Идеальное соотношение для строительства песчаных замков — восемь частей сухого песка к одной части воды. Есть гипотеза, что древние египтяне делали из песка копии будущих пирамид. Песчаные скульптуры очень недолговечны, ведь основными строительными ингредиентами являются песок и вода.

Песчаный Колизей. Фестиваль скульптур в Сондервинге, Дания, 2011 год

Британская Колумбия, Чемпионат мира по изготовлению скульптур из песка Дракон

Порт-Аранзас, штат Техас

Динозавры. Конкурс в штате Виктория, Австралия

Леонардо Да Винчи

Фестиваль песчаных скульптур в Бланкенберге.

Слон

Обезьяны

Песчаный ангел

Орел и статуя свободы

Зевс

Европейский фестиваль песчаных скульптур

Шахматисты. Пуэрто-Вальярта, Мексика

Песчаная композиция «Искусство управление движением». Фестиваль в Сан-Матео, Калифорния

Фестиваль песчаных скульптур в Дании

Фестиваль песчаных скульптур во Франкфурте, Германия.

Японский фестиваль песчаных скульптур

Ветряные мельницы Киндердейка и песчаные скульптуры

В русском языке есть слова, которые не употребляются без «не». Но когда-то они как раз и появились путём присоединения «не» к вполне самостоятельным словам, которые сегодня уже устарели и не используются.

1. Льзя

Сейчас это слово встречается только в качестве шуточного, однако раньше оно было обычным. Это форма дательного падежа существительного «льга», которое означало «свобода». Его родственники нам хорошо знакомы: «льгота», «польза», «лёгкий» и, конечно, «нельзя», образованное путём сложения «не» и «льзя».

2. Лепый

«Красота-то какая! Лепота!» — восхищается царь Иван Грозный в комедии Леонида Гайдая «Иван Васильевич меняет профессию». Возможно, именно благодаря яркому герою многие с детства знают существительное «лепота». Его значение — «красота, великолепие», а распространённoе pаньше cлово «лeпый» oзначало «кpасивый». Kорень здeсь тoт жe, чтo и в глaголе «лeпить».

Cейчас пpилагательное «лeпый» yшло в пpошлое, a вoт oбразованное oт нeго «нeлепый» aктивно иcпользуется дo cих пoр. Хoтя oно нeмного измeнило cвоё пeрвоначальное знaчение. Теперь этo yже нe «нeкрасивый», a «бeссмысленный, лишённый pазумных oснований» и тaкже «нeскладный, нeуклюжий».

3. Kлюжий

Kстати, иcтория пpилагательного «нeуклюжий» oчень нaпоминает cитуацию c пpилагательным «нeлепый». Уcтаревшее cлово «клюжий» пpоисходит oт «клюдь» — «пoрядок, кpасота». Cоответственно, «клюжий» — этo «кpасивый, cтатный». Oт нeго кoгда-то былo oбразовано «yклюжий», a пoзже — «нeуклюжий».

4. Bзрачный

Этo eщё oдин нынe yмерший cиноним «кpасивого». Пpоисходит oн oт yстаревшего «зpак» («зpачок»). Cравните c выpажением «видный чeловек»: cемантика зpения здeсь cвязана c пpиятной внeшностью. «Bзрачным» мы cейчас, кoнечно, никoго нe нaзываем, a вoт oбразованное oт нeго «нeвзрачный» живeе вcех живыx.

5. Дyг

Дo cих пoр мнoгим знaкомо пpилагательное «дюжий». A вoт cлово, oт кoторого oно пpоизошло, cегодня нe yпотребляется. «Дyг» pаньше oзначало «cила, здoровье», и oт нeго жe oбразовано cуществительное «нeдуг».

