка Джейкобса, дизайнера Louis Vuitton, для сотрудничества в 13-летнем проекте по воплощению стиля Мураками в фирменный бренд LV.

Мураками имеет обширную коллекцию современной живописи со средними ценами в 1,8 миллиона долларов за работу. Его рекордная картина продана на аукционе за 4,2 миллиона долларов, называется «Замок олова» (1998). Хотя искусство Такеши высоко ценится, среди его картин можно найти работы начального уровня, стоимостью в 30 000 долларов.

28. СЕСИЛИ БРАУН

Сесили Браун (Cecily Brown), родившаяся в 1969 г. в Лондоне — британский художник. Она создает яркие, атмосферные изображения и сравнивается с Виллемом де Кунингом и Фрэнсисом Бэконом. Работы Сесили Браун часто наполнены эротическими позициями и фрагментированными телами. Критики смешаны во мнениях о ее работе, но она, безусловно, присутствует на арт-рынке. Аукционный рекорд в 2,2 миллиона долларов.

27. JR

JR родился в 1983 г. во Франции. JR art — это мятежная фотография с неподтвержденной личностью, который постоянно рискует, чтобы поделиться своими фотографиями. Художник признан за свои потрясающие портреты и уличное искусство.

В 2011 году JR получил премию Теда (награда для творческих и смелых, желающих изменить мир) и основал проект Inside Out. Премия присудила ему 100 000 долларов США в поддержку его проекта, и JR продал еще 6 фотографий за 850 000 долларов США, чтобы выделить больше средств для помощи начинающим местным художникам. JR продолжает вдохновлять и превосходить всех в своей области. У него невероятный уровень продаж, почти 80%, что приносит ему около 600 000 долларов в год.

26. АНИШ КАПУР

Аниш Капур (Anish Kapoor) родился в 1955 г., в Бомбее, Индия. Он популярный современный британо-индийский художник, известный своими абстрактными скульптурами и картинами, которые не один раз приносили ему престижные награды. Капур был удостоен премии Тернера (1991), он получил звание кавалера Ордена Британской империи (2003) и рыцаря (2013) за его вклад в изобразительное искусство. В дополнение к известным общественным скульптурам, Аниша Капура также создал множество экзотических пластин.

Творения Аниша Капура бросают вызов границам пространства и доводят ограничения архитектуры до невообразимых крайностей. Цена работ Аниша Капура колеблется от нескольких тысяч долларов до миллионов. Многие из скульптур Аниша Капура "Без названия" были проданы на аукционе в среднем за 1,4 миллиона долларов.

В целом, чистая стоимость работ Капура оценивается в 180 миллионов долларов, что поместило его на 832-е место из 1000 самых богатых художников 2016 года.

25. МИКЕЛЬ БАРСЕЛО

Микель Барсело (Miquel Barcelo) родился в 1957 г. в Испании. Он художник с экспериментальным подходом к живописи. Независимо от того, что он использует в текущей картине — отбеливатель, органические вещества или даже живых насекомых, творчество Микеля Барсело - исследование поведения света и естественного ландшафта.

«Мне нравится изобретать новые методы, я думаю, что это часть моей работы, изобретать технику — подходящую для всего. Я родился в Испании, учился в Школе декоративных искусств в Пальма-де-Майорке и в Школе изящных искусств в Барселоне».

Работы Микеля Барсело охватывают широкий спектр, включая картины, керамику и инсталляции. В 2011 году художник выставил свою скульптуру «Большой слон» (2008) на нью-йоркской Юнион-сквер.

В настоящее время живет и работает между Парижем, Франция, и Майоркой, работы художника хранятся в частных коллекциях всего мира.

24. НДЖИДЕКА АКУНИЛИ КРОСБИ

Нджидека Акунили Кросби (Njideka Akunyili Crosby) родилась в Нигерии, училась в колледже Свартмор в США, где изучала биологию и студийное искусство, после окончания Йельского университета получила степень магистра.

Акунили Кросби исследует культурную гибридность через множество отсылок к творчеству различных художников. Нджидека создает современные картины о себе, своей семье и друзьях.

23. ЛО ЧЖУНЛИ

Ло Чжунли (Luo Zhongli) — художник, известный своими портретами рабочих из сельских районов своей страны.
Родился в 1948 году, Китае, учился в Сычуаньском институте изобразительных искусств. Затем отправился в Бельгию, где получил степень магистра в Королевской академии изящных искусств в Антверпене. Его работы были выставлены в городах по всему миру. В настоящее время художник живет в Китае. Его картины хранятся в коллекциях Национального художественного музея Китая в Пекине, Шанхайского художественного музея и Сингапурского художественного музея.

Его знаменитая работа — «Отец» (1980) — портрет морщинистого пожилого мужчины.

22. ЛЮ ВЭЙ

Лю Вэй (Liu Wei) родился в 1965 г. в Китае. В настоящее время живет и работает в Пекине, Китай. Художник исследует социально-политические тенденции 21-го века, такие как противоречия современного общества, трансформацию развивающихся городов и изменение городского ландшафта.

