Всегда поражает творчество тех мастеров, которые, получив азы живописи и рисунка в детских студиях или в специализированных школах, впоследствии отправляются в самостоятельное плавание в поисках своей гавани в огромном океане изобразительного творчества. И что любопытно - многие действительно находят. А также славу и признание... В нашей публикации картины самобытного архангельского художника Юрия Васендина, снискавшего себе имя, а своим работам место в собраниях коллекционеров стран Скандинавии, Европы, Америки.

Кто-то скажет, что работы художника - стилизация "под старину". Да, возможно и взял Юрий Дмитриевич от великих мастеров прошлого некоторые эффектные технические приемы. Ведь не зря его лесные пейзажи нередко сравнивают с работами Ивана Шишкина. Но, безусловно, во всем творчестве мастера присутствует его собственное мировоззрение и изюминка. Смотрите и наслаждайтесь...

Художник Юрий Васендин (1958 г.р.) родился в Архангельске. Талант к творчеству проявился с ранних лет, особенно мальчик любил рисовать красками. Поэтому параллельно с общеобразовательной Юрий учился и в художественной школе. К концу учебы среди учеников студии будущий художник выделялся неординарными способностями, глубоким чувством композиции, точностью в проработке форм и знанием особенностей цветовой палитры. В результате этого его натюрморты, живописные пейзажи и скрупулезно прописанные портреты были всегда отмечены и педагогами школы и публикой на городских выставках.

Окончив в 1975 году Архангельскую художественную школу, талантливый юноша поступать в вуз не стал, а сразу устроился на работу художником в дом культуры поселка Маймакса. Параллельно с рекламно-оформительской деятельностью стал искать себя в живописи. Основной темой творческих исканий того периода были лесные дебри с элементами мистики и соответствующими образами.

Со временем, приняв за основу каноны русской реалистической школы передвижников, Васендин постепенно перешел от изображения мрачной суровой северной глухомани к лирическим "пейзажам настроения". Художник не стал останавливаться на достигнутом: наравне с вековыми сосновыми рощами, заливными лугами, лесными болотами в его творческом арсенале стали появляться сюжеты древнерусских былин, деревенских и городских мотивов и великолепные морские пейзажи.

Несмотря на устойчивую преданность лесным сюжетам, ему остаются интересны захолустные дворики "Старого Архангельска", поморские баркасы на Соломбалке и ветхие "двухэтажки" поселка Гидролизного завода.

Насладившись умиротворенной деревенской жизнью, художник стал искать вдохновения в поездках. Любой уголок земли достоин того, чтобы быть воспетым. Долины рек, головокружительные горные пейзажи, урбанистические сюжеты, заброшенные деревеньки и дальние монастыри, – во всём есть поэзия, если посмотреть на это глазами художника.

С годами у художника выработался авторский стиль в масляной живописи, отражающий глубокий профессионализм художника. Его работы участвовали в многочисленных выставках родного Архангельска, не раз представляли Русский Север на экспозициях Москвы и Санкт-Петербурга.

И уже к началу 90-х его произведения стали пользоваться спросом не только у отечественных, но и зарубежных ценителей живописи. Художник ежегодно возил свои картины в страны Скандинавии и Западной Европы. И они завоевывали все новых и новых поклонников. Его сказочно-прекрасные полотна привлекали зрителя и натурализмом, и нотками русского импрессионизма, и невероятным очарованием окружающей среды, и душевностью.

Творчество Юрия Дмитриевича невероятно живописное и живое. Умиротворяющая красота природного ландшафта, запах мха и хвойных иголок, шелест листвы – лишь немногая часть из всего того, что видит и слышит зритель, глядя на полотна мастера. Причем каждая из его работ вызывает безмерное желание сделать шаг на ту сторону холста, пройтись по светлым лугам и разъезженным грунтовым дорогам, по деревенским улицам и лесным тенистым тропам, а также лично ощутить теплые лучики солнца, пробивающиеся через ветви могучих деревьев.

И, что любопытно: любой сюжет, даже самый обыденный, становится отличным мотивом для потрясающего полотна, когда за кисть берётся виртуоз Юрий Васендин. Его северные пейзажи будоражат воображение зрителей, поражая техникой исполнения, в которой заключен и реализм, и импрессионизм. Поэтому и ценятся так его картины на арт-рынке. Ими с радостью пополняют свои частные собрания коллекционеры не только России, но и Финляндии, Швеции, Норвегии, Германии, Дании, Канады.

