Утренние стихи

Как многообразны и прекрасны мгновения утренней зари, когда мир пробуждается от сна, наполняясь светом и свежестью нового дня. Вдохновляясь этой волшебной порой, поэты запечатлели утро в своих стихах, передавая всю его красоту и таинственную магию. Надеемся, что эта подборка согреет ваше сердце и поможет начать день с улыбки и радости.


Звёзды меркнут и гаснут. В огне облака.
Белый пар по лугам расстилается.
По зеркальной воде, по кудрям лозняка
От зари алый свет разливается.
Дремлет чуткий камыш.
Тишь — безлюдье вокруг.
Чуть приметна тропинка росистая.
Куст заденешь плечом — на лицо тебе вдруг
С листьев брызнет роса серебристая.
Потянул ветерок, воду морщит-рябит.
Пронеслись утки с шумом и скрылися.
Далеко-далеко колокольчик звенит.
Рыбаки в шалаше пробудилися,
Сняли сети с шестов, вёсла к лодкам несут…
А восток всё горит-разгорается.
Птички солнышка ждут, птички песни поют,
И стоит себе лес, улыбается.
Вот и солнце встаёт, из-за пашен блестит,
За морями ночлег свой покинуло,
На поля, на луга, на макушки ракит
Золотыми потоками хлынуло.
Едет пахарь с сохой, едет — песню поёт;
По плечу молодцу всё тяжёлое…
Не боли ты, душа! отдохни от забот!
Здравствуй, солнце да утро весёлое!

Иван Никитин


Задремали звезды золотые,
Задрожало зеркало затона,
Брезжит свет на заводи речные
И румянит сетку небосклона.

Улыбнулись сонные березки,
Растрепали шелковые косы.
Шелестят зеленые сережки,
И горят серебряные росы.

У плетня заросшая крапива
Обрядилась ярким перламутром
И, качаясь, шепчет шаловливо:
«С добрым утром!»

Сергей Есенин


Вверх, по недоступным
Крутизнам встающих
Гор, туман восходит
Из долин цветущих;

Он, как дым, уходит
В небеса родные,
В облака свиваясь
Ярко-золотые —
И рассеиваясь.

Луч зари с лазурью
На волнах трепещет;
На востоке солнце,
Разгораясь, блещет.

И сияет утро,
Утро молодое…
Ты ли это, небо
Хмурое, ночное?

Ни единой тучки
На лазурном небе!
Ни единой мысли
О насущном хлебе!

О, в ответ природе
Улыбнись, от века
Обреченный скорби
Гений человека!

Улыбнись природе!
Верь знаменованью!
Нет конца стремленью —
Есть конец страданью!

Яков Полонский


Есть граница между ночью и утром,
между тьмой и зыбким рассветом,
между призрачной тишью
и мудрым
ветром…

Вот осиновый лист трясется,
до прожилок за ночь промокнув.
Ждет, когда появится солнце…
В доме стали заметней окна.
Спит, раскинув улицы, город,
все в нем —
от проводов антенных
до замков, до афиш на стенах,—
все полно ожиданием:
скоро,
скоро! скоро!!—
вы слышите?— скоро
птицы грянут звонким обвалом,
растворятся,
сгинут туманы…
Темнота заползает
в подвалы,
в подворотни,
в пустые карманы,
наклоняется над часами,
смотрит выцветшими глазами
(ей уже не поможет это),—
и она говорит голосами
тех,
кто не переносит
света.
Говорит спокойно вначале,
а потом клокоча от гнева:
— Люди!
Что ж это?
Ведь при мне вы
тоже кое-что различали.
Шли, с моею правдой не ссорясь,
хоть и медленно, да осторожно…
Я темней становилась нарочно,
чтоб вас не мучила совесть,
чтобы вы не видели грязи,
чтобы вы себя не корили…
Разве было плохо вам?
Разве
вы об этом тогда
говорили?
Разве вы тогда понимали
в беспокойных красках рассвета?
Вы за солнце луну принимали.
Разве я виновата в этом?

Ночь, молчи!
Все равно не перекричать
разрастающейся вполнеба зари.
Замолчи!
Будет утро тебе отвечать.
Будет утро с тобой говорить.

Ты себя оставь для своих льстецов,
а с такими советами к нам не лезь —
человек погибает в конце концов,
если он скрывает свою болезнь.
…Мы хотим оглядеться и вспомнить теперь
тех, кто песен своих не допел до утра…
Говоришь, что грязь не видна при тебе?
Мы хотим ее видеть!
Ты слышишь?
Пора
знать, в каких притаилась она углах,
в искаженные лица врагов взглянуть,
чтобы руки скрутить им!
Чтоб шеи свернуть!
…Зазвенели будильники на столах.
А за ними нехотя, как всегда,
коридор наполняется скрипом дверей,
в трубах с клекотом гулким проснулась вода.

С добрым утром!
Ты спишь еще?
Встань скорей!
Ты сегодня веселое платье надень.
Встань!
Я птицам петь для тебя велю.
Начинается день.
Начинается день!
Я люблю это время.
Я жизнь люблю!

Роберт Рождествеснкий


Придумано кем-то
Просто и мудро
При встрече здороваться:
— Доброе утро!
— Доброе утро!
Солнцу и птицам
Доброе утро!
Улыбчивым лицам.
И каждый становится
Добрым, доверчивым…
Пусть доброе утро
Длится до вечера!

Н. Красильников
Поделись
с друзьями!
253
0
2
3 дня

Сюрреалистический бал Леонор Фини

Сюрреалистическим по духу было не только искусство Леонор Фини, но и способ ее жизни и восприятия мира. Там, где появлялась Леонор, в воздухе веяло серой и ладаном. «Голова львицы, разум мужчины, бюст женщины, туловище ребенка, ангельская грация, дьявольский дискурс», — описывал Фини американский арт-дилер Джулиан Леви. В средние века ее, пожалуй, отправили бы на костер: слишком много красоты, таланта, ума и неистовства! В прошлом столетии она «правила бал» в сюрреализме — в живописи, дизайне, литературе, моде… И создала костюмы к фильму Феллини «81/2».


— Меня интересует только неизбежная театральность моей жизни.
…Я всегда любила и жила в своем собственном театре
Леонор Фини


Детство Леонор, урожденной Элеоноры, могло послужить сюжетной канвой зажигательного сериала. Девочка родилась в Буэнос-Айресе в семействе Эрминио Фини, состоятельного и фанатично религиозного аргентинца (по другим сведениям — итальянца) с русскими корнями, и Мальвины Браун-Дубич, уроженки Триеста, в которой текла немецкая и славянская кровь.

Леонор Фини с родителями. 1907. Аргентина.

Брак был недолгим: измученная деспотизмом мужа Мальвина бежала с полуторагодовалой малышкой на руках в свой родной город, где остались родители и брат Эрнесто. Кипящий от негодования Эрминио пускается по следу беглянок, пересекает океан, находит дочь — и похищает ее. В свою очередь, Мальвина, не обращаясь за помощью к полиции, ухитряется разыскать и отобрать девочку.

Борьба между родителями за право опеки над ребенком продолжается шесть лет, и все это время Леонор тщательно скрывают, одевают и растят как мальчика, чтобы сбить с толку ее осатаневшего отца. В конце концов, испытав все средства, Эрминио отступается от мысли вернуть себе дочь. Все эти события — латинские страсти, маскарад, гендерный хаос, — наложат фатальный отпечаток на весь уклад жизни Леонор.

Леонор Фини. 1913. Триест.

Девочка, обладая врожденным интеллектом, рано проявила способности настоящего вундеркинда и творческие задатки. На одном из первых своих рисунков пятилетняя Лолó, как называли ее домашние, трогательно и правдоподобно изобразила курочку, снесшую в горшочек яичко. Родные были потрясены — ведь рисовать ее никто не учил, — но возводить детские способности в культ не стали.

