Живопись, от которой не оторвать глаз: 10 выдающихся современных художниковЕвропейские художники начали использовать масляную краску в XV веке, и с тех самых пор именно с ее помощью создавались самые знаменитые картины всех времен. Но и в наши высокотехнологичные дни масло по-прежнему сохраняет очарование и загадку, а художники продолжают изобретать новые техники, разрывая шаблоны и раздвигая границы современного искусства. Объемные пейзажи Юстины КопаняОбладательница невероятного навыка польская художница Юстина Копаня (Justyna Kopania) в своих экспрессивных размашистых работах смогла сохранить прозрачность тумана, легкость паруса, плавное покачивание корабля на волнах. Ее картины поражают своей глубиной, объемом, насыщенностью, а текстура такова, что от них невозможно оторвать взгляд. Теплая простота Валентина ГубареваХудожник-примитивист из Минска Валентин Губарев не гонится за славой и просто делает то, что любит. Его творчество безумно популярно за рубежом, но почти незнакомо его соотечественникам. В середине 90-х годов в его бытовые зарисовки влюбились французы и заключили с художником контракт на 16 лет. Картины, которые, казалось бы, должны быть понятны только нам, носителям «скромного обаяния неразвитого социализма», понравились европейской публике, и начались выставки в Швейцарии, Германии, Великобритании и других странах. Чувственный реализм Сергея МаршенниковаСергею Маршенникову 41 год. Он живет в Санкт-Петербурге и творит в лучших традициях классической русской школы реалистичной портретной живописи. Героинями его полотен становятся нежные и беззащитные в своей полуобнаженности женщины. На многих самых известных картинах изображена муза и жена художника — Наталья. Близорукий мир Филипа БарлоуВ современную эпоху картинок высокого разрешения и расцвета гиперреализма творчество Филипа Барлоу (Philip Barlow) сразу привлекает внимание. Однако от зрителя требуется определенное усилие для того, чтобы заставить себя смотреть на размытые силуэты и яркие пятна на полотнах автора. Наверное, так видят мир без очков и контактных линз люди, страдающие близорукостью. Солнечные зайчики Лорана ПарсельеЖивопись Лорана Парселье (Laurent Parcelier) — это удивительный мир, в котором нет ни грусти, ни уныния. У него вы не встретите хмурых и дождливых картин. На его полотнах много света, воздуха и ярких красок, которые художник наносит характерными узнаваемыми мазками. Это создает ощущение, будто картины сотканы из тысячи солнечных зайчиков. Динамика города в работах Джереми МаннаМаслом на деревянных панелях американский художник Джереми Манн (Jeremy Mann) пишет динамичные портреты современного мегаполиса. «Абстрактные формы, линии, контраст светлых и темных пятен — все создает картину, которая вызывает то чувство, которое человек испытывает в толпе и суматохе города, но также может выразить и спокойствие, которое обретается при созерцании тихой красоты», - говорит художник. Иллюзорный мир Нила СаймонаНа картинах британского художника Нила Саймона (Neil Simone) все не так, как кажется на первый взгляд. «Для меня мир вокруг — это череда хрупких и постоянно меняющихся форм, теней и границ», — говорит Саймон. И на его картинах все действительно иллюзорно и взаимосвязано. Границы смываются, а сюжеты перетекают друг в друга. Любовная драма Жозефа ЛорассоИтальянец по происхождению современный американский художник Жозеф Лорассо (Joseph Lorusso) переносит на холст сюжеты, подсмотренные им в повседневной жизни обычных людей. Объятия и поцелуи, страстные порывы, минутки нежности и желания наполняют его эмоциональные картины. Деревенская жизнь Дмитрия ЛёвинаДмитрий Лёвин — признанный мастер русского пейзажа, зарекомендовавший себя как талантливый представитель русской реалистической школы. Важнейший источник его искусства — привязанность к природе, которую он нежно и страстно любит и частью которой себя ощущает. Экспрессивная романтика Алексея ЧернигинаНа большинстве картин Алексея Чернигина маслом на холсте запечатлены красота, романтика и мгновения истинных чувств. Свой талант и тягу к искусству Алексей Чернигин унаследовал от отца — известного российского художника Александра Чернигина. Ежегодно они устраивают совместную выставку в своем родном Нижнем Новгороде.
20 картин известных художников — мастеров мрака и унынияХудожник, особенно талантливый, переносит зрителей в свой мир — насколько он будет реальным или фантастическим, зависит от личности творца и его мировоззрения. Среди них есть настоящие мастера Апокалипсиса и приверженцы экзистенциализма, видящие изнанку мира лучше, чем окружающую действительность. В этом посте представлены 20 поистине пугающих полотен, которые не каждый решится рассмотреть в деталях. Многие из них совершенно реалистичны, но и они производят впечатление кошмарного сна, от которого не получается проснуться. Источник всех подобных произведений — наши страхи, а их, как утверждают современные психологи, порождает единственный и главный — страх смерти. Человек как существо, наделённое второй сигнальной системой (или бессмертной душой), так и не смог принять этого явления. Мы познаём и изучаем себя с помощью искусства, поэтому мрачные произведения всегда будут волновать нас, как волнуют депрессивные фильмы и ужастики. ?? «Тяжёлая корзина». Цукиока Ёситоси, 1885Японцы недаром считаются лучшими создателями хорроров, жутких существ, призраков и необычных порождений фантазии из фольклора. Хороший пример — полотно великого мастера гравюр в жанре укиё-э (мир скорби и печали) из серии «Тридцать шесть привидений». Здесь воплощена мифическая история о бессердечной и жадной старухе, выбравшей себе в подарок корзину побольше и потяжелей, однако вместо драгоценностей получившей воплощение ужаса: жутких тварей из преисподней. Не правда ли, напоминает нам русскую сказку «Морозко», где у отрицательных героев «только косточки в коробочке побрякивали»… «Триумф смерти». Питер Брейгель, 1561-1563Одна из самых известных картин Брейгеля, мастера Апокалипсиса, которую можно рассматривать часами благодаря десяткам миниатюрных историй, разворачивающихся перед зрителями. Исторический источник: поход короля Испании Филиппа II, религиозного фанатика, покрывший горами трупов и пеплом костров территорию Нидерландов. Но содержание полотна гораздо шире: многоликая смерть застаёт героев ежечасно и повсеместно — в массовой битве и индивидуальном поединке, за работой, за трапезой и даже на любовном свидании. От неё невозможно укрыться: «Повсюду страсти роковые, и от судеб защиты нет». Произведение представляет собой мрачное и детализированное изображение конца света, в котором смерть в виде скелетов уничтожает всё живое: людей всех сословий, города, природу. Картина отражает страхи эпохи — войны, эпидемии, голод и религиозные конфликты, распространённые в Европе XVI века. Брейгель показывает, что смерть не щадит никого: ни королей, ни крестьян, ни влюблённых, ни монахов. Это мощное напоминание о бренности жизни и неизбежности конца. «Осьминог». Виктор Гюго, 1866Мы больше знаем Виктора Гюго как автора поэзии и прозы. Однако талант создал сотни