30 современных художников, влияющих на мир искусства

Современное искусство отражает мир под множеством углов, у кого-то вызывая восхищение, а у кого-то недоумение. К категории современного искусства относят произведения, созданные в конце 20-го и в 21-м веке. Со временем те, кого мы называем современными художниками сегодня, оставят после себя прочное наследие, на которое мир искусства будет опираться.


30. ЛЮ СЯОДУН



Лю Сяодун (Liu Xiaodong) родился в 1963 в Китае. Он один из самых известных современных художников Китая. Покинул Цзиньчэн, чтобы заняться искусством в Пекине. Лю поступил в Центральную академию изящных искусств, где получил степень бакалавра, затем и магистра. Он до сих пор живёт в Пекине и в настоящее время является профессором.

Сяодун — фигуратор, пишущий на темы простых людей, работников секс-бизнеса и бездомных. Его современная живопись черпает вдохновение в своём окружении, но его работы часто изображают социальные проблемы, которые он подчеркивает в своих произведениях в таких местах, как Израиль-Палестина, Тибет и сельский Китай. Лю Сяодун создает чрезвычайно реалистичные работы, используя цвета для усиления эмоций.

Художник выставлялся на международном уровне и представлен рядом галерей.

29. ТАКАШИ МУРАКАМИ



Такаши Мураками (Takashi Murakami) родился в 1962 г. в Токио, Япония. Он был отмечен и, одновременно, раскритикован за его культурно насыщенный стиль современного искусства. Его критики утверждают, что он «распродает» искусство, применяя коммерческий подход к искусству и создавая стиль псевдо-японской поп-культуры.

Отталкиваясь от обзоров, Такаши Мураками становится знаковым вкладчиком в современное искусство с его придуманным стилем под названием «superflat», который является теорией, основанной на плоских, 2-D образах японского стиля манги и аниме. В 2002 году Такаши Мураками получил приглашение от Марка Джейкобса, дизайнера Louis Vuitton, для сотрудничества в 13-летнем проекте по воплощению стиля Мураками в фирменный бренд LV.

Мураками имеет обширную коллекцию современной живописи со средними ценами в 1,8 миллиона долларов за работу. Его рекордная картина продана на аукционе за 4,2 миллиона долларов, называется «Замок олова» (1998). Хотя искусство Такеши высоко ценится, среди его картин можно найти работы начального уровня, стоимостью в 30 000 долларов.

28. СЕСИЛИ БРАУН



Сесили Браун (Cecily Brown), родившаяся в 1969 г. в Лондоне — британский художник. Она создает яркие, атмосферные изображения и сравнивается с Виллемом де Кунингом и Фрэнсисом Бэконом. Работы Сесили Браун часто наполнены эротическими позициями и фрагментированными телами. Критики смешаны во мнениях о ее работе, но она, безусловно, присутствует на арт-рынке. Аукционный рекорд в 2,2 миллиона долларов.

27. JR



JR родился в 1983 г. во Франции. JR art — это мятежная фотография с неподтвержденной личностью, который постоянно рискует, чтобы поделиться своими фотографиями. Художник признан за свои потрясающие портреты и уличное искусство.

В 2011 году JR получил премию Теда (награда для творческих и смелых, желающих изменить мир) и основал проект Inside Out. Премия присудила ему 100 000 долларов США в поддержку его проекта, и JR продал еще 6 фотографий за 850 000 долларов США, чтобы выделить больше средств для помощи начинающим местным художникам. JR продолжает вдохновлять и превосходить всех в своей области. У него невероятный уровень продаж, почти 80%, что приносит ему около 600 000 долларов в год.

26. АНИШ КАПУР



Аниш Капур (Anish Kapoor) родился в 1955 г., в Бомбее, Индия. Он популярный современный британо-индийский художник, известный своими абстрактными скульптурами и картинами, которые не один раз приносили ему престижные награды. Капур был удостоен премии Тернера (1991), он получил звание кавалера Ордена Британской империи (2003) и рыцаря (2013) за его вклад в изобразительное искусство. В дополнение к известным общественным скульптурам, Аниша Капура также создал множество экзотических пластин.

Творения Аниша Капура бросают вызов границам пространства и доводят ограничения архитектуры до невообразимых крайностей. Цена работ Аниша Капура колеблется от нескольких тысяч долларов до миллионов. Многие из скульптур Аниша Капура "Без названия" были проданы на аукционе в среднем за 1,4 миллиона долларов.

