Светящиеся картины Томаса Кинкейда

Томас Кинкейд (англ. Thomas Kinkade; 1958, Сакраменто — 2012, Монте-Серено) — американский художник, отличался распространением печатных репродукций своих работ, в частности его картины часто встречаются на пазлах. Он характеризовал себя как «Томас Кинкейд, Художник Света» (зарегистрированная торговая марка) и как «самый коллекционируемый ныне живущий художник Америки». Компания Media Arts, распространяющая продукцию Томаса Кинкейда заявляет, что в 1 из 20 домов США в той или иной форме есть одно из изображений, выполненное Кинкейдом.


Томас Кинкейд вырос в маленьком городке Плейсервилль, штат Калифорния, окончил среднюю школу в 1976 году, учился в Калифорнийском университете в Беркли и Колледже Искусства в Пасадине. Женился в 1982 году, супругу зовут Нанетт, у них родились четыре дочери: Мерритт (р. 1988), Чандлер (р. 1991), Уинсор (р. 1995) и Эверетт (р. 1997), все названы в честь знаменитых художников.


Учителями Кинкейда до колледжа были Чарльз Белл и Гленн Весселс. Весселс и убедил Кинкейда поступать в Калифорнийский университет в Беркли. Отношения Кинкейда и Весселса показаны в полубиографическом фильме «Рождественский коттедж», выпущенном в 2008 году. После двух лет общего обучения в Беркли Кинкейд перевёлся в знаменитый национальный Художественный Колледж в Пасадене.


В июне 1980 Кинкейд провёл летнее путешествие по Соединённым Штатам со своим другом из колледжа, Джимом Гурнейем. Оба закончили своё путешествие в Нью-Йорке и заключили контракт с издательством Гуптилл на выпуск «Руководства по созданию эскиза». Двумя годами позже они выпустили «Руководство для художников по созданию эскиза» (The Artist’s Guide to Sketching), которое стало одним из наиболее продаваемых продуктов этой компании в том году. Успех книги привёл его и Гурнея в Студию Ральфа Бакши, создающую декорации к анимационному фильму «Огонь и Лёд» (1983). Пока Кинкейд работал над фильмом, он начал пробовать рисовать свет и воображаемые миры. После фильма Кинкейд решил зарабатывать как художник, продавая свои оригиналы в галереях по всей Калифорнии.


Главной особенностью картин Кинкейда являлись светящиеся блики и насыщенные пастельные тона. Он изображал в импрессионистском стиле светящиеся контуры, буколические, идиллические предметы, такие как сады, ручьи, каменные коттеджи, городские улочки.


Также он писал картины на различные христианские темы, изображал христианские кресты и церкви. Себя Кинкейд называл «набожным христианином» (все его дети имеют второе имя «Кристиан»). Кинкейд говорил, что получает вдохновение от религии и что в его работах содержится большой моральный аспект. Также он считал, что его задача как художника трогать людей всех вероисповеданий, чтобы принести мир и радость в их жизнь через образы, которые он создаёт.













Поделись
с друзьями!
162
0
6
2 дня

Удивительно реалистичные акварели художника-мариниста Станислава Золадза

Отношение зрителей к гиперреализму в искусстве неоднозначно и противоречиво. Одни считают, что живопись в корне должна отличаться от фотографических изображений. Иные - находят в этом особую изюминку, восхищаясь техникой и мастерством художника. Сегодня речь пойдет о мастере, который возвел сложнейшую технику акварели в ранг гиперреализма и завоевал мировую славу. Это художник-акварелист из Польши - Станислав Золадз, подчинивший краске на водяной основе водную стихию рек, озер, морей.


Акварельная техника очень сложная и капризная, она практически не подлежит исправлению и художнику нужно с точностью просчитать каждое прикосновение кисти к бумаге, а также соотношение воды к краске. А когда смотришь на работы Золадза просто охватывает чувство недоумения и невероятного восторга: неужели это действительно акварель...


Станислав Золадз (Stanislaw Zoladz) родился в Польше, в 1952 году. С раннего детства начал рисовать, и больно уж нравилась мальчишке водяная краска. Не расставался он с нею и подростком, и когда получал художественное образование в Кракове в Академии изящных искусств. В 26-летнем возрасте переехал в Швецию, где до сих пор проживает и рисует свои удивительные акварели. Так через всю жизнь и пронес художник любовь к этой капризной краске, которая требовала от мастера невероятной точности, твердой руки, чувства меры и аккуратности.