мрачных картин (все написаны простыми чернилами). Многие, по свидетельствам очевидцев, рождены в изменённом состоянии сознания, на спиритических сеансах. Сюжет «Осьминога» (картина написана тушью) описан в романе «Труженики моря». По сюжету книги, с ним сталкивается рыбак Жильят. Кстати, битву со спрутом-убийцей позже подхватили многие писатели-современники. Осьминог в его исполнении символизирует хаос, опасность и неведомую силу, подстерегающую в глубинах. В романе этот антагонист воплощает борьбу человека с природой. «Штурмовики наступают под газовой атакой». Отто Дикс (серия «Война»), 1924Картина самого известного живописца ужасов Первой Мировой, когда человечество впервые столкнулось с техниками и технологиями массовых убийств. Гравюра в технике акватинты немецкого художника Отто Дикса, изображающая немецких солдат в бою во время Первой мировой войны. Это 12-я в серии из 50-ти гравюр под названием «Война», опубликованная в 1924 году. Копии хранятся в Немецком историческом музее в Берлине, в Музее современного искусства в Нью-Йорке и в Институте искусств Миннеаполиса, а также в других публичных коллекциях. Дикс писал в своих мемуарах, что направился на войну двадцатилетним студентом, желая обрести своего рода экзистенциальный опыт: «Я должен был пережить, каково это, когда кто-нибудь рядом со мной внезапно падает, сражённый наповал пулей. Я должен был пережить это лично. Я хотел этого. Я же вовсе не пацифист — или всё же пацифист? Возможно, я был любознательным. Я должен был увидеть всё сам. Я такой реалист, понимаете ли, что должен увидеть всё своими собственными глазами и убедиться в этом. Я должен был погрузиться во все ужасные, бездонные глубины лично». «Мягкая конструкция с варёной фасолью (Предчувствие гражданской войны)». Сальвадор Дали, 1936Тревожная и странная, как и все произведения Дали, картина. Причудливая конструкция рук и ног напоминает очертания Испании, где привычный уютный мир вот-вот рухнет, рассыплется, как фасоль по земле, и утонет в крови гражданской войны. Произведение написано незадолго до начала гражданской войны в Испании. Это сюрреалистичное и пугающее изображение деформированного человеческого тела, рвущего само себя, символизирует разрушительность внутреннего конфликта. Фигура как будто состоит из мяса и сухожилий, а варёная фасоль — намёк на бытовую нищету и страдания народа. Картина передаёт ужас, абсурд и жестокость братоубийственной войны, которую Дали предвидел ещё до её начала. «Призрак утопленника». Торвальд Нисс, 1932Пугающая сцена близка фольклору всех стран и народов: неупокоенный призрак пытается уволочь новую жертву в море. Картина лаконична: пара тёмных силуэтов, несколько мазков кисти — и вот уже сердце зрителя наполняется неосознанной тоской, чувством вины и безысходностью. Работа принадлежит к направлению символизма и романтического реализма. Мрачная, туманная атмосфера и холодная палитра создают ощущение скорби, одиночества и вечного сна. Это размышление о смерти, прощании и переходе в иной мир. Произведение вызывает сильный эмоциональный отклик и считается одной из самых поэтичных и печальных картин скандинавской живописи. «Тревога». Эдвард Мунк, 1894Картина «Тревога» (Anxiety), написанная Эдвардом Мунком в 1894 году, отражает глубокое чувство экзистенциального страха и отчуждения, характерное для его творчества. На переднем плане можно увидеть группу людей с бледными, страдальческими лицами, застывших в молчаливом отчаянии. Они стоят на мосту — том же, что и в более известном «Крике». Здесь всё внимание на фон — зловещее красное небо и тёмные воды. Они усиливают атмосферу напряжённости и безысходности. Картина — не просто изображение тревоги, а визуальное воплощение психологического состояния, близкого к депрессии и внутреннему кризису. «Крик». Эдвард Мунк, 1893-1910«Крик» считают эмблемой экспрессионизма, это полотно открывает 20 век, предсказывает его события и общее ощущение жестокости и непримиримых страстей. Вопль ужаса персонажа благодаря особой примитивной технике и тревожной цветовой гамме, кажется, звучит везде и отовсюду, приобретая вселенский размах. Как писал сам художник в дневнике: «Я шёл по тропинке с двумя друзьями — солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и опёрся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-чёрным фьордом и городом — мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу». Современники предполагали источниками создания картины клинику душевнобольных, где лечилась сестра художника, скотобойню около города и извержение вулкана Кракатоу, на несколько лет озарившего многие города мира красными сумерками. А психологи и биографы искали источник мировоззрения в характере и природных склонностях автора. Так или иначе, персонаж картины Мунка стал основой создания жуткой маски убийцы из сериала девяностых с таким же названием — «Крик». «Крик» — самая известная картина Эдварда Мунка, написанная в 1893 году. Она изображает фигуру с искажённым лицом, стоящую на мосту и как будто издающую (или слышащую) пронзительный крик, на фоне кроваво-красного неба. Она символизирует экзистенциальный ужас, внутреннюю тревогу и страх перед миром. Мунк сам описывал это состояние как момент, когда он «услышал крик, проходящий сквозь природу». Это одно из самых узнаваемых произведений экспрессионизма и мощный образ психологического кризиса человека в модерную эпоху. «Призрак Ойва» (Ойва-сан). Кацусика Хокусай, 1831На картине (гравюра на дереве) из серии «100 историй о привидениях» запечатлено самое известное в Японии привидение онрё. Обиженный и мстительный дух, желающий наказать своего мучителя, создан на основе реальной истории: самурай возненавидел и убил свою супругу, обвинив её во всех своих несчастьях. Реальные события давних лет увековечены благодаря пьесе театра кабуки «Страшная история о призраке из деревни Ёцуя с дороги Токайдо» (автор Цуруя Намбоку). По сюжету, Ойва была отравлена соперницей, что изуродовало её лицо. После смерти она возвращается в виде мстительного духа, чтобы преследовать своего мужа Иэмона, причастного к её гибели. На гравюре Хокусая лицо Ойвы появляется из старого бумажного фонаря, что подчёркивает её сверхъестественную сущность и связь с духами, обитающими в фонарях. Образ женщины в белых одеяниях, с мёртвенным гримом и с распущенными волосами, полюбился кинематографу: самый известный на сегодня онрё — девочка-убийца с видеокассеты («Звонок»). «Сатурн» («Сатурн, пожирающий своего сына»). Франсиско Гойя, 1819-1823 Для особо впечатлительных не публикуем произведение здесь. Герой полотна Гойи — бог греческой мифологии Кронос, встревоженный предсказаниями о своём потомке, который свергнет его с престола. Классический сюжет изменился под влиянием личных обстоятельств испанского художника: тяжёлых болезней, смерти детей, глухоты, страха безумия. Сатурн на картине — сумасшедший нереалистичный монстр, терзающий окровавленное тело. Гойе принадлежит знаменитая цитата «Воображение, покинутое разумом, порождает немыслимых чудовищ; но в союзе с разумом оно — мать искусств и источник творимых им чудес». «Собака». Франсиско