В целом, чистая стоимость работ Капура оценивается в 180 миллионов долларов, что поместило его на 832-е место из 1000 самых богатых художников 2016 года.

25. МИКЕЛЬ БАРСЕЛО



Микель Барсело (Miquel Barcelo) родился в 1957 г. в Испании. Он художник с экспериментальным подходом к живописи. Независимо от того, что он использует в текущей картине — отбеливатель, органические вещества или даже живых насекомых, творчество Микеля Барсело - исследование поведения света и естественного ландшафта.

«Мне нравится изобретать новые методы, я думаю, что это часть моей работы, изобретать технику — подходящую для всего. Я родился в Испании, учился в Школе декоративных искусств в Пальма-де-Майорке и в Школе изящных искусств в Барселоне».

Работы Микеля Барсело охватывают широкий спектр, включая картины, керамику и инсталляции. В 2011 году художник выставил свою скульптуру «Большой слон» (2008) на нью-йоркской Юнион-сквер.

В настоящее время живет и работает между Парижем, Франция, и Майоркой, работы художника хранятся в частных коллекциях всего мира.

24. НДЖИДЕКА АКУНИЛИ КРОСБИ



Нджидека Акунили Кросби (Njideka Akunyili Crosby) родилась в Нигерии, училась в колледже Свартмор в США, где изучала биологию и студийное искусство, после окончания Йельского университета получила степень магистра.

Акунили Кросби исследует культурную гибридность через множество отсылок к творчеству различных художников. Нджидека создает современные картины о себе, своей семье и друзьях.

23. ЛО ЧЖУНЛИ



Ло Чжунли (Luo Zhongli) — художник, известный своими портретами рабочих из сельских районов своей страны.
Родился в 1948 году, Китае, учился в Сычуаньском институте изобразительных искусств. Затем отправился в Бельгию, где получил степень магистра в Королевской академии изящных искусств в Антверпене. Его работы были выставлены в городах по всему миру. В настоящее время художник живет в Китае. Его картины хранятся в коллекциях Национального художественного музея Китая в Пекине, Шанхайского художественного музея и Сингапурского художественного музея.

Его знаменитая работа — «Отец» (1980) — портрет морщинистого пожилого мужчины.

22. ЛЮ ВЭЙ



Лю Вэй (Liu Wei) родился в 1965 г. в Китае. В настоящее время живет и работает в Пекине, Китай. Художник исследует социально-политические тенденции 21-го века, такие как противоречия современного общества, трансформацию развивающихся городов и изменение городского ландшафта.

Лю Вэй использует использует в своих произведениях архитектурные формы, отображая городскую атмосферу. Художник окончил Национальную академию изящных искусств, Ханчжоу, Китай в 1996 году.

21. ШОН СКАЛЛИ



Шон Скалли (Sean Scully) — американский художник. Родился 30 июня 1945 года в Ирландии. Он уехал в Лондон, чтобы изучать искусство в Центральной школе искусств и Кройдонском колледже искусств. В 1972 году получил степень бакалавра в Университете Ньюкасла.

Он известен всему миру своими абстрактными картинами, состоящими из множества слоев и чередующихся цветных квадратов или полос. Работы Шона связаны с конкретными воспоминаниями о местах и событиях.

«Из моей студии, к югу от Мюнхена, я часто езжу на машине в Венецию. И по дороге собираю впечатления от этих поездок, которые потом оформляю в студии. Я часто рисую воспоминания о Венеции в своих произведениях.

Скалли уехал в Соединенные Штаты в 1975 году. Он живет и работает между Нью-Йорком, Барселоной и Мюнхеном. Его работы хранятся в коллекциях галереи Тейт в Лондоне, Музея современного искусства в Нью-Йорке, Национального музея королевы Софии в Мадриде и Центра искусств Уокера в Миннеаполисе.

20. ДЖОРДЖ КОНДО



Джордж Кондо (George Condo) родился в 1957 году. Работа Джорджа Кондо наполнена персонажами. У его персонажей выпученные глаза, выпуклые щеки. Опираясь на самых разнообразных мастеров современной живописи — таких как Пабло Пикассо, Диего Веласкес, Анри Матисс и Сай Твомбли — Кондо впитывает художественно-исторические источники. Джордж Кондо создает изобразительный язык. Некоторые говорят, что язык характерен для него, другие не согласны.

Джордж Кондо называет свой сюрреалистический стиль «психологическим кубизмом».

