А Вы когда-нибудь задумывались о том, как выглядел бы наш мир, если бы состоял сплошь и рядом из кубов, треугольников и других геометрических фигур? И что если бы все мы находились и жили не в реальном мире, к которому привыкли, а внутри полигональной модели, где каждый штрих и сантиметр – это острая, угловатая грань, блестящая в лучах заходящего солнца или же сияющая на дне океана? Польский фрилансер и 3D-художник Мат Шулик (Mat Szulik) попробовал представить это в серии своих работ на туристическую тематику, которая носит название «Мир в гранях».

Начинал Мат совершенно с иных проектов, а именно – из небольших скульптур, которые он создавал из дерева и проволоки. Стоит отметить, что все они были сделаны тщательно, с продумыванием каждой отдельно взятой и крохотной детали. А потому эти скульптуры, что, будто бы состоят из нескольких одновременно, имеют глубинный смысл. Так, все эти лесные животные, мифические существа и другие невероятные предметы кажутся нам вполне реальными за счёт точного соблюдения форм и пропорций. Его проволочные животные имеют общий каркас и структуру, внутри которой заключена модель поменьше, блестящая своими золотыми гранями.

Возможно, таким образом, Мат пытался показать, что все мы скрываем что-то внутри себя, своё настоящее внутреннее «Я», которое всегда намного ярче и выразительнее нашей оболочки, но об этом мы никогда не узнаем. Эти проволочные скульптуры и привели художника к его новому и красочному проекту, где он использует теорию полигональности из компьютерной графики.

Следует отметить, что полигональное моделирование – это один из самых простых видов компьютерной графики, что состоит всего из нескольких частей – граней и ребёр, благодаря которым впоследствии создаются основы для реалистичных изображений. Однако Мат решил, что подобную «сетку» можно использовать абсолютно в иных целях, к примеру, для того, чтобы с её помощью создавать уникальные рисунки и изображения, что, как ни странно, дышат невероятной лёгкостью и реалистичностью, а также вызывают больше эмоций, чем реальные снимки или фотокартины. С помощью полигонов, как известно, можно создавать абсолютно разные объекты, начиная от домов и природных красот, заканчивая представителями флоры и фауны и, как ни странно, даже людей. Основные недостатки такого моделирования, а именно – характерные рубленные грани и формы, Мат превратил в достоинства, тем самым показывая, что можно изобрести что-то абсолютно новое из того, что существует уже давным-давно и используется для создания сложных чертежей и даже кино-объектов.

В современности полигональные модели почти что не используются, переходя на более инновационные, а именно – на сплайны. Именно поэтому Мат взялся с таким рвением популяризовать всё то, что дало жизнь новым тенденциям в мире компьютерной графики, а после незаслуженно осталось забыто. На сегодняшний день такие модели рисунков и объектов всё ещё иногда встречаются в играх на мобильных телефонах и планшетах, в которые так приятно поиграть, добираясь с работы домой или же наоборот. Но их всё чаще вытесняют полноценные 3D-объекты с максимальным отображением всех форм и линий. Это огорчает польского автора, а потому, когда у него появилась такая возможность, он решил показать, что весь окружающий нас мир может быть прекрасен, даже если придать ему характерной «компьютерной» угловатости.

Первые работы в стиле low-poly, которые входят в серию «Мир в гранях», были созданы художником после его посещения Парижа. Набравшись романтизма и ярких эмоций от этого города, Мат два года создавал серию ярких и красочных иллюстраций, в которой смог передать всё то, чем так нравится всем Париж, начиная от известных и мягких багетов, что крошатся в руках, заканчивая яркими улочками города, по которым приятно бродить ранним утром, когда солнце ещё стыдливо прячется за тучами. С первого взгляда можно и не понять и не заметить, чем же работы этого автора отличаются от обычных фото или рисунков, но, присмотревшись, можно заметить его чарующий стиль: острые, местами крошечные или наоборот, крупные треугольники и кубы сплетаются вместе, рождая незабываемый рисунок. И кто бы мог подумать, что в таком стиле каждая картина будет ощущаться романтичной, окутанной какой-то тайной, а также лёгкой, словно воздушная карамель.