Гойя, 1823«Собака» Гойи наполнена экзистенциальным смыслом. Она вдохновила множество художников и считается предвосхищающей абстрактное искусство XX века. Несчастное животное вот-вот поглотит безликая стихия и пустынные пространства; её пронзительный, почти человеческий взгляд обращён вверх, вызывая чувство одиночества, отчаяния и безысходности. Художник и писатель Антонио Саура назвал произведение Гойи «самой красивой картиной в мире» и так описывал свои впечатления: «Она напоминает мне мою собственную собаку, которая охраняла моего отца, а затем её отравили, и вскоре отец погиб. Я смотрю на эту картину и вижу в этом бедном животном наше состояние в целом и наш исторический момент в частности. Я — собака, и ты — собака, наши головы подняты над тёмным, поднимающимся приливом». «Страшный суд». Иероним Босх, 1504Библейский сюжет служил источником вдохновения для многих авторов, но именно это произведение средневекового живописца имеет наибольшую силу воздействия, в том числе и на наших современников. Художник ясно видел самые уродливые стороны человеческой натуры и доходчиво описал, какие именно поступки ведут человека в Ад — а он настолько ужасен и подробно изображён, что избежать его хочется всеми силами. Впрочем, даже на левой створке триптиха (Рай) запечатлено грехопадение, изгнание, обращение ангелов в демонов, адский огонь, «муки, стенания и скрежет зубовный». Автор определённо разочарован в человеческой природе и пессимистично настроен насчёт нашей будущей судьбы. «Апофеоз войны». Василий Верещагин, 1871Как гласит надпись автора на раме картины, она «Посвящается всем великим завоевателям — прошедшим, настоящим и будущим». Пирамида из человеческих черепов на фоне разрушенного города и обугленных деревьев, среди раскалённой степи — символ смерти, опустошения, мертвящих душу последствий войн. Судьба человечества под этим пронзительно ясным и холодным небом не вызывает оптимизма. Это не конкретная сцена, а символическое обобщение — предупреждение о том, к чему приводит война: смерть, опустошение, бесчеловечность. Картина произвела сильное впечатление и вызвала споры, но Верещагин твёрдо стоял на своей пацифистской позиции. «Побеждённые. Панихида». Василий Верещагин, 1879Глубокое и трагическое антивоенное полотно написано Василием Верещагиным в 1879 году. Художника винили в антипатриотизме, но перед созданием произведения, как известно, он пытался отыскать на поле боя тело своего брата, чтобы проститься и достойно похоронить родного человека. Именно это его и вдохновило на создание картины. На ней изображена панихида по павшим русским солдатам: священник совершает службу у братской могилы, в то время как оставшиеся в живых бойцы стоят в молчаливом строю. Всё вокруг — снег, мрачное небо, пустота — подчёркивает бессмысленность потерь и страданий, вызванных войной. «Вытащить тело не было никакой возможности — так оно и осталось, к величайшему моему горю, пухнуть и гнить в массе — страшной массе покладенных в этот день трупов солдат наших», — вспоминал художник. Ещё одно произведение, показывающее цену побед и завоеваний. «Смерть». Янис Михайлович Розенталь (Розенталс), 1897Картина «Смерть» (N?ve), написанная латвийским художником Янисом Розенталсом в 1897 году, представляет собой глубокое и символическое произведение, объединяющее реализм, элементы модерна и мотивы латышской мифологии.? На полотне изображена крестьянка, сидящая на пне с мёртвым младенцем на руках. Над ними склонилась высокая фигура женщины в белом — олицетворение Смерти, держащей в руке серп. Смерть изображена как тощее, почти скелетообразное существо с босыми ногами, что подчёркивает её связь с природой. В латышской мифологии Смерть часто представляется в виде женщины в белом, известной как Ve?u m?te — «Мать мёртвых». Сцена происходит на фоне леса и луга, что символизирует естественный цикл жизни и смерти. Мать выражает гнев и отчаяние, её пальцы судорожно сжаты, но она уже осознаёт неизбежность утраты. Белое облачение ребёнка, как и у Смерти, подчёркивает его переход в иной мир.? Картина наполнена эмоциональной напряжённостью и заставляет задуматься о неотвратимости смерти и бессилии человека перед её лицом. Это произведение считается одним из самых выразительных в творчестве Розенталса и занимает важное место в латвийском искусстве. Многие эксперты и любители считают его самым страшным художественным произведением всех времен. Два полотна без названия. Здзислав Бексиньский (1929-2005)Эти две мрачные и пугающие картины принадлежат польскому художнику Здзиславу Бексиньскому (Zdzis?aw Beksi?ski, 1929-2005), мастеру мрачного сюрреализма и постапокалиптического символизма. Польский художник и фотограф названий своим картинам не давал. «Одним словом, живопись меня мало интересует, я не ищу встречи с ней, я встречаюсь с ней случайно и естественно, как дерево и корова», — говорил художник. Однако душераздирающие, апокалиптические образы сделали его вдохновителем творчества многих наших современников. Считается, что истоки его живописи — в удушливой атмосфере послевоенных лет и «холодной войны», чувствах боли и вины. Ещё его картины с жуткими мирами и обитателями, для которых эта преисподняя — родина, как предчувствие личного кошмарного будущего: последние годы жизни художника омрачены смертью жены, самоубийством сына, а немного позже и сам он истёк кровью на пороге своего дома, убитый сыном домработника. Первая картина (слева) Изображает изуродованную фигуру (существо) с перевязанной головой, ползущую по выжженной пустоши. Фон напоминает апокалиптический город после катастрофы. Картина передаёт ощущение боли, отчаяния, деградации и отчуждённости. Вторая картина (справа) На ней изображён человек с факелом, идущий через тесный каньон, в стенах которого зияют гигантские фигуры в капюшонах с черепами вместо лиц. Это может символизировать одиночество перед лицом смерти или судьбы, исправление грехов, суд или встречу с прошлым, которое наблюдает сверху, молча и строго. «Глаз, как странный воздушный шар, устремляется в бесконечность». Одилон Редон, 1882Литография Одилона Редона, созданная в 1882 году. Это мистическое и символическое произведение было вдохновлено текстом Эдгара Аллана По. На изображении — огромный глаз в виде воздушного шара, к которому привязаны фигуры (возможно, человек и смерть), парящие в мрачном, сюрреалистическом небе. Это аллегория духовного взлёта, стремления к познанию или к вечности, но также — неизвестности и ужаса перед этим полётом. Редон сочетает фантазию, сон и символизм, создавая образ, который можно трактовать как взгляд души, уносящийся за пределы земного. «Автопортрет». Кен Карри, 1995Мощная, мрачная и тревожная картина, в которой художник обращается к темам старения, умирания и бренности тела. «Герои» картин шотландского художника — люди в самом печальном и неприглядном периоде жизни: стареющие, изуродованные, а то и представленные в виде разлагающихся останков. Как говорят критики, такова реакция творца с тонкой душевной организацией на политические и гуманитарные катаклизмы 1990-х годов в Восточной Европе, а также на