Британский художник Брюс Манро в ответе за то, что по московским паркам рассыпались акриловые шарики, мягко светящиеся в темноте. Он их придумал, а ландшафтные дизайнеры всего мира оценили и скопировали.

На фото сверху — инсталляция The Field Of Light /"Поле света". Шесть гектаров холмистого поля усеяны рассеивающими свет сферами, соединенными оптоволоконным кабелем. Инсталляция положила начало моде на подобные конструкции в ландшафтном дизайне.

Впечатлить человека просто. Покажите ему что-нибудь очень большое и разноцветное — и он остановится, зачарованный. Одинаковый эффект имеют и природные, и рукотворные шедевры: радуга, звездное небо, северное сияние, фейерверки, лазерные шоу, снимки галактик и туманностей «Хаббла», «Звездная ночь» Ван Гога, «Космическая одиссея» Кубрика или инсталляции Брюса Манро. Все его работы — это попытки воплотить то, что воплотить невозможно. Манро пытается с помощью ламп и бликов воссоздавать переживания, которые и словами-то не всегда получается толком описать: единение с природой, родство душ, первое впечатление, ощущение времени.

Взять хотя бы то же «Поле света»: инсталляция родилась как продолжение мистического переживания взаимосвязи всего со всем. «Я хотел засадить целое поле светильниками, которые пробуждались бы с наступлением сумерек, как семена в сухой почве пустыни», — объясняет художник.

Путь к свету

Манро не всегда занимался такими возвышенными вещами, как «Поле света». Выучиться обращению со светильниками и проводами его вынудила скорее необходимость, чем вдохновение. По образованию Манро живописец, но тридцать с лишним лет он практически не занимался искусством, перебиваясь мелкими заработками. Он успел поработать Санта-Клаусом, поваром и даже инструктором по аэробике. Первый опыт работы с осветительными приборами 25-летний Манро получил, устроившись в рекламную фирму. Потом был свой бизнес (неоновые вывески на заказ) и должность в большой дизайнерской компании, затем — новое погружение в деловой мир, на этот раз в качестве создателя модных световых инсталляций на продажу. Нащупать свою тему и позволить себе свободу творчества художник смог, только разменяв пятый десяток.

Море света

Манро обожает компакт-диски. Из них он делает моря, переливающиеся под солнцем или в искусственном свете. За самой большой из его дисковых инсталляций, CDSea, стоит очень личная история о разлуке с отцом. Отец остался в Англии, Брюс жил в Сиднее, но оба — у большой воды. И вот, сидя на берегу океана одним солнечным днем, Брюс вообразил, что по воде можно пройти, как по тропинке, — и оказаться на теплом девонском побережье, совсем недалеко от отчего дома. Неизвестно, что больше повлияло на настроение Манро в тот день — воображение или игра солнечных бликов на поверхности океана. Сам Манро решил, что дело в игре света — и вознамерился воссоздать ее. Так на зеленом холме в графстве Уилтшир появилось море из шестисот тысяч использованных CD- и DVD-дисков с петляющей тропинкой посередине. Выкладывать инсталляцию помогали родные и друзья, так что процесс создания арт-объекта сам превратился в нехитрое, но объединяющее семейное развлечение.

Так Манро превратился из живописца-поденщика в гуру ландшафтного дизайна. У него заказывают световые инсталляции парки, музеи и фестивали света; его скульптуры освещают холлы штаб-квартир корпораций и ботанические сады, модные подиумы и театры.

Новые поля

«Поле света» выросло вместе с карьерой своего создателя. Его первое воплощение, появившееся среди английских холмов в 2004 году, состояло всего лишь из пяти тысяч акриловых «фонариков» — но даже они обошлись художнику в круг­лую сумму и заставили влезть в долги. Правда, известность, которую принесло «Поле», легко окупила вложения.

Последний вариант «Поля» — пятьдесят тысяч светильников — навсегда останется в Алис-Спрингс (Австралия). Они запитаны от солнечных батарей, энергии потребляют мало, поэтому под австралийским солнцем практически автономны.

