Лувр, где хранится «Мона Лиза», является всемирно известной сокровищницей искусства, ежегодно привлекающей миллионы посетителей. Хотя «Мона Лиза», несомненно, привлекает всеобщее внимание, истинная красота Лувра заключается в его глубине и разнообразии. Помимо толпы людей, окружающих знаменитый портрет, вас ждет множество шедевров, каждый из которых рассказывает свою уникальную историю и демонстрирует эволюцию искусства на протяжении веков и культур. Давайте отправимся в путешествие, чтобы познакомиться с 14 самыми известными картинами Лувра, вникая в их историю и значение.
1. «Мадонна канцлера Ролена», Ян ван Эйк
Где: Обычно в крыле Ришелье, на втором этаже, зал 818.
Картина «Мадонна канцлера Ролена», выполненная около 1435 года, является краеугольным камнем ранней нидерландской живописи. Ян ван Эйк, мастер масляной живописи, демонстрирует свое непревзойденное мастерство и скрупулезное внимание к деталям в этой культовой работе.
На картине изображен Николя Ролен, канцлер Бургундии, преклонивший колени в молитве перед Девой Марией и Младенцем Христом. Декорация — тщательно выполненный интерьер с захватывающим дух пейзажем, открывающимся из окон. Мастерство Ван Эйка проявляется в замысловатых деталях – богатой фактуре одежды персонажей, тонкой игре света на их лицах и детально переданном пейзаже. Особого внимания заслуживает использование света, создающего ощущение божественного присутствия и освещающего роскошные текстуры и поверхности по всей сцене.
Эта работа выходит за рамки религиозной живописи; это портрет власти. Статус и благочестие Ролена очевидны в его позе и одежде, отражающих социальный и политический ландшафт того времени. Реставрация картины в период с 2021 по 2024 год подчеркнула красоту искусства, а весной 2024 года в Лувре была организована специальная выставка.
2. «Автопортрет с чертополохом», Альбрехт Дюрер
Где: Обычно в крыле Ришелье – 2–й этаж, зал 809.
Этот автопортрет, написанный в 1493 году, когда Дюреру было всего 22 года, демонстрирует его не по годам развитый талант и уверенность в себе, что является поворотным моментом в искусстве эпохи Возрождения. Дюрер был на уровне, сравнимом с Леонардо да Винчи.
На картине Дюрер изображен элегантно одетым, держащим в руках веточку эрингиума (которую часто принимают за чертополох), символизирующую верность. Мастерство Дюрера в технике рисования маслом проявляется в поразительном реализме и детализации — от тонких оттенков кожи до тонко прорисованных складок одежды. Его проницательный взгляд и ракурс в три четверти создают интимную связь со зрителем.
Внешность художника отражает ренессансные идеалы культурного человека, передавая чувство самосознания. Этот автопортрет демонстрирует техническое мастерство Дюрера и подчеркивает его художественную индивидуальность. Ее присутствие в Лувре подчеркивает важность Дюрера как ключевой фигуры, соединяющей традиции Северной Европы и итальянского Возрождения. Он поддерживал контакты с крупнейшими итальянскими художниками своего времени, включая Рафаэля, Джованни Беллини и Леонардо да Винчи.
Где: Обычно в крыле «Денон», 1–й этаж, зал 711 (Государственный зал).
«Пасторальный концерт», который когда-то приписывался Джорджоне, в настоящее время считается ранним шедевром Тициана, датируемым примерно 1509 годом. Это один из краеугольных камней венецианского ренессанса, представляющий творчество основателей этого движения.
Не пропустите: Опасные туристы: Почему музеи Парижа переполнены?
На картине изображены двое элегантно одетых молодых людей, беседующих на фоне безмятежного, залитого солнцем пейзажа, в сопровождении двух обнаженных женских фигур, напоминающих муз поэзии и музыки. Загадочная аллегория завораживала зрителей на протяжении веков. Одна женщина наливает воду из хрустального кувшина, а другая играет на флейте.
Позже Мане шокирует Париж, поместив современных обнаженных женщин рядом с современными джентльменами в своей картине “Завтрак на траве”, превратив эту ренессансную аллегорию в социальный комментарий. Сегодня это шедевральное произведение продолжает очаровывать зрителей гармоничным сочетанием реализма и поэтической аллегории.
4. «Меняла и его жена», Квентин Массейс
Где: Обычно это крыло Ришелье, 2–й этаж, зал 814.
Эта картина Квентина Матсиса, написанная в 1514 году, является прекрасным образцом искусства фламандского Возрождения. Она демонстрирует внимание Матсиса к деталям и его способность придавать повседневным сценам глубокий моральный смысл.
На картине изображены меняла и его жена, тщательно взвешивающие и пересчитывающие монеты. Тщательная передача Матсисом текстур и поверхностей, от сверкающего металла монет до мягкого меха рукавов, демонстрирует техническую виртуозность фламандской живописи.