человеческую природу, которая, как правило, ущербна и смертна. На полотне изображён сам художник, но не в привычной реалистичной манере: его лицо и тело выглядят искажёнными, болезненными, будто покрыты восковой или мертвенной плотью. Взгляд направлен в сторону зрителя, но в нём — усталость, страх и философское принятие неизбежного конца. В этом автопортрете художник добавил в масляные краски пчелиный воск, что придало натуральный вид человеческой кожи. Именно это и рождает у зрителей первобытный ужас, сродни воздействию фильма про Доктора Лектора: только не в тюремном застенке, а в процессе исполнения угрозы «Я съем твою печень и запью её кьянти»… «Безумная Грета». Питер Брейгеля Старший, 1562-1564Аллегорическая и сатирическая картина Питера Брейгеля Старшего, изображающая грубую, обезумевшую женщину, ведущую отряд таких же женщин на штурм самого ада. Это работа — победитель всевозможных рейтингов самых страшных произведений искусства. Статья об этом полотне на сайте Музея Майер ван дер Берга, где она хранится, называется «Фильм ужасов в виде картины» (Фильм ужасов в нарисованном виде). Грета, в доспехах и с мечом, грабит адские земли, не ведая страха. Вокруг — хаос, демоны, огонь, разрушения, характерные для стиля Брейгеля. Картина высмеивает жадность, безумие и агрессию, особенно в поведении женщин, ставших жертвами алчности и суеты. Это яркий пример средневекового морализма, гротеска и фламандского фантастического воображения, перекликающийся с Босхом. На ней персонаж голландского фольклора, воплощение жадности и воинственности, бредёт в преисподнюю по земле чудовищ, олицетворяющих пороки: хорошая иллюстрация плохо прожитой жизни. Худшие человеческие качества, а также реальность того времени — войны и казни — и есть настоящий ад на земле. Именно эту мысль доводит до зрителя Брейгель в многочисленных подробностях своего полотна. Источник: 1gai.ru
Известные художники и их котыВидимо, благодаря своей тонкой душевной организации художники предпочитают заводить котов, а не собак. Эти милые пушистые создания не только помогают расслабиться, но порой даже могут стать источником вдохновения. В этой подборке уникальные фотографии мастеров живописи с их любимыми питомцами. Сальвадор Дали со своим ручным оцелотом Бабу.Анри Матисс со своими любимыми котами — Минуше и Кусси.Пикассо и его сиамский кот Мину.Густав Климт со своим питомцем Катце. Пауль Клее с котиком Бимбо.Пьер Боннар с котом.Эдвард Гори обожал котов.Жан Кокто с Каруном.Энди Уорхол в своей студии с Робертом Индианой и котами.![]() Неизвестно, чьи животные на фото, но Энди однажды содержал 25 котов одновременно, и всех их звали Сэм. Василий Кандинский и его кот Васька.Бальтюс со своим питомцем.А вот кот Фриды Кало очень ревновал художницу к обезьянке.Источник: bigpicture.ru
15 самых странных картин, проданных за бешеные деньгиКазимир Малевич говорил, что «Черный квадрат» он написал, находясь под воздействием «космического сознания». Мы не знаем, под воздействием чего находились авторы этих картин и уж точно — что заставляло покупателей выкладывать за них такие деньги. Или мы ничего не понимаем в искусстве? Лучо Фонтана. «Пространственная концепция. Ожидание» — 1,5 млн долларов.Герхард Рихтер. «Кроваво-красное зеркало» — 1,1 млн долларов.Эльсуорт Келли. «Зеленое белое» — 1,6 млн долларов.Блинки Палермо. «Без названия» — 1,7 млн долларов.Эльсуорт Келли. «Ковбой» — 1,7 млн долларов.Жоан Миро. «Собака» — 2,2 млн долларов.Барнетт Ньюман. «Белый огонь I» — 3,8 млн долларов.Кристофер Вул. «Синий дурак» — 5 млн долларов.Марк Ротко. «Без названия» — 28 млн долларов.Кристофер Вул. «Восстание» — 29,9 млн долларов.Барнетт Ньюман. «Onement VI» — 43,8 млн долларов.Сай Твомбли. «Без названия» — 69,6 млн долларов.Барнетт Ньюман. «Черный огонь I» — 84,2 млн долларов.Марк Ротко. «Оранжевый, красный, желтый» — 86,9 млн долларов.Барнетт Ньюман. «Свет Анны» — 105,7 млн долларов.Источник: bigpicture.ru
Художник Тивадар Костка Чонтвари – кармический брат Ван ГогаСудьбы венгерского художника Тивадара Костки Чонтвари и голландского живописца Винсента Ван Гога словно зеркалят друг друга. Оба родились в 1853 году. В двадцать семь лет Ван Гог прекращает службу проповедником и принимает решение посвятить себя живописи. Чонтвари, почти синхронно, работая в аптеке, переживает видение, незримый голос говорит ему: ты станешь художником и превзойдешь самого Рафаэля. В 1890-м Ван Гог уходит из жизни. Почти в это же время, скопив капитал для возможности странствовать и обучаться живописи, Чонтвари оставляет аптечное дело и посвящает себя искусству. Оба художника фактически были самоучками, оба потратили на обучение в академической манере около года, но по своей воле его бросили. Оба отказались от классических канонов и писали по велению сердца. Оба умерли непризнанными, в одиночестве и нищете. Картины обоих художников в наше время уходят с молотка за миллионы евро. Оба доказали, что известность – совсем не то же, что и бессмертие. Разница лишь в том, что о жизни Ван Гога мы знаем многое, о жизни Чонтвари почти ничего. Люди не верят в пророка в своем отечестве, все гениальное, талантливое не может родиться у них под носом. Тивадар Костка Чонтвари прожил жизнь изгоя. Сейчас его взгляды никого бы не удивили: борьба с табакокурением, веганство, полный отказ от алкоголя. Но для Венгрии того времени это было слишком революционно. Родился Костка 5 июля 1853 года в Кишсебене, ныне городок Сабинов на территории Словакии. В его многодетной семье вряд ли могли предположить, что застенчивый худощавый Тивадар прославит их род. Вместе с пятью братьями он отучился в гимназии в Ужгороде, после перешел к обучению фармакологии, чтобы стать приемником в деле отца, обедневшего польского дворянина Ласло Костки, который перебрался с семьей в Венгрию и открыл тут аптечное дело. 13 октября 1880 года Тивадар привычно стоял за прилавком, любуясь пейзажем за окном: «День за днем, день за днем я наблюдал пылающие Карпаты, – напишет он в воспоминаниях. – Однажды на глаза попался фургон, запряжённый волами. Непроизвольное движение вложило карандаш в руку, и я нарисовал пейзаж на обороте рецептурной бумаги. Мой начальник подкрался сзади и когда рисунок был закончен, ударил по плечу: Ты был рожден, чтобы стать художником!.. Я положил рисунок в карман и с этого момента стал самым счастливым человеком на свете». Позже Тивадар напишет и скажет, что именно тогда у него случилось видение, незримый голос сказал ему: «Ты станешь великим солнечным художником и превзойдешь самого Рафаэля». Чонтвари был ошеломлен, он не мог ждать. Пережив зиму, скопив сбережения, уже весной он едет в Рим. Ему необходимо увидеть полотна Рафаэля, которого загадочный голос предсказал превзойти. Рафаэль не впечатлил Тивадара. Он не увидел в его работах жизни и солнца. Биографы Костки объясняют таинственный голос признаками психического заболевания, которое якобы у него развилось после. Долгие годы о нем будут писать: шизофреник, больной гений. Хотя художник никогда не лечился в психиатрической клинике, не обращался за подобной помощью. Изучив творческий путь