Леонор росла настоящей маленькой разбойницей: на пляже, например, ей больше всего нравилось рыться в песке в надежде найти вымытый морем скелетик или череп какого-нибудь животного. Из-за вольномыслия и нелюбви к подчинению ей пришлось сменить не одну школу. Впоследствии, вспоминая отрочество, художница утверждала, что рано осознала необходимость бунтовать — ради права жить так, как ей хочется, и необходимость зарабатывать — чтобы ни от кого не зависеть.

Материнство. Леонор Фини. 1932−34

В пятнадцатилетнем возрасте Леонор перенесла конъюнктивит, из-за которого ей пришлось два месяца провести с плотной повязкой на глазах. В вынужденной темноте ее внутреннему взору являлись сонмы странных существ и невероятных сюжетов, порожденных воображением в отсутствие визуальной информации.

Вечерняя химера Леонор Фини • Живопись, 1961, 81×59.6 см

Коллоквиум по минералогии Леонор Фини • Живопись, 1960, 60.3×92.7 см

После болезни девочка столь исступленно запечатлевала увиденное в бесчисленных живописных работах, рисунках, скульптурах, куклах-марионетках, что ее призвание заниматься искусством стало очевидным. По совпадению, в то же время ее выгнали из очередной школы, и дальнейшее становление Леонор происходило ценой собственных усилий при содействии и поддержке семьи.

Леонор Фини в Триесте. 1925

К счастью, с родными и местом жительства юной барышне повезло. Триест, крупный порт на семи ветрах между Балканами и Альпами на стыке латинской, германской и славянской цивилизаций, считался жемчужиной Австрийской Ривьеры. В начале XX века этот город обладал высоким культурным статусом и был пропитан духом космополитизма. В гостеприимном доме Мальвины, слывущей женщиной широких взглядов, царила богемная атмосфера.

В круг общения семьи входили такие блестящие личности, как Райнер Мария Рильке, Итало Свево, Умберто Саба и Джеймс Джойс, который в то время проживал в Триесте, дописывая знаменитый роман «Улисс».

Портрет жительницы Триеста. Леонор Фини. 1925

Портрет жителя Триеста. Леонор Фини. 1925

Специальное художественное образование Леонор также не стремилась получать в рамках системы. Вместо этого, будучи девчонкой неробкого десятка, она самостоятельно изучала анатомию, с 13 лет зарисовывая трупы в анатомическом театре местного морга, куда ее по знакомству пускал охранник. По мере пробуждения серьезного интереса к искусству юная Леонор подружилась с известными местными живописцами — Артуро Натаном (Арти), Карло Сбиса, Эдмондо Пассауро, — и брала у них уроки.

Искушение. Леонор Фини. 1925

Начинающая художница приобщалась к искусству в европейских музеях и выставочных залах. А когда дядюшка Эрнесто поручил ее заботам свою обширную библиотеку, Фини с головой ушла в освоение композиционных и технических приемов, с энтузиазмом изучая альбомы с графикой Бердслея, работами британских прерафаэлитов и немецких романтиков.

Леонор страстно и на всю жизнь полюбила чтение. С трудами Фрейда она познакомилась еще до своего 16-летия, и ее захватила трактовка символики мифов и снов, созвучная собственному опыту и ощущениям. В будущем эта увлеченность сблизит Фини с сюрреалистами, почитавшими Фрейда и полагавшими, что сновидение, освобожденное от цензуры сознания, служит источником незамутненного, первичного искусства. В зрелые годы Леонор будет исследовать в своих работах темы женской идентичности, матриархата, транслируя их через хтонические образы темных богинь, наполненные эротической и гипнотической энергией.

Из одного дня в другой II. Леонор Фини 1938

Ангел в анатомии. Леонор Фини

Рано созревшая чувственность, провокативное поведение, необузданный темперамент Леонор давали массу поводов к досужим сплетням. Нескладный подросток превратился в femme fatale — высокую, статную, кудрявую красотку с кошачьим разрезом глаз.

Автопортрет с большим воротником. Леонор Фини. 1941. Частная коллекция

Как утверждала сама Фини, с 18 лет она имела обыкновение жить в подобии коммуны и редко ограничивала себя союзом с единственным партнером, предпочитая, как она выражалась в письмах, «караваны соучастий», в которых у каждого были параллельные романы. К армии ее любовников причисляют едва ли не весь золотой список художников, литераторов, мыслителей ХХ века.

Автопортрет со скорпионом. Леонор Фини. 1938. Частная коллекция

Женщина, сидящая на обнаженном мужчине. Леонор Фини. 1942.

Фини открыто признавалась в своих эротических приключениях с женщинами. Культивируя в творческих работах доминанту женской силы, феминисткой себя, однако, не считала, хотя этот ярлык ей пытались навесить неоднократно. Судя по тому, что дружеские и любовные связи Леонор длились десятилетиями, она умела не только влюблять в себя, но и по-настоящему дорожить отношениями, которые могли быть и вполне платоническими.

Поезд Леонор Фини • Живопись, 1975, 60×73 см

Переезд в августе 1931 в Париж («мой истинный город», как называла его Фини) был авантюрой со множеством пикантных деталей; по тем временам это был очень смелый шаг для молодой одинокой девушки, одержимой творческими амбициями. Но судьба нашей героини и здесь не допустила произвола: одним из первых покровителей Леонор и первых ее парижских любовников стал Макс Эрнст, заметная персона среди авангардной богемы. Эрнст ввел свою пассию в круг сюрреалистов, где ее приняли с восторгом — хотя злые языки судачили, что обыкновение носить розовые шелковые чулки под минимумом одежды впечатляло больше, чем ее живопись.

Да, Леонор любила наряжаться, искусно подавала себя и заставляла о себе говорить — и стоит ли удивляться, что на улице ошеломленные люди расступались, чтобы пропустить эту даму?

Леонор Фини

На открытие одной из галерей она явилась в манто из меха сибирского волка, которое выменяла на свое полотно, а когда кто-то заметил, что для такой одежды слишком тепло, распахнула одеяние и оказалась под ним совершенно голой. В другой раз Фини пришла на встречу в кафе в алой кардинальской мантии, приобретенной в лавке церковных облачений. Леонор признавалась, что ее волновал кощунственный характер этого маскарада и странное ощущение себя как женщины, носящей одежды мужчины-священника, который никогда не познает женского тела. А на сюрреалистический бал-шабаш, который устроил дадаист Тристан Тцара по случаю летнего солнцестояния 1936 года, блистательная дива надела высокие белые сапоги, короткую накидку из светлых перьев, маску совы — и более ничего! Этот легендарный наряд стал прототипом костюма главной героини в заключительных эпизодах нашумевшего фильма по книге «История О».

Леонор Фини в маске совы, 1949. Фото Андре Остье.

«Ах, дорогая Леонор,
моя прекрасная заколдованная сова,
там, где ты пролетаешь,
воздух превращается в золото"

поэтесса Эльза Моранте

Брижит Бардо и Леонор Фини, «Сюрреалистический бал», устроенный Сальвадором Дали, 1972

Экстравагантная Фини дружила с Эльзой Скьяпарелли — «анфан террибль» мира парижской моды, - и с вечной антагонисткой Коко Шанель. Та одалживала ей свои самые сумасбродные наряды для выходов в свет.


В 1937 Леонор разработала флакон для духов, которые решила выпускать Скьяпарелли. Аромат получил название «Shocking» («шокирующий»), тот же эпитет носил пронзительно-розовый оттенок фуксии, который ввела в моду дерзкая Эльза. Флакон в виде обнаженного женского торса воспроизводил пропорции тела актрисы Мэй Уэст, а пробка была увенчана цветочным букетиком. Спустя многие годы, в 1993-м, Жан-Поль Готье выпустит оммаж этому дизайну — свой парфюм «Classique» в изящном флаконе-торсе. А в 2018 идею подхватит Ким Кардашьян, предложив отформовать собственное тело для моделирования флакона духов «KKW Body».

Леонор Фини в своей мастерской. Париж 1946

Леонор в Венеции. 1951

Леонор Фини в монастыре Нонца. Корсика. 1967

Вся жизнь обольстительной и эксцентричной Фини была театром в тотальном его понимании. Леонор увлеченно режиссировала каждую из множества собственных фотосессий — она обожала фотографироваться, благо в кругу ее друзей и поклонников вращались именитые фотомастера. Пафосно появлялась на формальных мероприятиях в эпатажных туалетах собственного дизайна.