Лю Вэй использует использует в своих произведениях архитектурные формы, отображая городскую атмосферу. Художник окончил Национальную академию изящных искусств, Ханчжоу, Китай в 1996 году.

21. ШОН СКАЛЛИ

Шон Скалли (Sean Scully) — американский художник. Родился 30 июня 1945 года в Ирландии. Он уехал в Лондон, чтобы изучать искусство в Центральной школе искусств и Кройдонском колледже искусств. В 1972 году получил степень бакалавра в Университете Ньюкасла.

Он известен всему миру своими абстрактными картинами, состоящими из множества слоев и чередующихся цветных квадратов или полос. Работы Шона связаны с конкретными воспоминаниями о местах и событиях.

«Из моей студии, к югу от Мюнхена, я часто езжу на машине в Венецию. И по дороге собираю впечатления от этих поездок, которые потом оформляю в студии. Я часто рисую воспоминания о Венеции в своих произведениях.

Скалли уехал в Соединенные Штаты в 1975 году. Он живет и работает между Нью-Йорком, Барселоной и Мюнхеном. Его работы хранятся в коллекциях галереи Тейт в Лондоне, Музея современного искусства в Нью-Йорке, Национального музея королевы Софии в Мадриде и Центра искусств Уокера в Миннеаполисе.

20. ДЖОРДЖ КОНДО

Джордж Кондо (George Condo) родился в 1957 году. Работа Джорджа Кондо наполнена персонажами. У его персонажей выпученные глаза, выпуклые щеки. Опираясь на самых разнообразных мастеров современной живописи — таких как Пабло Пикассо, Диего Веласкес, Анри Матисс и Сай Твомбли — Кондо впитывает художественно-исторические источники. Джордж Кондо создает изобразительный язык. Некоторые говорят, что язык характерен для него, другие не согласны.

Джордж Кондо называет свой сюрреалистический стиль «психологическим кубизмом».

Он эксплуатирует человеческие недостатки или невидимые аспекты человеческого существа. В абстрактных работах Джорджа Кондо, таких как «Внутреннее пространство» (2005), исследуются самые далекие крайности человеческой психики.

19. ЧЖОУ ЧУНЯ

Чжоу Чуня (Zhou Chunya) родился в 1955 году в Чунцине, Китай. В 1982 году поступил в Сычуаньскую Академию изящных искусств, затем учился в МИД Кассельской Академии изящных искусств в Германии.

"За границей я принял западные методы современной живописи и был вдохновлен немецким экспрессионизмом."
Он использует его вместе с традиционными китайскими техниками каллиграфии. Чжоу Чуня — художник, известный своей серией картин «Зеленая собака», где он изображает ярко-зеленую немецкую овчарку в различных позах и условиях. Его серия пейзажей №5 выглядит почти абстрактно. Мазки напоминают древние китайские пейзажи.

Сегодня работы Чжоу Чуни можно найти в коллекциях All Show Art Center и Центра современного искусства Tang в Пекине. В настоящее время Чжоу Чуня живет и работает в Чэнду, Китай.

18. ЧЖАН СЯОГАН

Чжан Сяоган (Zhang Xiaogang) родился в 1958 году в Куньмине, Китай. Поступил в сычуаньскую Академию Изящных Искусств в Чунцине.

Временами он был вынужден работать на стройке и на других работах, вместо того чтобы изучать живопись, как намеревался. Поэтому Чжан впал в глубокую депрессию, подпитываемую алкоголизмом, что, в конечном итоге, привело к его госпитализации в 1984 году. Сейчас он живет и работает в Пекине. Чжан Сяоган — выдающийся представитель современного китайского Авангарда. Его сюрреалистические портреты выполнены в гладкой масляной технике.

Работы поддерживают формальную и жестко поставленную эстетику. Чжан сосредоточен на последствиях культурной революции, значении семьи, истории и традициях Китая. Сяоган был вдохновлен на создание своей серии «Bloodlines», когда обнаружил старый альбом своей семьи. Серия «Bloodlines» — это работа, которая принесла ему много наград.

Чжан был выставлен в галерее Pace в Нью-Йорке, Венецианской биеннале 1995 года и художественном музее Тэгу.

17. АЛЬБЕРТ ОЛЕН

Альберт Элен (Albert Oehlen) родился 17 сентября 1954 года в Крефельде, Германия. Поступил в Колледж изящных искусств, где в 1978 году получил высшее образование. Свою первую персональную выставку он провёл в 1981 году в «Galerie Max Hetzler» в Берлине. С 2000 по 2009 год Альберт Элен работал профессором в «Kunstakademie Dusseldorf».

Альберт Элен — влиятельный современный художник. Он работает в различных техниках и стилях. Его интерес — исследование среды как жанра. Альберт прошел путь от абстракции до реализма, часто создавая пародии или имитации традиционных моделей живописи. Серия «Bad Paintings», замечательная работа включает в себя портрет Адольфа Гитлера 1986 года. «Albert Oehlen Computer Paintings» занимается исследованием абстрактных образов, полученных с ноутбука. Он живет и работает в Бюлене, Швейцария.