Помимо реалистичности, картина несет в себе моральный и религиозный подтекст. Раскрытый молитвенник и озабоченность пары деньгами указывают на конфликт между мирскими и духовными заботами. Картина призывает задуматься об искушениях жадности и важности духовных ценностей.
5. «Женщина перед зеркалом», Тициан
Где: Обычно в крыле Denon, на 1–м этаже, в зале 711 (Государственный зал).
«Женщина перед зеркалом» (фр. «La Femme au miroir») — свидетельство мастерства Тициана в изображении красоты эпохи Возрождения. Созданная около 1515 года, она запечатлела момент интимного размышления: золотистые волосы героини ниспадают каскадом на изумрудное бархатное платье, когда она изучает свое лицо.
Картина вызвала бурные споры своего времени, и Тициан продемонстрировал, как живопись может превзойти скульптуру, изображая несколько точек зрения одновременно. Работа Тициана также известна в истории искусства, поскольку ее интерпретация учеными до сих пор остается предметом споров. Некоторые видят в этом размышление о тщеславии, аллегорию благоразумия или торжество любви и красоты. Некоторые видят в этом визуальную метафору брака, в то время как другие интерпретируют это как сложное утверждение о природе видения и того, что тебя видят.
Работы Тициана часто остаются незамеченными посетителями из-за популярности «Моны Лизы», но это квинтэссенция мастерства художника и культурных нюансов эпохи Возрождения. Тициан, вероятно, родился в 1488 году, через 5 лет после Рафаэля, но умер в 1576 году, в возрасте 88 лет, через 56 лет после него.
6. «Портрет Бальдассаре Кастильоне», Рафаэль
Где: Обычно крыло Денона занимает 1–й уровень – зал 712 (Большая галерея).
На этом мастерском портрете, написанном Рафаэлем в 1515 году, изображен Бальдассаре Кастильоне, выдающийся итальянский дипломат, военный и писатель. Картина известна своим глубоким изображением и технической виртуозностью, воплощая идеалы Высокого Возрождения.
Рафаэль представляет Кастильоне в трехчетвертном ракурсе, который смотрит прямо на зрителя с безмятежным выражением лица. Идеальный баланс и гармония композиции, а также приглушенная цветовая палитра создают ощущение сдержанной элегантности, отражающей утонченный характер Кастильоне.
Портрет особенно важен своей психологической глубиной, он отражает не только физическое сходство Кастильоне, но и его интеллектуальные и духовные качества. Это согласуется с работами самого Кастильоне об идеальном придворном эпохи Возрождения. Картина оказала глубокое влияние на более поздних художников, послужив образцом для многих последующих портретов и продемонстрировав непревзойденную способность Рафаэля передавать внешний облик и внутреннюю сущность своих персонажей.
7. «Весна», Джузеппе Арчимбольдо
Где: Обычно в крыле «Денон», 1–й уровень, зал 712 (Большая галерея).
«Весна» Джузеппе Арчимбольдо, написанная в 1573 году, является ярким примером оригинального и причудливого стиля художника. На этом портрете, входящем в его знаменитую серию “Времена года”, изображена человеческая голова, полностью состоящая из весенних цветов и растений.
Не пропустите: Самые лучшие музеи истории викингов в Норвегии
Тщательное внимание Арчимбольдо к ботаническим деталям проявляется во множестве точно прорисованных цветов, которые формируют черты фигуры. Картина демонстрирует уникальную способность художника сочетать натюрморт с портретом, создавая одновременно реалистичный и фантастический образ.
Эта работа отражает интеллектуальный климат позднего Возрождения с его интересом к естественным наукам и визуальным головоломкам. Инновационный подход Арчимбольдо повлиял на художников-сюрреалистов столетия спустя. “Весна” демонстрирует не только техническое мастерство художника, но и его остроумие и фантазию, предлагая зрителям восхитительный визуальный парадокс.
8. «Габриэль д’Эстре с сестрой», неизвестный художник
Где: Обычно это крыло Ришелье, 2–й этаж, зал 824.
«Габриэль д’Эстре с сестрой» — известная картина, написанная примерно в 1594 году, приписываемая неизвестному художнику, но явно относящаяся ко Второй школе Фонтенбло, периоду позднего маньеризма, завершавшему французское возрождение с 1594 по 1617 год.
Картина знаменита своим интригующим изображением Габриэль д’Эстре, любовницы французского короля Генриха IV, рядом с одной из ее сестер. Интимный момент, запечатленный на картине, раскрывает тонкий символизм, особенно жест сестры, щиплющей Габриэль за сосок, намекая на тему плодородия.
Картина отражает придворную жизнь и художественные пристрастия конца XVI века. Это замечательный образец портретной живописи французского Ренессанса, сочетающий эротизм с политическим подтекстом. Посетители Лувра переносятся в эпоху, когда искусство переплеталось с властью и индивидуальностью.
9. «Гадалка», Караваджо
Где: Обычно крыло Денона занимает 1–й уровень – зал 712 (Большая галерея).