И этот ее талант оказался востребованным: к ней стали обращаться за разработкой декораций и костюмных сетов для лондонских, миланских, парижских спектаклей. «Хрустальный дворец» Джорджа Баланчина в Парижской опере и постановка с Марией Каллас в миланской Ла Скала — вот только пару примеров. А в 1969 году художница получила Приз критики за скандальные костюмы к одиозной пьесе Оскара Паниццы «Собор любви».

Швейная машинка Леонор Фини 1978

Кстати, одежды героев знаменитого фильма Феллини «81/2» — это тоже Леонор!

Film & Animation

Фини нередко проявляла альтруизм в отношении тех, в ком видела талант. Иной раз она дарила свои иллюстрации литераторам, чтобы им было легче добиться публикации своих творений. Леонор проиллюстрировала более полусотни книг, в том числе немало резонансных с точки зрения морали произведений: «Цветы зла» Шарля Бодлера, «Жюльетта» (1944) и «Жюстина» (1950) Маркиза де Сада, «История О» Полин Реаж. Да и сама Леонор пробовала себя на поприще литературы, написав в 70-х несколько романов и сборник «Мохнатые сказки для детей».

Операция Леонор Фини 1939, 92×64.8 см

Испытывая принципиальную враждебность к институту супружества, в официальном браке Фини пребывала лишь единожды — с неким Федерико Венециани, любителем искусств, сыном состоятельного торговца. Брак, заключенный незадолго до начала второй мировой, был расторгнут в 1945 году, когда фактически от него остались только воспоминания: Леонор уже несколько лет находилась в отношениях со Станислао Лепри, который ради нее оставил дипломатическое поприще, занялся рисованием и стал весьма самобытным художником. Позже к этому любовному союзу присоединился Константий (Кот) Еленьский, польский литератор. Его предполагаемым биологическим отцом был Карло Сфорца, итальянский политик-антифашист. Самолюбие Фини приятно щекотал еще и тот факт, что среди амурных трофеев ее прошлого числился брат Константия по отцу, законный наследник родовитого семейства скульптор Сфорцино Сфорца.

Портрет Станислао Лепри. Леонор Фини. 1942

Портрет Константия Еленьского. Леонор Фини. 1955

Похоже, они прекрасно ладили и были действительно счастливы в этом нежном «менаж-а-труа» — Константий и Станислао боготворили Леонор и видели в ней источник радости и вдохновения.

Автопортрет с Котом и Серджио. Леонор Фини. 1955.

Соперничать с мужчинами в сердце Фини могли только обожаемые ею персидские коты, число которых в доме всегда было не менее дюжины, а временами превышало два десятка. Леонор души не чаяла в своих питомцах, позволяя им абсолютно все — гулять по столам во время трапезы, выбирая лучшие куски, спать в постели хозяйки. Иметь собственных детей Леонор отказалась добровольно и твердо, и любовь к кошкам позволяла ей реализовывать потребность в привязанности и заботе.

Леонор Фини в своей мастерской. 1961. Париж. Фото Сесил Битон

Леонор Фини и ее кошки

Воскресным днем. Леонор Фини. 1980

Монстры. Леонор Фини. 1971

…Станислао уйдет из жизни в 1980, Кот — в 1987, сама Леонор в 1996, но все трое будут похоронены в одном склепе на кладбище в Сен-Ди-сюр-Луар, где в 60-х Лепри купил небольшую виллу. Она переживет их всех — своих любимых, друзей, единомышленников, — и в некрологе для «Гардиан» Питер Уэбб назовет ее «последней из сюрреалистов».

Пастушка сфинксов. Леонор Фини.

«Леонор Фини умерла в возрасте 87 лет, но ее невозможно представить старой. Для тех из нас, кто восхищался ею, она всегда будет необузданной черноволосой нескладной красавицей, которая запечатлена на ее полотнах. Смертоносный, подавляющий сопротивление сфинкс, вампир, встречи с которым мы жаждали более всего».
арт-критик, искусствовед Джордж Мелли

Автопортрет с химерой. Леонор Фини. 1939. Частная коллекция

В 2018 году мир вновь заговорил о Леонор. Модный дом Christian Dior посвятил Фини весеннюю коллекцию линии от-кутюр. По залам музея Родена шагали модели в причудливых, словно тающих в воздухе масках, созданных по мотивам идей Леонор — ведь, наверное, никто не любил маски так, как она!

Howto & Style

В 2018−19 в нью-йоркском Музее состоялась ретроспективная выставка «Леонор Фини: театр желаний», вновь открывающая позабытую Америкой художницу. А в 2020 вышел фундаментальный каталог живописных работ Фини, составленный Нейлом Цукерманом и другом Леонор — фотографом Ричардом Оверстритом.
Источник: artchive.ru
Поделись
с друзьями!
228
3
4
3 дня

Проникновенные стихи Елены Касьян


Елена Касьян — украинская поэтесса, бард, композитор, исполнитель авторской песни. Родилась (21 ноября 1970 года) и выросла во Львове. Прожила там всю сознательную жизнь (за исключением двух лет, проведённых в Риме, и четырёх в Киеве). Воспитывалась бабушкой-полячкой.

Родной город писательница считала сказочным и немного мистическим. Всё во Львове, от старинной брусчатки до воздушных потоков, вызывало у неё восторг.

Стихи писала начиная со школьных лет. Заинтересованность авторской песней помогла самостоятельно освоить игру на гитаре. С этого началась история Елены как барда.

Училась на режиссёрском отделении Львовского колледжа культуры и искусств. В 1992 году стала победителем фестиваля авторской песни в Черновцах. Позже становилась лауреатом и дипломантом практически всех песенных фестивалей и конкурсов, где принимала участие. Выступала с концертами в городах Украины, России, Белоруси, Израиля. Выступала также в дуэте с Тимофеем Сердечным и Павлом Гребенюком. Неоднократно была в составе жюри фестивалей авторской песни. Записала четыре альбома авторских песен.

Елена Касьян никогда не разделяла направления собственного творчества. Поэтому с лёгкостью одновременно писала как стихи, так и прозаические тексты. Она — автор двух детских книг: «Фея по фамилии Дура»; «Самое важное желание», сказок для взрослых «Легенда про одно».

По рассказам Елены Касьян снято несколько игровых и анимационных фильмов. Вместе с Евгенией Писаренко (Гомель) стала победителем кинофестиваля «Киты» (2015 год) в номинации видеопоэзия.
С 1997 по 2012 год руководила львовским клубом авторской песни «Послушайте».

После шести лет борьбы с онкологическим заболеванием ушла из жизни 14.07.2019, в Харькове, похоронена во Львове на Сиховском кладбище.

Каждого и прости, и благослови,
Вот тебе жизнь, вот тебе Бог над нею.
Нет ничего мучительнее любви,
Нет ничего прекраснее и сильнее.

Там где одна дорога, сомнений нет.
Хочешь – иди; не хочешь – и так протащат.
Лестница в небо строилась сотни лет
Лишь для тебя, помни об этом чаще.

Все поезда уходят не вдаль, но вверх.
Каждый решает сам, что закон, что случай.
Быть несчастливым – это смертельный грех.
Странно, что нас этому здесь не учат.

Сердца на всё не хватит, не торопись,
Только представь – собрался любить, а нечем.
Смерть не страшнее жизни, но тоже жизнь,
Выдохнешь этот ужас – и станет легче.

Выдохнешь этот страх, суету и боль –
Время-старьёвщик всякого обдирает.
Видишь, в сухом остатке одна любовь,
Только она одна, без конца и края.

Только она останется навсегда.
Поезд легко отчалит и не заметишь,
Как железнодорожные провода
Тянутся мимо жизни и мимо смерти...

Елена Касьян


Я помню всё. Никто не торопился,
А мир был юным, тёплым и живым.
Мне было шесть, и мир ещё светился
Сам по себе, и я владела им.