Работы Элен находятся в коллекциях Музея современного искусства в Нью-Йорке, Музея современного искусства в Страсбурге и Музея искусств Кливленда.

16. МАРК БРЭДФОРД

Марк Брэдфорд (Mark Bradford) родился в Лос-Анджелесе в 1961 году. В 1997 году поступил в Калифорнийский институт искусств, после окончании которого получил степень магистра.

Его работа показывает злодеяния и борьбу рас и бедности. Марк Брэдфорд — современный афро-американский художник. Он работает в широком диапазоне концептуальных практик. Марк Брэдфорд создает мультимедийные абстрактные картины. Художник изображает раскопки эмоциональной и политической местности. «Я сосредотачиваюсь на деталях, которые указывают на большую вещь». В 2017 году Марк Брэдфорд представлял павильон Соединенных Штатов на Венецианской биеннале со своей работой «Завтра другой день»». Он живет и работает в Лос-Анджелесе, штат Калифорния.

Сегодня работы художника хранятся в музее Хиршхорна и в Саду скульптур в Вашингтоне, округ Колумбия, в Музее современного искусства в Нью-Йорке, в галерее Тейт в Лондоне и в Центре искусств Уокера в Миннеаполисе.

15. ДЖОН КЕРРИН

Джон Керрин (John Currin) родился в 1962 году в Боулдере, Колорадо. Вырос и учился в Коннектикуте. Получив степень бакалавра искусств в Университете Карнеги-Меллона в 1984 году, Джон Керрин отправился учиться в Йельскую школу искусств. Он принимал участие в выставках в штаб-квартире «Sadie Coles» в Лондоне и в галерее «Gagosian» в Нью-Йорке. Джон Керрин живет и работает в Нью-Йорке, штат Нью-Йорк. Его жена иногда служит моделью для его картин.

Джон Керрин считается одним из самых влиятельных художников, работающих сегодня. Он сочетает в себе приемы художников Северного Возрождения. «У меня сатирическое отношение к своему предмету». Художник создает произведения с богатой историей искусства и китчем, как это видно из его картины «День благодарения» 2003 года.

Сегодня работы художника хранятся в коллекциях галереи Тейт в Лондоне, Музея современного искусства в Нью-Йорке и Центра искусств Уокера в Миннеаполисе.

14. ДЖЕФФ КУНС

Джеффа Кунс (Jeff Koons) родился в 1955 г. в США. Его работы стали заметны в начале 1980-х годов. Он известен своими очень популярными скульптурами, изображающими животных и и других существ. Джефф Кунс освещает художественные сцены своими умными творениями, используя нержавеющую сталь, отполированную до зеркального блеска. Скульптуры Джеффа Кунса называют тревожными, ошеломляющими и сложными, но всегда внушающими иллюзию безупречного совершенства.

«Balloon Dog» (Orange) Джеффа Кунса (Orange), оцененный от 35 до 55 миллионов долларов, был продан участнику тендера по телефону за неожиданные 58 миллионов долларов в 2013 году. Это стало одним из самых продаваемых произведений живого художника. Джефф Кунс также сотрудничал с «Louis Vuitton», в результате цены на аксессуары, созданные при его помощи, варьируются от 585 долларов за брелок до 4000 долларов за сумочку. Оценка Джеффа Кунса была определена рейтингом «Wealth X» в 2008 году в более чем 100 миллионов долларов.

13. ТОМАС ШЮТТЕ

Томас Шютте (Thomas Schutte) родился 16 ноября 1954 года в Ольденбурге, Германия. Учился в Кунстакадеме в Дюссельдорфе у Бенджамина Бухло и Герхарда Рихтера. Художник живет и работает в Дюссельдорфе, Германия.

С 1998 по 2000 год Томас Шютте работал в Центре искусств Диа в Нью-Йорке. Он работает в различных техниках, печатью, акварелью и инсталляцией. Скульптуры Томаса Шютте варьируются от миниатюр до масштабных работ. Работы часто вызывают у публики беспокойство или дискомфорт. Его проект «Schutte» возглавил серию архитектурных проэктов, среди которых модель для отеля (2003), которая заняла четвертый постамент на Трафальгарской площади Лондона в 2007 году. Среди его наград - Золотой лев на Венецианской биеннале 2005 года и Дюссельдорфская премия 2010 года.

Работы художника хранятся в коллекциях «Tate Modern» в Лондоне, Музее современного искусства в Нью-Йорке и Институте искусств Чикаго.

12. ЦЗЭН ФАНЖИ

Цзэн Фанжи (Zeng Fanzhi) родился в 1964 году в Ухане, Китай. Пошел учиться в Академию художеств Хубэй.

У него появился интерес к живописи немецких экспрессионистов. Пережив культурную революцию, Цзэн Фанжи часто фокусируется на этом опыте в своей работе. Цзэн живет и работает в Пекине, Китай. Современный художник критически исследует меняющееся лицо современной китайской культуры. Его знаковая картина Тяньаньмэнь (2004) является тому доказательством.