6. Pяха

И pечь нe o лицe, xотя тaкое знaчение в cовременных cловарях, бeзусловно, cохраняется. Cлово «pяха» oбразовано oт глaгола «pядиться» c пoмощью cуффикса -x- (пoхожая cитуация cо cловом «пpяха»), eго пeрвоначальный cмысл — «oпрятно oдетый». «Pяху» в этoм знaчении мы cо вpеменем пoтеряли, a вoт eго aнтоним — «нeряха» — живёт дo cих пoр.

7. Уpядица

Этo cлово кoгда-то oзначало «пoрядок». Cейчас пaмять o нём oсталась в cуществительном «нeурядица», y кoторого двa знaчения: «бeспорядок» и «cсора».

8. Гoдяй

Этo cтарая фoрма пpичастия oт глaгола «гoдиться». B cовременном pусском языкe иcпользуется фoрма «гoдящийся», a oт иcчезнувшего вaрианта кoгда-то дaвно пpоизошло cлово «нeгодяй». Изнaчально тaк нaзывали чeловека, нe гoдящегося к вoенной cлужбе.

9. Bзначай

Этo cлово кoгда-то oзначало «нaмеренно». B нём тoт жe кoрень, чтo и в cловах «чaс», «чaяние», «чaй» (нo тoлько нe нaпиток, a ввoдное cлово — «чaй, cвидимся»). Cейчас «взнaчай» мы yже нe иcпользуем, a вoт oбразованное oт нeго «нeвзначай» oчень пoпулярно.

10. Pадивый

Mногим знaком глaгол «pадеть». Этo «pодственник» иcчезнувшего cлова «pад», кoторое oзначало «cтарание, yсердие, pабота». Oт нeго и oбразовано пpилагательное «pадивый», тo eсть «cтарательный, yсердный». Eго aнтоним — «нeрадивый» — нeмного измeнил cвоё знaчение и жив дo cих пoр.

Русский художник Святослав Рерих (1904-1993) прожил большую часть своей жизни в Индии. Прожил очень плодотворно, впитав в себя всю глубину и высоту ее духовности, философии и культуры в целом. Имея в себе неоспоримый художественный дар, он воплотил все вмещенное им культурное богатство в своих картинах. Где-то в цвете, где-то в символах. Последние почти в каждой его картине. И от этого они становятся кратно сильнее и значимее.

Рерих Святослав Николаевич появился на свет в Петербурге 10 октября (23 по старому стилю) 1904 г., умер 30 января 1993 года в индийском городе Бангалор. Это величайший живописец русского происхождения, с 30-х годов ХХ столетия проживавший и творивший в Индии. Сын Елены и Николая Рерихов – прославленной творческой семьи общественных деятелей.

Особенности творчества художника Святослава Рериха

Полотна руки этого мастера отличает глубокий символизм, присущий им наравне с реалистичностью изображаемого. Своими работами автор демонстрирует верность гуманистическим идеалам, он посвящает их борьбе за мирное сосуществование народов разных вероисповеданий и национальностей.

С этой целью им используются, казалось бы, трудно сочетаемые и даже в каком-то смысле противоположные художественные концепции. Реализм русской школы живописи Святославу Рериху удается переплетать с традициями западного искусства в его лучших периодах. В этом причудливом узоре стилей находят себе место и индийские мотивы, которыми буквально пропитано творчество художника, долгое время жившего в этой стране с неисчерпаемыми сокровищницами искусства.

Будучи сыном таких родителей, как Николай и Елена Рерих, будущий художник с детства имел возможность развивать свои разносторонние способности в искусстве, доставшиеся ему по наследству от отца – великого живописца.

И мать, и отец всячески поощряли стремление сына к рисованию, развивали его природную склонность к естественным наукам. Благодаря этому талант Святослава Рериха раскрылся в полной мере, в чем может убедиться каждый человек, обративший внимание на любую из его картин.

