Аурелио Бруни: современный художник из Италии и его работы

Кто такой великий художник? Тот, кто хорошо пишет картины? Тот, кто устраивает множество своих выставок? Тот, чьи работы красуются в лучших музеях и картинных галереях мира? Наверное, несколько лет назад можно было бы так сказать. Сейчас художника называть великим можно, если его признает «старая» школа, если он идет параллельно новому, не переходя грани безумного, сублимируя классику и модерн. Безусловно, работы гения вызывают эмоции у зрителя. Сегодня мы расскажем о потрясающем современном художнике из Италии, работы которого можно смело ставить в ряд с шедеврами художественного искусства.

Аурелио Бруни, так зовут итальянского художника. Он был рожден в городке Блера в октябре 1955 года. Бруни не имеет художественного образования, юноша выучился на сценографиста в институте искусств Сполето. Аурелио является самородком, ведь как художник он состоялся исключительно благодаря самообразованию, фундаментом послужили знания, полученные о живописи еще в школьные годы. Писание картин маслом Бруни открыл для себя в возрасте 19 лет, с тех пор с кистью он не расставался. Сейчас художник работает и творит в Умбрии.


Самые ранние работы Бруни больше примыкают к направлению сюрреализма, это очень четко ощущается в созданных им образах.


По мере взросления художник переходит на сторону лирического романтизма, символизма. Утонченность, пластичность линий, детализация — все это начинает прослеживаться на полотнах итальянца. Удивительно то, что неодушевленные предметы встают в ряд с одушевленными, а именно с человеком: каждый элемент выглядит гиперреалистично, однако, это не мешает разглядеть суть, уловить смысл, заложенный художником.


Изысканность, эстетика, чувственность работ вызывает легкое ощущение меланхолии, одиночества и задумчивость. Именно таким духом насквозь пропитаны потрясающие картины Аурелио Бруни.












Поделись
с друзьями!
774
4
14
10 дней

Красочные пейзажи маслом Эрин Хансон

Картины этого художника, созданные в особой импрессионистской технике, полны сочных красок и живо передают ощущение энергии пейзажа.


Калифорнийская художница Эрин Хансон всегда была близка к природе, занималась скалолазанием и ходила в турпоходы. Рисовать начала в детстве, осваивала техники масляной, акриловой и акварельной живописи. После экспериментов с различными средами она разработала собственный стиль, который называет «открытым импрессионизмом» (Open-Impressionism).


Новаторские художественные приёмы Хансон включают уверенное нанесение на холст ярких, неразбавленных красок. Текстура направляет взгляд зрителя вглубь полотна, где пейзаж колышется, дышит и танцует.

На холстах художницы оживают насыщенные цвета поздней весны и разгара лета, размашистыми мазками клонится трава, в ритм покачиваются деревья, долины ловят последние лучи заходящего солнца, а горы вдалеке контрастируют с тёплыми цветами на переднем фоне. Природа во всём буйстве красок.




















Источник: svistanet.com
Поделись
с друзьями!
701
6
17
21 день

Цветочный натюрморт Яна де Хема: аллегория жизни и смерти

В «Золотом веке» голландской живописи в XVII веке натюрморт окончательно стал самостоятельным жанром живописи, который в образной форме воплотил мировоззрение человека. Особое место в этом периоде занимают цветочные композиции Яна Давидса де Хема, которые прославляют красоту флоры и в то же время хранят в себе множество скрытых символов.


«Автопортрет» около 1630-1635 гг. Автор: Ян Давидс де Хем

Рассмотрим его картину «Цветы в вазе». В этой работе де Хем создает гармоничную композицию из тридцати одного цветка, овощей и зерновых культур, уравновешивая их цвета и формы. Несмотря на иллюзию реальности, этот букет никогда не существовал на самом деле, так как цветы принадлежат к разным временам года. Воображение художника восхитительно! Включая те или иные виды цветов и насекомых, художник включал в полотно определенное смысловое значение.