Эта ранняя работа Караваджо, написанная около 1594 года, демонстрирует революционный подход художника к живописи и его мастерство владения светотенью. На картине изображен молодой человек, которому цыганка-гадалка гадает по ладони, а тот тайком снимает кольцо с пальца.
Новаторское использование Караваджо драматического освещения и его акцент на психологическом взаимодействии персонажей ознаменовали отход от идеализированного искусства позднего Возрождения. Реализм картины и выбор современного уличного сюжета были новаторскими для своего времени. Внимание Караваджо к деталям проявляется в разнообразии фактур и тонкой игре выражений, приглашая зрителя разгадать историю обмана, разворачивающуюся перед ним.
10. «Коронация в Сен-Дени», Питер Пауль Рубенс
Где: Обычно это 2–й этаж в крыле Ришелье, зал 801 (Галерея Медичи).
Эта монументальная картина 1625 года, написанная по заказу в рамках цикла о Марии Медичи, является самой известной из 24 картин этого цикла, которые представлены в отдельном зале Лувра.
На огромном шедевре запечатлена коронация Марии Медичи в аббатстве Сен-Дени, где кардинал де Жуайез возлагает корону. Виртуозная работа художника со светом и цветом, особенно с роскошными красными и золотыми оттенками, подчеркивает священный и царственный характер церемонии.
Динамичная спиральная композиция и тщательное внимание к деталям – от сверкающих церковных облачений до величественной готической архитектуры – превращают этот исторический документ в визуальный праздник.
Коронация, состоявшаяся 13 мая 1610 года, приобрела трагическое значение, когда на следующий день был убит король Франции Генрих IV, что привело к регентству Марии над юным Людовиком XIII. Эта внезапная смена власти вызвала устойчивые слухи о ее причастности к смерти короля, хотя историки по-прежнему расходятся во мнениях относительно теории заговора.
Этот шедевр Питера Пауля Рубенса демонстрирует замечательную композицию, которая позже вдохновила Жака-Луи Давида на создание знаменитой картины “Коронация Наполеона”.
11. «Мученичество святого Себастьяна», Жорж де Латур
Где: Обычно это 2–й этаж 912–й зал в крыле Сюлли.
Эта картина, написанная между 1634 и 1643 годами, демонстрирует мастерство Жоржа де Латура в области светотени и его уникальный подход к религиозной тематике.
На картине изображены Святая Ирина и ее служанка, ухаживающие за ранами святого Себастьяна, который был ранен стрелами. Бросается в глаза характерное для Де Латура использование драматического освещения: сцена освещается единственным невидимым источником света, создающим мощный контраст между светом и тенью. Композиция удивительно проста, но в то же время мощна: фигуры образуют треугольную группу на темном фоне.
Внимание Де Латура к деталям проявляется в реалистичном изображении ран Себастьяна и тщательной передаче текстуры ткани. Эта картина демонстрирует способность художника сочетать религиозную тематику с глубоко человеческим и чутким подходом, создавая духовно глубокое и эмоционально резонансное произведение.
12. «Автопортрет Рембрандта за мольбертом», Рембрандт
Где: Обычно это крыло Ришелье, 2–й этаж, зал 844.
Этот очаровательный автопортрет, написанный Рембрандтом около 1660 года, является шедевром самоанализа и технического мастерства. Это одна из самых известных картин Золотого века Голландии.
На картине, созданной в конце карьеры художника, Рембрандт изображен за работой, стоящим перед мольбертом с кистями и палитрой в руках. Насыщенные, землистые тона и свободный, выразительный мазок характерны для зрелого стиля Рембрандта.
Картина примечательна своей психологической глубиной и тем, как художник уверенно передает самого себя. Лицо Рембрандта выходит из тени, освещенное мягким светом, подчеркивающим его обветренные черты и проницательный взгляд.
Этот автопортрет является глубоким размышлением о жизни, карьере и художественном творчестве художника. Это свидетельствует о неизменном увлечении Рембрандта автопортретом, жанром, в котором он был пионером и мастером, и оставил после себя визуальную автобиографию, охватывающую всю его карьеру.
13. «Клятва Горациев», Жак-Луи Давид
Где: Обычно в крыле Denon, 1–й этаж, зал 702 (Salle Daru).
Эта картина, являющаяся квинтэссенцией неоклассического искусства 1784 года, воплощает в себе такие добродетели, как патриотизм и самопожертвование, оказав влияние на поколения художников. Клятва Горациев — это символ революционных настроений в дореволюционной Франции.
На картине изображена сцена из римской истории: три брата клянутся на своих мечах сражаться за Рим, в то время как женщины скорбят, предвидя трагический исход. Дэвид использовал композицию, напоминающую фриз, с фигурами, расположенными параллельно плоскости картины, что создает ощущение монументальности. Четкая скульптурная прорисовка фигур и акцент на линии, а не на цвете, являются отличительными чертами неоклассического стиля. Строгая композиция картины и эффектное освещение оказали влияние на поколения художников.
14. «Великая одалиска», Жан Энгр
Где: Обычно в крыле Denon, на 1–м этаже, в зале 702 (Salle Daru).