Главная героиня парижской серии работ Шулика – это девушка-мечтательница, которая берёт от жизни всё и даже больше. Вот она устроилась с комфортом за столиком в ожидании своего кофе, а полы её шляпы кокетливо сдвинуты на глаза, скрывая лицо и огненно-рыжие, задорно вьющиеся волосы. Вот она же мчится навстречу солнцу на своём велосипеде, а её длинная юбка развевается позади, распугивая порхающих то тут, то там голубей. Каждый рисунок – это настоящий французский Прованс, который отображен в стиле одежды самой героини, где переплетаются все современные тренды, от шляпы с атласной лентой, до короткой юбки с воланами. Эта серия работ пропитана неповторимым романтизмом в каждой чёрточке и сантиметре, где прекрасная дама, чьи черты лица нам знать совсем не обязательно, счастливо катит свой велосипед, корзинка которого под завязку наполнена пышными и душистыми цветами, а чуть позже она покупает те самые знаменитые багеты, чтобы, вероятно, покорить с их помощью местных голубей. То, как она любуется видами на Эйфелеву башню, или то, как, проснувшись ранним утром, позирует неизвестному фотографу, что запечатлевает её руки и спину, неприкрытые объёмным платьем – всё это вынуждает нас влюбляться в Париж всё больше и больше, мечтая побывать там хотя бы один раз в жизни.

А потому не удивительно, что, когда работы художника произвели фурор, в 2015 году ему предложили создать туристическую серию работ по самым впечатляющим и интересным местам по всему миру. Теперь в его работах пестреет красками не только яркий Париж, но и африканская Саванна с бегущими куда-то вдаль буйволами, неспокойная Темза, катящая свои волны под бой Биг-Бена, архитектура Индии с её непередаваемыми слонами и Тадж-Махалом, загадочные пирамиды с ещё неразгаданными тайнами, что кроются внутри их лабиринтов, безумные гонки, что, вероятно, происходят где-то в Арабских Эмиратах, снежные склоны Швейцарии с её крошечными домиками в Альпах, и даже известный на весь мир мост в Нью-Йорке с шумным гамом таксистов, и, конечно же, бесконечная красота подводного мира в нетронутых человеческой рукой уголках земли.

Этот проект показывает всю красоту этого мира, с его непередаваемыми красками, а также подтверждает теорию Мата о том, что не важно, как именно мы видим окружающее себя пространство, ведь даже в таких простых, угловатых и резких формах можно найти нечто своё, чарующее и прекрасное, что заставит нас тут же собирать чемоданы, тратить отложенные кровные на билет в один конец, и познавать неповторимость мира, желая увидеть всё то же, что видел художник, кропотливо и методично прорисовывая каждую линию и каждую грань, вкладывая в неё свой восторг, любовь и вдохновение. Мир, что глазами художника так похож на традиционное искусство оригами, которое в умелых руках превращается в настоящую сказку, где каждое выверенное движение открывает перед нами новые двери и места, демонстрирует многообразие нашей планеты и всю её красоту, что скрывается в деталях.

У каждого художника-пейзажиста есть любимая пора года, которая его вдохновляет больше всего, и которую он, прочувствовав всей душой, пропускает через свое мировосприятие и воссоздает на холсте с большой любовью и трепетом. Однако это совсем не относится к творчеству талантливого русского пейзажиста Сергея Крупского, который виртуозно пишет свои великолепные деревенские пейзажи в любое время года.

Все творчество пейзажиста притягивает свежим колоритом и тонкостью письма, невзирая на корпусные мазки, гармонично сочетающиеся в уникальный авторский почерк, который дополнен проникновенной живописной лирикой. Атмосфера первозданной красоты и чистоты буквально царит в воздушном пространстве каждого полотна мастера, наполняя искренними эмоциями и восхищением.