Цзэн Фаньжи был предметом большой ретроспективы в Музее современного искусства в Париже в 2013-2014 годах. В 2009 году он представлял Китай на Венецианской биеннале 2009 года. Художник изображает человеческие лица с яркой и живой кистью. Иногда его работы граничат с абстракцией. Цзэн Фанчжи будет часто изображать своих персонажей, увиденными сквозь густые заросли ветвей, толпящихся и затемняющих полотно хаотичным и стилизованным вуалью.

Его картина «Серия масок» 1996 № 6 (1996) побила рекорды аукциона в 2008 году и стала самой кассовой работой современного азиатского художника.

11. КРИСТОФЕР ВУЛ

Кристофер Вул (Christopher Wool) родился 16 сентября 1955 года в Бостоне, штат Массачусетс. Поступил в колледж Сары Лоуренс и учился в Нью-Йоркской студийной школе.

Кристофер ввёл граффити в свою работу. Так же Вул подключил к своему творчеству шелкографию и малярные валики. Его работы были выставлены во многих галереях по всему миру, в том числе в Музее современного искусства в Лос-Анджелесе, в музее «Gesellschaft fur Moderne Kunst am Ludwig» в Кельне и в музее Гуггенхайма в Нью-Йорке.

Кристофер Вул в настоящее время живет и работает между Марфой, штат Техас, и Нью-Йорком, со своей женой художницей Шарлин фон Хейл. Художник создает контраст в своих работах с помощью жирных трафаретных текстов или абстрактных мазков и белого фона.

10. ДЭМИЕН ХЕРСТ

Дэмиен Херст (Damien Hirst) родился в 1965 г. в Великобритании. Играет заметную роль на сцене современного искусства с 1990-х годов. Картины и скульптуры Дэмиена Херста известны как неясные интерпретации реальности с одержимостью смертью.

В 2008 году Дэмиен Херст сделал один из самых знаковых шагов для сольного художника, создав целую галерею для «Beautiful Inside My Head Forever». В конце своего шоу на Sotheby’s Дэмиен Херст выставил на аукцион ряд картин на 198 миллионов долларов, став одним из самых богатых художников современности. В целом, Дэмиен Херст занял 422-е место в списке 1000 самых богатых людей в 2016 году благодаря капиталу в 362 миллиона долларов.

Несмотря на заявление Дэмиена Херста о славе и непомерных ценах, ему несколько раз предъявляли иск за плагиат. Тем не менее, эти судебные процессы не помешали Херсту продолжать расширять свои доходы от современного искусства до колоссальных размеров.

9. АНСЕЛЬМ КИФЕР

Ансельм Кифер (Anselm Kiefer) — немецкий художник и скульптор. Родился в 1945 г. в Германии. Учился на протяжении всех 1970-х годов.

Его работы включают в себя микс-медиа. Ансельм Кифер разработал темы для своих картин на основе немецкой истории и ужасов Холокоста, а также духовных концепций каббалы. Ансельм спорит с прошлым и рассматривает спорные вопросы истории, например, период нацистского правления. Его работы отражают готовность противостоять темному прошлому его культуры и ее нереализованному потенциалу. Работы художника имеют подписи и / или имена людей, имующих историческое значение, легендарных деятелей или исторических мест. Ансельм Кифер стремится показать прошлое, будучи связанным с движениями Нового Символизма и Неоэкспрессионизма.

8. АЙ ВЭЙВЭЙ

Ай Вэйвэй (Ai Weiwei) родился в 1957 г. в Китае. Известен своими мощными современными картинами, которые отражают человеческую борьбу как в политическом, так и в культурном плане. Ай Вэйвэй был признан на международном уровне как политический активист и открыто относится к правительству Китая.

В 2017 году Ай Вэйвэй воссоздал популярный образ утопающего сирийского беженца. Это побудило некоторых считать Ай Вейвея сторонником бесчеловечности, в то время как другие утверждают, что он постыдно извлекает выгоду из человеческих страданий. Хотя Ай Вэйвэй подвергается жесткой критике, он продолжает очаровывать мир своими невероятными, культурно-жестокими работами. Две из его наиболее известных скульптур — это «Круг животных», «Зодиакальные головы», проданные с коллекцией золота на аукционах за 4,4 миллиона долларов и бронзовой коллекцией за 5,4 миллиона долларов. Другие произведения современного дизайна, созданные Ай Вейвеем, включают вазу «Coca-Cola» (665 000 долларов на аукционе), велосипеды «Forever» (730 000 долларов на аукционе) и цветные вазы (735 296 долларов на аукционе).

7. ЁШИТОМО НАР

Он известен своими картинами детей и животных. Его картины кажутся одновременно милыми и зловещими, как видно из работы «Не беспокоить!» 1996года. Ёшитомо Нар находился под влиянием массовой культуры как в восточного, так и в западного обществ. Его разностороннее искусство освещает темы изоляции, протеста и духовности с помощью гравюр, живописи, скульптуры, керамики и всевозможных инсталляций.