«Золотой век» Дании дал миру немало талантливых живописцев, свершивших переворот в европейском искусстве. Датский художник Педер Мёрк Мёнстед, причисленный к их плеяде, признан одним из лучших пейзажистов-реалистов, творивших на рубеже двух прошлых эпох, а также одним из самых состоятельных мастеров живописи в Европе.


По большому счету «Золотым веком» в европейской культуре, в том числе и в живописи, считается первая половина XIX столетия. Это было время, когда, впитав и творчески переосмыслив мировые тенденции в искусстве, художники европейских стран стали авторами величайших художественных произведений. Однако, невзирая на то, что датчанин Педер Мёнстед родился на закате этого удивительного периода (а творить он стал еще позже), его считали ярким представителем и продолжателем идей гениальных мастеров, изменивших представление об изобразительном искусстве.

Живописец стал известен миру своими детализированными ландшафтными и деревенскими пейзажами, которые впечатляют зрителя величием и густых лесов, и бескрайних полей, и сценами из сельской жизни датчан, переданных с невероятно высокой точностью и натурализмом.

Однако на рубеже столетий Мёнстед испытал сильное влияние французского импрессионизма и его стиль претерпел изменения. Картины мастера приобрели некий романтический и поэтический настрой, наполнились воздухом и свежестью, но при этом не утратили прежней утонченности и реалистичности.

Художник, как и прежде, уделял особое внимание точным деталям и цвету, но уже отошел от классического академизма, его картины заиграли некой новизной и были буквально одухотворены кистью мастера.

О художнике

Известный датский художник-реалист, признанный мастер пейзажа, представитель «золотого века» датской живописи - Педер Мёрк Мёнстед (Peder Mørk Mønsted) родился в 1859 году в восточной части Дании в селении Балле Мёллена на полуострове Ютландия, в семье преуспевающего судостроителя. Родители с детства заметили дар сына к рисованию и всячески его привлекали к творчеству. Подростком мальчик посещал уроки рисования при Художественном училище в Орхусе и весьма успешно развивал свои наклонности.

16-летним подростком Педер поступил в Королевскую Академию изящных искусств в Копенгагене, где три года осваивал академическую живопись под руководством знаменитых мастеров жанровой живописи Дании - Андриеса Фритца и Юлиуса Экснера. Затем талантливый юноша прошел курс обучения в частной школе Педера Северина Крёйера, который был одним из самых известных и ярких художников сообщества датских и северных художников, работающих в Скагене.

Окончив учебу в 1882 году, 20-летний юноша отправился в солнечную Италию за впечатлениями, где душа датчанина была покорена красотой и яркостью красок южных пейзажей. К слову, Педер Мёнстед за свою творческую карьеру много путешествовал, часто бывал в Швейцарии, Италии, северной Африке. Во время этих путешествий художник постоянно делал зарисовки ландшафтов и местных жителей. А в Греции, где в течение года гостил при монаршем дворе, Педер писал портреты членов королевской семьи и приближенных.

В 1884 году, прежде чем вернуться из странствий в свой дом в Дании, он посетил Париж и пробыл там четыре месяца, в течение которых учился в студии Вильяма-Адольфа Бугеро, французского художника, видного представителя салонного академизма XIX века. В те годы без его произведений не обходилась ни одна выставка в Салоне. К слову, имя Бугеро стояло во главе французской живописи почти до начала ХХ столетия.

Переняв от маститого французского живописца некоторые секреты профессии и мастерства, Педер Мёрк Мёнстед вернулся домой и с головой окунулся в творчество. А через время вновь оставил свою мастерскую, отправившись в очередное странствие, дабы напитаться вдохновением.

Начало Первой мировой войны заставило Мёнстеда сократить свои европейские путешествия, но в 1920-х и 1930-х годах он снова путешествовал по странам Средиземноморья. В ходе этих поездок было создано множество эскизов, которые впоследствии стали картинами, представленными на нескольких международных выставках в салонах Парижа и Мюнхена.

Невероятно реалистические картины датчанина, дышащие жизнью и живописью, были высоко оценены современниками. Он был особенно популярен в Германии, где провел несколько персональных выставок в Glaspalast в Мюнхене.