Ян де Хем | Цветы в вазе

Начнем с фундамента натюрморта — вазы. В этой композиции де Хим подчеркивает округлость от мраморного постамента и стеклянной вазы, отражающей окно студии, до обильного цветения и изогнутых стеблей хмеля и пшеницы. Кстати, круг и овал — любимые геометрические формы мастеров барокко. Округлость перекликается и с изогнутой формой улитки и гусеницы. Луковичная форма стеклянной вазы усилена декоративными линиями, которые сходятся в центре, уравновешивая композицию.

Ян де Хем | Цветы в вазе (Фрагмент)

У основания вазы художник изобразил символы бренности: увядшие и сломанные цветы, осыпавшиеся лепестки и засохшие стручки гороха. Используя закрученные стебли, листья и лепестки, де Хем направляет взгляд зрителя. Мы смотрим на горох в левом нижнем углу, наш взгляд двигается выше и поворачивает у грозди цветов в самом центре, после чего двигается вправо вдоль изящного стебля пшеницы. Колос пшеницы — символ хлеба, тела Христова.


Тему бренности жизни мы видим и в маленьком сюжете у белого центрального цветка: гвоздика подвергается нападению насекомых. Они уже разорили листья и, вполне вероятно, направят свои силы на остальные цветы композиции. Такие элементы, с одной стороны, призваны напомнить нам о хрупкости жизни и приближающейся смерти, подчеркивая популярную идею vanitas (Vanitas vanitatum et omnia vanitas «Суета сует и все — суета») — тщеславие и привязанность к мирским вещам. А с другой стороны, добавляют натюрморту динамики и живости. Гусеница, куколка и бабочка вместе означают жизненный цикл и стадии земной жизни человека, смерть и воскресение. Улитка ассоциируется с душой грешника.

Ян де Хем | Цветы в вазе (Фрагмент)

Главный цветок композиции — мак — напоминает о скоротечности живой красоты, а скрытые в нем семена — о смерти и забвении. Синий ирис олицетворяет отпущение грехов и указывает на возможность спасения через добродетель.


В букете мы видим ещё символы скромности и чистоты: полевые цветы, фиалки и незабудки. Их окружают тюльпаны, символизирующие увядающую красоту и бессмысленное расточительство (спекуляция луковицами тюльпанов в Голландии во второй половине тридцатых годов XVII века достигла поистине степени безумства, когда за цену луковицу тюльпана редкой окраски можно было купить целый дом). © Artifex.ru



Соединив фламандскую точность с геометрической строгостью голландцев, Хем создал оригинальный и утонченный стиль. Яркие гармонично подобранные цвета и оттенки, энергия и непрерывное движение даже на таком статичном жанре как натюрморт, четко подобранная композиция и гениально скрытые аллегории — отличительные черты работ Яна де Хема и его значительный вклад в «Золотой век» Голландии.

«ЦВЕТОЧНЫЙ БУКЕТ В СТЕКЛЯННОЙ ВАЗЕ, РАСПЯТИЕ И МЁРТВАЯ ГОЛОВА»

«ЦВЕТЫ В ВАЗЕ В НИШЕ»

ЯН ДАВИДС ДЕ ХЕМ «ЦВЕТЫ В СТЕКЛЕ И ФРУКТЫ» XVII ВЕК

«MEMENTO MORI С ЧЕРЕПОМ ПОД ВАЗОЙ С ЦВЕТАМИ» 1660Г.

«КАРТУШ С ФРУКТАМИ И ЦВЕТАМИ И БОКАЛОМ ДЛЯ ВИНА» ЯН ДАВИДС ДЕ ХЕМ

ЯН ДАВИДС ДЕ ХЕМ «ВАЗА С ЦВЕТАМИ» 1645 Г.

ЯН ДАВИДС ДЕ ХЕМ «ВАЗА С ЦВЕТАМИ И ЯГОДАМИ»

Букет в стеклянной вазе.
Поделись
с друзьями!
553
3
13
1 месяц

Повелители мух: зачем большие художники пускают этих неприятных насекомых на свои картины?