Эта работа в стиле ориенталистики, написанная в 1814 году, демонстрирует отход Жана-Огюста-Доминика Энгра от строгой анатомической точности в пользу чувственности и экзотики.
На картине изображена наложница в окружении гарема. Намеренное искажение фигуры Энгром, особенно удлиненной спины, вызвало споры, но также и восхищение ее изящными, извилистыми линиями. Богатые ткани, павлиний веер и тюрбан создают экзотическую атмосферу, отражая европейское увлечение Востоком в 19 веке. Эта картина остается ключевой в обсуждении ориентализма и женской обнаженной натуры в западном искусстве.
Изучая эти 14 замечательных картин, посетители могут глубже оценить художественное разнообразие Лувра, эволюцию истории искусства и способность искусства отражать и формировать человеческий опыт. Лувр предоставляет уникальную возможность прикоснуться к прошлому, поучиться у мастеров и вдохновиться красотой и сложностью человеческого творчества.
Венский фотограф Стефан Драшан (Stefan Draschan) снимает посетителей европейских музеев на фоне «подходящих» им картин — когда одежда или прическа человека сочетается с произведением искусства по цветовой гамме, насыщенности или орнаменту. Ради удачного кадра фотограф может пропадать в музеях часами.
удя по сайту Драшана, он вообще любит подмечать вокруг визуальные пары: он ведет блоги об одинаково одетых парах, о тройках людей на фоне картин, о машинах на фоне похожих домов, а также о людях, которые спят в музеях.
«Большое видится на расстоянии» — это строчка из стихотворения Сергея Есенина, которая давно уже стала крылатой. Поэт говорил о любви, но эти же слова можно применить к описанию картин. В мире немало художественных полотен, которые впечатляют своими размерами. Любоваться ими лучше издалека.
Художники создают такие шедевры годами. Нарисованы тысячи эскизов, потрачено огромное количество расходных материалов. Для больших картин создают специальные залы.
Вот только рекордсмены постоянно меняются, многие художники хотят запечатлеть свое имя хотя бы таким образом. Для других же это возможность подчеркнуть значимость события или явления.
Если вы интересуетесь искусством или любите все выдающееся, наш рейтинг самых больших картин в мире вам обязательно понравится.
10. «Рождение Венеры», Сандро Боттичелли, 1,7 x 2,8 м
Этот шедевр хранится в галерее Уффици во Флоренции. Работу над полотном Боттичелли начал в 1482 году, закончил в 1486. «Рождение Венеры» стало первой большой картиной эпохи Возрождения, посвященной античной мифологии.
Главная героиня полотна стоит в раковине. Она символизирует женственность и любовь. Ее поза в точности копирует знаменитую древнеримскую статую. Боттичелли был образованным человеком и понимал, что этот прием по достоинству оценят знатоки.
Также на картине изображен Зефир (западный ветер) вместе со своей супругой и богиня весны.
Картина дарит зрителям чувство спокойствия, уравновешенности, гармонии. Изящность, утонченность, лаконичность – основные характеристики полотна.
9. «Среди волн», Иван Айвазовский, 2,8 х 4,3 м
Картина была создана в 1898 году в рекордно короткие сроки – всего 10 дней. Учитывая, что на тот момент Ивану Константиновичу было 80 лет, это фантастически быстро. Идея пришла к нему неожиданно, он просто решил нарисовать большую картину на морскую тематику. Это самое любимое его «детище». Айвазовский завещал «Среди волн» своему любимому городу – Феодосии. Она до сих пор находится там, в картинной галерее.
На полотне нет ничего, кроме бушующей стихии. Для создания штормового моря использовалась широкая гамма красок. Переливчатые светлые, глубокие и насыщенные тона. Айвазовскому удалось сделать невозможное – изобразить воду так, что она кажется подвижной, живой.
8. «Богатыри», Виктор Васнецов, 3 x 4,5 м
Полюбоваться этой картиной можно в Третьяковской галерее. Васнецов работал над ней два десятка лет. Сразу после завершения работ полотно приобрел Третьяков.
Идея создания родилась неожиданно. Виктор Михайлович задумал увековечить бескрайние русские просторы и богатырей, которые стоят на страже спокойствия. Они смотрят по сторонам и примечают, нет ли поблизости врага. Богатыри — символ силы и мощи русского народа.
7. «Ночной дозор», Рембрандт, 3,6 x 4,4 м
Экспонат находится в художественном музее Амстердама «Рейксмюсеум». Там для него выделен отдельный зал. Рембрандт написал картину в 1642 году. На тот момент она была самой известной и самой большой в голландской живописи.
Изображение воинственное – люди с оружием. Зритель не знает, куда они отправляются, на войну или на парад. Личности не вымышлены, все они существовали на самом деле.
«Ночной дозор» — групповой портрет, который лица, близкие к искусству, считают странным. Дело в том, что здесь нарушены все требования, предъявляемые к портретному жанру. А так как картина писалась на заказ, покупатель Рембрандта остался недоволен.