На первый взгляд акварельные работы Станислава Золадза легко спутать с фотографиями. Так как, мастерски владея краской и кистью, художник добивается потрясающего гиперреалистического эффекта. И лишь после тщательного просмотра можно заметить легкие мазки, которыми прорисованы детали.


Основной темой творчества художник избрал для себя пейзажи с водной стихией. Реки с каменными берегами и глади озер, заводи, морские побережья - главные образы работ акварелиста. Вода субстанция изменчивая и очень сложно поддается живописной передаче, но Золадз постиг ее тайну и превосходно справился с задачей. Игра света в воде, блики, отражения, относительная прозрачность так убедительны и реалистичны в его акварелях, что так и хочется зачарпнуть ее рукой.

Stanislaw Zoladz

Каждый год в поисках натуры Станислав Золадз отправляется в путешествие по
новым местам, где вдохновляется природной красотой разных стран и континентов. Он исколесил почти всю Европу и часть Азии, каждый раз привозя со странствий новые впечатления и множество новых акварелей.










Поделись
с друзьями!
437
3
13
10 дней

Фантастические цветы и влюблённые парочки на нежных картинах художника-романтика Евгения Кузнецова

Романтизм в изобразительном искусстве во все века очень привлекал мастеров, он всегда очень ярко проявлялся как в живописи, так и в графике. Говоря о художниках-романтиках современности, в первую очередь стоит отметить живописца из Ставрополя Евгения Кузнецова, обладающего ярким многогранным талантом, глубоким философским мышлением, владеющего оригинальным почерком и неординарным видением красоты.


В противовес классицизму, воспевающему силу человеческого разума, романтики всегда стремились донести до зрителя чувства: любовь и нежность, бурную страсть и трепетность, мечтательность и эйфорию, которые способны поглотить человека целиком, завладев мыслями и поступками. Поэтому и зрители всех эпох к романтизму всегда относились по-особенному...


Евгений Кузнецов - потомственный художник, родом из Ставрополя. Сказать, что «пошел по стопам отца» - не скажешь: отдавая должное академическому направлению отцовского почерка, сын все же пошел своим путем. И сказать, что Евгений с детских лет увлекался рисованием также не скажешь: лишь в 7 классе подросток сделал первые шаги в живописи. И уже позже Художественное училище родного города и Кубанский государственный университет живописи и графики дали юноше хороший старт.


С 1981 года Евгений Кузнецов - постоянный участник всевозможных выставок страны. А немногим позже международных художественных форумов, проходящих в Германии, Австрии, Швейцарии, Франции, Вьетнаме, Египте, Кореи, Индии, Непале, США…

В начале 90-х Евгения Георгиевича приняли в члены Союза художников России. Чуть позже получил членство в Международной общественной организации живописцев «Солнечный квадрат». А в 2012 году мастера наградили золотой медалью Российской Академии художеств.



Евгений Кузнецов как художник - непостижим и непредсказуем. Он использует в различных комбинациях абстракционную фантастику и мистику, аллегорию и символизм, подчиняя их своему нестандартному мышлению. Он артистичен и интеллигентен, слегка загадочен и хорошо эрудирован, он всегда готов пойти на эксперимент и создать нечто новое, что другому человеку на ум никогда не придет. Задумав основной сюжет картины, мастер практически всегда к окончанию работы, меняет его до неузнаваемости: появляются новые художественные образы, меняется настроение и иногда изобразительные средства и методы.

К тому же художник в постоянном поиске новых приемов и материалов в своей работе. Так, подклейка бумаги и использование прозрачных гелей создает эффект объемности и фактурности, что является особенной чертой всех произведений мастера.


Сам Кузнецов так описывает процесс создания своих творений: «Так много случайностей. Осколки зеркала, некогда отражавшего прекрасный и гармоничный мир. Все раздробилось и перемешалось. Но все части еще живы, можно пытаться складывать их вновь. Если б только знать тот, прежний порядок. Так много возможностей. Те части, что были так далеки друг от друга, вдруг легли рядом, сошлись, почти сошлись, и то, что в них, явило новую, древно-тайную связь. Забавно и серьезно минор в мажоре, акцент на слабую долю, блюз, улыбки в осколках слез».