Некоторые люди неверно истолковывают произведения Ёшитомо Нар как мангу, ссылаясь на образы, которые обычно присутствуют на его картинах. Ёшитомо Нар говорит, что не многие люди видят духовную сторону его работы. Он заявляет, что его творчество наполнено религиозными и философскими категориями.

Работы художника хранятся в коллекциях Чикагского художественного института, Национального музея искусств в Осаке и коллекции семьи Рубелл в Майами.

6. РИЧАРД ПРИНС

Ричард Принс (Richard Prince) родился 6 августа 1949 года в зоне Панамского канала. Переехал в Нью-Йорк в 1973 году. В настоящее время Принс живет и работает в северной части штата Нью-Йорк.

Ричард Принс известен необычным использованием художественных образов. Художник черпает идеи из рекламы, развлечений и контента социальных сетей. Он исследует идеи подлинности и уникальности. Спорная практика Ричарда Принса вызывает дискуссии об авторском праве, интеллектуальной собственности и воровстве в мире искусства.

На Принса оказал влияние Виллем де Кунинг в его технике живописи. Он фотографировал рекламные страницы, выявлял типологии и повторяющиеся архетипы. Его серия «Ковбои» (1980–1992, продолжается) была снята с рекламы сигарет Marlboro. В 2014 году художник вновь доказал свою способность вызывать споры. Серия «Новые портреты» Ричарда Принса состояла из взорванных скриншотов, сделанных из селфи, опубликованных юношами и девушками в социальных сетях.

Его работы хранятся в коллекциях Музея современного искусства в Нью-Йорке, Чикагского художественного института, коллекции Гетца в Мюнхене и Музея Виктории и Альберта в Лондоне.

5. ГЕОРГЕ ВИРТОСУ

Георгий Виртосу (Gheorghe Virtosu) родился в 1968 году в Кишиневе, Молдова. Он считается одним из самых влиятельных современных художников. Учился в Санкт-Петербургской Академии художеств, однако бросил ее для учебы в Академии государственной безопасности. Оставив военную карьеру в 1992 году, он отправился в Лондон, где получил британское гражданство.

Особый интерес Георгий проявляет к абстрактной живописи и письму. В настоящее время Виртосу живет и работает в Лондоне, Амстердаме, Люксембурге.

Художник пишет, ориентируясь на свой опыт и знания, переводя социальные явления и персонажей в абстрактные.

Он разработал свой собственный стиль, и доказательством тому является серия иконописи «Пророки Мухаммеда» (2016). Художник был центром большой ретроспективы в Музее современного искусства в Париже в 2016-2017 годах. В 2017 году он представлял Великобританию на Венецианской биеннале. Художник освоил абстракцию, однако не отрицает реализм в своей живописи.

Его картина Фатима Бинт Мухаммед (2016) побила рекорды в 2017 году и стала самой кассовой работой современного британского художника. Картины Виртосу продаются в 39 странах, и есть в частных коллекциях Дмитрия Рыболовлева и Салмана бин Абдулазиза.

4. ПИТЕР ДОИГ

Питер Доиг (Peter Doig) родился 17 апреля 1959 года в Эдинбурге, Великобритания. Переехал в Лондон в 1979 году, чтобы учиться в Уимблдонской школе искусств. Вскоре Питер получил степень магистра в колледже искусств и дизайна в Челси. С 2002 года Доиг живет в Тринидаде.

Сегодня его работы хранятся в коллекциях Чикагского института искусств, Национальной галереи искусств в Вашингтоне, округ Колумбия, в галерее Тейт в Лондоне и в коллекции Гетца в Мюнхене.

Питер Доиг известен как один из самых представительных художников на сегодняшний день. Его творчество знаменито живописными абстракциями с характерными композициями. Работы Питера Доига очень разные, это и небольшие этюды и крупные, универсально значимые картины.

3. РУДОЛЬФ СТИНГЕЛЬ

Рудольф Стингель (Rudolf Stingel) родился в 1956 году в Мерано, Италия. В настоящее время Стингель живет и работает в Нью-Йорке.

Он известен с конца 1980-х годов благодаря своей серебряной живописи, в которой смешивает серебро с различными основными цветами. В 1990 году Рудольф Стингель начал художественные эксперименты между живописью и ощущением пространства. Он создал серию инсталляций, которые покрывали стены и полы художественными коврами.

Рудольф Стингель использует в своём творчестве такие материалы, как резина, текстиль, окрашенный алюминий и краски. Художник подвергает сомнению и разрушает понимание зрителем традиционного художественного произведения. В своих работах он часто размышляют над фундаментальными вопросами относительно живописи: таких, как роль подлинности и контекста в современном искусстве.

Рудольф Стингель принимал участие в Венецианских биеннале в 1999, 2003 и 2013 годах и был предметом ретроспективы в середине карьеры в Музее современного искусства.