Другой его вариант появился в октябре в Калифорнии: там тоже больше пятидесяти тысяч светящихся шариков на тонких стеблях. Хорошо прийти посмотреть на мерцающие холмы — но еще лучше обнаружить их случайно, оказавшись там под вечер. Впрочем, чтобы ощутить эффект, не обязательно ехать в США или Австралию. Нехитрый, но эффективный прием Манро взяли на вооружение ландшафтные дизайнеры по всему миру, и теперь усеянные акриловыми шариками поля можно найти даже в Москве — в парке «Зарядье» и на Бульварном кольце.

Другие инсталляции Брюса Манро:

После просмотра такой красоты аппетит разыгрывается не на шутку! Рекомендуем к просмотру на сытый желудок. Предлагаем Вам прославленные «вкусные картины» знаменитого художника-фотографа Карла Уорнера.

Карл создал уникальный жанр — пейзажи из еды. На его «вкусных картинах» горы сделаны из хлеба, деревья – из брокколи, волны — из листьев капусты, а в роли камней выступает печеный картофель.

Сам Уорнер считает, что его снимки должны вдохновлять детей на здоровое питание.
«Я использую свою работу, как средство, чтобы помочь детям задуматься, что они едят, — говорит он. – Когда они смотрят на кучу чипсов и кетчуп, то думают что это «ням-ням», но стоит показать им, например, спаржу, то они начинают кривить лица».
«Но стоит сделать, например, из спаржи башню на сказочном замке или ракету, и она уже не кажется такой невкусной»

Многие посчитают, что он переводит еду впустую, когда столько детей в мире голодает. Но Карл не считает это напрасной тратой продуктов, т.к. многие больницы, благотворительные организации и диетологи используют его снимки, чтобы помогать людям.

Согласитесь, не многие современные художники в милости у критиков, а еще меньшему кругу удается при жизни добиться мирового признания, почестей и высоких званий. Но, они все-таки есть. И среди таких имя живописца Ивана Марчука стоит в первых рядах.

В британском рейтинге «Топ-100 гениев современности» он занял 72 ступень. Сейчас Марчук - титулованный художник, лауреат Шевченковской премии, изобретатель авторского стиля живописи. И сегодня в нашей публикации уникальная галерея работ мастера, манера которого напоминает переплетение множества разноцветных нитей на холсте.

Иван Марчук (1936 г.р.) родом из села Москалевка Тернопольской области (Украина). Родился он в семье известного на всю округу мастера ткацких дел. Еще с раннего детства художник знал, что путь его предначертан: «Понимаете, откуда-то сверху Бог мне подсказал: "Ты должен заниматься именно этим. Бери карандаши или ручку и порть свой альбом". И я начал его портить – срисовывать из читанки писателей. И если уж перст Господень указал мне на то, что я должен взять в руки кисть… Это, очевидно, и был талант. Я уже не спал, не ел – рисовал, где только можно было, и думал, как это продолжить»,- из воспоминаний самого Ивана Марчука.

В 1956 году Иван окончил Львовское училище прикладного искусства. Обучение в котором дало юному Марчуку колоссальные знания о различных декоративно-прикладных техниках. Далее продолжил обучение на кафедре керамики Львовского института прикладного и декоративного искусства. Еще будучи студентом, он исследовал мировые художественные течения, принципиально обходя соцреализм. Еще тогда молодой художник фанатично искал свой путь, свой стиль и технику.

Творческий путь

И творил он всегда как подсказывала ему душа, тонко чувствовавшая и красоту родного края, и несправедливость, и боль.

В 1979 году его картины были представлены на первой коллективной выставке нонконформизма в Мюнхене, Париже, Нью-Йорке и Лондоне. В том же году состоялась и первая персональная выставка в Москве.