Живописец очень удачно применяет абстракцию в своей живописи. Причем она у него не бесформенная и неузнаваемая, а весьма органично гармонирует с реальными образами и отличается красотой и убедительностью. И что немаловажно, все его творения обладают позитивной жизненной энергетикой, внутренним свечением и философским содержанием.


И если главным делом жизни для Евгения всегда являлась живопись. То главным хобби – музыка и коллекционирование музыкальных инструментов. Художник весьма хорошо, как на любителя, владеет флейтой, гитарой и фортепиано. А из дальних путешествий он непременно привозит различные музыкальные инструменты для своей коллекции.


Вряд ли бы художник, не имеющий семейного счастья, смог бы творить такие удивительные романтические полотна, пропитанные нежностью и любовью. Жена Ольга - художница, преподающая рисование в школе и сын Егор - вот фундамент на котором стоит не только творчество художника.


Единство интересов и целей с первого дня семейной жизни позволяли быть этой паре безмерно счастливыми. Ольга с Евгением, еще будучи студентами, на велосипедах с этюдниками в поисках натуры изъездили все окрестности города. Да и сынишка с девяти месяцев стал полноправным участником выездных пленэров на дачу и в горы.


А когда Егорке исполнилось три годика, на семейном совете было решено, что он уже достаточно взрослый мальчик, чтобы отправится в путешествие в Новороссийск. Молодые супруги так и путешествовали — с рюкзаками, этюдниками и сыном за плечами. И где только не побывала чета художников, какие дороги России не исходили. Каждая поездка приносила массу новых впечатлений, этюдов и творческих замыслов. А самое главное - еще крепче объединяла семью.


Поэтому и не удивительно, что сын пошел по стопам не только своего отца, но и деда, Георгия Ивановича который был известным художником, когда-то приехавшим из Сибири поднимать целину искусства на Юге России… И не за горами то время, когда в Ставрополе состоится панорамный показ творчества трех поколений художников Кузнецовых.









Источник: kulturologia.ru
Поделись
с друзьями!
449
1
7
12 дней

Нежные цветы французской художницы Сильви Фортин

Французская художница Сильви Фортин (Sylvie Fortin) пишет не просто картины, а портреты цветов. Растения на ее полотнах чаще всего не срезаны, а растут в саду и взаимодействуют между собой. Они выведены на первый план и показаны нам крупно как главные герои истории, а фон – абстрактная романтическая дымка. Нежные лепестки бутонов и изящно изогнутые стебли тщательно прописаны. Они расположены так, чтобы создавать ощущение непрерывного движения, молчаливого собеседования между цветами. Романтики в этот диалог добавляет непринужденное соседство сорных и садовых растений: гордые маки сочетаются с зонтиками борщевика, вьющиеся розы — с вьюнами, а ирисы — с непритязательными колокольчиками.


Французская художница Сильви Фортэн живет в небольшой, но удивительно живописной деревушке Жерберуа (Нормандия). Тихая и созерцательная деревенская жизнь очень подходит ее творениям, где нежно звучит поэтический диалог скромных цветов севера Франции.























Sylvie Fortin
Поделись
с друзьями!
681
3
9
25 дней

Художник Джавад Солиманпур и его картины, которые покоряют с первого взгляда

Художник Джавад Солиманпур родился в 1965 году в иранском городе Тебриз. Он нигде не учился живописи, просто ему хотелось рисовать. Первые картины Джавад написал в 12 лет. "Я не хотел ничего - только рисовать. Я рисовал то, что мне нравится", - вспоминает художник.



Он останавливался на улице и наблюдал за людьми. Слушал их разговоры, всматривался в их лица. А потом переносил это на холст. "Люди обижались на меня, они думали, что я подслушиваю их разговоры. А мне просто нравилось на них смотреть..."


Первая выставка картин Джавада Солиманпура состоялась в 1978 году, когда Джаваду было всего 13 лет. "Живопись для меня сродни дыханию. Это просто моя жизнь", - говорит художник.

У него есть множество детских портретов. Кажется, что художник проникает в душу ребёнка и раскрывает её для нас.


"Я знаю, что происходит у меня глубоко внутри, в моём сердце, когда я пишу свои картины. Но каждый для себя решает сам - что скрывается за этими лицами". Художник даёт нам возможность придумать свою историю, вглядываясь в эти портреты.