Ещё никто в наместники не метил,
Ещё дышала вечность за плечом.
Как было просто думать о бессмертьи,
Как было просто думать ни о чём.

Я помню всё. Как птицы щебетали,
Как закипала в чайнике вода,
Как занавески в спальне оживали
И шли часы, неведомо куда.

И первый луч ловил меня в постели
(То было счастье, что ни говори),
И как задорно ящички скрипели
В комоде старом слева от двери.

И отражался свет в небесной призме,
И мир лежал, как азбука в руке,
Где было всё о радости и жизни,
И ничего о смерти и тоске.

Елена Касьян


У меня был Краков, Париж и Рим,
Где ни мост, ни купол не стал моим,
Я могла живое открыть живым,
Но искала камень и ключ под ним,

Я пыталась мир заготовить впрок,
Этот мир пока был не слишком строг.
До поры кивал мне лукавый бог,
Но теперь неясно, каков итог.

Если нить тонка, то болит порез,
Если ждать беды, то она окрест,
Но когда созрел и готов замес,
Никакой нужды в перемене мест.

И легко сквозь бусину нить течёт,
И в груди пульсирует горячо,
И не важно время, ни день, ни год
Для того, кто знает, куда идёт.

Всё, чего ты ищешь, давно внутри,
Это очень просто – бери смотри.
И давай, себе-то уже не ври –
Бесполезен ключ, если нет двери.

Елена Касьян


Нас учили с тобой потихонечку снашивать сердце,
И сомнительный берег менять на надёжный уют,
Но мы тратили щедро, и вот уже нечем согреться.
Нам когда-то платили любовью. Теперь подают.

Ты один у меня, даже если вас было несметно,
Ты один у меня, сколько лет ни прошло бы и зим.
Заострит наши грифели память почти незаметно,
Заострит наши профили время – один за другим…

Я тебя не тревожу ни словом, ни сном еженощным -
ни к чему… Что могла бы сказать я в защиту свою?
Твоё имя забито, как колышек, мне в позвоночник.
Там с десяток таких. Или больше. На том и стою.

Елена Касьян


Ночь оставляет нетронутым только контур.
Смертным быть тяжелее, чем просто живым.
Каждого, кто покидает тёмную комнату,
Страх отпускает на время. Следить за ним
Можно на расстоянии — страх вторичен.
Самые важные правила слишком просты.
Если глядеть из форточки, воздух геометричен,
Как доказательство правильной пустоты.
Всё, что тебя с поражением соотносило,
Что разделяло пространство с календарём,
Всё, что ещё вчера тебя не убило,
Завтра становится лучшим поводырём.

Елена Касьян


Этот город как-будто опять не у дел,
Он меня отпустил и растерян поныне.
Так беспечный любовник дражайшее имя
Всё катает во рту, покидая постель.

Я иду, прорывая его пустоту,
Паутину невидимых связей и смыслов.
Как добычу свою подпуская на выстрел,
Он стоит неподвижен на этом посту.

Он не ждёт никого. Что ему поезда?
Что ему до того, кто рождён и схоронен?
Что ему до меня? Всё песок и вода...
Всё брусчатка и пыль... Всё узор на ладони...

Мой мирок карамельный, мой космос в груди,
Подержи надо мною целительный полог.
Я не знаю, сколь путь мой суров или долог,
Но я буду идти.
Но я буду идти.

Елена Касьян
Поделись
с друзьями!
486
4
8
8 дней

7 художниц, изменивших отношение к женщинам в мире искусства

На протяжении веков женщины были гораздо меньше заметны в искусстве, чем мужчины. Талантливым художницам приходилось прилагать в разы больше усилий, чтобы только получить право заниматься творчеством, еще больше — чтобы добиться признания. Однако они смогли привнести в искусство не меньше, чем коллеги-мужчины. В этой публикации мы собрали 7 историй выдающихся художниц разных эпох.

Работы японской художницы Яеи Кусамы. Фото: legion-media.ru

Артемизия Джентилески (1593–1656)


«Сусанна и старцы». Фото: wikimedia

Артемизия Джентилески родилась в Риме в семье художника и с юных лет начала проявлять творческие способности. Когда ей было около 20 лет, ее изнасиловал друг отца, и тяжелые чувства по поводу произошедшего и последовавшего унизительного суда Артемизия выразила в картине «Юдифь, обезглавливающая Олоферна», на которой ветхозаветная героиня пронзает мечом человека, очень напоминавшего обидчика художницы. Впоследствии в своем творчестве Джентилески не раз обращалась к образам сильных женщин — Есфирь, Клеопатры, Царицы Савской.

«Юдифь, обезглавливающая Олоферна». Фото: wikimedia

Одна из самых известных ее картин, «Сусанна и старцы», написана по мотивам эпизода из «Книги Даниила». На ней два немолодых мужчины домогаются до юной купальщицы. Благодаря яркому таланту Артемизии удалось добиться признания, и она стала первой женщиной, избранной в члены Академии живописного искусства во Флоренции.

Элизабет Виже-Лебрен (1755–1842)


Автопортрет. Фото: wikimedia

Талант француженки заметил ее отец и всячески поощрял его развитие. Элизабет стала одной из самых знаменитых портретисток своего времени, обогнав по популярности многих коллег-мужчин. Ее герои выглядят живыми и естественными не только из-за уникального мастерства художницы, но и тонкого подхода к каждому клиенту во время позирования. Элизабет попала в Королевскую академию живописи и скульптуры благодаря французской королеве Марии-Антуанетте — та была большой поклонницей ее таланта.

Портрет жены фельдмаршала Кутузова. Фото: wikimedia

В первой же работе художница решила позлить академиков, изобразив обнаженную женскую грудь. Элизабет еще раз шокировала публику, когда на автопортрете с дочерью изобразила себя с приоткрытым в улыбке ртом. Это было практически скандально — по канонам того времени так писать было не принято. Такая эпатажность не помешала Виже-Лебрен стать портретисткой Марии-Антуанетты. После революции во Франции художница на время перебралась в Россию, где писала портреты знати и членов царской семьи.

Мэри Кэссетт (1844–1926)


«Молодая мать за шитьем». Фото: wikimedia

Переезд на другой континент ради карьеры, которую не одобряют родители, и сейчас считается бунтарским поступком, а в XIX веке это было революционным решением, особенно для молодой женщины. Мэри Кэссетт перебралась в Париж из США в 22 года.

«Летняя пора». Фото: wikimedia

До этого она пыталась получить образование в сфере искусства на родине, но неравное отношение к студентам разных полов угнетало ее. Девушкам не разрешалось писать с обнаженных моделей, как делали это мужчины. Зато во Франции Кэссетт быстро влилась в импрессионистское течение. Темой для творчества она выбрала жизнь женщин и изображала ее с восхищением, но без романтизации и прикрас.

Джорджия О’Кифф (1887–1986)


О’Кифф в 1918 году. Фото: wikimedia

Дочь молочных фермеров смело решила посвятить творческую жизнь модернизму и абстрактным образам, в то время как многие ее американские коллеги оставались привержены более традиционным формам.

«Красная канна». Фото: wikimedia

Больше всего О’Кифф знаменита картинами с изображением цветов. Многие зрители и критики предлагали интерпретировать их как аллюзии на женские гениталии, но сама художница выступала против такого видения, утверждая, что это лишь цветы. Однако их чувственность была очевидна. О’Кифф часто сталкивалась с отсутствием равноправия в мире искусства и наотрез отказывалась участвовать в выставках только для женщин.

Фрида Кало (1907–1954)


Кало в 1932 году. Фото: wikimedia

Сейчас сложно представить, но при жизни обладательница одного из самых известных имен в искусстве была знакома публике в первую очередь как жена испанского художника Диего Риверы. Ее гениальность по-настоящему начала открываться в 1970-х. Творчество Фриды предсказало остроту вопросов о женской независимости, гендерной идентичности и неоднозначности сексуальности.