Первой творческой попыткой этого живописца можно считать потрет, созданный им еще в подростковом возрасте, на котором автор запечатлел своего отца. По тому, кого выбрал Рерих Святослав Николаевич в качестве своей первой модели, можно судить о значимости фигуры родителя в его становлении. С самых ранних лет Святослав всячески участвовал в разносторонней деятельности семьи – помогал отцу с холстами и красками, иногда сопровождал в путешествиях по городам России, которые Николай Рерих часто посещал в рамках своего увлечения археологией. Их тесная связь сохранялась и позже: во многих работах Рериха Святослава Николаевича прослеживается сходство с поздними произведениями его отца.

Семья Рерихов в начале ХХ столетия переехала в Европу, где и продолжалось обучение и становление одаренного юноши. Изучая архитектуру в лондонской Академии искусств, Святослав Рерих не бросил писать картины. И снова его стремления нашли поддержку и одобрение у отца. Вместе они создали декорации для постановок великих русских опер в лондонских театрах. Николай Рерих отзывался о творчестве своего сына как об образце небезразличного, пылкого отношения к живописи, благодаря которому ему и удается достичь столь впечатляющего результата. Он отмечает напряженность всех элементов картин Святослава Рериха, несмотря на это находящихся в удивительной гармонии, называет талант сына «высоким даром», несущим радость и всем окружающим.

Данью уважения к личности отца можно считать тот факт, что Святослав Николаевич Рерих вступил на должность вице-президента музея Corona Mundi, посвященного его отцу. Тогда же он в первый раз попал в Индию, с чего и началось знакомство живописца особенностями индийской культуры, впоследствии целиком и полностью покорившей его сердце.

В Америку Рерих приехал, чтобы продолжить свое архитектурное образование, чем он и занимался поначалу в Колумбийском университете, а потом в Гарварде. Для развития своих разносторонних наклонностей этого он считал не достаточным, поэтому параллельно посещал отделение скульптуры, работал над иллюстрациями для книг, писал картины, в том числе и в графическом направлении.

В этот период вплетается его будущая индийская жизнь. Целью первой поездки в эту страну для Святослава Николаевича Рериха была помощь семье во время Центрально-Азиатской экспедиции.

После поездки он вновь вернулся в Америку, где его художественная деятельность не осталась без внимания критиков. Талант Рериха впервые был признан ими после выставки его работ в Нью-Йорке, вызвавшей определенный ажиотаж в СМИ. В 1925 году он получил высшую награду на выставке, приуроченной к 150-летию Филадельфии, на экспозиции было представлено около сотни его работ.

Индия – ее значение для творчества живописца

Как только обучение подошло к концу, художник переехал в Индию, где на тот момент уже жила его семья. Там он с тем же рвением, что и в США, активно включился в общественную и культурную жизнь, постигая ее особенности и отдавая дань ее очарованию в своих картинах. Рерих был настолько влюблен в Индию, что считал ее своей второй – духовной – родиной. Гимном любви к этой стране с многовековыми утонченными традициями можно считать многие замечательные по своей внутренней силе полотна автора.

Здесь Святослав Рерих пишет несколько десятков картин уже с колоритом, присущим индийским культуре. Так, в 1933 году он закончил «Портрет Николая Рериха в тибетском одеянии». Это полотно принято считать одним из самых значительных его произведений. Признание по-прежнему сопровождает Рериха, и его полотна, на которых изображены во весь рост Индира Ганди и Джавахарлал Неру – индийские премьер-министры – до сих пор служат украшением Центрального зала, где располагается парламент Индии.

Здесь же, в духовной атмосфере гармонии со всем миром, художник нашел спутницу жизни, которой стала известная индийская киноактриса Девика Рани. Рерих Святослав Николаевич познакомился с ней на съемках фильма, для которого он создавал декорации. Девика Рани стала источником вдохновения для художника и его верным другом и спутником во всех начинаниях.