6. «Явление Христа народу», Александр Иванов, 5,4 x 7,5 м
Картина находится в Третьяковской галерее. На данный момент она там самая большая. Специально для этого полотна был построен отдельный зал.
Александр Андреевич писал «Явление Христа народу» 20 лет. В 1858 году после смерти художника ее купил Александр II.
Эта картина – бессмертный шедевр. На ней запечатлено событие из Евангелия. Иоанн Предтечи крестит людей на берегу реки Иордан. Вдруг все они замечают, что к ним приближается сам Иисус. Художник использует интересный метод – содержание картины раскрывается через реакцию людей на явление Христа.
5. «Воззвание Минина к нижегородцам», Константин Маковский, 7 x 6 м
Картина хранится в Нижегородском художественном музее. Самое крупное станковое полотно в нашей стране. Маковский написал его в 1896 году.
В основе картины события времен Смуты. Кузьма Минин призывает народ сделать пожертвование и оказать помощь в освобождении страны от поляков.
История создания «Воззвание Минина к нижегородцам» довольно интересна. Маковского настолько поразила картина Репина «Запорожцы пишут письмо турецкому султану», что он решил сотворить не менее значимый шедевр. Он добился высокого результата, и сейчас полотно имеет серьезную культурную значимость.
4. «Брак в Кане Галилейской», Паоло Веронезе, 6,7 x 10 м
Экспонат находится в Лувре. Сюжетом картины послужило событие из Евангелие. Веронезе написал ее в 1562–1563 годах по заказу бенедиктинцев монастырской церкви Сан-Джорджо Маджоре (Венеция).
«Брак в Кане Галилейской» – это свободная интерпретация библейского сюжета. Это и роскошные архитектурные декорации, которых не могло быть в галилейской деревушке, и люди, изображенные в костюмах разных эпох. Паоло совсем не смущало такое несоответствие. Главное, что его заботило – это красота.
Во время Наполеоновских войн картина была вывезена из Италии во Францию. По сей день организация, защищающая культурное наследие Италии, пытается добиться возврата полотна на родину. Сделать это вряд ли удастся, юридически картина принадлежит Франции.
3. «Рай», Тинторетто, 7 x 22 м
«Рай» называют венцом творчества Тинторетто. Он написал ее для Дворца Дожей в Венеции. Этот заказ должен был получить Веронезе. После его смерти честь украсить торцовую стену Большого Совета выпала Тинторетто. Художник был счастлив и благодарен судьбе за то, что на заре своей жизни он получил такой подарок. На тот момент мастеру было 70 лет. Он работал над картиной 10 лет.
Это самое большое полотно в мире, написанное маслом.
2. «Путешествие человечества», Саша Джафри, 50 x 30 м
Картина написана нашим современником. Саша Джафри – британский художник. «Путешествие человечества» он написал в 2021 году. Размеры картины сопоставимы с площадью двух футбольных полей.
Работа над полотном велась в отеле Дубая на протяжении семи месяцев. При создании его Саша использовал рисунки детей из 140 стран мира.
Картина была создана с благими целями. Джафри собирался разделить ее на 70 частей и реализовать их на аукционах. Деньги он собирался пожертвовать детскому фонду. В итоге картину не стали разрезать, ее приобрел Андре Абдун. Он отдал за нее 62 миллиона долларов.
1. «Волна», Джуро Широглавич, 6 500 м x 1,7 м
Эта картина занесена в Книгу рекордов Гиннеса. Джуро Широглавич написал ее в 2007 году. Цель очевидна – установление мирового рекорда. Действительно, размеры впечатляют. Видели ли вы когда-нибудь картину протяженностью 6 км? 2,5 тонны краски, 13 тысяч м?. Вот только что с ней делать? Ее не повесить в галерее, даже создание отдельного зала здесь бессмысленно.
Однако художник не желает, чтобы его «Волна» пылилась и была невостребованной. Он решил поделить ее на части и продать на аукционе. Вырученные деньги Джуро пожертвовал в благотворительный фонд, который оказывает помощь детям, пропавшим во время войны на Балканском полуострове.
Если когда-нибудь будете неподалеку от Токио, заезжайте в городок Титибу, где находится один из самых необычных музеев в мире. Его бывший владелец потратил более 50 лет на коллекционирование камней, которые напоминают человеческие лица.
От лица Иисуса до Элвиса Пресли — музей Тинсекикан может похвастаться обширной коллекцией из 1700 камней, у 900 из которых есть «лица». Вы также найдете кучу политиков, например Бориса Ельцина, других знаменитостей и даже персонажей видеоигр. Создатель музея умер в 2010 году, и теперь куратором Тинсекикана является его дочь.
Если вы думаете, что старинные вещи, это что-то кустарное и корявое, то сильно ошибаетесь. Что касается красоты, изящества и прочих аспектов визуальной составляющей, умельцы прошлого дадут фору многим нашим современникам, использующим технологические новинки.