На днях из Лондона, где в Национальной галерее проходит большая выставка Дюрера, прилетела новость с оттенком сенсации: на ранней копии знаменитой картины Дюрера на колене у Мадонны сидит муха (и, вероятно, она была и на оригинале). Фоном как бы звучит: это скандально, это невиданно и не понятно, что хотел сказать художник. Конечно, когда у тебя есть выставка и есть Мадонна с мухой, грех не сделать из этой мухи слона. В смысле, информационный повод. Но — истина дороже. Мухи — совсем не редкость на картинах самого серьёзного содержания. И намёки художника почти всегда ясны.

Фрагмент "Портрета женщины из семьи Хофер", Национальная галерея, Лондон

Начнём с натюрмортов. Даже если это не классический ванитас с человеческим черепом, напоминающий зрителю о быстротечности жизни и неминуемости конца, а радующий глаз натюрморт с фруктами или цветами — муха говорит всё о том же: фрукты сгниют, цветы увянут, с твоей молодостью и жизнью будет то же. Плюс муха даёт художнику возможность поиграть с композицией и трёхмерностью: например, у Фёдора Толстого это впечатляет и без всяких подтекстов.

Натюрморт с фруктами Якоб ван Хюльсдонк 1620-е , 20×31 см

Натюрморт с розой, ящерицей, земляникой и раковинами Балтазар ван дер Аст 1620-е , 18.5×24 см

Натюрморт с виноградом и персиком Эмили Прейер

Ну, это всего лишь натюрморты, а дюреровская муха спикировала на религиозную картину, возразите вы. Не спешите отбрасывать натюрморты как легкомысленный жанр: у старых голландцев почти каждый наполнен религиозным смыслом. И яблоко, на котором сидит муха, вполне может отсылать к грехопадению в Эдеме. И уж тем более на грех намекает «клубничка», а гвоздика — это жертва Христа, которой он искупил человеческие грехи.

Земляника и гвоздика в миске Якоб ван Хюльсдонк 1620, 24×36 см

Все-таки нужны мухи, которые вьются поблизости от святых и даже позволяют себе приблизиться к Мадонне с Младенцем? Пожалуйста: очень любил такие трюки Карло Кривелли.

Святая Екатерина Александрийская (мастерская Кривелли) Карло Кривелли 1491, 38×19 см

Мадонна с Младенцем Карло Кривелли 1480-е , 38×23 см

Уже по одному взгляду Младенца на муху понятно, что она здесь — и грех, который он искупит, и зло, которое он победит. Но в то же время у Кривелли (как и у большинства других художников, которые изображают мух на картинах, где им вроде бы не место) — это именно трюк, беззастенчивая демонстрация мастерства. И заодно — шутка. Смотрите, как я могу: вы даже не сразу поймёте, что муха нарисованная! Будете думать, что она села на картину, и попытаетесь её прогнать!

Богоматерь с младенцем Карло Кривелли 1480, 49×34 см

Скажете, не по чину большому художнику такие шуточки? Ой, да ладно, сам Джотто так шутил. Ну, по крайней мере, Вазари об этом рассказывал (а французский историк искусства Даниэль Арасс, посвятивший мухам целую главу в книге «Деталь в живописи», уточнял: во времена Чимабуэ и Джотто мух не рисовали, а вот во времена Вазари это было популярной практикой — потому анекдот и родился):

«Говорят также, что еще ребенком, работая с Чимабуэ, Джотто изобразил однажды муху на носу одной из фигур, написанных Чимабуэ, так натурально, что, вернувшись к работе, Чимабуэ несколько раз пытался согнать рукой муху, принимая ее за настоящую, прежде чем заметил свою ошибку». (Джорджо Вазари. Жизнеописания)

фрагмент картины

Дева Мария с младенцем на троне Джорджио Скьявоне 1450-е , 91.5×35 см

Художники, подсаживающие на картины очень реалистичных мух, продолжают челлендж, запущенный даже не Джотто, а древнегреческими живописцами Зевксисом и Паррасием. Их работы до нас не дошли, но легенда о состязании, которое сделало их королями жанра тромплёй (проще говоря, живописной обманки), жива. Вот она в пересказе Михаила Гаспарова:

Самыми знаменитыми в живописи были две пары соперников: в V веке Зевксис и Паррасий, в IV веке Апеллес и Протоген.