Портретистика – это то, с чего начал свое становление этот мастер. Благодаря его настойчивости и активному непрекращающемуся саморазвитию ему удалось достичь вершин в этом жанре. Его портреты поражают не поверхностным, внешним сходством, а глубинным соответствием личности того человека, который предстает перед зрителем. По картинам Святослава Николаевича Рериха хорошо виден его подход к созданию портрета, состоящий в том, чтобы создать не просто сходство, а сходство внутреннее, духовное.

Присутствуют среди его произведений и пейзажи, эпические, глубоко символичные полотна. Все они свидетельствуют о мастерстве и виртуозности Святослава Рериха, о его склонности к нестандартным решениям в воплощении своих задумок.

Картины Святослава Николаевича Рериха отличаются исключительным изяществом подачи и лаконичностью. Они максимально точно передают духовный облик человека, его глубинную сущность и характер.

Особенно много среди полотен Рериха Святослава Николаевича портретов его семьи. Однако, несмотря на безусловное влияние личности Николая Рериха на его творчество, этот великий живописец является самобытным автором, чей стиль и техника, перекликаясь с отцовской, представляют собой совершенно иную манеру исполнения.

Когда смотришь на картины Валерия Блохина, кажется, будто реальность начала таять, оставляя за собой только эмоции, цвет и движение. Его живопись — это диалог на грани абстракции, где можно уловить очертания мира, но ощутить нечто большее — настроение, ритм, энергию. Блохин не просто пишет красками — он играет с восприятием, провоцирует чувство и оставляет зрителя наедине с собственными ассоциациями. Кто он — этот художник, чье полотно вибрирует между сном и явью?

Валерий Блохин родился в 1964 в г. Новороссийске.
В 1984 году закончил Краснодарское художественное училище.
С 1987 года — городские, краевые, республиканские, всесоюзные и международные выставки.
С 1990 года — в Союзе художников России.
C 1999 года – почетный член Академии Искусств Чехии им. Масарика, награжден золотой медалью этой же кадемии.
В 2006 году – награжден серебряной медалью Российской Академии Художеств.
С 2007 года – член Творческого союза художников России.

Валерий с детства занимался дзюдо и художеством. Когда первое стало мешать второму, выбрал второе. Бросил дзюдо в Новороссийске, поехав поступать в Краснодарское художественное училище, после того, как закончил местную художественную школу. В Краснодаре никого из знакомых не было. Мама привезла его в город, устроила в школу, сняла квартиру. Здесь уже он заканчивал восьмой класс, готовился поступать в художественное училище.

При этом, жил Валерий в городе сам, без родителей. Приходилось учиться образцово, чтобы не вызывали в школу родителей. А когда проводили в школе родительские собрания, то находил на улице соответствующих прохожих и уговаривал их сходить в школу. Особенно любил подбирать девушек, в качестве сестер. Находил в этом веселье.

Сам Валерий работать начал рано – около семнадцати лет. После армии уже стал работать серьезно. Но были свои проблемы. Частных заказчиков тогда не существовало. Сбыт картин через Художественные галереи шел только по факту пребывания в рядах Союза художников.

Ситуация стала меняться после 1987 года. В ту пору открылся в Краснодаре первый «Арбат» в скверике. Художники работали прямо на глазах у прохожих. Что-то даже стало продаваться. Но и здесь все шло не гладко. Власти «Арбат» переносили по городу из одного места в другое несколько раз. Это очень негативно повлияло на атмосферу в художественном «Арбате», многие художники ушли.

Восточные мотивы в творчестве Валерия Блохина появились в связи с выставочной деятельностью за рубежом. Началось все в 1990 году в Германии, а затем дошло дело и до Индии, Вьетнама, Шри-Ланки. Восток внес в творчество Валерия еще больше цвета, характерного фейерверка костюмов, орнаментов. От первой поездки было много впечатлений. Их группу там много водили, показывали обряды, различные праздники, показывали то, что иностранцам обычно не показывают. И все это под характерную мелодичную восточную музыку. А Валерий любит музыку.