2. МАРК ГРОТЯН

Марк Гротян (Mark Grotjahn) — американский художник. Родился в 1968 году в Пасадене, штат Калифорния, затем поступил в Колорадский университет в Боулдере, а затем получил степень магистра искусств в Калифорнийском университете в Беркли.

Художник известен своими абстрактными картинами. Творчество Марка Гротяна отображает исчезающую точку зрения. Он использует её как катализатор для создания выразительных и ярких картин. Марк также известен своими скульптурами в маске. Он работает с бронзовыми листами и картонными коробками. В 2008 году у него была единственная выставка «Танцующие черные бабочки» в Гагосянской галерее в Нью-Йорке. Гротян живет и работает в Лос-Анджелесе, штат Калифорния.

Его работы хранятся в коллекциях Музея Молота в Лос-Анджелесе, Музея современного искусства в Нью-Йорке, Музея Стеделийк в Амстердаме.

1. ФРЭНК СТЕЛЛА

Фрэнк Стелла (Frank Stella) родился 12 мая 1936 года в Малдене, штат Массачусетс. Стелла поступил в Принстонский университет, а в 1958 году переехал в Нью-Йорк. Он находился под влиянием абстрактного экспрессионизма. Черную живопись Стеллы вдохновило творчество Джаспера Джонса 1958-1960 годов.

Художник известен своими геометрическими узорами и формами при создании картин и скульптур. Работы Фрэнка изображают типичные свойства формы, цвета и композиции. Абстракция не должна быть ограничена видом прямолинейной геометрии или даже простой геометрией кривой. В них может быть геометрия, которая оказала бы повествовательное влияние, как работы Виртосу, рассказывающие историю с формами. Художник утверждает, что это не будет буквальная история, но формы и взаимодействие форм и цветов дадут вам ощущение повествования.

В течение следующих десятилетий Фрэнк Стелла завоевал популярность в мире искусства. В 1970 году он стал самым молодым художником, когда-либо проводившим персональную выставку в Музее Современного Искусства.
Фрэнк Стелла живет и работает в Нью-Йорке, Нью-Йорк.

Его работы хранятся в коллекциях Метрополитен-музея в Нью-Йорке, художественного музея Базеля, художественного института Чикаго.

Судьбы венгерского художника Тивадара Костки Чонтвари и голландского живописца Винсента Ван Гога словно зеркалят друг друга. Оба родились в 1853 году. В двадцать семь лет Ван Гог прекращает службу проповедником и принимает решение посвятить себя живописи. Чонтвари, почти синхронно, работая в аптеке, переживает видение, незримый голос говорит ему: ты станешь художником и превзойдешь самого Рафаэля. В 1890-м Ван Гог уходит из жизни. Почти в это же время, скопив капитал для возможности странствовать и обучаться живописи, Чонтвари оставляет аптечное дело и посвящает себя искусству.

Оба художника фактически были самоучками, оба потратили на обучение в академической манере около года, но по своей воле его бросили. Оба отказались от классических канонов и писали по велению сердца. Оба умерли непризнанными, в одиночестве и нищете. Картины обоих художников в наше время уходят с молотка за миллионы евро. Оба доказали, что известность – совсем не то же, что и бессмертие. Разница лишь в том, что о жизни Ван Гога мы знаем многое, о жизни Чонтвари почти ничего.

Люди не верят в пророка в своем отечестве, все гениальное, талантливое не может родиться у них под носом. Тивадар Костка Чонтвари прожил жизнь изгоя. Сейчас его взгляды никого бы не удивили: борьба с табакокурением, веганство, полный отказ от алкоголя. Но для Венгрии того времени это было слишком революционно.

Родился Костка 5 июля 1953 года в Кишсебене, ныне городок Сабинов на территории Словакии. В его многодетной семье вряд ли могли предположить, что застенчивый худощавый Тивадар прославит их род. Вместе с пятью братьями он отучился в гимназии в Ужгороде, после перешел к обучению фармакологии, чтобы стать приемником в деле отца, обедневшего польского дворянина Ласло Костки, который перебрался с семьей в Венгрию и открыл тут аптечное дело.

13 октября 1880 года Тивадар привычно стоял за прилавком, любуясь пейзажем за окном:

«День за днем, день за днем я наблюдал пылающие Карпаты, – напишет он в воспоминаниях. – Однажды на глаза попался фургон, запряжённый волами. Непроизвольное движение вложило карандаш в руку, и я нарисовал пейзаж на обороте рецептурной бумаги. Мой начальник подкрался сзади и когда рисунок был закончен, ударил по плечу: Ты был рожден, чтобы стать художником!.. Я положил рисунок в карман и с этого момента стал самым счастливым человеком на свете».