Зевксис с Паррасием поспорили, кто лучше напишет картину. Собрался народ, вышли двое соперников, у каждого в руках картина под покрывалом. Зевксис отдернул покрывало — на картине была виноградная гроздь, такая похожая, что птицы слетелись ее клевать. Народ рукоплескал. «Теперь ты отдерни покрывало!» — сказал Зевксис Паррасию. «Не могу, — ответил Паррасий, — оно-то у меня и нарисовано». Зевксис склонил голову. «Ты победил! — сказал он. — Я обманул глаз птиц, а ты обманул глаз живописца».

Зевксис недаром выбрал предметом для своей картины виноградную гроздь: это он умел изображать как никто. Однажды он написал мальчика с гроздью в руках, и опять птицы слетались и клевали ягоды, а народ рукоплескал. Недоволен был только сам Зевксис. Он говорил: «Значит, я плохо написал мальчика: если бы мальчик был так же хорош, птицы боялись бы подлетать к ягодам».
(Михаил Гаспаров. Занимательная Греция)
Но вернёмся к 3D-мухам и религиозной живописи. На копии картины Дюрера муха сидит прямо на ноге Мадонны — неужели такое близкое соседство святого с презренным позволил кто-то ещё? Да, конечно!

Вот, например, работа Джованни Санти, отца Рафаэля.

Христос с двумя ангелами (Муж скорбей) Джованни Санти 1490, 66.5×54.5 см

Здесь муха, сидящая на обнажённой груди Христа, — не только обманка, не только привычный символ греха и зла, которым противостоит Христос, но ещё и знак смерти, смертности: получается изящное напоминание о том, Сын Божий — ещё и сын человеческий.

Венгерский искусствовед Андор Пиглер также предполагал, что нарисованная муха могла служить своеобразным амулетом: зло изображённое оберегало картину от зла реального, в данном случае — отпугивало настоящих мух, которые способны испортить живописную поверхность.

«Мадонна делла Пергола» Бернардино Детти (1520-е, Городской Музей Пистойи, Италия) тоже напоминает, что земной путь Иисуса будет недолгим: на его руке сидит муха.


Муха, изображённая на портрете простого смертного, может означать, что портрет — посмертный, но это необязательно (трактовка будет зависеть от того, что нам известно о жизни изображённого). На портрете она может простым фокусом-шуткой или уже известной нам живописной проповедью о том, что жизнь скоротечна, а конец близок. Нам трудно представить, что заказчик портрета оценит намекающую на неизбежность смерти муху на изображении живого человека. Но человек религиозный такое тонкое напоминание о необходимости уже здесь и сейчас, в суете будней, заботиться о своём загробном существовании, принимал с благодарностью.

Портрет картезианца Петрус Кристус 1446, 29.2×21.6 см

Неизвестный художники из Швабии. Портрет женщины из семьи Хофер. Ок. 1470. Национальная галерея, Лондон

Люди изображённые выше, скорее всего, получили свои портреты при жизни, а художники просто виртуозничали: уж если рама нарисована — почему не усилить обман ещё и мухой? Что касается женского портрета, в его описании на сайте галереи высказывается уже известное нам предположение о том, что нарисованную муху могли мыслить как защиту от реального зла.

А вот с кардиналом Бандинелло сложнее: в 1516 году, когда был закончен портрет , он был жив. Более того, он был на пике карьеры. Но уже через год будет обвинён в заговоре против папы Льва X и заключён в тюрьму. А в 1518 скончается. Вероятно, муха — чёрная на белом — была дописана позже. То ли как знак зла, содеянного папой (впрочем, он был оправдан). То ли как знак «червоточины» на его судьбе. То ли как знак его смерти.
Фрагмент картины с мухой.