Каждая последующая поездка привносила много новых впечатлений и даже потрясала. Новые эмоции были настолько сильны, что стали основной темой его творчества.

В живописи Валерий Блохин любит цвет. Но пришел к этому не сразу. После училища он был неплохим рисовальщиком. Однако тот уровень творчества был изучен другими вдоль и поперек. Возникла некоторая неопределенность и вопрос: куда идти дальше?

Знакомство с Алексеем Паршковым очень повлияло на молодого художника. Тот порекомендовал не жалеть свои работы и холсты, больше экспериментировать с цветом. И Валерий стал выливать краску на холст, учиться мыслить более абстрактно. А так как работа шла не от фигуры, а от цветового пятна, то и вскоре пришло понимание цвета. Сложилась его особая техника: сначала идут абстрактные пятна, и только потом дописывается реальность. До определенного момента Валерий не знает, что появится на холсте. Ранее он опирался, как и большая часть художников русской школы, на рисунок, карандашный набросок, который затем заполнялся цветом. А сейчас – сначала эмоции, и только затем – детали…

Как пример, Валерий приводит разглядывание стен, в которых имеются небольшие выпуклости, трещины, неровности. Из всего этого вырисовываются фигуры, лица. Это его метод в живописи – поиск в абстрактном реальных вещей.

Часто Валерий настраивается на творчество так – садится, включает музыку – чаще джаз и фольклор — и мысленно начинает путешествовать. Если получается, то приступает к работе. А если настроение не возникает, то за краски не берется. Ведь если без настроения браться за работу — ничего хорошего не выйдет.

Летняя гроза — это всегда немного волшебство. Тот самый момент, когда небо внезапно темнеет, ветер срывает листья с деревьев, а в воздухе будто закипает напряжение… Молнии рассекают тучи, и в грохоте грома слышится дыхание самой природы. Именно такие минуты вдохновляли поэтов на строки, полные силы, страха и красоты. Делимся подборкой стихов, в которых гремит, сверкает и пахнет грозой.

Летняя гроза

Синие, чистые дали
Между зеленых ветвей
Бело-молочными стали…
Ветер играет смелей.
Говор негромкого грома
Глухо рокочет вдали…
Все еще веет истома
От неостывшей земли.
Птицы кричали и смолкли;
С каждым мгновеньем темней.
В небо выходит не полк ли
Сумрачных, страшных теней.
Вновь громовые угрозы,
Молнии резкий зигзаг.
Неба тяжелые слезы
Клонят испуганный мак.
Ливень, и буря, и где-то
Солнца мелькнувшего луч…
Русское, буйное лето,
Месяцы зноя и туч!

1911 г.
Валерий Брюсов

Как весел грохот летних бурь…

Как весел грохот летних бурь,
Когда, взметая прах летучий,
Гроза, нахлынувшая тучей,
Смутит небесную лазурь
И опрометчиво-безумно
Вдруг на дубраву набежит,
И вся дубрава задрожит
Широколиственно и шумно!..
Как под незримою пятой,
Лесные гнутся исполины;
Тревожно ропщут их вершины,
Как совещаясь меж собой, –
И сквозь внезапную тревогу
Немолчно слышен птичий свист,
И кой-где первый желтый лист,
Крутясь, слетает на дорогу…

1851 г.
Федор Тютчев

Пахнет ладаном воздух. Дождь был и прошел…

Пахнет ладаном воздух. Дождь был и прошел.
Из зияющих пастей домов —
Громовыми руладами рвется рояль,
Разрывая июньскую ночь.
Героическим громом бетховенских бурь
Город мстит…

1918 г.
Марина Цветаева

Дождливое лето

Ни тучки нет на небосклоне,
Но крик петуший — бури весть,
И в дальном колокольном звоне
Как будто слезы неба есть.
Покрыты слегшими травами,
Не зыблют колоса поля,
И, пресыщенная дождями,
Не верит солнышку земля.
Под кровлей влажной и раскрытой
Печально праздное житье.
Серпа с косой, давно отбитой,
В углу тускнеет лезвие.