Чонтвари, сложно представить, что его проделал психически нездоровый человек. Человек необычный – возможно. Но, однозначно, очень дальновидный и рассудительный. Вернувшись из Рима, Тивадар еще сильнее укрепился в желании стать живописцем. Он не бросился в омут с головой, как Ван Гог, Костка решает работать, чтобы скопить капитал. Более десяти лет он упорно трудится, после оставляет аптеку братьям и отправляется в Мюнхен, обучаться живописи в частной академии венгерского художника Шимона Холлоши. У Холлоши в то время учились мастера из Венгрии, Польши, Германии, Швейцарии, Америки, русские художники, среди них – Кузьма Петров-Водкин, Константин Коровин. Занятия велись на немецком, преподаватель, страстный любитель музыки, регулярно играл ученикам на флейте и виолончели. Он учил подопечных основам, не подавляя их собственную манеру и творческое видение. После Чонтвари отправился на обучение еще к одному мастеру – художнику Фридриху Каллморгену. Какое-то время учился в Париже. Но и тут Костка не задержался надолго. Академическая манера не привлекла его, он решил, что будет рисовать «как видит». В 1900 году берет псевдоним Чонтвари. В нем нет скрытого смысла, так Тивадар перевел на венгерский словянскую фамилию Костка. Во время обучения в Мюнхене Чонтвари создал серию портретов. Его творчеству это не свойственно, после художник будет рисовать только природу, воображаемые миры. Именно портреты выдают профессиональные знания и хорошую подготовку. В них нет и следа наивной живописи Чонтвари. Он предпочитал рисовать пожилых людей, был чутким, умел уловить и передать душевное состояние человека, Один из известных натурщиков, увидев законченную работу Тивадара воскликнул: «Я позирую почти семнадцать лет, но так нарисовать меня еще никому не удавалось!» Большинство портретов выполнено углем, но есть работы маслом. Скопленных денег хватало, Чонтвари мог покупать дорогие бельгийские холсты, класть краску толстым слоем. Из-за многочисленных путешествий, работы приходилось перевозить свернутыми в рулоны, красочный слой от этого трескался. Вернувшись из странствий, Чонтвари часто реставрировал поврежденные полотна. Экспериментировал с размером и формой. Многие пейзажи выполнены в натуральную величину. Это гигантские полотна до 30 квадратных метров. Есть совершенно нестандартные работы. В том же Мюнхене Чонтвари написал портрет старухи, которая чистит яблоки. Умышленно выбрал нехарактерный удлиненный холст. Кажется, что картину обрезали по бокам, но если приглядеться, такой масштаб придает особую выразительность композиции, пластичность силуэту. Взвалив этюдник на плечи, художник путешествует по миру. Ему удается открыть для себя Западную Европу, побывать в Египте, Палестине, увидеть Ливан и Сирию. Чонтвари взбирается на скалы, любуется пустыней, стоит под водопадом, исследует птиц, собирает цветы, разглядывает бабочек. «Я не рисую красками, я лишь наблюдаю и восхищаюсь мимолетной красотой природы, – пишет он в своих дневниках. – Спокойным, глубоким дыханием атмосферы, прекрасной музыкой сущего. Я странствую повсюду в поисках красоты, я вбираю в себя неизмеримость пространства». Чонтвари был левшой и гордился этим. Уверял, что развитое левое полушарие помогает ему видеть мир иначе. Он обладал особым цветовым зрением, разработал уникальную гамму, которая делала краски природы ярче и придавала им свечение. Будучи аптекарем, работал над составом красок, добившись того, что столетиями его работы не утрачивают первоначальной насыщенности. Неизменные авторские цвета: бирюзовый и желтый. На картинах обязательно должны быть вода, огонь, земля. Двойственность, неспокойный темперамент художника ярче всего отразились в картине, загадку которой разгадали недавно. Портрет «Старого рыбака» Чонтвари создал в 1902 году, путешествуя по Неаполю. До недавнего времени посетители и искусствоведы видели на картине лишь старика с глубокими морщинами на фоне моря и Везувия. Но кто-то из служителей музея попробовал поместить зеркало по центру картины. Отражение правой и левой стороны поразило: левая сторона – умиротворенный старец, который сложил руки в молитве, море и Везувий за его спиной спокойны. Правая отражает самого дьявола, за его спиной бушуют волны, извергается вулкан. Так художник передал двойственность природы человека. Интересно, что при жизни он никогда не выставлял эту картину. За короткую творческую жизнь (Чонтвари умер в 65 лет) полноценно рисовать начал только после сорока, он создал более сотни масштабных полотен, несколько десятков рисунков. «Одинокий кедр» – одна из самых известных и знаковых картин художника. На ней он изобразил себя: одинокий, изолированный из-за непонимания, глубоко проникший корнями в родную почву. «Судьба может дать мне долгую жизнь, но может разразиться буря, и я исчезну с лица земли без следа», – из дневника. Монументальные полотна Чонтвари обязательно нужно видеть вживую. Вдохнув новую жизнь в наскучившую пейзажную живопись, он объездил самые знаковые места Европы и Средиземноморья. Выплеснул их на холст солнечным сочетанием красок в своей уникальной манере. В 1949 году, когда картины Чонтвари были выставлены в венгерском посольстве в Париже, Пикассо заперся на час в выставочном зале и попросил его не беспокоить. Он был ошеломлен: «Я не знал, что существовал еще один великий художник». Поклонником творчества Чонтвари был и Марк Шагал. При жизни художник несколько раз выставлялся. В 1907 году в Париже и Западной Европе. Критики отозвались благожелательно о работах Чонтвари, но в родной Венгрии он по-прежнему был чудаком и изгоем. Он же мечтал о выставке в своей стране. Хотел открыть собственную галерею и даже нарисовал ее проект. Чонтвари никогда не считал себя только художником. Он писал статьи о вреде табака, рассуждал о веганстве, был убежденным пацифистом. Его регулярно поднимали на смех. Из-за насмешек и разногласий Костка, по большей части, был одинок. Не создал семью, изредка общался с сестрой, о его многочисленных братьях ничего не известно. В последние годы жизни не рисовал. Существуют предположение, из-за усугубившегося психического недуга. Писал книги: «Энергия и искусство, ошибки цивилизованного человека», «Гений. Кто может и кто не может быть гением». Занимался упорядочиванием своих записей и дневником. За всю жизнь Чонтвари не продал ни единой картины. Более полувека понадобилось, чтобы разглядеть в нем гения. В 2006 году полотно «Встреча влюбленных» было куплено неизвестным коллекционером более чем за миллион евро. Его записи и дневники не были изданы, они доступны только исследователям творчества художника. Фрагменты записей можно услышать в фильме «Чонтвари» венгерского кинорежиссера Золтана Хусарика. Это красивое, поэтическое кино с трагической судьбой. Картина посвящена памяти актера Золтана Латиновича, который играл Чонтвари и погиб в процессе съемок (есть версия, что бросился под поезд). После премьеры фильм раскритиковали. Хусарик, который на тот момент находлися в депрессии, был опустошен, покончил с собой. «Прошли времена, когда со мной то и дело что-нибудь случалось, теперь не происходит