Сейчас Джавад Солиманпур живёт и работает в Турции, в Стамбуле. Его картины можно встретить на выставках во многих странах мира и в частных коллекциях. В 2013 году турецкое правительство заказало ему портреты всех президентов в истории Турции. Сейчас эти портреты украшают президентский дворец.



Но всё-таки главное в творчестве Джавада Солиманпура не парадные портреты, а портреты простых людей, переживших не лёгкую жизнь. : "С самого детства я хотел только рисовать, и больше ничего. Я нарисовал людей и вещи, которые мне понравились. У людей всегда было что рассказать, но они никогда не знали, что мне просто нравится смотреть, как они разговаривают, а не слушать, за что, может быть, я должен извиниться. Лица со всей их рябью, текстурой и тенями ... время останавливается, когда я рисую. И то, что лежит в основе взаимодействия моего искусства со зрителем, - это то, что исходит из глубины моего сердца. Это бесконечное интенсивное чувство и решение любых вопросов в живописи стало для меня обыденным, например, дыхание". - говорит художник.





Но рассказывая о творчестве Джавада Солиманпура, нельзя ограничиться только портретами. Среди полотен художника есть целая серия картин, на которых изображены букеты цветов. Небрежно стоящие в вазах, они переливаются нежными красками. И кажется, что можно уловить аромат этих дивных цветов.

Недаром цветы называют остатками рая на Земле.



А в 2009 году Джавад Солиманпур занял первое место в международном конкурсе в категории "Пейзажи". Бескрайние морские просторы, огни городов, деревья в морозном инее - всё такое живое и узнаваемое. Красота жизни, навсегда застывшая на этих удивительных картинах.

"Чтобы писать картины важна не только техника, но и душа и чувства", - говорит Джавад Солиманпур.

















https://avatars.mds.yandex.net/get-zen_doc/1877958/pub_5ed14005706f83164ac793ab_5ed17dca26fb4a4c68b60738/scale_1200





Джавад Солиманпур
Поделись
с друзьями!
1018
3
36
27 дней

Абстрактный экспрессионизм. Как понять картины, которые не поддаются логике.

Абстрактный экспрессионизм - одно из самых известных и значительных художественных течений ХХ века. Выйдя из послевоенного Нью-Йорка в 1940-1950-х годах, спонтанная свобода и огромные амбиции абстрактных экспрессионистов превратили Соединённые Штаты в мировую художественную сверхдержаву. Несмотря на разнообразие стиля, эти художники были едины в своём свободном, бравадном подходе к живописи, который отвергал традиционное представление для импровизации и выражения внутренних эмоций.


Абстрактный экспрессионизм. Работа Виллема де Кунинга. \ Фото: blogspot.com.

Эти акты самовыражения часто были наполнены страхом и агрессией, отражая широко распространённые тревоги и травмы в обществе после войны и желание убежать от реальности в более высокую сферу. От жестикуляционной картины Джексона Поллока и Хелен Франкенталер до дрожащего эмоционального резонанса Марка Ротко мы рассмотрим пять самых глубоких картин, которые определили абстрактный экспрессионизм. Но сначала давайте вспомним историю, которая проложила этот путь.

Так идут к звёздам, Ганс Гофман, 1962 год. \ Фото: google.com.

В начале ХХ века Европа была бурлящим эпицентром международных художественных тенденций, но всё это должно было измениться. Революционные идеи из Европы начали распространяться в США в течение 1930-х годов, сначала через серию обзорных выставок, которые прославляли авангардизм, включая дадаизм и сюрреализм, а затем последовали персональные презентации художников, включая Пабло Пикассо и Василия Кандинского. Но именно тогда, когда художники начали эмигрировать из Европы в Соединённые Штаты во время войны, включая Ганса Гофмана, Сальвадора Дали, Аршила Горьки, Макса Эрнста и Пита Мондриана, их идеи действительно начали обретать силу.

Джексон Поллок в своей домашней студии вместе со своей женой Ли Краснер. \ Фото: sohu.com.

Наиболее влиятельным оказался немецкий художник Ганс Гофман. Работая бок о бок с Пабло Пикассо, Жоржем Браком и Анри Матиссом, он имел хорошие возможности для распространения свежих идей по всему континенту. Сюрреалистическое искусство Макса Эрнста и Сальвадора Дали, сосредоточенное на выражении внутреннего ума, также, несомненно, повлияло на возникновение абстрактного экспрессионизма.