Он эксплуатирует человеческие недостатки или невидимые аспекты человеческого существа. В абстрактных работах Джорджа Кондо, таких как «Внутреннее пространство» (2005), исследуются самые далекие крайности человеческой психики.

19. ЧЖОУ ЧУНЯ



Чжоу Чуня (Zhou Chunya) родился в 1955 году в Чунцине, Китай. В 1982 году поступил в Сычуаньскую Академию изящных искусств, затем учился в МИД Кассельской Академии изящных искусств в Германии.

"За границей я принял западные методы современной живописи и был вдохновлен немецким экспрессионизмом."
Он использует его вместе с традиционными китайскими техниками каллиграфии. Чжоу Чуня — художник, известный своей серией картин «Зеленая собака», где он изображает ярко-зеленую немецкую овчарку в различных позах и условиях. Его серия пейзажей №5 выглядит почти абстрактно. Мазки напоминают древние китайские пейзажи.

Сегодня работы Чжоу Чуни можно найти в коллекциях All Show Art Center и Центра современного искусства Tang в Пекине. В настоящее время Чжоу Чуня живет и работает в Чэнду, Китай.

18. ЧЖАН СЯОГАН



Чжан Сяоган (Zhang Xiaogang) родился в 1958 году в Куньмине, Китай. Поступил в сычуаньскую Академию Изящных Искусств в Чунцине.

Временами он был вынужден работать на стройке и на других работах, вместо того чтобы изучать живопись, как намеревался. Поэтому Чжан впал в глубокую депрессию, подпитываемую алкоголизмом, что, в конечном итоге, привело к его госпитализации в 1984 году. Сейчас он живет и работает в Пекине. Чжан Сяоган — выдающийся представитель современного китайского Авангарда. Его сюрреалистические портреты выполнены в гладкой масляной технике.

Работы поддерживают формальную и жестко поставленную эстетику. Чжан сосредоточен на последствиях культурной революции, значении семьи, истории и традициях Китая. Сяоган был вдохновлен на создание своей серии «Bloodlines», когда обнаружил старый альбом своей семьи. Серия «Bloodlines» — это работа, которая принесла ему много наград.

Чжан был выставлен в галерее Pace в Нью-Йорке, Венецианской биеннале 1995 года и художественном музее Тэгу.

17. АЛЬБЕРТ ОЛЕН



Альберт Элен (Albert Oehlen) родился 17 сентября 1954 года в Крефельде, Германия. Поступил в Колледж изящных искусств, где в 1978 году получил высшее образование. Свою первую персональную выставку он провёл в 1981 году в «Galerie Max Hetzler» в Берлине. С 2000 по 2009 год Альберт Элен работал профессором в «Kunstakademie Dusseldorf».

Альберт Элен — влиятельный современный художник. Он работает в различных техниках и стилях. Его интерес — исследование среды как жанра. Альберт прошел путь от абстракции до реализма, часто создавая пародии или имитации традиционных моделей живописи. Серия «Bad Paintings», замечательная работа включает в себя портрет Адольфа Гитлера 1986 года. «Albert Oehlen Computer Paintings» занимается исследованием абстрактных образов, полученных с ноутбука. Он живет и работает в Бюлене, Швейцария.

Работы Элен находятся в коллекциях Музея современного искусства в Нью-Йорке, Музея современного искусства в Страсбурге и Музея искусств Кливленда.

16. МАРК БРЭДФОРД



Марк Брэдфорд (Mark Bradford) родился в Лос-Анджелесе в 1961 году. В 1997 году поступил в Калифорнийский институт искусств, после окончании которого получил степень магистра.

Его работа показывает злодеяния и борьбу рас и бедности. Марк Брэдфорд — современный афро-американский художник. Он работает в широком диапазоне концептуальных практик. Марк Брэдфорд создает мультимедийные абстрактные картины. Художник изображает раскопки эмоциональной и политической местности. «Я сосредотачиваюсь на деталях, которые указывают на большую вещь». В 2017 году Марк Брэдфорд представлял павильон Соединенных Штатов на Венецианской биеннале со своей работой «Завтра другой день»». Он живет и работает в Лос-Анджелесе, штат Калифорния.

Сегодня работы художника хранятся в музее Хиршхорна и в Саду скульптур в Вашингтоне, округ Колумбия, в Музее современного искусства в Нью-Йорке, в галерее Тейт в Лондоне и в Центре искусств Уокера в Миннеаполисе.