«Автопортрет с ожерельем из шипов и колибри». Фото: wikimedia

Мексиканка настойчиво отказывалась от звания сюрреалиста, указывая на то, что она рисует «не сны, а свою реальность». Действительно в своих работах она изображала физическую боль, которая преследовала ее после страшной аварии, и моральную, вызванную проблемами в отношениях с мужем.

Марина Абрамович (1946)


«Пять стадий танца майя». Фото: legion-media.ru

Сербская художница справедливо зовется «бабушкой искусства перформанса». Уже пять десятилетий она исследует человеческую природу, отношения и выносливость тела через работы, которые с годами не становятся менее захватывающими и смелыми. В 1974 году она устроила шестичасовой перформанс, во время которого стояла неподвижно, а зрителям разрешалось делать все что угодно с ее телом. Для этого можно было использовать 72 предмета, в числе которых были мед, вино, перо, роза, ножницы, скальпель, металлический прут. Чем дольше продолжался перформанс, тем глубже раскрывалась пугающая сущность людей, которые становились агрессивнее с каждым часом. В 2010 году в Нью-Йорке Абрамович приглашала желающих сесть за стол напротив и безмолвно посмотреть ей в глаза. В перформансе неожиданно поучаствовал бывший возлюбленный Абрамович, растрогав ее до слез.

Яеи Кусама (1929)


Яеи Кусама и ее работы. Фото: legion-media.ru

Японская художница начала видеть галлюцинации в раннем возрасте, и рисование стало способом справляться с ними. Неизвестно, что стало катализатором ментальных проблем Яеи — поразительно жестокая мать или какая-то болезнь мозга — но именно они определили направление ее творчества. Кусама начала покрывать работы красным узором горошек, который видела в галлюцинациях, и он стал ее фирменным знаком и предвосхитил направления минимализма и поп-арта.

Яеи Кусама и ее работы. Фото: legion-media.ru

Кусама — одна из самых дорогих ныне живущих женщин-художниц. Ее работы уходят с молотка за миллионы долларов. Яеи уже много лет живет в токийской психиатрической клинике, но ни этот факт, ни весьма преклонный возраст не мешают ей продолжать творить.
Источник: timeout.ru
Поделись
с друзьями!
352
1
2
8 дней

10 великолепных идей, которые были проданы за копейки

Гениальные идеи очень часто в момент своего появления не кажутся чем-то исключительным. История знает случаи, когда люди в стремлении заработать продавали свои идеи буквально за копейки, а через некоторое время они приносили своим новым владельцам весьма солидные барыши. В нашем обзоре десятка самых известных идей, которые купили за копейки, а заработали на них миллионы.


Стихотворение Эдгара По


Эдгар Аллан По

В стихотворении «Ворон» Эдгара Аллана По рассказывается история о человеке, к которому прилетел ворон в то время, как он горевал по утраченной любимой. Сначала По хотел напечатать стихотворение в журнале своего друга, но получил отказ. После этого он продал «Ворона» The American Review за 9 долларов.

Стихотворение получило мгновенное признание и известность. Оно было перепечатано в периодических изданиях по всей стране и сделало Эдгара По знаменитым. Сегодня «Ворон» — одно из самых известных стихотворений в истории. Количество перепечаток, книг и даже фильмов по стихотворению не поддается исчислению. В 2009 году один из экземпляров первой книги со стихотворением был продан за 662 500 долларов. Эдгар По всю свою жизнь прожил в бедности и умер почти без гроша в кармане.

Английские булавки


Английские булавки — изобретение на полмиллиона

Уолтер Хант — механик из Нью-Йорка, известный множеством изобретений. Ему принадлежат патенты на авторучки, точилки для ножей, винтовки, колокольчики для трамваев, кухонную плиту, ледоруб, швейную машинку, машину для подметания улиц, машину для производства гвоздей и десятки других изобретений. Чтобы погасить долг в 15 доллар Источник статьи журнал Новости в фотографиях, у которого все копируют контент - BigPicture.ru ов своему другу, Хант решил придумать что-то полезное, за что ему быстро заплатят. В голову ему пришла идея обычной булавки, патент на которую он продал 10 апреля 1849 года компании WR Grace за 400 долларов. Изобретатель вернул другу 15 долларов, а WR Grace заработала миллионы.

«Оркестр клуба одиноких сердец сержанта Пеппера»



«Оркестр клуба одиноких сердец сержанта Пеппера» — восьмой студийный альбом The Beatles. Он вышел с обложкой, разработанной известным британским поп-артистом Питером Блейком и его женой Янн Хаворт.

Обложка по существу является коллажем из многих известных исторических деятелей, окружающих членов группы The Beatles. Блейку и Хаворт заплатили по 100 фунтов стерлингов (примерно 280 долларов США) за их услуги. Альбом стал легендарным, равно как и его обложка. Было продано примерно 32 миллиона копий по всему миру, что сделало его одним из самых продаваемых альбомов всех времен. Обложка была признана одной из лучших за все времена выпусков музыкальных альбомов.

Желе


Желе — мечта маркетолога

В 1895 году производители сиропа от кашля Пирл и Мэй Уайт из Нью-Йорка придумали, как превратить порошкообразный желатин во вкусный и коммерчески жизнеспособный продукт, добавляя в него сиропы с фруктовым вкусом. Свой вкусный продукт, состоящий на 88 процентов из сахара, они назвали «желе». Пирл и Мэй Уайт приобрели давно не использовавшийся патент на порошкообр Текст взят с сайта Новости в фотографиях - BigPicture.ru азный желатин у Питера Купера и решили коммерциализировать желе. Но маркетологи из Уайтов получились плохие, и они продали патент на желе своему соседу Фрэнку Вудварду за 450 долларов в 1899 году. Уже в 1906 году годовой объем продаж желе достиг 250 тысяч долларов. В 2013 году объем продаж желе составил почти 500 млн долларов.

Тематический трек к «Джеймсу Бонду»
Film & Animation

Мелодия «Джеймс Бонд» была первоначально написана Монти Норманом к первому фильму из серии, «Доктор Ноу», в 1962 году. Кинокомпания, которой не понравился звук, наняла композитора Джона Барри, чтобы изменить мелодию. Барри добавил в нее элементы рока и джаза, повысив общий темп мелодии. Результатом стал хит, который все узнают и через 50 лет. Барри заплатили за его работу 250 фунтов стерлингов (примерно 700 долларов), а Монти Норман получил более 1 млн долларов гонорара.

Coca-Cola


Кока-кола: от микстуры к популярному напитку

Фармацевт Джон Пембертон создал первую формулу Coca-Cola в 1886 году. Напиток, который позиционировался как тоник для мозга и нервной системы, начал про даваться в аптеках Атланты в мае того же года. Он стоил 0,05 доллара за бутылку, а Пембертону удалось заработать всего 50 долларов за первый год продаж.

Отчаянно нуждаясь в деньгах из-за болезни и зависимости от морфия, Пембертон продал права собственности на напиток другим инвесторам за 1484 доллара. Эти инвесторы, в свою очередь, продали патент проницательному бизнесмену Асе Кэндлеру за 2300 долларов. Кэндлер стал единственным владельцем кока-колы и основал одноименную компанию. В итоге он продал свою компанию в 1919 году за 25 млн долларов, что эквивалентно 341 млн долларов на сегодняшние деньги.

Картина «Красный виноградник» Ван Гога


«Красный виноградник». Винсент Ван Гог

«Красный виноградник» — картина маслом, написанная Винсентом Ван Гогом в ноябре 1888 года. Эта картина была единственной работой, которую Ван Гог продал за свою жизнь. Она была приобретена бельгийской художницей Анной Бош в 1890 году за 400 франков (приблизительно 1600 долларов в сегодняшних деньгах). Как и Эдгар По, Ван Гог жил в бедности и трагически погиб. Он не заработал признания при жизни, но стал знаменитым после смерти. Сейчас его картины продаются за десятки миллионов долларов. Самая дорогая картина Ван Гога, «Портрет доктора Гаше», была продана за рекордные 82,5 млн долларов в 1990 году (150 млн долларов в сегодняшних деньгах). «Красный виноградник» был продан Анной Бош за 10 000 франков в 1906 году.