С 2006 года по решению Международной академии современного искусства в Риме является членом "Золотой гильдии", в которой насчитывается всего 51 художник со всего мира. А в 2007-м года по версии британской газеты The Daily Telegraph назван "гением современности".

"Когда я вхожу в мастерскую и смотрю на стопы картин, когда вспоминаю полотна, рассеянные по миру, теплее становится… Это единственное, в чем я доволен собой. Есть выражение: «Жизнь идет, а биография стоит», так вот, чтобы удостовериться, что моя биография не стояла, я мысленно перебираю свои работы… Нужно время, чтобы картину сделать, а их у меня уже больше пяти тысяч, и я смело могу сказать, что недаром прожил жизнь"- так комментирует свой длинный творческий путь 84-летний мастер.

«Дайте мне тысячу лет – и я разрисую небо».

Начиная с первого цикла работы мастера получили название «Голос моей души» и стали основой для всех последующих направлений в творчестве художника. Именно с этого периода появились у картины, созданные в новой авторской технике «плентанизм». Название происходит от слова «пльонтати», то есть – плести.

Внимательно присмотревшись, вы увидите, что его полотна как будто созданы уникальным переплетением множества разноцветных нитей. Потрясающая завораживающая техника, приковывающая взгляд и вызывающая желание у зрителя потрогать руками и попробовать смотать нити на клубки.

Краски в своем творчестве художник использует на водной основе, по консистенции довольно густую, которая, ложась на холст имеет объемную фактуру, что и создает впечатление кружевных плетений.

Наиболее всего впечатляют невероятные пейзажи самобытного мастера. На первый взгляд, казалось бы, совершенно простые пейзажи. Но, свето-цветовая гамма играет свою невероятную роль, придавая полотнам дополнительное значение. К примеру, вот чей-то дом, светлый и радостный, хотя покосившийся забор свидетельствует о запустении. Справа под лучами весеннего солнца греется старое дерево, такое же ветхое, но не менее значимое для цветовой и композиционной целостности картины. Жизнь здесь пришла в упадок, но не погасла.

Полотна художника с изображением хат-мазанок никак нельзя отнести к тоскливым пейзажам. Мастер оживил их определенным деталям: вкраплениями солнечного или лунного света, бликам сверкающего снега и наложению мерцающих теней.

На них можно смотреть подолгу, не уставая взглядом отслеживать хитросплетения красочных тончайших мазков.

P.S. «Свои картины я не выдумывал, они мне являлись, это картины-притчи…»

Это поистине слова мудрого человека, прожившего длинную плодотворную жизнь и оставившего после себя наследие, которое будет жить в веках.

Юлий Юльевич Клевер — русский художник немецкого происхождения. Преподавал в Академии Художеств и в Центральном училище технического рисования в Санкт-Петербурге, где заведовал кафедрой монументальной живописи. Но в XIX веке Клевер считался салонным художником, его даже называли любимым живописцем царской семьи, поэтому после революции о былой популярности он мог только вспоминать.

При этом картины Юлия Клевера просто завораживают. Обычные русские пейзажи и заброшенные деревеньки на них выглядят сказочными, волшебными. Леса, озера, заснеженные равнины манят и привлекают своей загадочностью. Мы предлагаем вам полюбоваться картинами Юлия Клевера и заодно узнать немного о его судьбе.

Юлий Юльевич Клевер родился 19 (31) января 1850 года в Дерпте. С детства проявлял наклонности к рисованию и в 1867 году, после окончания гимназии, по настоянию семьи начал учиться архитектуре в Императорской Академии художеств, однако вскоре перевёлся в пейзажный класс. За успехи в живописи он был удостоен малой и большой серебряных медалей Академии.

В 1871 году его картина «Заброшенное кладбище зимой» была положительно оценена художественным сообществом и приобретена графом П. С. Строгановым. В 1872 году картина «Закат» была приобретена великой княгиней Марией Николаевной. А после того, как в 1876 году его картину «Березовый лес» пожелал приобрести Александр II, Юлию Юльевичу, не кончившему академического курса, было присвоено звание классного художника первой степени, а в 1878 году за картину «Старый парк» («Вид запущенного парка в Мариенбурге») он получил звание академика живописи.