Сейчас полотна Педера Мёрка Мёнстеда хранятся во многих музеях Европы, в частности его работы украшают коллекции музеев Ольборга, Баутсена, Рандерсе, его работы также можно найти в Музее Чи-Мэй на Тайване и Музее Дахеш в Нью-Йорке. Огромное количество полотен разошлось по многочисленным частным собраниям. В память о гениальном мастере пейзажа в 1995 году во Франкфурте-на-Майне прошла большая ретроспектива работ под названием «Свет Севера».

Несколько слов о произведениях художника

Стоит отметить, что невзирая на многочисленные странствия художника по Европе и Африке, большинство полотен все же написано Педером Мёнстедом в Дании и посвящено именно ей. Однако немало работ автор посвятил и первозданным северным пейзажам Скандинавии.

Пропитанные ощущением атмосферы и воодушевления, пейзажи датского художника невероятно детализированы, но при этом не кажутся переутомленными. А достичь этого было совсем не просто. Также невероятно впечатляет использование цветовой палитры, где цвета невзирая на приглушенность кажутся сочными и объединенными светом.

Следует обратить внимание, как Мёнстед часто использовал черный для теней, а не темно-синий, зеленый и пурпурный, которые зачастую использовали импрессионистами. Многие художники-пейзажисты часто избегают черного, но при правильном использовании он может быть чрезвычайно эффектным.

Глядя на картины художника, зритель буквально окунается в ощущение безмятежности и умиротворения. Особо это чувствуется в картинах, где основным мотивом является вода. Именно эта природная стихия вызывает наибольшее восхищение в работах автора. Безмятежная красота рек, озер и ручьев по истине завораживают: настолько реалистично изображены на них и отражение на поверхности, и всплески и легкое волнение.

Известно, что у многих, даже знаменитых импрессионистов были реальные проблемы, когда дело доходило до изображения воды в их композициях. И они заканчивали свои изображения, концентрируясь больше на эффектах света, чем на реалистическом изображении.

Невероятно теплыми и душевными являются деревенские пейзажи датского мастера с их жителями и маленькими домами, утонувшими в цветах. По истине впечатляет.

Умер Педер Мёрк Мёнстед в 1941 году. Он до самой своей смерти был одним из наиболее популярных и состоятельных европейских живописцев. Его талант принес ему большое признание и богатство. Впрочем, вполне заслуженно.

Золото во все времена было эталоном респектабельности и роскоши. Его в былые эпохи нередко применяли в иконописных и живописных творениях старые мастера. Продолжают применять его в своем творчестве и наши современники живописцы. Так, блеск и благородство драгоценного металла взял за основу американский художник Мануэль Нуньес, создающий восхитительные женские портреты. Его галерея портретной живописи с применением сусального золота наверняка впечатлит и не оставит равнодушным даже взыскательного зрителя.

Окунувшись в историю живописи, каждый припомнит сияющие полотна Густава Климта, знаменитого австрийского художника и графика, широко использовавшего в своем творчестве этот драгоценный металл. Самые известные его работы - «Портрет Адели Блох-Бауэр», «Поцелуй», покорившие мир романтичностью и чувственностью образов, относятся к «золотому периоду» творчества художника. Климт писал золотыми красками и работал с тончайшим листовым сусальным золотом. Эта техника придавала работам декоративную сказочность и роскошь. И во многом благодаря ей, он стал всемирно известным.

В свою очередь Мануэль Нуньес, опираясь на наработки предшественника, разработал свой стиль в жанре портрета, в котором мастерски использует золотосодержащие краски и тончайшие пластины драгоценного металла. Зачастую позолоченную поверхность художник использует как фон, на котором пишет изображения маслом. А красками, в состав которых входит смесь связующего вещества и золотой пыли, прописывает важные детали.

Характеризуя свою технику написания картин сусальным золотом, Мануэль говорит:«Само золото – дихотомия… Золото может одновременно символизировать низость или потворство с одной стороны, а с другой — праведную чистоту и совершенную духовность». Именно последнее качество драгоценного металла и пытается раскрыть в своих работах художник, создавая очаровательные и загадочные женские образы как современные, так и вневременные.