«Терминатор» — одна из лучших идей Голливуда



В начале 80-х годов Джеймс Кэмерон был никому не известным режиссером без денег и без жилья, он ночевал в своем автомобиле или на диване у друга. В это время он написал перспективный сценарий под названием «Терминатор», который предложил многим компаниям в Голливуде. Никто не захотел сотрудничать с начинающим режиссером, за исключением Гейл Анны Херд из New World Pictures. Она согласилась позволить Кэмерону быть режиссером фильма, если он продаст все права на него всего за 1 доллар. Кэмерон, возможно, потерял право собственности на «Терминатора», но этот шаг сделал его знаменитым и самым высокооплачиваемым режиссером в мире.

Веном (Человек-паук)


Человек-паук — один из самых прибыльных супергероев

В 1982 году фанат «Человека-паука» из штата Иллинойс по имени Рэнди Шуэллер создал сюжетную линию для предстоящего конкурса, проводимого Marvel Comics. В качестве аксессуара к своей истории Шуэллер разработал новый костюм для Человека-паука (черный, за исключением эмблемы на груди, что являлось радикальной переменой по сравнению с традиционным красно-синим костюмом, который использовался в течение 20 лет).

Несколько месяцев спустя Шуэллер получил письмо от главного редактора Marvel Джима Шутера: тому понравилась идея и он предложил купить ее за 220 долларов. Шуэллер с радостью согласился на подобную сделку. Впоследствии его сюжет не пошел в печать, но в мае 1984 года Marvel презентовала новый костюм Человека-паука. Только третья часть фильма-блокбастера, вышедшая в прокат в 2007 году, собрала почти 900 млн долларов по всему миру.

Роман Джека Лондона «Зов предков»



Получив незабываемые впечатления в период, когда он был старателем в Клондайке, Джек Лондон написал роман «Зов предков». Роман был впервые опубликован в январе 1903 года в четырех выпусках журнала Saturday Evening Post, который заплатил 750 долларов Лондону за неисключительные права. В том же году Лондон продал полные права Macmillan Publishers за 2000 долларов. Это в то время была солидная сумма, о которой многие писатели могли только мечтать. Книга была выпущена 1 июля 1903 года и стоила 1,5 доллара. В первый же день было продано 10 000 копий. К 1914 году в США было продано 500 000 книг, а к 1964-му — шесть миллионов. Ни Лондону, ни его потомкам не выплатили ни цента.

Источник: bigpicture.ru
Поделись
с друзьями!
546
1
4
8 дней

Художник Николай Фешин. В поисках дома

Две страны считают этого художника своим: Россия, где он родился и жил до 42-х лет, и США, где он провел вторую половину жизни. Он не любил переезды, ценил привычную обстановку, но при этом ему довелось много странствовать. Он испытал нищету и благополучие, любовь и предательство, диктат и полную творческую свободу, но его картины - самобытны и уникальны. Предлагаем вам немного окунуться в жизнь художника и его замечательные работы.


Сирота при живых родителях


Отец будущего художника Иван Александрович Фешин был резчиком по дереву и держал мастерскую, где изготавливали и золотили иконостасы. Николай начал рисовать с малолетства и очень рано стал помогать отцу в работе.

Портрет отца Николай Иванович Фешин 1918, 162×96 см

Но со временем Иван Фешин разорился, после чего его жена уехала к своим родителям, бросив мужа и сыновей — Николая и младшего Павла.

Вскоре из Казани уехал и отец, и Коля Фешин остался один. К этому моменту он уже был принят в Казанскую художественную школу. Подросток жил в бедности и перебивался редкой помощью от родни.

Мать художника Прасковья Фешина Николай Иванович Фешин 1916

Был учеником, стал учителем


В Казанской художественной школе Николай Фешин учился с 1895-го по 1900 г. Через десять лет, сразу после окончания Высшего художественного училища при Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге, он вернулся в Казань, в родную школу. Здесь он получил должность преподавателя живописи и рисунка.
Многочисленные воспоминания учеников Фешина говорят о нем как о блестящем педагоге, который поднял преподавание в заведении на новый уровень. В казанской школе он продолжал работать до своего отъезда из страны.

В 1930-х школа была преобразована в Казанское художественное училище, а в 2006-м училищу было присвоено имя Н.И. Фешина.

«Беспризорник» — ученическая работа Н. Фешина. 1890-е Казань, Национальная художественная галерея «Хазинэ»

Фешин вырезал эскизы и «лепил» картины


Еще в детстве в мастерской отца Николай Фешин освоил резьбу по дереву. На знаменитом автопортрете 1920 года художник запечатлен в своей мастерской на фоне мебели собственного изготовления. Иногда он вырезал фигурки из дерева в качестве эскизов к будущим картинам. Так было, например, при создании масштабного полотна «Бойня».

Бойня Николай Иванович Фешин 1919

Фешин удивительным образом сочетал искусство скульптора и живописца. По воспоминаниям его ученика Г. Г. Медведева, художник «клал мазки широко, употребляя мастихин и пальцы рук, которыми вводил краску в краску, словно разминая их, как ваятель. Лепил красками и даже смачивал пальцы слюной, чтоб краска сглаживалась». Дочь художника рассказывала, что из-за этой практики (использование слюны при работе с красками, содержащими свинец) у Фешина воспалился язык, и ему пришлось долго лечиться.

Еще одним техническим приемом мастера была работа с казеиновым впитывающим грунтом. «Казеиновый клей он делал сам из творога с нашатырным спиртом и глицерином» (Г.Г. Медведев). При таком грунте картины получались матовыми, без бликов.

Бабье лето Николай Иванович Фешин 1933

Жил в Казани и завоевал мир


В 1910-х Николай Фешин не ограничивался преподаванием, он активно участвовал в выставках, в том числе международных. Его работы восторженно принимала публика и критики в Европе и Америке, появились поклонники и постоянные покупатели. Художник прославился прежде всего как портретист.

Портрет мадемуазель Подбельской Николай Иванович Фешин • Живопись, 1912, 80.7×77.5 см

Портрет молодой женщины (Натальи Подбельской) Николай Иванович Фешин • Живопись, 1916, 52×48 см

Дама в лиловом Николай Иванович Фешин • Живопись, 1908, 102×79 см

Впрочем, Фешин писал натюрморты, пейзажи и создал несколько выдающихся жанровых картин («Капустница», «Черемисская свадьба», «Бойня»).

Коллекционер Уильям Стиммел уже тогда приглашал Фешина в США, но тот отказывался, объясняя это отсутствием необходимых средств и тем, что не знает язык.

Фешин работает над портретом

Николай Фешин. Балерина Вера Фокина (1927)

Обливание Николай Иванович Фешин 1914

Портрет Вари Адоратской Николай Иванович Фешин 1914, 135×145 см

Любимая модель - Ия


Одной из учениц Николая Фешина в Казанской художественной школе стала дочь ее первого директора Александра Белькович. Когда у Фешина завязались контакты с Европой, ему понадобилась помощь в переписке, т.к. художник не владел языками. Александра знала французский и стала его секретарем. В 1913-м Николай Фешин и Александра Белькович поженились, через год у них родилась дочь.

Миссис Фешина с дочерью. Николай Иванович Фешин 1922

Фешин всегда любил рисовать детей, недаром визитной карточкой мастера стал написанный им портрет Вари Адоратской. Но любимой моделью, безусловно, была его единственная дочь Ия. Он написал множество портретов Ии — с ее младенческого возраста до зрелых лет.

Ия с дыней Николай Иванович Фешин • Живопись, 1923

Ия в кимоно Николай Иванович Фешин • Живопись, 1930-е

Первую революцию приветствовал, вторую критиковал, от третьей бежал


Революцию 1905 г. Фешин, учившийся тогда в Академии художеств, принял с воодушевлением. Он участвовал в студенческих протестах, а потом написал эскизы к картинам «Выход с фабрики», «1905 год на заводе», «Расстрел», «Случайная жертва». Две последние были запрещены к показу на выставке студенческих работ в Академии.