Кардинал Бандинелло Саули, его секретарь и два географа Себастьяно дель Пьомбо Живопись, 1516, 121.8 см

фрагмент картины с мухой

А следующий художник, скорее всего, вдовец и свою жену писал по памяти: на то, что она мертва, указывает не только муха, но и взгляд женщины: муж смотрит на нас, а она — нет.

Мастер из Франкфурта. Автопортрет художника с женой. 1496. Масло, дерево. 38×26 см. Королевские музеи изящных искусств, Антверпен

Эти мухи выглядят слишком крупными внутри картины, но их размер будет реалистичен по отношению к зрителю, стоящему перед картиной: так действует художник, который хочет убедить нас, что муха живая.

Живописная муха не даст вам покоя, так же, как не даёт его муха, которая пробралась в комнату и мешает вам уснуть или не даёт сосредоточиться на книге. Сначала нарисованная муха заставит вас смахнуть её, поразмыслить о её реальности, а потом — задаться вопросом о том, какие смыслы зашифровал в ней художник.

Позвольте совет: не пытайтесь найти один ответ на этот вопрос. Возможно, художники полюбили муху именно за то, что под видом шутки она позволяет говорить сразу о многом. Но в то же время не обязывает к непременному разговору.

Автор: Наталья Кандаурова
Источник: artchive.ru
Поделись
с друзьями!
938
7
24
2 месяца

Весна на картинах великих художников

О весне сочиняют прозу, весне посвящают стихи. И, конечно же, о весне пишут картины. Предлагаем вашему вниманию небольшую подборку картин великих художников на тему весны.


Пробуждение весны


Берггольц Ричард Александрович

1911, х.м., 80 x 160 см., Омский областной музей изобразительных искусств им. М.А.Врубеля

«День был солнечный и ветреный, такой день, когда можно зайти за угол дома, спрятаться от ветра, прижаться спиной к чуть-чуть согретой солнцем стене и почувствовать всем сердцем радость прихода весны и тепла… Стоять, жмуриться и улыбаться». (Евгений Гришковец, «Реки»)

Лес весной


Шишкин Иван Иванович

1884, х. м. 142 x 105 см., Серпуховский историко-художественный музей

Как известно, Иван Шишкин часто обращался в своих работах к теме жизни русского леса, русских лугов и полей, он совершенствуется в передаче состояния природы, экспрессии образов, чистоте палитры. Так рождается картина «Лес весной» (1884), которая соединяет в себе как величавость, так и теплые ноты.

Ранняя весна. Оттепель


Алексей Кондратьевич Саврасов

1880-е, х. м., 68х54 см., Картинная галерея им. Б.М. Кустодиева. Астрахань

В своем творчестве Саврасов много уделял внимания теме времен года, а особенно любил весну. В своих картинах художник умел видеть красоту в самом обычном и прозаическом пейзаже.

Грачи прилетели


Алексей Кондратьевич Саврасов

1871, х.м., 48,5x62 см., Третьяковская галерея

Картина «Грачи прилетели» - наиболее известное произведение Саврасова. Сюжет к картине был взят художником в обычном селе Молвитино. Сразу после показа полотно было куплено П. Третьяковым в свою коллекцию. И со временем картина, самое название которой, уже таит радостное прибытие весны, стала образцом простой красоты в русской пейзажной живописи: весь пейзаж напоен теплым весенним воздухом, как радостно щебечущие птицы и вся природа с нетерпением ожидают скорого наступления солнечных и теплых дней.

Весна. Большая вода


Исаак Ильич Левитан

1897, х.м., 64,2х57,5 см., Третьяковская галерея

Еще один художник, любящий весну – Исаак Левитан, решил изобразить в одной из своих картин любимую пору в период своего самого сильного проявления. Картина открывает перед нами паводок, захвативший часть прибрежного леса и несколько деревенских построек. Поскольку художник старался передать русскую весну максимально точно, ничего не приукрашивая, палитра картины необыкновенно скромна, но правдива и реалистична. Да и природа не нуждается в украшениях.