Стоит также отметить, что женщины в образе святых на портретах очень символичны. И, к слову сказать, именно блеск золота придает им некий особый мистицизм, сочетающий в себе внутреннюю силу и хрупкость, целомудрие и чувственность, любовь и страсть. Весь этот психоэмоциональный фон органично сосуществует в пределах одной картины. Ровно также как душа и тело человека, являющие единое целое.

И эти, что называется, драгоценные произведения искусства, отличающиеся изящностью и изысканностью, по истине оригинальны и самобытны. Техника их написания, манера и композиция очень напоминают полотна 19 столетия, что придает им особую ценность.

Вы наверняка обратили внимание, что некоторые картины мастера буквально насыщены христианской символикой, но это отнюдь не говорит о его религиозности. Нуньес свою карьеру начинал в качестве дизайнера и иллюстратора, и многие его работы - типичные образцы современной живописи. В результате долгих исканий его стиль - это сплав европейского символизма и art nuveau, щедро перемешанные с чисто испанской религиозной мистикой. Спросите, почему испанской? У художника - испанские корни...

И в заключение хотелось бы отметить, что картины американского живописца невероятно гармонично сочетают в себе его творческую фантазию, совершенство благородного металла, современные технологии, а также любовь к женщине.

Несколько слов о художнике

Американский художник Мануэль Нуньес родился в 1956 году в солнечной Калифорнии. Там он вырос и выучился живописи. Его отец был известным певцом и автором песен, записал девять альбомов на испанском языке. Мануэль с ранних лет рос в творческой атмосфере, которая сформировала его как художника и помогла найти направление в творчестве. Нуньес закончил колледж искусств Центра дизайна в Пасадене и Отис Парсонс институт в Лос-Анджелесе. А после, в течение десятилетия трудился коммерческим иллюстратором и графическим дизайнером в индустрии моды.

Начиная с 1991 года, художник создал свой уникальный стиль, визитной карточкой которого стало использование сусального золота. С тех пор произведения мастера были отмечены призами и наградами на многих Международных конкурсах и форумах. Изящные портреты приобретаются ведущими галереями мира и частными коллекционерами.

Марк Олич в своих фотографиях представляет удивительный взгляд на балетное искусство, показывая не только его волшебную красоту, но и тяжёлый труд людей, преданных танцу. В тонких и проникновенных снимках Марка Олича запечатлено то, что, как правило, мы не видим из зрительного зала.

Творчество Андрея Захарова, одного из самых узнаваемых и популярных художников России, принадлежит к ярким достижениям современной русской импрессионистической пейзажной живописи. Одаренный живописец из Костромы, обладающий смелой манерой письма, создает лирические пейзажи, наполненные мимолетным настроением и экспрессией. В каждой его работе - богатейшее многообразие родной природы, выразительность и невероятная красота окружающего нас мира, а также живописная поэзия, отражающая утонченные чувства русской души.

Захаров - художник, который в некоторой степени отстранился от подробностей натурализма, нашел свой уникальный почерк в фактурной пластичности импрессионизма и экспрессионизма. При этом, сохранив трепетное отношение к природе и верность национальным традициям русской живописи.

Все его работы, написанные будто на одном дыхании, отображают не только чувства и ощущения самого художника, им присущи неповторимые авторские черты. Хотя, при первом и поверхностном взгляде на картины Андрея Захарова возникает ощущение какой-то незавершенности… Но, стоит внимательней вглядеться, "вжиться" в сюжет и становится очевидным, что мастером предельно "сказано" все, что задумано. Его яркий минимализм и эмоциональный настрой завораживает даже взыскательного зрителя.

Манера написания картин буквально захватывает мощной экспрессией. А насыщенная цветовая палитра одинаково заставляет играть и свет, и цвет, и тень. Корпусные мазки масляной краски, нанесенные на холст, в большей степени мастихином, выделяются не только яркостью, но и емкой фактурностью, рождая восхитительную живопись.

Вглядываясь в каждое полотно художника, наполненное умиротворенным покоем природной стихии, невозможно не отметить, что при работе мастер использует индивидуальные технические приемы, а в зависимости от настроения атмосферной среды - неповторимый специфический колорит. Объединяет же все работы Захарова - пронизывающая поэзия солнечного света, которая буквально заставляет каждую его работу играть яркой цветовой гаммой.