ничего, что помогало бы открыть в себе что либо новое. Теперь я стою перед последней вершиной, она давно ждет меня. Мне предстоит самое тяжелое путешествие в абсолютном одиночестве.» Чонтвари ушел из жизни 20 июня 1919 года. Причиной послужил запущенный артрит. Встречаются версии, что художника избили и это привело к смерти. Умер он в одиночестве и нищете, голодал. Более сотни картин достались сестре художника. В местном музее женщину заверили, что полотна не имеют художественной ценности, это «мазня сумасшедшего». Поскольку холсты были огромными и хранить их было не просто, родственники решили продать картины. Взять деньги только за полотно. Свернутую в рулоны живопись Чонтвари свалили грудой у его мастерской. По счастливой случайности мимо проходил архитектор Гедеон Герлоци. Он подыскивал себе жилье. Увидев картину «Одинокий кедр», был ошеломлен и скупил всю коллекцию. Существует еще одна красивая легенда: будто картины Чонтвари выкупили местные цыгане и накрыли ими кибитки. Архитектор увидел картины, восхитился и выкупил их у цыган. Герлоци положил жизнь на то, чтобы сохранить работы художника. Большинство картин пришлось держать в сундуках в свернутом виде. Только в 1970-м году власти города Печ обратились к Герлоци с просьбой организовать постоянную экспозицию. Он тут же согласился. Спустя десятилетие государство выкупило частную коллекцию Герлоци. Сейчас во владении Венгерской национальной галереи числится 127 картин Чонтвари, двадцать эскизов, 25 его полотен в частных коллекциях. В городе Печ вы не найдете могилы Костки. Он вряд ли бывал здесь. Чонтвари покоится в Будапеште, на кладбище Корепеши – одном из старешийх в Венгрии. Его могилой никто не занимался, после истечения срока ее содержания, останки перенесли в общее захоронение. Когда интерес к творчеству Костки стал расти на кладбище Корепеши ему установили памятник. К столетию со дня смерти художника поклонников его творчества, ожидал еще один сюрприз. Графологическая экспертиза почерка с целью опровергнуть или подтвердить информацию о психическом недуге. Графологи пришли к единому мнению, что образ Чонтвари был сильно искажен и ложен, а обвинения в шизофрении беспочвенны. Он был выдающейся личностью, человеком с широким кругозором, значительно опередившим свое время.
Как выглядели в реальности люди с портретов, которыми мы любуемся в галереяхКаждый художник обладает уникальным стилем и восприятием людей, чьи образы он стремится запечатлеть на полотне. В данном посте мы предлагаем рассмотреть, как выглядели в действительности и на картинах не только вдохновительницы мастеров, но и автопортреты самих авторов в сравнении с их подлинными фотографиями. 1. Надежда Забела-Врубель, муза Михаила Врубеля2. Винсент Ван Гог3. Виржини Готро4. Паула Модерзон-Беккер5.Викторина Меран, модель Эдуарда Мане6. Огюст Ренуар7. Ла Гулю, модель Тулуз-Лотрека8. Анна Билинская9.Джейн Моррис, муза прерафаэлитов10. Эдуард Мане11. Луиза Джоплинг12.Адель Блох-Бауэр, модель Густава Климта13.Эгон Шиле14. Мария Башкирцева15. Гюстав Курбе16.Анри Руссо17. Анри Матисс18. Эдгар Дега19. Камиль Писсарро20. Зинаида СеребряковаИсточник: billionnews.ru
Придворный художник: 12 мастеров-суперзвёзд, служивших монархам ЕвропыОни были не только придворными живописцами, но друзьями и советниками своих монархов, дипломатами, дизайнерами, пропагандистами и коммерсантами. Для одних служение при дворе стало делом всей жизни, для других — лишь мимолётным эпизодом карьеры. Их ценили, щедро осыпали подарками, почестями и льготами. Представляем вам 12 европейских художников-суперзвёзд, служивших при дворах в разные эпохи. Диего ВеласкесВеласкес получил монаршее покровительство, прибыв в Мадрид во второй раз по приглашению премьер-министра графа-герцога де Оливареса в 1623-м году — через два года после вступления на престол Филиппа IV. Вскоре художник написал портрет короля, немедленно принёсший ему успех. Он был назначен придворным живописцем с обещанием, что никто другой не будет изображать правителя. Франсиско Пачеко, учитель и тесть Веласкеса, описывает созданный вскоре (и ныне утраченный) конный портрет Филиппа: «Всё взято из жизни, даже пейзаж». Картина была выставлена на всеобщее обозрение «к восхищению всего двора и зависти представителей профессии». Услышав сплетни других художников, будто Веласкес «умеет рисовать лишь головы», король назначил соревнование. Участники должны были написать картину на исторический сюжет изгнания морисков — и Веласкес вышел победителем, а позже был назначен гофмейстером королевского двора. Его основной обязанностью как придворного художника было изображение членов королевской семьи и их окружения, и в течение жизни он создал многочисленные портреты Филиппа IV. «Либеральность и любезность, с которой к нему обращается такой великий монарх, невероятны, — пишет Пачеко.- У него есть мастерская в [королевской] галерее, а у Его Величества есть ключ от неё и стул, чтобы почти ежедневно на досуге наблюдать, как он рисует». В поздних придворных портретах Веласкес адаптировал более сложный декор и расцветку из арсенала другого придворного художника, Питера Пауля Рубенса. При этом Пачеко рассказывает, что Рубенс очень хвалил работы Веласкеса за их простоту. Коллеги познакомились во время второго визита фламандца к испанскому двору в 1628 году. Питер Пауль РубенсПоездка в Мадрид, во время которой произошло знакомство с Веласкесом, была не первой дипломатической миссией в карьере Рубенса. К тому времени он побывал уже при многих европейских дворах и поднаторел в переговорах. Впервые художник принял роль посланца на службе у Винченцо I Гонзага, герцога Мантуи, к которому поступил 23-х лет от роду, путешествуя по Италии. В 1605 году покровитель отправил его к испанскому королю Филиппу III с подарками, надеясь на чин адмирала. В 1608 году — после восьми лет служения Гонзаге — Рубенс получил сообщение, что здоровье его пожилой матери в Антверпене ухудшилось, и попросил герцога отпустить его. Тот ответил отказом, и живописец покинул Мантую самовольно, с намерением «отдаться в руки Его Светлости» по возвращении. Однако в Италию он больше так и не приехал. На родине Рубенс был представлен штатгальтерам Испанских Нидерландов — эрцгерцогу Альбрехту VII Австрийскому и его супруге, инфанте Изабелле Кларе Евгении. Написав портрет четы, он был немедленно назначен придворным художником. Новые покровители настолько высоко оценили живописца, что предоставили ему не только жалование, но и право получать гонорар за каждую законченную картину. Рубенсу также разрешили остаться в мастерской в Антверпене, хотя двор располагался в Брюсселе, и работать на других клиентов. После смерти мужа Изабелла Клара Евгения единолично правила Испанскими Нидерландами в течение 12 лет, и Рубенс служил ей не только как художник, но и как посол и дипломат. Например, выступал от её имени в мирных переговорах с Республикой Соединённых Провинций (протестантской частью Нидерландов), а также между Испанией и Англией. По одной из версий, именно он в 1627 году привёз в Лондон рисунки Леонардо да Винчи, ныне хранящиеся в Королевской