Удивительные деревенские мотивы в живописи Крупского во многих вызывают щемящее чувство ностальгии, всплывающее из глубин памяти и наполняющее теплом детских воспоминаний. И даже у тех, кто всю жизнь прожил в городах эти райские уголки, такие близкие русской душе, вызывают не просто умиление, а душевный подъем и любование тем, что создала природа-матушка.

Еще со студенческой скамьи, мастерски овладев техническими приёмами старых мастеров, Крупский на сегодняшний день является весьма известным и востребованным художником, работы которого находятся во многих крупных частных коллекциях в России и за рубежом.

Художник Сергей Крупский 1961(г.р.) родом из Казани. В 1987 году живописец окончил Абрамцевское художественно-промышленное училище им. В.М. Васнецова. Длительное время работал в Художественном фонде Республики Татарстан в городе Нижнекамске, где создавал живописные работы и занимался резьбой по дереву. Именно там сформировался Сергей как художник.

В 2006 году Крупский переехал в Москву, активно занялся выставочной деятельностью и получил членство в Творческом Союзе Художников России и Международной Федерации Художников.

Всемирно известный и один из самых любимых художников консервативной части американского общества, Эндрю Уайет вошел в число самых дорогих современных художников XX века. Однако одновременно с этим он был одним из самых недооцененных американских живописцев.

Его творения, написанные в реалистичной манере, в эпоху взлета абстракционизма и модерна вызывали бурю протеста и негативных откликов у влиятельных критиков и искусствоведов. Зато американский зритель толпами шел на выставки работ, кураторы музеев втихаря покупали его картины, дабы не прослыть ретроградами, и только коллеги-художники точно знали, что Эндрю Уайет представляет собой мощный и загадочный талант.

При всем при этом Эндрю никогда не был модным художником, его творчество долгие годы считалось самым спорным в истории американского искусства ушедшего столетия. И невзирая на то, что критики обвиняли живописца в отсутствии воображения, и в том, что он потакает низким вкусам домохозяек, эти самые домохозяйки отвечали Уайету искренней благодарностью и любовью. Его экспозиции работ, где бы они ни выставлялись, проходили с неизменными аншлагами. «Публика любит Уайета, — писали в 1963-м году в одной нью-йоркской газете, — за то, что носы у его героев там, где им полагается быть...». И это происходило как раз в то время, когда Америка находилась под абсолютным влиянием модерна и абстракционизма.

Художник-реалист, яркий представитель изобразительного искусства США прошлого века - Эндрю Ньюэлл Уайет (Andrew Newell Wyeth) родился в 1917 году в местечке Чеддс-Форде, штат Пенсильвания в семье художника-иллюстратора Ньюэлла Конверса Уайета, завоевавшего известность своими романтичными книжными иллюстрациями. Мало того, Эндрю был братом изобретателя Нэтениела Уайета и художницы Генриетты Уайет Хёрд, и наконец отцом художника Джейми Уайета.

Эндрю был младшим ребёнком в семье. Наблюдая за работой отца, мальчик очень рано начал рисовать. Ньюэлл делал все возможное, дабы развить в своих детях образное мышление, воображение и творческое начало. Помимо воспитания собственных детей, Ньюэлл щедро делился своим опытом со своими учениками, которых у него был не один десяток. Он искренне считал: «Чтобы жизнь ребенка была творческой, он должен иметь собственный мир, принадлежащий только ему».

Поэтому и неудивительно, что Эндрю начал рисовать едва ли не раньше, чем говорить. Позже, вспоминая о своем становлении как художника, он всегда называл первым отца в числе своих учителей. И в этом была львиная доля правды. Ньюэлл решил, что колледж художнику не нужен и обучал сына художественному искусству самостоятельно, а другие науки мальчику преподавал преподаватель, приходивший на дом.

И первые самостоятельные успехи не заставили себя долго ждать. Эндрю, представлявший свои ранние произведения под именем отца, перешел на в акварельную технику, а вскоре на темперу. Да и реализм привлекал его куда больше, нежели книжные фантазии его отца. И, невзирая на то, что некоторое время ему самому приходилось занимался книжной иллюстрацией, все же решил идти в творчестве собственным путем. Так, первая персональная выставка акварелей Эндрю Уайета состоялась в Нью-Йорке в 1937 году, когда ему исполнилось двадцать лет. Все творения начинающего мастера, экспонировавшиеся на ней, были успешно проданы.