1905 год на заводе Николай Иванович Фешин 1906

К Февральской революции 1917-го художник отнесся уже иначе. «Люди, вдохновленные идеалами, взялись перестраивать страну, торопясь разрушить старое, не имея ни физических сил, ни необходимых знаний для изменения старого ради незнаемого нового», — писал он потом в своей автобиографии.

Итоги третьей — октябрьской революции заставили художника искать пути на Запад, хотя до этого он отказывался от предложений работать в США.

Фешин открыл лениниану в живописи


После октябрьской революции Николай Фешин пишет по заказу политотдела Красной армии портреты Карла Маркса, Анатолия Луначарского, Льва Троцкого, но прежде всего — Ленина.

Это полотно, созданное художником в 1918 году по фотографии, стало самым первым живописным портретом вождя революции. В советское время первенство приписывали сокурснику Фешина по Академии художеств Исааку Бродскому с его картиной «В.И. Ленин и манифестация» (1919 г.).

Художник выехал в США «в командировку»


Во время гражданской войны семья Фешиных жила практически на линии фронта. Свирепствовал тиф (от этой болезни в 1919-м скончался отец художника), затем в Поволжье начался голод. Школа в Казани не отапливалась, не было нормальных красок. Но при этом некоторые ученики Николая Ивановича оказались при власти, и они, как могли, помогали своему учителю. В 1920-м Николай Фешин был избран завучем Казанских государственных свободных художественных мастерских. Есть данные о том, что на самом высшем уровне был решен вопрос о его переезде в Москву. Однако художник не мог работать, как раньше.

«Я чувствовал, как день ото дня я бесполезно терял мою творческую энергию, поскольку искусство использовалось только в целях пропаганды», — писал он.

Автопортрет Николай Иванович Фешин 1920, 66×64 см

При содействии сотрудников АРА (Американской администрации помощи, работавшей тогда в Поволжье) Николай Фешин возобновил переписку со старыми знакомыми в США, получил приглашение и стал оформлять выезд как командировку в Америку для участия в художественных выставках. За год он собрал необходимые документы, и 1 августа 1923 г. Фешины прибыли в Нью-Йорк.

Педагог и эмигрант без языка


Ученики Казанской художественной школы рассказывали, что на занятиях Николай Иванович был немногословен, он больше показывал, чем объяснял. В Америке Фешин продолжил преподавать и вряд ли поменял свой стиль общения с учениками.

Портрет гравера У. Д. Уотта Николай Иванович Фешин 1924, 127×102 см

Дело в том, что художник эмигрировал, не зная английского. Александра Фешина быстро выучила язык и по-прежнему была для мужа переводчицей. Дин Корнуэлл (Dean Cornwell), один из первых студентов Фешина в Нью-Йорке, вспоминал: «Фешин научил меня большему, чем это удалось кому-либо до него — хотя он с трудом мог сказать пару слов по-английски. Он полностью изменил мой подход к искусству — его жена Александра очень толково переводила и поясняла все, что он хотел дать нам знать».

Николй Фешин. Портрет Александры. 1926−1927. Частное собрание, Москва

Фешин построил свой й дом на индейской земле


В 1925 году Николай Фешин заболел туберкулезом, и чтобы сменить климат, семья переехала в Таос — городок в Нью-Мексико. Здесь Николай Иванович начинает строить дом. Он работает над ним в течение шести лет как архитектор, дизайнер, резчик по дереву, плотник. Все в доме — от мебели и резных колонн до шкатулок и рамы для зеркала — сделано его руками.

Таос, Нью-Мексико, США. Дом Николая Фешина: интерьеры, подлинные картины, фотографии



К сожалению, дому Фешина не суждено было стать семейным очагом. Когда дело шло к завершению, Александра Николаевна подала на развод. Биографы говорят о ее нежелании жить в тени знаменитого мужа и мечте стать писательницей. Сам Фешин в письме к брату упоминал о ее увлечении молодым поэтом.

Александра Фешина действительно написала и издала в 1937 г. книгу «Шаги в прошлое», но это не принесло ей ни славы, ни средств. Она продолжала владеть домом, который построил ее муж, до своей смерти в 1983-м.
Сегодня дом Николая Фешина в Таосе включен в список национальных исторических памятников США. В здании размещается Таосский музей искусств.

Последнее путешествие Николая Фешина – на родину


После развода Николай Фешин вместе с дочерью уехал в Нью-Йорк, затем перебрался в Голливуд, где купил большой дом. Когда Ия вышла замуж и оставила отца, он перебрался в более скромную студию в Санта-Монике. Во второй половине 1930-х Фешин много путешествовал: съездил в Мексику, затем отправился на Дальний Восток, побывал на Бали и в Японии. Остаток жизни он провел в Калифорнии.

Николай Фешин. Девочка с острова Бали. 1938

Николай Фешин умер во сне 5 октября 1955 г. — за пару месяцев до рождения внучки. Ия Фешина назвала свою дочь в честь отца — Никаэла.

В 1976 году прах Николая Фешина, согласно его завещанию, был перезахоронен в Казани.
Источник: artchive.ru
Поделись
с друзьями!
358
1
8
13 дней

Повелитель света и цвета. Как смотреть картины Василия Поленова

Василия Поленова большинство знает всего по двум картинам: «Московский дворик» и «Бабушкин сад». Однако работ у художника гораздо больше, и почти каждая — о любви к жизни и природе. В этой публикации мы расскажем вам, как смотреть его картины.


Наслаждаемся красотой родной природы


И.Е. Репин «Портрет В.Д. Поленова», 1877

Все живописное творчество художника можно поделить на две главные темы: пейзажи с жанровыми сценами и евангельские сюжеты. Пейзажи у Поленова — лирические, в которых важно передать не ботаническую точность природы, тщательно выписать каждое дерево и камень, а создать настроение. В этом плане он продолжает направление, в котором двигался Алексей Саврасов — тот тоже в своих работах «призывал» зрителей найти красоту в родных просторах, пусть не самых жизнерадостных и привлекательных на первый взгляд. Но если Саврасов у большинства ассоциируется с бескрайними далями, межсезоньем с голыми деревьями и общим настроением «светлой грусти», то Поленов — это наполненные светом и цветом работы, которые утопают в солнце и зелени.

Природой Поленов очаровался в детстве: он часто проводил время в имении отца в Олонецкой губернии (ее центр был в Петрозаводске), где написал первые работы. Однако колоссальное влияние на него оказала бабушка — ее родовое гнездо было в Тамбовской губернии. Дочь архитектора Вера Воейкова прекрасно ориентировалась в истории и фольклоре, знала огромное количество русских сказок, традиций и былин, а еще устраивала Поленову с братьями и сестрами соревнования по рисованию.

В.Д. Поленов «Заросший пруд», 1879

Примечательна не только бабушка Поленова, но и вся дворянская аристократичная семья: отец — академик русской словесности, дед — правовед и дипломат, дядя — сенатор, который занимался реформированием судебной системы Российской Империи. Сам Поленов — по одному из образований юрист. В Академию Художеств он ходил параллельно с занятиями по праву в Петербургском университете и окончил оба заведения в один год. Вдобавок он посещал лекции по геометрии, анатомии, строительству, пел в хоре, ходил в оперу, а затем и сам сочинял музыкальные произведения, не имея профильного образования. Словом, Василий Дмитриевич был чрезвычайно эрудированным и увлекающимся человеком. Он даже на воинской службе успел отметиться — например, участием в сербско-черногоро-турецкой войне, где получил медаль «За храбрость».

Своим происхождением и достижениями Поленов не кичился — наоборот, недоумевал, если его считали «чересчур аристократом». Иван Крамской за глаза мог его назвать «этот барин», но сам Поленов так не считал.

«Я никаких дворянских качеств в себе не чувствую. Постоянно работаю, да и выше всего люблю работу… Близкие мне люди все работники», — писал Василий Поленов.

В.Д. Поленов «Деревня Тургенево», 1885

Отмечаем обилие света и воздуха в пейзажах


По некоторым рассказам, живописцы, насмотревшись на работы Поленова, в художественных лавках просили краски таких же сочных и насыщенных оттенков, даже если они будут стоить дороже.