Мастер цветовых отношений буквально выстраивает свою живопись на тончайших колористических решениях, но при этом композиционно мыслит по большому счету, что придает его работам монументальное звучание, а экспрессивное движение мастихина создает невероятное богатство фактуры, заставляет холст вибрировать от света и различных цветовых оттенков.

Полотна Андрея Захарова, написанные этим универсальным инструментом, воплощают не только характерный для художника живописный пластический язык – «a la prima», но и его личное отношение к действительности, потребность в её образном осмыслении и художественном истолковании.

О художнике

Андрей Аркадьевич Захаров (1967) родом из Ростова Великого, что в Ярославской области. Будущий художник с пяти лет начал посещать художественную школу, что в дальнейшем и определило судьбу мальчика, который уже в юные годы твердо решил, что станет художником. Выбору профессии также поспособствовало то, что прадед художника по материнской линии, Захар Ржевский - был художником-самоучкой.

В 1981 году Андрей поступил в Федоскинскую школу, где обучался миниатюрной лаковой живописи, а затем в Ярославское художественное училище, откуда в 1987-м вышел дипломированным художником.

Еще будучи студентом, Андрей начал участвовать в художественных выставках России, а позже экспонироваться и в некоторых странах Европы. В последние годы Захаров - постоянный участник многочисленных выставок, пленэров в России и за рубежом: в Польше, Венгрии, Черногории, Италии, Греции, Франции, Германии и Китае. Он также является участником благотворительных аукционов в крупнейших аукционных домах мира - «Сотбис» и «Кристис». И, наверное, излишне говорить о том, насколько произведения русского современного импрессиониста известны и популярны среди коллекционеров мирового уровня.

Художественный талант и живописная манера костромского мастера нашли широкое признание, как у соотечественников, так и у ценителей искусства по всему миру. На сегодняшний день немало произведений мастера являются достоянием отечественных государственных художественных музеев Костромы, Белгорода, Воронежа, Вышнего Волочка, Ростова Великого, Санкт-Петербурга. Ну, а львиная доля работ Андрея Захарова находится как в частных собраниях коллекционеров, так и в различных государственных музеях и ведущих галереях многих стран мира.

Андрей Захаров - член Союза Художников России, заслуженный художник Российской Федерации, член Международного Художественного фонда и этот список можно продолжить, так как званий и степеней у мастера достаточно много. А еще он награжден золотой и серебряной медалью Российской Академии художеств, членом-корреспондентом которой является уже много лет.

В наше время не многие мастера могут сказать, что свои работы пишут непосредственно на пленэрах. Андрей Захаров - исключение, его очень сложно застать в мастерской за работой, обычно все свое время он проводит в поездках по разным уголкам мира. Занимаясь творчеством, он работает исключительно с натуры. Благодаря импрессионистической подвижности мазка мастер точно и остро запечатлевает мимолетное состояние природы, ее малейшие изменения в освещении, цвете, движении воздуха.

Андрей Захаров - заядлый путешественник, география его творческих поездок широка и разнообразна. Живописец неоднократно бывал на Русском Севере, который особенно любит. На Беломорье, в Карелии, Республике Коми и Холмогорах, среди нетронутой северной природы, он написал лучшие из своих произведений, в которые вложил мощные эпические образы суровой природной среды.

Возвращаясь из каждой поездки, мастер привозит множество этюдов и натурных пейзажей, в которых неповторимо отражается его личное восприятие увиденного, собственные представления о своеобразии природы и городских ландшафтов разных стран.

Глядя на работы известного современного американского художника Дэвида Чейфица, сразу возникает желание перечислить в эпитетах все их достоинства: очень яркие, контрастные, красочные, сочные, фактурные и очень реалистичные, а также очень таинственные, загадочные, наполненные магией и волшебством. А еще они невероятно притягательны, колоритны, выразительны... Думается, что после просмотра подборки работ талантливого мастера у вас возникнет желание продолжить этот ряд.

Нередко в живописи многие художники используют этюдную манеру письма, которая предполагает некую недосказанность и незавершенность. А вот Дэвид Чейфиц (Cheifetz David) сумел мастерски объединить в своем творчестве и недосказанность этюдной манеры, и абстракционизм, и реализм, которые и образовали неповторимый авторский стиль живописца. Изысканное сочетание цветов, игра контрастов, реалистичность и насыщенность – все это вдыхает жизнь в работы мастера. Поэтому, увидев однажды его работы - забыть их уже, действительно, невозможно.