Многое изменилось в жизни 28-летнего художника после трагического события, произошедшего в их семье: автомобиль Уайета-старшего столкнулся на железнодорожном переезде с товарным составом, в результате чего тот погиб. С тех пор на полотнах Эндрю постоянно присутствовал отпечаток утраты и некий трагизм.

Мало того, и без того не особо общительный, он стал замкнутым и остаток своей жизни прожил затворником. И в этом был немалый плюс, именно отрешенность от мирской суеты помогла художнику остро не реагировать на нападки критиков и не замечать, что где-то рядом "ревет и беснуется двадцатый век".

И нужно отметить, что художник очень дорожил уединенным и размеренным образом жизни. Он нечасто покидал Чеддс-Форд, выезжая иногда летом лишь в Кушинг, штат Мэн, где стоял его дом на побережье. Живя попеременно, то Пенсильвании, то в Мэне, живописец создавал свои удивительные картины, которые впоследствии искусствоведы отнесут к направлению магического реализма.

Художник рисовал только местность этих двух городков, писал портреты только их жителей. И говоря о «мире Эндрю Уайета», ссылаясь на географию, можно сказать, что был он совсем крошечным. Неизменной темой творчества Уайета всегда был провинциальный быт и американская природа. Обыденные ландшафты сельской глубинки, старые здания и простые интерьеры, обычные провинциальные люди, написанные кистью Уайета, выглядят как наглядные свидетели национальной американской истории и архетипические образы «американской мечты».

Эндрю всегда умел найти и подчеркнуть поэзию, философию и магию в простых обветренных лицах соседей и друзей, а также в «почвенных» пейзажах американских прерий, открывающихся из окон их домов. Предпочитая темперную технику, позволяющую особенно тонко прорабатывать детали, мастер продолжил традиции американского романтизма и реализма. Стиль художника на протяжении творческой карьеры практически не изменился, хотя со временем картины Уайета становились более символическими, уходя в сторону магического реализма.

Всенародная любовь и признание специалистов от искусства все-таки настигли художника. Когда сошла волна повального увлечения абстракционизмом, вдруг неожиданно выяснилось, что у домохозяек — отменный вкус, и что старым домам, рыбацким сетям и лодкам, а также выжженным прериям американских пейзажей Эндрю Уайета тоже есть, что рассказать людям. Именно в то время главным секретом таланта художника было названо умение преподносить зрителю самые обычные вещи с философским подтекстом, а так же придавать полотнам такой эмоциональный окрас, на который откликались и сердца, и души зрителей, не знающих ни его героев, ни обстоятельств их жизни, ни тех мест, которые изображал живописец.

И наконец, хотелось бы отметить, что в отличие от своего создателя, картины Эндрю объехали весь мир. Его персональные выставки были проведены во многих ведущих галереях мира, в том числе и в России в 1987 году, где экспозиция имела грандиознейший успех.

В 2007 году президент США Буш-младший лично вручил художнику "Национальную медаль" — высшую награду Америки в области искусства.

А через два года, на 91 году жизни Эндрю Уайет скончался во сне в своем доме в Чеддс-Форде. Незадолго до своей кончины он сказал: «Когда я умру, не беспокойтесь обо мне. Я не думаю, что буду присутствовать на своих похоронах. Помните об этом. Я буду где-то далеко, идти по новому пути, который в два раза лучше прежнего».

P.S.>

Джейми Уайет - продолжатель династии Уайетов

Сын Эндрю и внук Ньюэлла Уайета - Джеймс Браунинг, он же Джейми Уайет - современный американский художник-реалист. С юных лет он привлек к себе внимание публики как представитель третьего поколения известных американских художников. В 1966 году впервые экспонировались его работы на персональной выставке. А с 1971 года обрел широкую популярность. Дважды, в 1975 и 1987 годах посещал Советский Союз. В 1987 году открывал в Ленинграде выставку "Три поколения искусства Уайетов".