Ранняя весна


Куинджи А.И.

Куинджи А.И. Ранняя весна. 1890-1895

Картина "Ранняя весна" принадлежит кисти известного русского живописца Архипа Ивановича Куинджи. Полотно было написано в 1895 году, оно относится у лучшим пейзажам художника.

Центральное место на картине отведено скованной льдами реке, замершей накануне весеннего половодья в ожидании первых теплых лучей, которые могли бы позволить ей высвободить все свое могущество и показать себя во всей красе.

Весна



С. А. Виноградов

Сергей Арсеньевич Виноградов. Русский музей Год: 1911

Сергей Арсеньевич Виноградов (1869-1938) принадлежит поколению художников, чье творчество неразрывно связано с традициями пейзажной живописи, заложенными И. И. Левитаном. Природа как источник всех человеческих чувств и настроений кистью живописцев объединения «Союз русских художников» запечатлевалась лирической, содержательной, исполненной трепетного любования и переживаний. Тема жизни в гармонии и полном слиянии с русской землей станет центральной в творчестве Виноградова. Мастер солнечных сюжетов, он почти всегда избирал особые мажорные по звучанию состояния природы.

Ода весне


А. Дейнека

Ода весне. А Дейнека. 1945 год Холст, масло

Голубая весна


В. Н. Бакшеев

Василий Николаевич Бакшеев «Голубая весна», 1930 Государственная Третьяковская галерея, Москва

С большой проникновенностью выразил Бакшеев свое отношение к природе. Он писал: «Когда бродишь среди природы, видишь в поле, в лесу, в облаках движение, все дышит, все живет, и как ясно, просто это явление жизни! Сколько блаженства, счастья видеть летом, как солнце заливает своими лучами поля, леса, воды и небо! Запах земли, аромат леса – какое это очарование! Появляется страстное желание передать это на холсте. Передать проявление жизни, ее трепет. Вот тут-то и приходится переживать ряд очарований и разочарований. Трудно, ах как трудно передать, что видишь и что чувствуешь. Но зато какое высокое наслаждение испытывает художник, когда ему удается дать на холсте кусок настоящей жизни».
Поделись
с друзьями!
1195
0
11
3 месяца

Польский художник Дамиан Лихошест и его невероятно точные портреты

Многие художники сегодня обращаются к помощи современных технологий, чтобы дать выход своему творческому потенциалу, поэтому прекрасные работы художников старой школы ─ как глоток свежего воздуха. И более 450 тысяч подписчиков в Instagram польского художника Дамиана Лихошеста (Damian Lechoszest) согласятся с этим.


Завораживающие портреты, написанные художником из польского города Рацибуж, ─ это невероятно реалистичные изображения его моделей. И, чтобы продемонстрировать сверхъестественное сходство и богатство деталей каждого произведения, он сопоставляет модель с готовой картиной.




























Источник: www.instagram.com
Поделись
с друзьями!
1550
2
53
4 месяца

«Апофеоз войны» художника Верещагина

Василий Верещагин: «Я всю жизнь горячо любил солнце. И я бы с радостью писал только одно солнце, если бы люди не убивали друг друга».

«Апофеоз войны», 1871 г. В. В. Верещагин. Источник: Государственная Третьяковская галерея

Сюжет


На выженной земле — то ли это был сад, то ли никогда ничего не росло на этой раскалённой почве, — стоит пирамида из человеческих черепов. Многие из них выписаны очень чётко, можно даже определить, от чего умер человек — от пули, сабли или сильного удара. Часть черепов сохранила последние эмоции людей: ужас, страдание, непереносимую муку.

На горизонте виднеется разрушенный город. Рядом с пирамидой кружат вороны. Для них, безучастных к судьбе людей уничтоженного поселения, — это пир во время чумы.