В 1890-х годах Ю.Ю. Клевер был вынужден уехать в Германию: его привлекли как свидетеля к громкому делу о финансовом злоупотреблении его знакомого, бывшего конференц-секретаря Академии художеств П. Ф. Исеева. Семья Клеверов вернулась в Россию только в 1915 году. После революции 1917 года живописец получал материальную поддержку от Общества художников имени А. И. Куинджи. Умер Юлий Юльевич в 1924 году.

Клевер создал свой уникальный стиль, который завораживал зрителя: некоторая доля декоративности, в основе сюжета таинственное и заброшенное (полуразрушенное) место, и всё это освещено закатным (восходящим) солнцем, лучи которого придают пейзажу мистическое, порой зловещее, содержание. При этом полотна художника невозможно назвать нереалистичными и абсолютно надуманными. Есть доля сказки, мифа, страшилки. Но полотно смотрится, как реальный живой пейзаж. В этом и заключается особый дар и уникальный почерк Юлия Клевера.

Не секрет, что гиперреализм в современном мире искусства особо не жалуют ни критики, ни продвинутые ценители, которые так и норовят приписать этот стиль к обычному, никому не интересному ремеслу. Тем не менее некоторые художники считают, что лишь опираясь на реалии жизни, технические наработки мастеров прошлого, собственный талант и свое художественное мировоззрение можно создавать настоящую подлинную живопись, которая останется на века.

По правде говоря, творческий путь, избранный художником-гиперреалистом, зачастую бывает очень нелегок и тернист. Эти живописцы постоянно находятся под шквальным огнём критики, причем «достается» им, что называется, «со всех сторон». Одни упрекают авторов в недостаточной оригинальности сюжетов, «механичности», в плагиате, что превращает их высококвалифицированный труд из высокого искусства в обыденное ремесло. Эти высказывания постоянно перекликаются с недовольством, звучащим из другого «лагеря» критиков: «чересчур сильные заигрывания с эротоманией», а также «сто раз виденные у других авторов мифологические и фэнтезийные аллюзии».

К глубокому сожалению, все это вместе взятое просто-напросто обесценивает кропотливый труд художника, превращая его в продукт низшего качества, предназначенный для дилетантов от мира ценителей живописи. Именно поэтому в сегодняшней нашей публикации мы попытаемся представить гиперреализм в самом, что называется лучшем свете.

Гиперреализм, воплощённый кистью Вячеслава Грошева

Современный художник Вячеслав Грошев (1974 г.р.) родом из России, но уже много лет живет в Канаде, где имеет свою прекрасно оборудованную студию. И отбоя от заказчиков у художника нет. Пишет он портреты в потрясающей технике гиперреализма, пишет очень много, успешно и весьма плодотворно. И хотя художник утверждает, что искусство, это, в первую очередь, очень тяжелый труд (и это действительно является абсолютной правдой), зрителя не покидает ощущение, что его работы необычайно легки и изящны. Будто написаны они на одном дыхании, на одном взмахе кисти. Это касается практически всех полотен автора, будь то дети в виде ангелочков, портреты подростков, взрослых людей или изображения красивых женщин в стиле ню...

Невероятно впечатляет зрителя и великолепная техника живописи мастера, основанная на кропотливом и доскональном изучении творческих секретов художников-классиков, а также талант самого Грошева, что и позволяет создавать ему настоящие шедевры в жанрах портрета и сюжетной картины. Вильям Бугро, Леон Базиль Перро, Фредерик Морган. Присмотритесь к работам этих мастеров-портретистов - не они ли вдохновляли нашего современника Вячеслава Грошева?