На сайте Reddit есть раздел под названием ArtefactsPorn (тут все понятно и без перевода), где пользователи делятся фотографиями уникальных и очень красивых штуковин, которые были созданы давным давно, но по сей день способны восхищать!
Спящий кот. Слоновая кость. Япония, XIX век
Благовонная горелка в форме богомола, Япония XVIII–XIX век
Диск с драконами, Китай, XIV век
Ржущая лошадь. Династия Тан, Китай, VI–IX век
Золотая рукавица, часть доспехов Генриха II. Франция, 1550 год
Золотой браслет, покрытый эмалью и драгоценными камнями. Индия, XIX век
Шлемы Вексе скандинавского бронзового века, 1100 — 900 годы
Шлем Кэрола V Габсбургского, созданный Филиппо Негроли. Милан, XVI век
Золотой перстень священника Сиенамун. Египет, 26-я династия, 664-525 годы до нашей эры
Сосуд, выполненный из синего, белого и желтого стекла. Египет, 18-я династия, 1353-1336 годы
Чайник из горного хрусталя с золотыми креплениями. Индия (хрусталь) и Дрезден, Германия (оправы). 1700–1720 годы
Поразительно красивый топор, вероятно, используемый для охоты. Сицилия, Италия, XVI век
Золотые ушные затычки. Кения, XIX век
Статуэтка Смерти с луком. Германия, 1520 год
Готический самшит с изображением Страшного Суда, Европа, XVI век
Сине-золотые доспехи Максимилиана II
Золотой браслет, найденный на останках женщины, Помпеи, I век нашей эры
Шлем самурая в форме осьминога. Япония, 1700-е годы
Меч из слоновой кости и стали. Нидерланды, вторая половина XVII века.
Верхняя часть этого меча изображает спасение Андромеды Персеем.
Изысканный золотой браслет из Индии с фигурками дракона, кобры и двух божеств, символизирующих удачу и плодородие.
Государственная Третьяковская галерея — одна из самых известных сокровищниц мировой живописи. Ее история насчитывает более 160 лет. За это время в биографии музея накопилось немало интересных фактов, которые сыграли важную роль в его судьбе.
Идея галереи
Создать в Москве коллекцию лучших произведений искусства пришла в голову молодому московскому купцу Павлу Третьякову после посещения петербургского Эрмитажа. 20-летнего сына владельца льняной мануфактуры вдохновляла мысль о том, что благодаря московскому музею большое количество людей сможет насладиться шедеврами художников и скульпторов.
Для Третьякова было очень важно, чтобы произведения отечественных авторов были собраны в одном месте и служили, в первую очередь, просветительской миссии.
В одном из писем своей дочери Павел Третьяков признавался: «Моя идея была с самых юных лет наживать для того, чтобы нажитое от общества вернулось также обществу (народу) в каких-либо полезных учреждениях; мысль эта не покидала меня всю жизнь…»
Проект фасада Третьяковской галереи, 1900 год
Эмблема знаменитого музея – фасад здания. Он был выполнен по эскизу Васнецова.
Территория и экспонаты
Сейчас площадь Третьяковской галереи составляет 35,6 тысяч квадратных метров. В музее работает 106 залов. Количество выставленных в них, а также хранящихся в запасниках музея картин, рисунков и скульптур превышает 180 тысяч экспонатов. Они располагаются в восьми филиалах Третьяковки, при этом главным корпусом считается здание в Лаврушинском переулке.
Старые интерьеры Третьяковской Галереи
Старые интерьеры Третьяковской Галереи
Картины, с которых началась галерея
Общепризнанной датой создания галереи считается 22 мая 1856 года. Именно тогда Павел Третьяков купил для коллекции музея два полотна: «Искушение» Николая Шильдера и «Стычку с финляндскими контрабандистами» Василия Худякова. Несмотря на то, что купец приобретал картины художников и раньше, все же достоверной информации об этом история не сохранила.
Самое большое полотно
Самой большой картиной, представленной в галерейной коллекции, считается “Явление Христа народу”. Полотно принадлежит кисти Александра Иванова. Шедевр русского живописца имеет размеры 7,5 м на 5,4 метра. Как свидетельствуют исторические хроники, художник потратил на создание картины двадцать лет и смог завершить ее лишь в 1857 году.
Аскетизм коллекционера
Несмотря на то, что финансовое положение Павла Третьякова не было затруднительным, порой он считал необходимым вести аскетический образ жизни. Так, находясь в Европе в поисках экспонатов для своего музея, купец передвигался между городами в дешевых ночных поездах на “сидячих” местах. Коллекционер считал, что это поможет направить большую часть средств на пополнение собрания произведений для галереи.
Явление Христа народу Иванов А.А.
Галерея могла погибнуть
Коллекции произведений искусства угрожала гибель, когда в 1908 году в Москве началось наводнение. Спасти хранившиеся в музее шедевры пытались, строя кирпичную стену вокруг здания. Для этого к музею были специально направлены две роты саперов.
Одновременно со строительством стены работники Третьяковки переносили экспонаты с первого этажа на второй. Так удалось сохранить коллекцию в безопасности и уменьшить нанесенный зданию ущерб.