Василий Верещагин

Василий Верещагин всегда внимательно относился к оформлению рамы — у каждой его картины она индивидуальная. Часто художник просил нанести поясняющие надписи репортажного характера, чтобы пояснить сюжет и сформулировать эмоции автора. Не стал исключением и «Апофеоз войны». Текст на раме гласит: «Посвящается всем великим завоевателям — прошедшим, настоящим и будущим». То есть своей работой художник напоминает, какой ценой даются военные триумфы.

Контекст


«Апофеоз войны» — одна из редких картин, на которой Верещагин изобразил то, чего не видел в реальности. В основе сюжета — события 14-го века, связанные с Тамерланом. Его имя приводило в ужас правителей Востока и Запада. Он обескровил Орду, жестоко подчиняя каждое селение на своём пути. Например, придя в Иран и взяв крепость Себзевар, Тамерлан приказал возвести башню, замуровав в стены живьём 2 тыс. человек. А после разграбления Дели по приказу полководца были обезглавлены 100 тыс. мирных жителей. По воспоминаниям современников, сделанные из голов индийцев башни достигали огромной высоты. Тамерлан считал, что подобные пирамиды прославляют его полководческий талант.

«Двери хана Тамерлана», 1875 г. В. В. Верещагин. Источник: Государственная Третьяковская галерея

Картина является частью Туркестанской серии, над которой Верещагин работал после участия в русской кампании в Средней Азии во второй половине 1860-х. На место военных действий художника пригласил генерал-губернатор Туркестана и командующий русскими войсками К. П. Кауфман. Верещагин не только наблюдал, но и героически сражался, за что был удостоен Ордена Святого Георгия IV степени. По созданным эскизам художник работал 2 года в Мюнхене. Вошедшие в Туркестанскую серию картины, а также этюды и эскизы были впервые показаны в Лондоне в 1873 году, а затем в 1874 году — в Петербурге и Москве.

«Торжествуют», 1872 г. В. В. Верещагин. Источник: Государственная Третьяковская галерея

В России военные, в том числе и Кауфман, называли Верещагина клеветником. Журналисты писали, что герои Туркестанской серии — туркмены, торжествующие над русской армией, а «Апофеоз войны» якобы воспевает их подвиги.

«Самарканд. Мавзолей Гур-Эмир», 1869−1870 гг. В. В. Верещагин Источник: Государственная Третьяковская галерея

А между тем во время Туркестанской кампании Верещагин писал не только батальные полотна. Есть среди его работ и те, что показывают красоту мира, экзотику мест: сутолока базар с его пёстрыми товарами, резные минареты, местные жители и их быт. Через эти сюжеты Верещагин открывал зрителям новый дивный мир, на фоне которого война теряла всякий смысл.

Судьба художника


Василий Верещагин родился в семье богатого помещика в Череповце. Его отец настоял на том, чтобы каждый из его четверых сыновей стал военным. Василий закончил морской кадетский корпус и по получении звания офицера вышел в отставку, намереваясь стать художником. В ответ на это отец заявил, что если Василий осуществит задуманное, может домой не возвращаться. Это была их последняя встреча.

Как живописец Верещагин был точен в каждой детали. Его бескомпромиссной правдивостью восхищались передвижники. Посетителям выставок Василий Васильевич казался ужасным, кровавым, экзотически жестоким. Были и те, кто подозревал его в намеренном смаковании деталей — чтобы пощекотать людям нервы. Сам же художник говорил: «Слёзы набегают, когда вспоминаю весь этот ужас».

«Побеждённые. Панихида по павшим воинам», 1877 г. В. В. Верещагин. Источник: Государственная Третьяковская галерея

Как профессиональный военный, Верещагин знал истинное лицо войны. Его возмущало, что из-за бездарного командования гибнут почём зря люди, пока в ставке пьют шампанское во славу государя, полагая, что чем больше погибло солдат, тем громче слава.