К слову сказать, невзирая ни на какие критические замечания, на сегодняшний день герой нашей статьи всячески обласкан экспертами и ценителями живописи, живущими по ту сторону Атлантики. Популярность его выставок растёт из года в год, но сам мастер воспринимает это как на некий моральный «аванс» и стимул к дальнейшему самосовершенствованию. Для него живопись — пусть любимая и благодарная, но упорная и требующая полнейшей самоотдачи - работа.

"Приехав в Монреаль, я начал писать картины. Я всегда знал, что могу это делать, но не было ни времени, ни возможности. Разумеется, что я был обучен основам живописи, рисунка, композиции и т.д., сначала в художественной школе, затем пару лет с преподавателями. Но именно здесь я начал рисовать по десять часов в сутки, шесть дней в неделю. И уже сейчас мои картины не только у частных заказчиков, но и в собраниях коллекционеров Канады, США и Европы," - говорит сам Слава Грошев о своем увлечении, ставшим профессией.

Работу этого художника можно сравнить с манипуляциями заправского фотокорреспондента, который буквально «ловит» в объектив реальную жизнь в высшей точке её эмоционального выражения, как бы «вырывая» из рук Вечности глубоко символичный миг, и делится им со зрителем. Однако у живописца-реалиста, желающего достичь того же эффекта, куда больше свободы действий, чем у работника камеры. Он посредством холста и красок творит собственную реальность. Однако, как ни крути, добиться от публики доверия к достоверности своего «высказывания» художнику намного сложнее.

Хотелось бы также отметить, что помимо изумительных портретов пишет Вячеслав Грошев и сюжетные полотна на библейские темы. К слову, весьма оригинальны и эротичны работы художника, выполненные в стиле "ню". (Их можно посмотреть на других ресурсах.)

Сьюзен Брабо – современная американская художница. Она никогда не училась живописи, у нее есть степени бакалавра по биологии и математике, она много лет была актрисой и певицей, выступала в комедийных шоу в Калифорнии и играла на Бродвее. А рисовать она начала в ожидании своего ввода в основной состав успешного мюзикла… И получились удивительные, наполненные яркими красками мгновения из повседневной жизни обычных людей. Сьюзен с удивительной лёгкостью «схватывает на лету» настроение своих персонажей, их характер, может рассказать целую историю о том или ином человеке. Ее картины так и хочется рассматривать, находя в них новые и новые подробности!

Что поражает зрителя в первую очередь в работах Сьюзан Брабо (Susan Brabeau) — это её сверхъестественный талант «фотографирования» людей. Она способна «схватить» их настроения, их особенности, и даже их язык тела.

Художница может через ряд частных моментов рассказывать целую историю о том или ином человеке, историю, которая трогает сердце, разжигает воображение и восхищает чувства. Все её работы отражают любовь к прошлым простым временам.

Сьюзан создает семейные портреты в виде шуточных сценок из жизни, портреты некоторых выдающихся политических деятелей, написанные ею, украшают Капитолий и государственные учреждения штата Северная Каролина. Множество работ выставлено на различных выставках и в артгалереях.

Виктор Габриэль Жильбер зарекомендовал себя как художник французских жанровых сцен. Его природные способности к рисованию обнаружились в раннем возрасте, но в силу финансовых обстоятельств он должен был работать в качестве ремесленника. Единственное официальное художественное образование получил в школе у Пьера Левассера «Эколь де Ла Вилле де Пари».

Несмотря на отсутствие подготовки, Жильбер быстро пришел к известности в парижском обществе. Первая выставка его работ состоялась в 1873-1874 гг. в Салоне.

В середине 1870-х он стал близким другом Пьера Мартина, одного из главных сторонников движения импрессионистов. Мартин приобрел произведения Виктора Жильбера вместе с картинами таких именитых художников, как Моне, Ван Гог, Сезанн и Гоген.

Именно благодаря этой поддержке Жильбер смог отказаться от профессии декоратора и посвятить все свое время живописи.

Жильбер умер 21 июля 1935 года, и похоронен в кладбище Montmartre в Париже.