В русском изобразительном искусстве было несколько потенциально громадных талантов, творчество которых на взлете прерывалось болезнью или иными трагическими обстоятельствами. Большим художником обещал стать Руфин Гаврилович Судковский. Судковский Р. Г.ч (1850-1885) — талантливый маринист. Будучи современником И. К. Айвазовского, он создавал картины в своем ярком неподражаемом стиле.

Судковский создал немало пейзажей с бушующей стихией, и не раз с точностью внимательного наблюдателя передал предвкушение трагической гибели корабля — «Пароход «Москва» в бурю», «Шторм. Морской пейзаж», «Неспокойное море». Напряженная цветовая палитра усиливает эмоциональный накал происходящего, заставляя зрителя сопереживать. Нависшие грозные тучи, бурлящее, словно закипающее море поглощает корабль — символ надежды. Жизнь Судковского оборвалась внезапно, в самом расцвете творческих сил от тифа.

Современное искусство кардинально расширило рамки своих границ, поэтому и не удивительно, что практически каждый может взять в руки карандаши, кисти, краски и начать творить свой внутренний мир, завоевывая признание зрителей. В качестве яркого примера можно назвать творчество американского повара Джастина Геффри, решившего сменить поварской колпак на холст и краски. Произошло это почти 20 лет назад, и что из этого вышло - посмотрите сами.

Художник-самоучка Джастин Геффри (Justin Gaffrey) вошел в историю искусства Америки, как неординарный живописец, создающий полотна, которые сложно отнести какому-нибудь уже известному жанру живописи. Не имея никакого образования в этой области, Джастин создает картины, которые на сегодняшний день пользуются огромной популярностью. Его творения - это, своего рода, эксперименты с краской как непредсказуемой субстанцией, ее фактурностью и колоритом.

Так уж случилось, что Джастину часть жизни пришлось проработать шеф-поваром в собственном ресторане, пока он однажды не понял - в чем его настоящее призвание. Тяга к живописи была непреодолима до такой степени, что высококлассный кулинар, не задумываясь изменил свой род деятельности, и стал в 2001 году начинающим непрофессиональным художником-самоучкой, о чем, кстати, ни разу не пожалел.

Справедливости ради нужно заметить, что именно профессия повара, содержащая в себе множество творческих элементов: импровизацию, смешение цветов сезонных овощей, спонтанность и многое другое, стала хорошей базой для Джастина как для живописца.

Первые работы самоучки были весьма просты и относились к наивному жанру фолк-арту. Однако целеустремленный мастер со временем вошел во вкус и начал выдавать произведения с явными признаками импрессионизма, в которых прослеживалась и техника Ван Гога и манера Клода Моне.

Но, спустя еще немного времени, Джастин нашел свой собственный стиль и уникальную авторскую манеру. Теперь, задумывая сюжет будущей картины, он обильно наносит на холст акриловые краски. Потом из этого яркого цветного месива живописец постепенно, шаг за шагом, начинает ваять будущую картину с помощью мастихина.

Основной особенностью живописи художника является эффект объемности и невероятного смешения цветовой гаммы. Яркие рельефные и очень живые изображения создают видимость скульптурных композиций. Поэтому каждая работа художника наталкивает на двойственные чувства. С одной стороны - легкая небрежность грубых корпусных мазков в сочетании с простыми сюжетами говорят о примитиве, а с другой - чистые цвета нанесенные на холст дают неповторимое ощущение свежести и правдоподобности. Кажется, что еще секунду - и волны ударятся о скалистый или же порывистый ветер собьет из трав соцветия.

Вдохновленный красотой природы и многообразием жизни художник создает картины, при написании которых совершенно не жалеет красок. Он буквально лепит из них свои образы, давая полную свободу своим фантазиям.