Позже Тивадар напишет и скажет, что именно тогда у него случилось видение, незримый голос сказал ему: «Ты станешь великим солнечным художником и превзойдешь самого Рафаэля». Чонтвари был ошеломлен, он не мог ждать. Пережив зиму, скопив сбережения, уже весной он едет в Рим. Ему необходимо увидеть полотна Рафаэля, которого загадочный голос предсказал превзойти. Рафаэль не впечатлил Тивадара. Он не увидел в его работах жизни и солнца. Биографы Костки объясняют таинственный голос признаками психического заболевания, которое якобы у него развилось после. Долгие годы о нем будут писать: шизофреник, больной гений. Хотя художник никогда не лечился в психиатрической клинике, не обращался за подобной помощью.

Изучив творческий путь Чонтвари, сложно представить, что его проделал психически нездоровый человек. Человек необычный – возможно. Но, однозначно, очень дальновидный и рассудительный. Вернувшись из Рима, Тивадар еще сильнее укрепился в желании стать живописцем. Он не бросился в омут с головой, как Ван Гог, Костка решает работать, чтобы скопить капитал. Более десяти лет он упорно трудится, после оставляет аптеку братьям и отправляется в Мюнхен, обучаться живописи в частной академии венгерского художника Шимона Холлоши. У Холлоши в то время учились мастера из Венгрии, Польши, Германии, Швейцарии, Америки, русские художники, среди них – Кузьма Петров-Водкин, Константин Коровин. Занятия велись на немецком, преподаватель, страстный любитель музыки, регулярно играл ученикам на флейте и виолончели. Он учил подопечных основам, не подавляя их собственную манеру и творческое видение.

После Чонтвари отправился на обучение еще к одному мастеру – художнику Фридриху Каллморгену. Какое-то время учился в Париже. Но и тут Костка не задержался надолго. Академическая манера не привлекла его, он решил, что будет рисовать «как видит». В 1900 году берет псевдоним Чонтвари. В нем нет скрытого смысла, так Тивадар перевел на венгерский словянскую фамилию Костка.

Во время обучения в Мюнхене Чонтвари создал серию портретов. Его творчеству это не свойственно, после художник будет рисовать только природу, воображаемые миры. Именно портреты выдают профессиональные знания и хорошую подготовку. В них нет и следа наивной живописи Чонтвари. Он предпочитал рисовать пожилых людей, был чутким, умел уловить и передать душевное состояние человека, Один из известных натурщиков, увидев законченную работу Тивадара воскликнул: «Я позирую почти семнадцать лет, но так нарисовать меня еще никому не удавалось!»

Большинство портретов выполнено углем, но есть работы маслом. Скопленных денег хватало, Чонтвари мог покупать дорогие бельгийские холсты, класть краску толстым слоем. Из-за многочисленных путешествий, работы приходилось перевозить свернутыми в рулоны, красочный слой от этого трескался. Вернувшись из странствий, Чонтвари часто реставрировал поврежденные полотна.

Экспериментировал с размером и формой. Многие пейзажи выполнены в натуральную величину. Это гигантские полотна до 30 квадратных метров. Есть совершенно нестандартные работы. В том же Мюнхене Чонтвари написал портрет старухи, которая чистит яблоки. Умышленно выбрал нехарактерный удлиненный холст. Кажется, что картину обрезали по бокам, но если приглядеться, такой масштаб придает особую выразительность композиции, пластичность силуэту.

Взвалив этюдник на плечи, художник путешествует по миру. Ему удается открыть для себя Западную Европу, побывать в Египте, Палестине, увидеть Ливан и Сирию. Чонтвари взбирается на скалы, любуется пустыней, стоит под водопадом, исследует птиц, собирает цветы, разглядывает бабочек.

«Я не рисую красками, я лишь наблюдаю и восхищаюсь мимолетной красотой природы, – пишет он в своих дневниках. – Спокойным, глубоким дыханием атмосферы, прекрасной музыкой сущего. Я странствую повсюду в поисках красоты, я вбираю в себя неизмеримость пространства».

Чонтвари был левшой и гордился этим. Уверял, что развитое полушарие помогает ему видеть мир иначе. Он обладал особым цветовым зрением, разработал уникальную гамму, которая делала краски природы ярче и придавала им свечение. Будучи аптекарем, работал над составом красок, добившись того, что столетиями его работы не утрачивают первоначальной насыщенности. Неизменные авторские цвета: бирюзовый и желтый. На картинах обязательно должны быть вода, огонь, земля.

Двойственность, неспокойный темперамент художника ярче всего отразились в картине, загадку которой разгадали недавно. Портрет «Старого рыбака» Чонтвари создал в 1902 году, путешествуя по Неаполю. До недавнего времени посетители и искусствоведы видели на картине лишь старика с глубокими морщинами на фоне моря и Везувия. Но кто-то из служителей музея попробовал поместить зеркало по центру картины. Отражение правой и левой стороны поразило: левая сторона – умиротворенный старец, который сложил руки в молитве, море и Везувий за его спиной спокойны. Правая отражает самого дьявола, за его спиной бушуют волны, извергается вулкан. Так художник передал двойственность природы человека. Интересно, что при жизни он никогда не выставлял эту картину.