Есть в произведениях Дэвида, что-то и от старых голландских натюрмортов, где темный фон играет особую роль. Он невероятно контрастирует с яркостью, сочностью, свечением предметов, которые зачастую не имеют четких границ. Отсюда у зрителя создается впечатление, что весь предметный ряд окружен световой оболочкой, подобной ауре или некой дымке.

Молодой художник научился мастерски показывать неповторимость и очарование в обыденных вещах, а также чувствовать и передавать красоту старинных предметов. Он также нашел изюминку в минимализме композиций, что является высшим пилотажем в его живописи. Его реалистическая манера письма также довольно необычна: насыщенные цвета, частые контрастные сочетания, игра света и тени, тонкая деталировка и фактурность. Иногда возникает желание потрогать руками тот или иной предмет, чтобы ощутить то, что он действительно нарисован, а не реален.

Уж больно притягателен свет и цветовая гамма каждой работы мастера. Яркие блики, контрастные тени и цветные рефлексы подчеркивают мощную энергетику каждого полотна настолько, что от них просто невозможно оторвать взгляд.

Стоит особо отметить рефлексы, которые ложась не только на рядом стоящие предметы, драпировку и предметную плоскость, и даже воздушное пространство, невероятно оживляют картины и придают им особое очарование и некую таинственность.

Помимо чудесных натюрмортов, которые прославили этого художника на весь мир, работает он и в других живописных жанрах. Он пишет портреты, городские пейзажи, фантастические сюжеты, в которых также использует свои излюбленные технические приемы.

И, как видим, живая, этюдная манера письма Дэвида Чейфица, акцентируемая на световом эффекте, его крепкий корпусный мазок, а также минимальная загруженность деталями, говорит о большом таланте молодого художника, впереди у которого большие творческие перспективы.

А незавершенность картин и вовсе создает у зрителя такое впечатление, что сейчас войдет художник с волшебной кистью и одним взмахом закончит свою работу. Разве это не волшебство?

О художнике

Дэвид Чейфиц (David Cheifetz) - родился в 1981 году на северо-западе тихоокеанского побережья Соединенных Штатов. В 2004-ом он окончил Университет Вашингтона и получил степень бакалавра изобразительных искусств и архитектуры. Несколько лет проработав архитектором, решил учиться живописи. В 2007-м поступил в школу изобразительных искусств Schuler School of Fine Arts в Балтиморе. Постигал азы живописи сразу на нескольких курсах. А мастерство совершенствовал, беря уроки у лучших художников. С 2009 года полностью окунулся в творчество, став профессиональным художником. А вскоре получил широкое признание и награды.

В сентябре 2010 года один из популярных художественных журналов отметил его как «восходящую звезду» среди художников в возрасте до 30 лет. А уже через два года о нем писали несколько крупных художественных изданий. В настоящее время художник живет и работает в Пало-Альто, штат Калифорния, со своей супругой Жасмин.

А уже на сегодняшний день David Cheifetz является известным живописцем Соединенных Штатов Америки. Ежегодно он принимает участие в различных выставках, в том числе и персональных. Его картины уходят в частные собрания коллекционеров, причем не только США. Работы художника пока оцениваются в пределах от 900 до 3500 долларов. А если учесть, что размеры его «миниатюр» колеблются в пределах 30х40 см, то это довольно неплохой старт для молодого перспективного мастера.

Если вы являетесь поклонником акварельной живописи, то галерея работ американского художника Джона Салминена, представленная в нашей публикации, доставит вам немало приятных впечатлений и неожиданностей. Творчество непревзойденного мастера городского пейзажа буквально окунет вас в хрупкое очарование, легкость и невесомость, стремительность и мимолетность момента, заставит ощутить гармонию мироздания и прочувствовать как живопись, переплетаясь с лиризмом, может звучать как симфония.

И, думается, что для многих знакомство с творчеством американского художника станет настоящим открытием. Поэтому, увидев однажды его восхитительные живописные работы, построенные на тонком чувстве гармонии в минимализме палитры красок, а также потрясающем техническом стиле, именуемом авторским почерком, вы их уже никогда не забудете.