Закрытие из-за кражи
В 1891 году в Третьяковской галерее, которая к этому времени уже имела статус общенационального достояния, произошла кража четырех произведений искусства. Это событие крайне опечалило Павла Третьякова, и он решил закрыть музей для посетителей на два года. Через некоторое время, благодаря активным поискам две картины все-таки удалось обнаружить, а в 1893 году музей был вновь открыт для публики.
Наводнение 1908г.
Почему «Черный квадрат» висит вверх ногами
В одном из исследований, посвященных находящемуся в Третьяковке “Черному супрематическому квадрату” Казимира Малевича, утверждается, что картина на самом деле висит вверх ногами. Определить это удалось благодаря экспертизе слоев полотна с помощью рентгеновских лучей и микроскопического анализа.
Реставраторы обнаружили под верхним слоем краски надпись “Битва негров ночью”, которая оказалась перевернута. Считается, что эта фраза является отсылкой к картине французского автора Альфонса Алле “Битва негров в пещере глубокой ночью”.
Четыре версии шедевра Малевича
Далеко не всем известно, что художник Казимир Малевич написал не один «Черный квадрат”, а целых четыре. В Третьяковке висит первое из полотен, написанное в стиле супрематизм в 1915 году. Следующую версию художник создал в 1923 году.
Третий вариант появился в 1929, а четвертый был написан в 1932 году. Сейчас, кроме Государственной Третьяковской галереи, картины можно увидеть в Русском музее и Эрмитаже в Санкт-Петербурге. Любопытно, что четвертую картину удалось обнаружить совершенно случайно: один частный коллекционер решил расплатиться ею за банковский кредит.
Многострадальная картина Репина
В музее можно встретить известную картину «Иван Грозный и его сын Иван 16 ноября 1581 года».
1 апреля 1885 года впервые в России цензурой картина была запрещена к показу. Владельцу картины Павлу Третьякову было настоятельно рекомендовано «не допускать для выставок и вообще не дозволять распространения её в публике какими-либо другими способами».
В 1915 году выставленную в Третьяковской галерее картину изрезал ножом некто Абрам Балашов. Сторонники конспирологических теорий полагают, что на действия вандала могло повлиять отношение к картине императора Александра III, который не очень любил эту работу. Тем не менее, порча картины была воспринята как трагедия.
Для работников музея это событие было настолько вопиющим, что тогдашний хранитель покончил жизнь самоубийством. Впоследствии восстанавливать фрагменты полотна приезжал сам Репин. Однако гамма, в которой он ее переписал, отличалась от сохранившихся фрагментов. Позднее реставраторы нашли возможность вернуть полотну его первоначальный вид.
Эвакуация во время войны
Во время Великой Отечественной войны 1941-1945 годов экспонаты Третьяковской галереи пришлось эвакуировать из столицы. Большую их часть в 17 вагонах отправили в Новосибирск. Остальное на время перевезли в уральский город Пермь, который в военные годы носил название Молотов.
В Новосибирске коллекцию Третьяковки разместили в здании недостроенного Оперного театра, которому тут же присвоили статус филиала музея. В Молотове экспонаты выставили в местной картинной художественной галерее. Коллекции вернулись обратно в Москву уже в 1944 году.
Реставратор М.А.Александровский на выставке «Русская реалистическая живопись» в Оперном театре. Новосибирск. 1942
1945 год. Возвращение из эвакуации
Реставрация здания Третьяковки в Лаврушинском переулке
С 1986 по 1995 год здание по адресу Лаврушинский переулок, 10 было закрыто на реконструкцию. На протяжении почти 10 лет экспонаты галереи выставлялись в здании Центрального дома художника (ЦДХ) на Крымском валу.
Тем временем строители не только восстановили старинное здание, но и соорудили новый корпус, а также включили в музейный ансамбль храм Святителя Николая в Толмачах. После реконструкции количество залов Третьяковки увеличилось, и многие экспозиции получили собственное выставочное пространство.
Тайные входы
Внутри здания Третьяковской галереи есть сквозные проходы во все строения музейного комплекса, в том числе в депозитарий и инженерный корпус. Они созданы для того, чтобы сохранить картины, ведь носить их по улице опасно. В галерее для них поддерживают специальный климат, а на открытом воздухе они могут пострадать.
Православный храм - один из залов галереи
В архитектурный ансамбль Третьяковской галереи входит здание храма Святителя Николая в Толмачах.
Храм был домовой церковью при Третьяковской галерее. Павел Михайлович Третьяков был усердным прихожанином, молился всегда на одном и том же месте, оно отмечено в полу особой плитой с памятной надписью.
Владимирская икона Божией Матери, в отличие от многих уникальных икон, сохранившихся до наших дней, находится на постоянной экспозиции в храме, а не в музее.
К ней всегда можно подойти и помолиться, минуя музейную кассу. Но это стало возможным только потому, что храм является частью Государственной Третьяковской Галерей, и за состоянием шедевра постоянно наблюдают специалисты.