За короткую творческую жизнь (Чонтвари умер в 65 лет) полноценно рисовать начал только после сорока, он создал более сотни масштабных полотен, несколько десятков рисунков. «Одинокий кедр» – одна из самых известных и знаковых картин художника. На ней он изобразил себя: одинокий, изолированный из-за непонимания, глубоко проникший корнями в родную почву.

«Судьба может дать мне долгую жизнь, но может разразиться буря, и я исчезну с лица земли без следа», – из дневника.

Монументальные полотна Чонтвари обязательно нужно видеть вживую. Вдохнув новую жизнь в наскучившую пейзажную живопись, он объездил самые знаковые места Европы и Средиземноморья. Выплеснул их на холст солнечным сочетанием красок в своей уникальной манере.

В 1949 году, когда картины Чонтвари были выставлены в венгерском посольстве в Париже, Пикассо заперся на час в выставочном зале и попросил его не беспокоить. Он был ошеломлен: «Я не знал, что существовал еще один великий художник». Поклонником творчества Чонтвари был и Марк Шагал.

При жизни художник несколько раз выставлялся. В 1907 году в Париже и Западной Европе. Критики отозвались благожелательно о работах Чонтвари, но в родной Венгрии он по-прежнему был чудаком и изгоем. Он же мечтал о выставке в своей стране. Хотел открыть собственную галерею и даже нарисовал ее проект.

Чонтвари никогда не считал себя только художником. Он писал статьи о вреде табака, рассуждал о веганстве, был убежденным пацифистом. Его регулярно поднимали на смех. Из-за насмешек и разногласий Костка, по большей части, был одинок. Не создал семью, изредка общался с сестрой, о его многочисленных братьях ничего не известно. В последние годы жизни не рисовал. Существуют предположение, из-за усугубившегося психического недуга. Писал книги: «Энергия и искусство, ошибки цивилизованного человека», «Гений. Кто может и кто не может быть гением». Занимался упорядочиванием своих записей и дневником. За всю жизнь Чонтвари не продал ни единой картины.

Более полувека понадобилось, чтобы разглядеть в нем гения. В 2006 году полотно «Встреча влюбленных» было куплено неизвестным коллекционером более чем за миллион евро.

Его записи и дневники не были изданы, они доступны только исследователям творчества художника. Фрагменты записей можно услышать в фильме «Чонтвари» венгерского кинорежиссера Золтана Хусарика. Это красивое, поэтическое кино с трагической судьбой. Картина посвящена памяти актера Золтана Латиновича, который играл Чонтвари и погиб в процессе съемок (есть версия, что бросился под поезд). После премьеры фильм раскритиковали. Хусарик, который на тот момент находлися в депрессии, был опустошен, покончил с собой.

«Прошли времена, когда со мной то и дело что-нибудь случалось, теперь не происходит ничего, что помогало бы открыть в себе что либо новое. Теперь я стою перед последней вершиной, она давно ждет меня. Мне предстоит самое тяжелое путешествие в абсолютном одиночестве.»

Чонтвари ушел из жизни 20 июня 1919 года. Причиной послужил запущенный артрит. Встречаются версии, что художника избили и это привело к смерти. Умер он в одиночестве и нищете, голодал. Более сотни картин достались сестре художника. В местном музее женщину заверили, что полотна не имеют художественной ценности, это «мазня сумасшедшего». Поскольку холсты были огромными и хранить их было не просто, родственники решили продать картины. Взять деньги только за полотно.

Свернутую в рулоны живопись Чонтвари свалили грудой у его мастерской. По счастливой случайности мимо проходил архитектор Гедеон Герлоци. Он подыскивал себе жилье. Увидев картину «Одинокий кедр», был ошеломлен и скупил всю коллекцию.

Существует еще одна красивая легенда: будто картины Чонтвари выкупили местные цыгане и накрыли ими кибитки. Архитектор увидел картины, восхитился и выкупил их у цыган.

Герлоци положил жизнь на то, чтобы сохранить работы художника. Большинство картин пришлось держать в сундуках в свернутом виде. Только в 1970-м году власти города Печ обратились к Герлоци с просьбой организовать постоянную экспозицию. Он тут же согласился. Спустя десятилетие государство выкупило частную коллекцию Герлоци. Сейчас во владении Венгерской национальной галереи числится 127 картин Чонтвари, двадцать эскизов, 25 его полотен в частных коллекциях.

В городе Печ вы не найдете могилы Костки. Он вряд ли бывал здесь. Чонтвари покоится в Будапеште, на кладбище Корепеши – одном из старешийх в Венгрии. Его могилой никто не занимался, после истечения срока ее содержания, останки перенесли в общее захоронение. Когда интерес к творчеству Костки стал расти на кладбище Корепеши ему установили памятник.

К столетию со дня смерти художника поклонников его творчества, ожидал еще один сюрприз. Графологическая экспертиза почерка с целью опровергнуть или подтвердить информацию о психическом недуге. Графологи пришли к единому мнению, что образ Чонтвари был сильно искажен и ложен, а обвинения в шизофрении беспочвенны. Он был выдающейся личностью, человеком с широким кругозором, значительно опередившим свое время.