Такое солнечное и насыщенное воздухом пространство в его картинах было отчасти связано с поездками за рубеж, в особенности в Париж — там показывали импрессионистов. До сих пор ведутся споры о том, существовал ли русский импрессионизм. Если принять утвердительную точку зрения, то Поленова можно назвать одним из его основоположников — тем более что его учеником станет самый известный «русский импрессионист» Константин Коровин.


От импрессионистов он также одним из первых в России взял манеру рисовать на пленэре — это развивает у мастера не только скорость письма, но и колористические навыки. На солнце с естественным освещением цвета видятся более насыщенными, многогранными, чем если бы художник писал их в студии по памяти. Об этом, в частности, говорила жена художника во время их путешествия по Риму, где Поленов работал на залитой солнцем террасе.

«Большая разница — писать тут и в России. Василий сделал в Москве несколько эскизов, и, когда смотришь на них тут, рядом с природой, они совсем бледны, бесцветны. Здесь он сделал несколько — солнце и блеск», — отмечала Наталья Поленова.

ЮИщем прелесть в обыденных вещах


В.Д. Поленов «Московский дворик», 1878

Импрессионисты стремились передать прелесть мгновения, увидеть красоту в обыденных вещах. На этом же делал акцент Поленов: он учит наслаждаться простотой и ясностью вещей, которые можно увидеть каждый день.

Возьмем для примера знаменитый «Московский дворик». Из примечательных зданий на холсте изображен разве что Храм Спаса Преображения на Песках по центру, да и то вид на него перегораживает не самого приятного вида пристройка. Однако задача Поленова в этих невероятно знакомых видах с деревянными и покосившимися постройками, протоптанными тропинками и играющими детьми — показать прелесть жизни и обычного солнечного дня.

Поленов часто работает на стыке пейзажа и жанра, в чем состоит еще одно его отличие от Саврасова, у которого в работах почти не изображены люди. Он населяет картины персонажами, чтобы «оживить» полотно, сделать его более интимным, «домашним», добавить в пейзаж дополнительную историю. В Третьяковской галерее есть первоначальный вариант работы — без людей и животных. Сравнивая их, можно заметить, что этюд выглядит чуть более отрешенно, хотя сохраняет общую камерность и позитивное настроение. Картину сразу с Передвижной выставки купил Павел Третьяков для своей коллекции, назвав ее «милой».

«Поленов поставил очень милую вещь, не пейзаж и не жанр, а вроде того и другого: московский или провинциальный барский дворик, заросший травой. Типично и красиво написано», — писал Третьяков в письме Крамскому.

Чувствуем настроение каждой работы


В.Д. Поленов «Бабушкин сад», 1878

Говоря о творчестве Поленова, часто употребляют определение «тургеневская поэтичность», так как настроение у жанровых пейзажей художника может быть разным. «Бабушкин сад», например, — более лиричная работа, хотя показан тот же усадебный дом, что и в «Московском дворике». Даже если не брать во внимание фигуры женщин, настроение полотна будет чувствоваться через колорит — вместо солнечно-теплых оттенков здесь использованы холодные пастельные тона.

Живописные приемы все те же: работа с пленэром, сочетание жанра и пейзажа, использование фигур, некоторая литературность, но настроение уже другое, меланхоличное.

Картина была написана в 1878 году: к концу XIX века у многих творческих деятелей и у обычных людей появлялось ощущение неизбежности перемен, отмирания старой дворянской культуры с родовыми имениями, поэтому в работах все чаще стала появляться тема тоски по уходящей эпохе.

Отмечаем камерный характер евангельских сюжетов


Помимо пейзажей и жанровых работ, большой пласт картин Поленова составляют евангельские сюжеты — на них также распространяется стремление к камерности и жанровости. В Академии художеств в качестве заключительного испытания на золотую медаль выпускникам определили тему «Воскрешение дочери Иаира» — Иисус прикосновением возвращает девушку к жизни.

И.Е. Репин «Воскрешение дочери Иаира», 1871

Илья Репин, выпускавшийся в один год с Поленовым, решил сюжет в торжественном ключе: сильное противопоставление света и тени, замершие в ожидании фигуры вдалеке, акцент на фигуре Иисуса и девушки, выделенных насыщенными белыми и синими цветами — все это создает ощущение благоговейной тишины и значимости момента.

Этот же сюжет у Поленова решен в гораздо более камерном варианте: обстановка дома в больше степени приближена к реальности, персонажи гораздо ярче выражают эмоции, да и сам Христос выглядит в большей степени обычным человеком, нежели Мессией. В большинстве евангельских работ Поленова, а их будет целый цикл, будет видно стремление к более реалистичному изображению библейских историй, их большему «очеловечиванию».

В.Д. Поленов «Воскрешение дочери Иаира», 1871

Исключением стало разве что огромное полотно «Христос и грешница». Еще в детстве вместе со всей семьей Поленов увидел картину Александра Иванова «Явление Христа народу» и был очень впечатлен. Перекличку между этими двумя работами можно увидеть и в скорости их создания: как известно, Иванов писал полотно 20 лет, у Поленова же с момента первых эскизов до финального варианта прошло 15 лет.

Чтобы наполниться впечатлениями и эмоциями, Поленов в составе экспедиции отправился в путешествие по библейским местам на Ближнем Востоке, в частности побывав в Палестине, Сирии и Египте. Несмотря на огромный размер (полотно занимает почти всю стену в Русском музее) и общий академический стиль (уравновешенность композиции, выверенный колорит, классический сюжет), критики посчитали, что образ Христа здесь решен слишком реалистично, слишком подчеркнута его человеческая сущность, а в целом у публики она может «возбудить всякие толки». По этой причине ее чуть не сняли с выставки передвижников.

В.Д. Поленов «Христос и грешница», 1888

Однако опасения оказались напрасными: желание приобрести работу высказали и Павел Третьяков, и Александр III. Император предложил более высокую цену в 30 тысяч рублей — и на эти деньги художник приобрел себе усадьбу Борок на Оке, где сейчас расположился музей-заповедник Поленова.

Учимся любить жизнь как художник


В.Д. Поленов «Елка. Эффект дня»

Поленов прожил долгую и насыщенную жизнь. Он умер в 83 года, но до самой смерти стремился вести активный образ жизни: постоянно путешествовал, занимался просветительской деятельностью, организовывал народный театр. Он и другим стремился показать красоту каждого мгновения. Ближе к концу жизни он перебрался в усадьбу Борок, сделал себе мастерскую с огромным окном с «чудным светом» — о чем писал: «Я всю жизнь об этом мечтал, а теперь как-то не верится». А затем решил устроить для крестьян «путешествие» с помощью диорамы. Он ведь посетил множество стран — а значит, с помощью своих работ из разных мест может поднять людям настроение.

«Вы подумайте только, как живут крестьяне. Полгода холода, темноты, ничего кроме трактира. С тоски можно умереть. И вдруг кругосветное путешествие!» — говорил художник.

В.Д. Поленов «Елка. Эффект ночи»

Интересно, что на многих изображениях — а для диорамы были созданы более 60 акварельных работ на бумаге — было два варианта освещения, дневной и ночной. Даже в не столько статусной работе, сколько в аттракционе для простых людей Поленов стремился обыграть возможности освещения и любования светом.

«Дневное освещение можно сделать переходящим в ночное медленно или мгновенно, выходит что-то вроде волшебства. <…> Я сделал это для детей, которые все время восклицают от восторга и удивляются, но, оказывается, и взрослые восхищаются», — писал художник.

Диорама стала последней работой мастера. Сейчас ее можно увидеть в «Поленово».
Источник: timeout.ru
Поделись
с друзьями!
639
0
9
18 дней
Уважаемый посетитель!

Показ рекламы - единственный способ получения дохода проектом EmoSurf.

Наш сайт не перегружен рекламными блоками (у нас их отрисовывается всего 2 в мобильной версии и 3 в настольной).

Мы очень Вас просим внести наш сайт в белый список вашего блокировщика рекламы, это позволит проекту существовать дальше и дарить вам интересный, познавательный и развлекательный контент!