В архитектурный ансамбль Третьяковской галереи входит здание храма
Владимирская Богоматерь По преданию икону написал еще апостол Лука
Мало кому известно, что до недавнего времени здесь находилось легендарное полотно Михаила Врубеля «Принцесса Греза» площадью 90 кв. м, высотой 14 м и весом почти в полтонны.
Искусство для народа
В завещании Третьякова особо оговаривалось одно условие — бесплатный вход в картинную галерею.
Кроме того, за свой щедрый дар он получил дворянство от императора, но меценат отказался от него, заявив, что купцом он родился, купцом и умрет.
Несмотря на перипетии судьбы, Третьяковская галерея сохранила свое предназначение — делать искусство доступным для общества.
Сбылась мечта Павла Третьякова о просветительской миссии Третьяковки, и люди выстраиваются в длинные очереди перед входом в музей, чтобы увидеть шедевры лучших представителей изобразительного искусства. Ежедневно Государственную Третьяковскую галерею посещают около 12 тысяч человек.
Если задать вопрос, какого цвета античные статуи богов и героев, даже школьник ответит, что они белые. Это вполне логично, так как изготавливали свои шедевры греческие и римские мастера из мрамора, который имеет, в основном, белоснежный цвет.
Выставка «Пестрые боги» (Bunte Götter) из Дании, успешно проводимая с 2003 года в самых известных музеях Европы и США, ломает устоявшиеся стереотипы и показывает античные скульптуры такими, какими их видели современники Мирона, Фидия и Праксителя.
Долгие столетия считалось, что античные скульптуры из мрамора были белыми. Лишь относительно недавно, благодаря инновационным методам анализа материалов, ученым удалось установить тот факт, что древние мастера раскрашивали свои изваяния, причем в весьма смелую цветовую гамму.
Эксперты установили, что на многих фигурах богов и героев были нарисованы детали одежды и почти у всех присутствовала роспись лиц. В древнем мире использовались яркие краски растительного и минерального происхождения, которые имели один важный недостаток – невысокую стойкость. Очевидно, статуи, подвергавшиеся атмосферным воздействиям, приходилось регулярно «подновлять».
Восстановленная роспись античных горельефов
Основным экспонатом выставки «Пестрые боги» является фигура лучника с западного фронтона храма Афайи на о. Эгина, созданная около 500 г. до н. э. Ученые предполагают, что скульптура изображает Париса, по вине которого началась кровопролитная Троянская война.
Лучник из храма Афайи
Проведя исследование мраморной скульптуры при помощи ультрафиолетового рефлектографа, специалисты с удивлением обнаружили, что некогда считавшийся обнаженным лучник, оказался одет в яркую, облегающую тело одежду. Узоры были тщательно проработаны – самые мелкие детали имели размер всего 2 мм! Эксперты не могут объяснить, зачем понадобилась такая филигранность для украшения статуи, располагавшейся на высоте более 10 метров – возможно это была прихоть заказчика или просто фирменный стиль ваятеля.
Реконструкция лучника
Исследования этой и многих других скульптур показали различную степень выветривания поверхности мрамора, что свидетельствует об использовании красок, отличавшихся по происхождению и плотности. Химический анализ, взятый с разных участков поверхности, показал наличие в пигменте киновари, медной лазури, медной зелени, красной и желтой охры, а также тончайшего листового золота.
Реконструкция головы воина
Кора Пеплофора (носящая пеплум), Музей Акрополя, Афины, 530–520 гг. до н.э
Но химический и спектральный анализ – это не единственное доказательство состоятельности теории «пестрых богов». В экспозиции выставки представлена голова одной из греческих скульптур воина, на шлеме которого сохранилась роспись, заметная невооруженным глазом. Эта находка будоражила умы археологов и искусствоведов с 60‑х годов прошлого века, но доказать без специального исследования тот факт, что этот случай украшения не единичен, было невозможно.
Голова Калигулы, Новая глиптотека Карлсберга, Копенгаген, 37–41 гг
Торс в панцирном доспехе, Музей Акрополя, Афины, ок. 470 г. до н.э.
Тесей и Антиопа из храма Аполлона в Эретрии (о. Эвбея) кон. VI в. до н.э.
Реконструкция одежды на фигуре Артемиды
Раскрашенные статуи представляли для жителей античного мира особую ценность. Что касается точки зрения современного человека, привыкшего к классическому, однотонному исполнению этих шедевров, то они кажутся как минимум странными, а как максимум – безвкусно-кричащими.
Показ рекламы - единственный способ получения дохода проектом EmoSurf.
Наш сайт не перегружен рекламными блоками (у нас их отрисовывается всего 2 в мобильной версии и 3 в настольной).
Мы очень Вас просим внести наш сайт в белый список вашего блокировщика рекламы, это позволит проекту существовать дальше и дарить вам интересный, познавательный и развлекательный контент!
Смех
Интерес
Вдохновение
Красота
Умиление
Радость
Удивление
Трогательно
Гнев
Отвращение