«Мавзолей Тадж Махал близ Агры», 1874 г. В. В. Верещагин. Источник: Государственная Третьяковская галерея

Полотно из Японской серии. В. Верещагин. Источник: Государственная Третьяковская галерея

После Балканских войн Верещагин решил оставить баталистику. Несколько лет он посвятил путешествиям по Индии, Японии, Ближнему Востоку, Америке.

Василий Васильевич Верещагин – Ледник по дороге из Кашмира в Ладак 1875. 42×29

В 1877 г., едва началась русско-турецкая война, Верещагин оказался добровольцем на фронте. В самом начале войны он принимал участие в минной атаке на Дунае, был ранен, лежал приговоренный к смерти в госпитале, а выздоровев, вернулся в действующую армию. На войне художника постигло большое горе: был убит его любимый младший брат Сергей, другой брат, Александр, ранен. Сорок этюдов, написанных под пулями и гранатами, были вероломно похищены. В одном из писем П. М. Третьякову, высоко ценившему талант художника, Верещагин писал: «Передо мною, как перед художником, война, и ее я бью, сколько у меня есть сил; сильны ли, действенны ли мои удары – это другой вопрос, вопрос моего таланта, но я бью с размаха и без пощады».

В целях популяризации своего творчества и пропаганды антимилитаристских идей художник постоянно открывал выставки в России, в столицах и крупнейших городах Европы, а также в США. Успех выставок и авторитет художника были огромны. Престиж русской художественной культуры небывало поднялся. И в то же время русское правительство не купило у Верещагина, имевшего международное признание, ни одной крупной картины.

Василий Васильевич Верещагин – Перед Москвой в ожидании депутации бояр. 1891-1892

Большой популярностью пользовались произведения Верещагина, посвященные Отечественной войне 1812 года, где он противопоставляет французским завоевателям героический русский народ. Около 17 лет работал он над серией из 20 полотен, так и не завершив ее. Долгое время не находилось покупателя и на эту патриотическую серию. Лишь под давлением общественности после долгих проволочек картины поступили в казну государства.

В начале русско-японской войны (1904) Верещагин, оставаясь верным своим принципам, уезжает в действующую армию. Он опять полон желания правдиво показать людям войну. 13 апреля 1904 г. Василий Васильевич погиб на броненосце «Петропавловск», взорванном японской миной, до последнего момента занося в походный альбом панораму военного рейда.

Василий Васильевич Верещагин – Раненый. 1901

Главными чертами Верещагина всегда были самоотверженность и непреклонность в борьбе за высокие эстетические и гражданские идеалы. Казалось бы, выпавшие на долю художника испытания могли сломить его волю и энергию, настолько терниста была выбранная им дорога. Но художник до конца остался верен своим взглядам, принципам и убеждениям. Его картины, литературное и эпистолярное наследие ярко раскрывают такие черты духовного облика и характера Верещагина, как высокое чувство гражданского долга, доходящее до щепетильности чувство чести, прямота, переходящая порой в резкость, целеустремленность и сила воли. Он нередко ссорился и разрывал отношения даже с близкими ему людьми. Объяснить это можно не столько прирожденной горячностью, сколько психологической и нравственной нагрузкой, выпавшей на его долю.

Время доказало, что пафос верещагинского творчества не утрачен с годами. Заложенные в его творчестве идеи живут, продолжая волновать нас и сегодня. Его картины хранятся в крупнейших музеях страны, есть они и на родине художника в Череповце, где с 1984 г. существует мемориальный Дом-музей Верещагиных.

Василий Васильевич Верещагин – Победители. 1878-1879
Источник: diletant.media
Поделись
с друзьями!
190
0
3
4 месяца
Уважаемый посетитель!

Показ рекламы - единственный способ получения дохода проектом EmoSurf.

Наш сайт не перегружен рекламными блоками (у нас их отрисовывается всего 2 в мобильной версии и 3 в настольной).

Мы очень Вас просим внести наш сайт в белый список вашего блокировщика рекламы, это позволит проекту существовать дальше и дарить вам интересный, познавательный и развлекательный контент!