На сегодняшний день трехмерные работы Джастина покорили не только обычную публику, но ценителей искусства, знающих в этом толк. Особым спросом и популярностью пользуются его картины на родине художника, в Америке.

Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.

Wojciech Babski

Войцех Бабски – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с живописью. В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.

Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.

Warren Chang

Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области живописи. В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.

Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.

Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.

Aurelio Bruni

Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет. В настоящее время живёт и работает в Умбрии.

Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.

Alekasander Balos

Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной живописи. Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.

В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.

После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.

Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.
Alekasander_Balos_08

Alyssa Monks

Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.

Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.

“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.

Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.

Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.

ЮAntonio Finelli

Итальянский художник – “Наблюдатель времени” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.

Рисунки карандашом “Наблюдателя времени” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.

Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.

Denis Chernov

Денис Чернов – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.

Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.

Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.

Iruvan Karunakaran

Ируван Карунакаран – индийский художник, пишущий реалистичные картины, основная тема которых индийская деревня. Незатейливая сущность сельской Индии оживает в его произведениях.

Искусство Ирувана – тщательные, но все же запутанные изображения сцен деревенской жизни, улиц, различных напоминаний о древности деревни, людей, выполняющих ритуалы или поглощённых ежедневной рутиной, которая глубоко укоренилась в крови сельских жителей. Его реалистичные произведения искусства, сделанные с использованием мастихина, поражают вас одинаково сильно каждый раз, когда вы рассматриваете их.

“Приезжая из Мадурай, штат Тамилнаду, в деревню, я наслаждаюсь ощущением отсутствия течения времени в деревни и спокойствием её людей. Меня, городского жителя, проживающего в Хайдарабаде уже более десяти лет, восхищает замысловатое переплетение исторического и современного, интересное сочетание которого вы видите в самых знаковых местах в Индии. Особенно сильно меня вдохновляют улицы. Они приходят откуда-то и уходят куда-то еще….

Возникает ощущение, как будто стоишь в точке, называемой сегодня, с вчера за спиной и завтра впереди. Люди стремятся к улицам и дорогам… они хотят попасть “куда-то” и “что-то” сделать. Персонажами моих картин может быть кто угодно: мужчина тянущий тележку – он просто смирился с жизненными трудностями… занятой торговец, который упорно шагает к своей цели… одинокий мото рикша или велосипедист… пожилая женщина, продающая цветы и сонная собака, отдыхающая не смотря на шум… непрерывное движение и смена улиц заставляет людей чувствовать себя живыми. Бывает ли место лучше, чтобы наблюдать жизнь, если не на улицах?”

Vasiliy Hribennikov

Имя художника Василия Ивановича Грибенникова хорошо известно широкому кругу коллекционеров живописи России, Европы, США и Китая. Его живопись является ярким примером продолжения традиций классической школы великих русских мастеров. Василий Иванович родился в 1951 году в село Заветное Ростовской области.

Основой для восхождения к профессиональным вершинам послужило художественное образование. В 1974 году окончил художественно-графическое отделение Кубанского государственного университета. Развитию природных способностей художника и совершенствованию технических навыков, полученных в годы учебы, содействовала активная творческая работа, которая продолжилась после окончания университета. Сегодня приобретенный живописцем опыт позволяет ему свободно обращаться к разным жанрам живописи, создавать пейзажи и натюрморты, работать в историческом жанре.

Джеймс Брант (James Brunt) — художник из Англии, который создаёт красивые лэнд-арт работы, используя природные материалы, которые находит во время прогулок по окрестностям родного города в Йоркшире.

Его творения вызывают ощущение безмятежности и спокойствия, а некоторые и вовсе доставляют визуальное удовольствие своими ровными формами и правильными линиями.

В этой коллекции вы увидите несколько замечательных работ Джеймса Бранта:

В своём творчестве Джеймс использует камни, листья, ракушки и другие природные материалы, которые находит, чтобы превратить их в завораживающие узоры и мандалы. Своими работами художник часто делится на своих страничках в Facebook и Twitter, призывая своих подписчиков присоединяться к этому творчеству.

все фотографии: @ jamesbruntartist / Facebook