1850 г.
Афанасий Фет

В гелиотроповом свете молний летучих...

В гелиотроповом свете молний летучих
В небесах раскрывались дымные тучи,
На косогоре далёком — призрак дубравы,
В мокром лугу перед домом — белые травы.

Молнии мраком топило, с грохотом грома
Ливень свергался на крышу полночного дома —
И металлически страшно, в дикой печали,
Гуси из мрака кричали.

30 августа 1922
Иван Бунин

Возвращение с работы

Вокруг села бродили грозы,
И часто, полные тоски,
Удары молнии сквозь слёзы
Ломали небо на куски.

Хлестало, словно из баклаги,
И над собранием берёз
Пир электричества и влаги
Сливался в яростный хаос.

А мы шагали по дороге
Среди кустарников и трав,
Как древнегреческие боги,
Трезубцы в облако подняв.

1954
Николай Заболоцкий

Июльская гроза

Так приближается удар
За сладким, из-за ширмы лени,
Во всеоружьи мутных чар
Довольства и оцепененья.

Стоит на мёртвой точке час
Не оттого ль, что он намечен,
Что желчь моя не разлилась,
Что у меня на месте печень?

Не отсыхает ли язык
У лип, не липнут листья к нёбу ль
В часы, как в лагере грозы
Полнеба топчется поодаль?

И слышно: гам ученья там,
Глухой, лиловый, отдалённый.
И жарко белым облакам
Грудиться, строясь в батальоны.

Весь лагерь мрака на виду.
И, мрак глазами пожирая,
В чаду стоят плетни. В чаду —
Телеги, кадки и сараи.

Как плат белы, забыли грызть
Подсолнухи, забыли сплюнуть,
Их всех поработила высь,
На них дохнувшая, как юность.

______________
Гроза в воротах! на дворе!
Преображаясь и дурея,
Во тьме, в раскатах, в серебре,
Она бежит по галерее.

По лестнице. И на крыльцо.
Ступень, ступень, ступень. — Повязку!
У всех пяти зеркал лицо
Грозы, с себя сорвавшей маску.

1914
Борис Пастернак

Аэрофотосъемка дает возможность посмотреть на привычные объекты совершенно по-новому. С высоты птичьего полета перед нами открывается совсем другой мир, полный ярких красок и удивительной симметрии. Братья Эндрюс подметили эту особенность, когда впервые запустили дрон, и с тех пор не расстаются со своим маленьким и быстрым помощником. Мастера аэрофотосъемки создают потрясающие кадры, снятые с высоты птичьего полета.

Смотрите дальше лучшие работы творческого дуэта братьев Эндрюс.

Братья Джей Пи и Майк Эндрюс (JP and Mike Andrews) были потрясены, когда впервые запустили дрон в воздух. Эти полеты открыли им целый мир, спрятанный в небесах. Перспектива на земную поверхность, которая открывается с высоты птичьего полета, дала возможность увидеть захватывающую красоту. Вдохновленные тем, что они увидели, братья решили путешествовать по миру и показывать всем, каким необыкновенным и прекрасным выглядит наш мир сверху. Так появился проект Abstract Aerial Art.

Их аэрофотосъемка характеризуется умными композициями, которые создаются путем интенсивного поиска лучшей перспективы. Часто братья Эндрюс используют Google Earth и другие приложения, чтобы виртуально спроектировать кадры еще до прибытия на место. Фотографов часто спрашивают о достоверности их фотографий, настолько нереальными они кажутся на первый взгляд. Мастера говорят, что почти не обрабатывают снимки в фоторедакторе, за исключением корректировки светотени.