Композиция VII Картина, Василий Васильевич Кандинский. \ Фото: nbuzelli.medium.com.

Наряду с этими влияниями из Европы, в Соединённых Штатах многие художники, ставшие абстрактными экспрессионистами, начали свою карьеру, рисуя крупномасштабные фигуративные, публичные художественные фрески под влиянием Соцреализма и регионалистского движения. Этот опыт научил их, как создавать искусство, основанное на личном опыте, и дал им навыки работы в огромных масштабах. Джексон Поллок, Ли Краснер и Виллем де Кунинг были одними из первых, кто создал новый бренд амбициозной, выразительной американской живописи, оказавшей огромное влияние сначала в Нью-Йорке, а затем распространившейся по всей территории Соединённых Штатов. К концу 1940-х годов все взоры были устремлены на США, где смелый и новый стиль искусства говорил о неизведанном творчестве и свободе, мощном эмоциональном самовыражении и заре новой эры.

1. Джексон Поллок


Жёлтые острова, Джексон Поллок, 1952 год. \ Фото: pinterest.co.uk.

Работа знаменитого нью-йоркский художника Джексона Поллока «Жёлтые острова», 1952 года, олицетворяет новаторский стиль художника «экшн-живописи», нить абстрактного экспрессионизма, которая вовлекала в своё создание все силы художника, тесно связывая его с перформансом. Эта работа принадлежит к серии «black pourings» Поллока, в которой он наносил капли разбавленной краски на холст, лежащий плашмя на полу, двигая руками, создавая серию ритмических узоров. Краска выстраивается в ряд сложных и запутанных паутинных сетей, которые накладываются друг на друга, создавая глубину, движение и пространство.

Номер 48, Джексон Поллок, 1949 год. \ Фото: regnum.ru.

Работа, выполненная непосредственно на полу, позволила Поллоку обойти картину, создав пространство, которое он назвал «ареной». В дальнейшем в отличие от более ранней работы художник применил хитрый ход, подняв холст вертикально, чтобы позволить краске стекать в центр, тем самым создавая глубину и текстуру.

2. Ли Краснер


Автопортрет, Ли Краснер, 1928 год. \ Фото: divento.com.

«Пустынная луна» американского художника Ли Краснер, 1955 года, была сделана как одна из серии смешанных работ, которые объединили коллаж и живопись в единые образы под влиянием европейских идей в кубистическом и дадаистском искусстве. Как и многие абстрактные экспрессионисты, Краснер была склонна к саморазрушению, и она часто рвала или разрезала старые картины и использовала сломанные фрагменты для создания новых образов. Этот процесс позволял ей сочетать чистые линии и белые полосы порезанных или порванных краёв с жидкими и липкими живописными знаками.

Пустынная луна, Ли Краснер, 1955 год. \ Фото: collageresearchnetwork.wordpress.com.

Ли также любила поразительное визуальное воздействие, которое можно было создать, объединив резкие цветовые контрасты – в этой работе зритель может наблюдать сердитые, острые осколки чёрного, ярко-розового и сиреневого цветов, проносящиеся по радужно-оранжевому фону, уложенные в игривой и импровизированной манере, чтобы создать живой динамизм и движение.

3. Виллем де Кунинг


Абстракция, Виллем де Кунинг. \ Фото: cn.artsdot.com.

В Композиции Виллема де Кунинга 1955 года выразительные мазки и куски краски переплетаются в дикий шквал интенсивной деятельности. Как и Поллок, де Кунинга прозвали «художником действия» из-за его неистовых, хаотичных и размашистых мазков, которые вызывают энергичное движение, участвующее в их создании. Эта работа символизировала зрелую фазу его карьеры, когда он в значительной степени отказался от своих ранних кубистических структур и женских фигур в пользу более текучей и экспериментальной абстракции.

Композиция Виллема де Кунинга, 1955 год. \ Фото: galomagazine.com.

Реальность полностью оставлена для импровизированной игры цвета, текстуры и формы, вызывая внутренние, охваченные страхом эмоции художника. В этой работе де Кунинг также интегрировал песок и другие зернистые вещества в краску, чтобы придать ей более висцеральное, мускулистое тело. Это также придаёт картине текстуру, которая выступает наружу из холста в пространство за его пределами, ещё больше подчёркивая агрессивный и конфронтационный характер работы.