коллекции. Эксперты полагают, что этим тонким ходом посланник рассчитывал завоевать благосклонность короля Карла I — большого ценителя искусства. ![]() Питер Пауль Рубенс, «Портрет эрцгерцога Альбрехта VII, штатгальтера Испанских Нидерландов» (1609). Музей истории искусств, Вена ![]() Питер Пауль Рубенс, «Портрет инфанты Изабеллы Клары Евгении, штатгальтера Испанских Нидерландов» (1609). Музей истории искусств, Вена Антонис Ван ДейкИменно на службе у Карла I Английского расцвела карьера Антониса ван Дейка, которого Рубенс назвал «лучшим из своих учеников» (хотя Ван Дейк начал работать с ним, будучи уже самостоятельным 19-летним мастером). Оба художника были не только сотрудниками, но и соперниками, в частности, в вопросах монаршей благосклонности. Собственно, Ван Дейку эрцгерцогиня Изабелла Клара Евгения пожаловала в 1630 году должность придворного живописца вместо Рубенса, который отсутствовал в стране в конце 1620-х. Впрочем, Ван Дейк недолго оставался с патронессой. Зимой 1631−1632 годов он переехал в Гаагу, где выполнил несколько заказов для принца Фредерика Хендрика Оранского, а также для «Зимних короля и королевы» — курфюрста Пфальцского Фридриха V и его жены Елизаветы Стюарт. Последняя приходилась старшей сестрой королю Карлу I, ко двору которого Ван Дейк отправился в 1632-м. Там художника ожидали исключительные почести: щедрое ежегодное пособие, комнаты во дворце, поместье на Темзе, посвящение в рыцари и дружба самого монарха, который приплывал на лодке, чтобы посмотреть, как работает его фаворит. Тем не менее, в 1634 году Ван Дейк оставил английский двор и вернулся в Антверпен и Брюссель. Мотивы его отъезда достоверно не известны, возможно, это были семейные обстоятельства или надежда честолюбивого мастера на смену политической обстановки после смерти эрцгерцогини Изабеллы. Впрочем, менее чем через год он вернулся в Англию, где умер от загадочной болезни в 1641-м — за семь с небольшим лет до казни своего короля. Ганс Гольбейн МладшийТак же, как Карл I обязан Антонису ван Дейку, ещё один одиозный английский король, Генрих VIII, во многом обязан другому иностранцу — Гансу Гольбейну Младшему. Без него Генрих VIII не был бы таким знаменитым или даже столь печально известным, а британское искусство определённо было бы более провинциальным. Возьмите портрет монарха, выполненный любым другим художником — и вы увидите обычного Тюдора. А у Гольбейна он становится Генрихом VIII — запоминающимся, осязаемым, самым известным королём в христианском мире. Как и его жёны, с которыми он вступал в брак, разводился и обезглавливал — большинство из них также были написаны Гольбейном. О жизни Гольбейна до приезда в Англию известно на удивление мало. Образ, который он создал для Генриха и его придворных, настолько силён, что у историков сложилась тенденция игнорировать остальную часть его карьеры. Однако Гольбейну было уже почти 30 лет, когда он впервые посетил Лондон как очень успешный религиозный художник, хотя написал очень мало портретов. Он был известен своими иллюстрациями к различным печатным религиозным текстам и работами для церквей и соборов. На службе у Генриха VIII Гольбейн создал настенную роспись во внутренних покоях короля в Уайтхолле. В 1538 — 1539 годах он неоднократно путешествовал на континент в составе брачных делегаций и изобразил потенциальных невест монарха — Кристину Датскую и Анну Клевскую. Говорят, что, увидев портрет последней, Генрих пришёл в восторг и решил жениться на девушке, однако встретив её в реальности, был обескуражен. Но Гольбейн не был наказан за монаршее разочарование. Вероятно, решение король принял всё же из политических соображений, а не потому, что соблазнился образом на картине. Лукас Кранах СтаршийЛукас Кранах Старший — соотечественник Гольбейна — стал придворным живописцем саксонского курфюрста Фридриха III Мудрого в 1505 году, в возрасте примерно 33-х лет. Эту должность он занимал до своей смерти и при следующих правителях — Иоганне Твёрдом и Иоганне Фридрихе Великодушном. В Виттенберге, где располагался двор, в его обязанности входило не только создание картин и гравюр, но также дизайн и выполнение декораций, надзор за ремесленниками, украшение свадеб, турниров и других придворных торжеств. Короче говоря, Кранах был ответственен почти за всю эстетическую атмосферу двора. Чтобы удовлетворить эти обширные запросы, он основал мастерскую. Первоначально она находилась в замке Виттенберга, а затем переехала в городские помещения. В 1508 году курфюрст пожаловал Кранаху дворянство и отправил его с дипломатической миссией ко двору Маргариты Австрийской, штатгальтера Испанских Нидерландов. Там художник познакомился с императором Священной Римской империи Максимилианом I. Несколько лет спустя тот поручил Кранаху вместе с Альбрехтом Дюрером проиллюстрировать свой молитвенник. Будучи не только художником, но и очень расчётливым предпринимателем, Кранах извлекал дополнительную коммерческую выгоду из своего положения. Например, он продавал двору вино собственного производства и бумагу, которую, вероятно, делали его ученики. На момент смерти его состояние составляло приблизительно 20 тысяч золотых. ![]() Портрет Иоганна Фридриха I, курфюрста Саксонии Лукас Кранах Старший • Живопись, 1530-е , 62.8×39.7 см Джотто ди БондонеБиографические детали основателя итальянской школы живописи и одного из крупнейших реформаторов в истории европейского искусства на удивление скудны. Служба королю Роберту Анжуйскому в Неаполе относится к малозначительным фактам позднего периода его жизни. Джотто был призван ко двору в 1328 году, после завершения полиптиха Барончелли, и оставался там с группой учеников до 1333 года. При этом король назвал его «первым придворным художником» и назначил ежегодную пенсию лишь в 1332-м — за год до того, как Джотто покинул Неаполь, чтобы стать главным архитектором Флоренции и «интендантом всех укреплений города». В Неаполе сохранилось несколько работ Джотто — фрагмент фрески «Оплакивание Христа» в церкви Санта-Кьяра и «Знаменитые мужья» на окнах часовни святой Варвары в Кастель-Нуово (их обычно приписывают ученикам). «Светские» картины, созданные в период пребывания при дворе короля Роберта, хотя и упоминаются у Джорджо Вазари, по-видимому, не сохранились. Ян ван ЭйкФламандец Ян ван Эйк служил при дворе герцога Баварии Иоганна III Безжалостного, после смерти которого протектором владений стал Бургундский герцог Филипп III Добрый. Новый правитель в 1425 году пригласил художника к своему двору и обеспечил ежегодным пожизненным жалованием (а после кончины Ван Эйка в 1441 году выплатил пенсию его вдове Маргарет). Мало того, когда в 1435-м финансовые советники не перечислили живописцу положенную сумму, герцог отправил им письмо с приказом немедленно исправиться, иначе «он сочтёт необходимым покинуть наше служение, что вызовет у нас большое недовольство, поскольку […] мы не найдём такого же превосходного в искусстве и науке». ![]() Ян ван Эйк, «Портрет мужчины в красном тюрбане (Автопортрет?)», ок. 1433 года. Национальная галерея, Лондон Саботаж герцогских финансистов можно объяснить: за несколько лет до того Филипп отменил придворные оклады, но оставил жалование Ван Эйку. Мало того, условия контракта предусматривали, что это плата не за выполненную работу, а за готовность служить каждый раз, когда к нему обращаются. А ещё герцог стал крёстным отцом ребёнка художника, отправив на церемонию своего представителя и шесть золотых кубков в подарок. Удивительно, что до наших дней не дошло ни одной работы, сделанной Яном ван Эйком для Филиппа Доброго. Нам известно, что художник ездил в Португалию в составе брачного посольства и написал портрет инфанты Изабеллы — будущей жены герцога. Есть упоминания о «композиции», которую Ван Эйк привёз Филиппу в Лилль в 1434 году, о неких «больших произведениях», а также о круговой карте мира, изготовленной для патрона. Но помимо этих ссылок, нет других документальных свидетельств о картинах, написанных по заказу герцога.