Братья Эндрюс демонстрируют зрителю, что наша планета до сих пор полна открытий. С высоты птичьего полета можно бесконечно узнавать новое о земле и ее жителях. Привычные объекты смотрятся по-особенному, соединяясь в причудливые композиции, которые видны только с небес. Симметрия, цвет и гармония наполняют нашу планету, стоит лишь посмотреть на нее с заоблачной перспективы под углом творческого взгляда.

Когда смотришь на картины Роберта Бейтмена, кажется, что вот-вот услышишь шорох травы под лапами хищника, плеск воды от крыльев утки или треск льда под медвежьей тушей. Этот канадский художник-анималист — не просто мастер реализма, он настоящий летописец дикой природы. Его работы — это не просто изображения животных, а глубокие истории о выживании, гармонии и исчезающей красоте мира, который мы часто не замечаем. В его картинах столько силы, точности и уважения к природе, что они кажутся по-настоящему живыми.

Robert Bateman — канадский художник-анималист. Он родился в городе Торонто в 1930 году. О своем детстве Robert рассказывает, что он всегда был художником и одновременно натуралистом, потому как все дети любят и природу, и искусство. Но дети взрослеют и когда им исполняется 12-13 лет, то начинают интересоваться «взрослыми» вещами.

А Robert Bateman не достиг своей стадии «взрослого» человека, так как серьезно увлекаться изобразительным искусством и изучением природы именно в 12 лет… Именно тогда Robert нарисовал свой первый рисунок и начал ежедневно рисовать разных птиц, по приходу из школы. Он тогда рисовал в реалистической манере, используя маленькую кисть. Но через несколько лет , испытав влияние друзей, он стал писать в более свободном стиле, уже большой кистью и более ярко.

А Robert Bateman не достиг своей стадии «взрослого» человека, так как серьезно увлекаться изобразительным искусством и изучением природы именно в 12 лет… Именно тогда Robert нарисовал свой первый рисунок и начал ежедневно рисовать разных птиц, по приходу из школы. Он тогда рисовал в реалистической манере, используя маленькую кисть. Но через несколько лет , испытав влияние друзей, он стал писать в более свободном стиле, уже большой кистью и более ярко.

В 1950 году Robert закончил Академический институт в Форест Хилл. Четыре года спустя с отличием окончил по географии Торонтский университет, получил степень бакалавра искусств. Далее Robert взялся за преподавательскую и просветительскую деятельность, при этом не забывал о творчестве. За относительно короткое время пережил увлечение импрессионизмом и постимпрессионизмом в манере Ван Гога. Затем последовал его период кубизма и импрессионистской абстракции. Но на всех этих этапах его продолжала вдохновлять природа, и поскольку он был по своей сути натуралистом, в нем всегда жило стремление к отображению природы с максимальной точностью.

В 32 года Robert Bateman посетил персональную выставку Эндрю Уайета, известнейшего американского художника-реалиста. Эндрю был мастером детализации, при доведении картин всегда пользовался маленькой кистью. Бейтмэн вспоминал, что тогда пришел к выводу, что в этом единственный путь для художника-натуралиста. После осознания этой идеи, он почувствовал себя раскрепощенным.

Так Роберт Бейтмэн обрел свой индивидуальный путь в искусстве, и верен ему до сего дня. Он не ощущает необходимости менять стиль, ведь тот животный мир, которому посвящены его многие картины, он сам по себе бесконечно разнообразен. В нем можно находить бескрайнее вдохновение, неиссякаемый источник новых идей.

На сегодня Robert Bateman является самым признанным и известным художником живой природы. Список его выставок очень длинный. Он продолжает читать свои лекции по искусствам и охране природы, и заслуги Роберта в это деле отмечены высокими государственными наградами. В университете Роял Роудс (Канада) открыт Образовательный центр Роберта Бейтмэна – т.н. «экодом», который идеально вписывается в окружающую среду и не нарушает ее естественного состояния.