4. Хелен (Элен) Франкенталер


Природа не терпит пустоты, Хелен Франкенталер, 1973 год. \ Фото: northcountrypublicradio.org.

Американская художница Хелен (Элен) Франкенталер в своей работе «Природа не терпит пустоты» (1973 год) демонстрирует чувственно струящиеся ручейки чистого цвета, которые определили её практику. Известный как абстрактный экспрессионист «второго поколения», Хелен работала под сильным влиянием Джексона Поллока, она тоже работала с холстом, лежащим на полу, заливая водянистые проходы акриловой краски прямо на сырой, незагрунтованный холст. Это позволило акриловой краске глубоко впитаться в ткань и образовать интенсивные лужи яркого цвета, наполненные эмоциональным резонансом.

Элен Франкенталер. \ Фото: google.com.

Оставление холста сырым придавало её картинам лёгкую и воздушную свежесть, но также подчёркивало плоскостность нарисованного объекта, перекликаясь с идеями американского искусствоведа Клемента Гринберга, который утверждал, что истинные художники-модернисты должны сосредоточиться на «чистоте» и телесности нарисованного объекта.

5. Марк Ротко


Красный на тёмно-бордовом, Марк Ротко, 1959 год. \ Фото: kaie14.blogspot.com.

Одна из самых известных картин эпохи абстрактного экспрессионизма, «Красный на тёмно-бордовом» Марка Ротко, 1959 года, пропитана интенсивным цветом и задумчивой драмой. В отличие от Поллока и де Кунинга, Ротко принадлежал к ветви абстрактных экспрессионистов, которые были больше озабочены передачей глубоких чувств в тонких цветовых схемах и выразительных пассажах краски. Марк надеялся, что его дрожащие мазки и тонкие завесы цвета, нарисованные на холстах размером со стену, смогут превзойти обычную жизнь и поднять зрителя в более высокую, духовную сферу возвышенного, как это было под влиянием атмосферных эффектов в искусстве эпохи романтизма и Возрождения.

Композиция № 61 (Ржавый и голубой), Марк Ротко. \ Фото: artypin.com

Эта картина была сделана как часть серии, известной как Фрески Сигрэма, которые первоначально были разработаны для ресторана Four Seasons в здании Mies van Der Rohe’s Seagram в Нью-Йорке. Ротко основал цветовую гамму серии Seagram на вестибюле Микеланджело в Лаврентьевской библиотеке во Флоренции, которую он посетил в 1950 и 1959 годах. Там его охватило мрачное и всеохватывающее чувство клаустрофобии, которое оживает в мрачной и таинственной атмосфере этой картины.

Onement VI, Барнетт Ньюман, 1953 год. \ Фото: yandex.ua.

Наследие абстрактного экспрессионизма простирается далеко и широко, продолжая формировать большую часть современной художественной практики. На протяжении 1950-60-х годов движение цветового поля выросло из абстрактного экспрессионизма, распространив идеи Марка Ротко вокруг эмоциональных резонансов цвета на более чистый, как показали гладкие, минимальные картины Барнетта Ньюмана «Молния» и скульптурные колонны радужного цвета Энн Трутт.

Без названия, Сесили Браун, 2009 год.

Абстрактный экспрессионизм был в значительной степени заменен минимализмом и концептуальным искусством в 1970-х годах. Однако в 1980-х годах неоэкспрессионистское движение в Европе и США, возглавляемое немецким художником Георгом Базелицем и американским художником Джулианом Шнабелем, сочетало абстрактную живописность с повествовательной фигурацией. Грязная, выразительная живопись снова вышла из моды в 1990-е годы, но в сегодняшней сложной области современного искусства различные подходы к живописной абстракции и выражению более распространены и популярны, чем когда-либо. Вместо того чтобы сосредотачиваться исключительно на внутренней работе ума художника, многие из самых выдающихся современных экспрессивных художников сочетают жидкую и водную краску со ссылками на современную жизнь, преодолевая разрыв между абстракцией и представлением. Примерами могут служить эротические, полу-фигуративные абстракции Сесили Браун и странные, преследующие миры Марлен Дюма, населённые причудливыми и тревожными сценариями.
Источник: kulturologia.ru
Поделись
с друзьями!
422
41
66
1 месяц