Джон Салминен (John Salminen), добившийся больших высот в искусстве акварели и завоевавший всемирную популярность, является признанным американским художником-акварелистом и педагогом, а также членом многочисленных художественных обществ, в том числе Американского общества акварелистов - Dolphin Fellowship.

Помимо этого, он - почетный член Научно-исследовательского института акварелистов Цзянсу в Китае. Джон также первый американец, которому когда-либо присуждено членство в австралийском институте акварели. Будучи за время своей творческой карьеры участником более 40 международных акварельных выставок в Китае, Тайване, Таиланде, России, Сингапуре, Мексике, Пакистане, Канаде, Италии, Турции, Бельгии и Австралии, он стал обладателем многочисленных наград призов и премий. Всего на счету художника более 250 таких поощрений, в том числе Золотая медаль Американского общества акварелистов в 2006 и 2010 годах. Также он был многократно задействован в международном судействе в сфере художественных конкурсов по акварели.

Мастерство художника-акварелиста сегодня оценено по достоинству: его картины входят в число коллекций Национального Акварельного Общества в США, также работы Джона Салминена включены в постоянные коллекции Азиатского музея акварельного искусства, Галереи и музея акварельного искусства Гуаньхуа в Китае и Армянского художественного музея, а также они являются украшением многочисленных частных и корпоративных коллекций по всему миру.

Есть в акварельной технике Джона Салминена какая-то особая изюминка, позволяющая ощутить вкус необыкновенного очарования и динамичного, стремительно меняющегося на наших глазах мира. Но, что больше всего впечатляет в акварелях художника, так это способность удивительно точно передавать настроение. Настроение природной среды, атмосферы, персонажей и самих городских улиц. Его неотразимые городские пейзажи, написанные прозрачной акварелью, хочется рассматривать в мельчайших подробностях.

В работах мастера очень тесно взаимосвязаны реализм и некая музыкальная поэтичность, которыми пронизаны все акварели художника. А достигает он такого спецэффекта благодаря художественным приемам. Блики, ярко отражающие свет, рефлексы и тени, играющие на фасадах домов, на мокрых от дождя тротуарах и на асфальте дорог. Именно они создают неотразимое впечатление от увиденного и дают возможность зрителю слышать музыку дождя, шорох голых ветвей на деревьях, звуки многолюдного города, а также шум от проносящихся по дорогам автомобилей.

Работы художника — это моменты обычной жизни любого города. Суета городской жизни, запечатленная на бумаге - это особый мир, который очень близок и знаком горожанам. А, чтобы более точно воссоздать мельчайшие детали этой жизни, Джон, не имея возможности стать посреди улицы с мольбертом, использует фотоаппарат. Вначале он или его супруга Кэти фиксирует увиденное при помощи камеры, а уже после художник воссоздает картину в красках.

Акварели Джона интересны и динамикой композиций. Ощущение движения и круговерти не покидает зрителя от первого взгляда на его работы и до последнего.

Не правда, ли - каждая картина мастера буквально приковывает к себе внимание и будто погружает в красочное измерение, передающее атмосферу разных городов, их уникальную цветовую гамму. Неотразимые уличные сцены, мастерское использование игры света и тени, кропотливо и практически интуитивно воссозданные малейшие оттенки цветов и тонкая деталировка - в этом вся прелесть картин художника, влюбленного в акварель.

О художнике

Джон Салминен (1945 г.р.) родился и вырос в Сент-Пол, штат Миннесота. В юные годы хотя Джон и учился в колледже на музыкальном отделении, но был невероятно очарован художественной студией. И после окончания учебы уже получил степень бакалавра и степень магистра в Университете Миннесоты на отделении изобразительного искусства. На сегодняшний день живет и работает в построенном из дерева бревенчатом домике, окруженном 40 акрами соснового леса в Дулуте, штат Миннесота.

Долгие годы параллельно с обучением учащихся средней школы сам писал картины, формируясь как художник. Теперь Джон регулярно проводит мастер-классы, презентации и активно участвует в многочисленных выставках по всему миру. В поездках собирает материал для будущих работ — фотографирует городские пейзажи. В его работе ему помогает его супруга Кэти — профессиональный фотограф и педагог, которая привозит ему снимки разных городов, которые в дальнейшем становятся основой его произведений.