Саботаж герцогских финансистов можно объяснить: за несколько лет до того Филипп отменил придворные оклады, но оставил жалование Ван Эйку. Мало того, условия контракта предусматривали, что это плата не за выполненную работу, а за готовность служить каждый раз, когда к нему обращаются. А ещё герцог стал крёстным отцом ребёнка художника, отправив на церемонию своего представителя и шесть золотых кубков в подарок. Удивительно, что до наших дней не дошло ни одной работы, сделанной Яном ван Эйком для Филиппа Доброго. Нам известно, что художник ездил в Португалию в составе брачного посольства и написал портрет инфанты Изабеллы — будущей жены герцога. Есть упоминания о «композиции», которую Ван Эйк привёз Филиппу в Лилль в 1434 году, о неких «больших произведениях», а также о круговой карте мира, изготовленной для патрона. Но помимо этих ссылок, нет других документальных свидетельств о картинах, написанных по заказу герцога. Аньоло БронзиноАньоло Бронзино, наиболее известный своими портретами в стиле маньеризма, служил придворным художником герцога Козимо I Медичи значительную часть своей карьеры и оказал влияние на развитие европейской придворной живописи. В своей отстранённой, безэмоциональной манере он добился признания, изображая реальные объекты, но оказался менее успешен как религиозный художник. Его тщательно скомпонованные работы сфокусированы на передаче не характера модели, а её социального положения и сдержанности. ![]() Аньоло Бронзино, «Портрет Козимо I Медичи в доспехах» (1541). Художественная галерея Нового Южного Уэльса, Сидней У Бронзино были близкие связи с Козимо и его супругой Элеонорой Толедской. Художник переехал ко двору Медичи в 1533 году — за шесть лет до их бракосочетания. Среди прочего он создал декорации для праздничного въезда 17-летней будущей герцогини во Флоренцию, оформил её личную часовню в Палаццо Веккьо сценами Сотворения мира и ликами святых, делал всё возможное, чтобы запечатлеть важные моменты жизни супруги своего патрона. Бронзино написал серию портретов Элеоноры, в том числе два — с сыновьями (и ни одного — с дочерьми). Хосе де РибераКогда Хосе де Рибера прибыл в Неаполь в 1616 году, это королевство было частью Испанской империи и управлялось испанскими вице-королями. Художник быстро смог привлечь внимание Педро Тельеса-Хирона, 3-го герцога Осуны, который занимал этот пост. Для него мастер выполнил четыре изображения святых в Коллегиате Осуны, а также большое «Распятие» для его жены Каталины. ![]() Хосе де Рибера, «Магдалена Вентура с мужем и сыном» (1631). Королевская академия изящных искусств Сан-Фернандо, Мадрид «Великий Педро», будучи одиозным правителем, в 1620 году был отозван из Неаполя на родину и заключён в тюрьму. Однако Рибера сохранил должность при его преемниках и, подобно Веласкесу в Мадриде, проживал во дворце наместника. В документах судебного дела, возбужденного в 1646 году, он упоминается как «испанец, из семьи Его Превосходительства (наместника), проживающий в королевском дворце». Венецианский консул Марканконио Падованино упомянул в одном из писем от 1631 года, что портрет «бородатой женщины» Магдалены Вентуры, гостившей у вице-короля герцога Алькала, был написан «в комнатах наместника». У женщины «полностью мужское лицо, с красивой чёрной бородой длиной более чем в ладонь», — пишет венецианец. Джошуа РейнольдсВ отличие от всех перечисленных выше художников, Джошуа Рейнольдс не был фаворитом при дворе. Он писал портреты короля Георга III и королевы Шарлотты лишь один раз — для первой выставки Королевской академии, прошедшей в Сомерсет-хаусе в 1780 году. Оба полотна до сих пор хранятся в академии. Несмотря на отсутствие официального статуса придворного художника, Рейнольдс был своего рода законодателем моды и арбитром элегантности при дворе. В своих изображениях представителей высшей аристократии, их жён и детей он умел передать портретное сходство и в то же время тонко польстить, идеализировать и возвысить модель. После учреждения Королевской академии и единогласного избрания Джошуа Рейнольдса её президентом, король Георг III посвятил его в рыцари. Жак-Луи ДавидО службе Жака-Луи Давида императору Наполеону биографы живописца упоминают с налётом презрительной иронии. Дескать, ещё недавно он всю свою бешеную энергию посвящал делу Революции, а теперь направил её на прославление «самодержца-самозванца», который назначил его «первым художником империи». Но Давид буквально боготворил своего патрона: «Какая же у него голова! Она настолько совершенна, что достойна сравнения с лучшими образцами античной скульптуры и живописи… Этот Бонапарт — мой Эрос!». Когда император заказал художнику конный портрет, выражающий «calme sur un cheval fougueux» («спокойствие на горячей лошади»), Давид взялся за это с энтузиазмом. В результате появилась картина «Наполеон на перевале Сен-Бернар» — вдохновляющий образ мгновенно узнаваемого и бесконечно воспроизводимого героя всех времён, которому покоряются и люди, и природа. Художник пренебрёг тем фактом, что Бонапарт на самом деле не руководил переходом войск через Альпы, а последовал за ними пару дней спустя по узкой тропе на спине мула. После поражения Наполеона при Ватерлоо и реставрации династии Бурбонов художник бежал в Бельгию, где скончался от инсульта в 1825 году, пережив своего кумира на три с лишним года. Франц Ксавер ВинтерхальтерПо популярности и востребованности при королевских дворах Европы Франца Винтерхальтера можно сравнить, пожалуй, только с Рубенсом и Ван Дейком. Трудно сказать, для кого из европейских монархов и дворов он не работал. Из-под его кисти вышла галерея портретов королевских семей Великобритании, Германии, Франции, Испании, России, Португалии, Бельгии и Мексики. Его работы нравились вельможам: Винтерхальтер умел польстить высокородным моделям, слегка приукрасить внешность и виртуозно выписать пышные модные платья, что особенно льстило дамам. Первым правителем, пригласившим Франца Ксавьера на должность придворного художника, стал Леопольд, великий герцог Баденский. После этого мастер служил королю Луи-Филиппу и императору Наполеону III. Он также был представлен английскому королевскому дому, для которого создал более 120 портретов. Источник: artchive.ru
|