Шотландский художник Герберт Джеймс Ганн и его портреты

Британский портретист и пейзажист Герберт Джеймс Ганн родился 30 июня 1893 года в Глазго, в семье драпировщика Ричарда Ганна. Рисовать он начал в пять лет. Учился в школе искусств Эдинбурга. В 1911 году отправился в Академию Жюльена в Париже, где учился у Жан-Поля Лоренса. После этого Ганн отправился в Испанию, а затем вернулся в Лондоне, где в основном рисовал пейзажи. В Первую мировую войну в составе шотландских стрелков прошел военную службу во Франции. Он продолжал рисовать и во время войны.


Впервые Герберт Ганн женился в 1919 году на Гвендолин Торн, и у них было три дочери. В 1927 году он развелся с первой женой, после того как она сбежала с его натурщиком, банкиром-миллионером сэром Артуром Уинни.

Портрет Гвендолин Торн, 1925

Через два года он снова женился — на Паулине Миллер, с которой у них родились сын и дочь. Паулина стала моделью для самых известных его картин, в том числе дипломной работы 1961 года для подачи в Королевскую академию. К сожалению, любимая жена и муза умерла в 1950 году после продолжительной болезни, в возрасте 49 лет.

Паулина в желтом платье, 1944

Профессионально Ганн начинал как пейзажист, много путешествовал. В 1929 году стал членом Общества изобразительных искусств и стал специализироваться исключительно на портретах. Его картины находятся в составе многих галерей, а коронационный портрет Королевы Елизаветы II (1953) — в Королевской коллекции в Тронном зале Виндзорского замка. В 1953 году был избран президентом Королевского общества портретистов и оставался в этой должности до своей смерти. В 1961 избран в Королевскую Академию в качестве полноправного академика. В 1963 году был посвящен в рыцари за заслуги в живописи.

Паулина в Париже

Профессионально Ганн начинал как пейзажист, много путешествовал. В 1929 году стал членом Общества изобразительных искусств и стал специализироваться исключительно на портретах. Его картины находятся в составе многих галерей, а коронационный портрет Королевы Елизаветы II (1953) — в Королевской коллекции в Тронном зале Виндзорского замка. В 1953 году был избран президентом Королевского общества портретистов и оставался в этой должности до своей смерти. В 1961 избран в Королевскую Академию в качестве полноправного академика. В 1963 году был посвящен в рыцари за заслуги в живописи.

Королева Елизавета II в коронационной одежде, 1953

Портрет короля Георга VI

Беседа в Роял-лодж, Виндзор. Король Георг VI, королева Елизавета, принцесса Елизавета и принцесса Маргарет, 1950

Леди Хелен Роджер, шотландская художница, 1930

Хью Уильям Осберт, седьмой граф Сефтон

Портрет мидинетки (молодой парижской швеи), 1940

Соня в зеленом, 1932

Портрет Агнес Кэтрин Мейтленд, сидящей за столом

Герберт Джеймс Ганн - Сильфида (Вера Савина) - 1929

Портрет Гвен (Portrait of Gwen) - 1919

Паулина (Pauline Wife of the Artist) - 1930

Портрет Маргарет, герцогини Аргайл (Portrait of Margaret, Duchess of Argyll) - 1955

Герберт Джеймс Ганн - Автопортрет

Умер художник в Лондоне 30 декабря 1964 года. 80-страничный каталог его работ, которые экспонировались в Шотландской национальной портретной галерее в Эдинбурге, был опубликован Национальной галереей Шотландии в 1994 году. Портреты Ганна - иногда мрачноватые по колориту - отличаются пристальным вниманием к деталям. Среди персонажей его портретов - королева Елизавета, Принц Филипп и Королева-мать, а также представители высшего света и истэблишмента Англии.

Созерцание
Источник: lovers-of-art.livejournal.com
Поделись
с друзьями!
774
0
20
2 месяца
Уважаемый посетитель!

Показ рекламы - единственный способ получения дохода проектом EmoSurf.

Наш сайт не перегружен рекламными блоками (у нас их отрисовывается всего 2 в мобильной версии и 3 в настольной).

Мы очень Вас просим внести наш сайт в белый список вашего блокировщика рекламы, это позволит проекту существовать дальше и дарить вам интересный, познавательный и развлекательный контент!