15. ДЖОН КЕРРИН



Джон Керрин (John Currin) родился в 1962 году в Боулдере, Колорадо. Вырос и учился в Коннектикуте. Получив степень бакалавра искусств в Университете Карнеги-Меллона в 1984 году, Джон Керрин отправился учиться в Йельскую школу искусств. Он принимал участие в выставках в штаб-квартире «Sadie Coles» в Лондоне и в галерее «Gagosian» в Нью-Йорке. Джон Керрин живет и работает в Нью-Йорке, штат Нью-Йорк. Его жена иногда служит моделью для его картин.

Джон Керрин считается одним из самых влиятельных художников, работающих сегодня. Он сочетает в себе приемы художников Северного Возрождения. «У меня сатирическое отношение к своему предмету». Художник создает произведения с богатой историей искусства и китчем, как это видно из его картины «День благодарения» 2003 года.

Сегодня работы художника хранятся в коллекциях галереи Тейт в Лондоне, Музея современного искусства в Нью-Йорке и Центра искусств Уокера в Миннеаполисе.

14. ДЖЕФФ КУНС



Джеффа Кунс (Jeff Koons) родился в 1955 г. в США. Его работы стали заметны в начале 1980-х годов. Он известен своими очень популярными скульптурами, изображающими животных и и других существ. Джефф Кунс освещает художественные сцены своими умными творениями, используя нержавеющую сталь, отполированную до зеркального блеска. Скульптуры Джеффа Кунса называют тревожными, ошеломляющими и сложными, но всегда внушающими иллюзию безупречного совершенства.

«Balloon Dog» (Orange) Джеффа Кунса (Orange), оцененный от 35 до 55 миллионов долларов, был продан участнику тендера по телефону за неожиданные 58 миллионов долларов в 2013 году. Это стало одним из самых продаваемых произведений живого художника. Джефф Кунс также сотрудничал с «Louis Vuitton», в результате цены на аксессуары, созданные при его помощи, варьируются от 585 долларов за брелок до 4000 долларов за сумочку. Оценка Джеффа Кунса была определена рейтингом «Wealth X» в 2008 году в более чем 100 миллионов долларов.

13. ТОМАС ШЮТТЕ



Томас Шютте (Thomas Schutte) родился 16 ноября 1954 года в Ольденбурге, Германия. Учился в Кунстакадеме в Дюссельдорфе у Бенджамина Бухло и Герхарда Рихтера. Художник живет и работает в Дюссельдорфе, Германия.

С 1998 по 2000 год Томас Шютте работал в Центре искусств Диа в Нью-Йорке. Он работает в различных техниках, печатью, акварелью и инсталляцией. Скульптуры Томаса Шютте варьируются от миниатюр до масштабных работ. Работы часто вызывают у публики беспокойство или дискомфорт. Его проект «Schutte» возглавил серию архитектурных проэктов, среди которых модель для отеля (2003), которая заняла четвертый постамент на Трафальгарской площади Лондона в 2007 году. Среди его наград - Золотой лев на Венецианской биеннале 2005 года и Дюссельдорфская премия 2010 года.

Работы художника хранятся в коллекциях «Tate Modern» в Лондоне, Музее современного искусства в Нью-Йорке и Институте искусств Чикаго.

12. ЦЗЭН ФАНЖИ



Цзэн Фанжи (Zeng Fanzhi) родился в 1964 году в Ухане, Китай. Пошел учиться в Академию художеств Хубэй.

У него появился интерес к живописи немецких экспрессионистов. Пережив культурную революцию, Цзэн Фанжи часто фокусируется на этом опыте в своей работе. Цзэн живет и работает в Пекине, Китай. Современный художник критически исследует меняющееся лицо современной китайской культуры. Его знаковая картина Тяньаньмэнь (2004) является тому доказательством.

Цзэн Фаньжи был предметом большой ретроспективы в Музее современного искусства в Париже в 2013-2014 годах. В 2009 году он представлял Китай на Венецианской биеннале 2009 года. Художник изображает человеческие лица с яркой и живой кистью. Иногда его работы граничат с абстракцией. Цзэн Фанчжи будет часто изображать своих персонажей, увиденными сквозь густые заросли ветвей, толпящихся и затемняющих полотно хаотичным и стилизованным вуалью.

Его картина «Серия масок» 1996 № 6 (1996) побила рекорды аукциона в 2008 году и стала самой кассовой работой современного азиатского художника.

11. КРИСТОФЕР ВУЛ



Кристофер Вул (Christopher Wool) родился 16 сентября 1955 года в Бостоне, штат Массачусетс. Поступил в колледж Сары Лоуренс и учился в Нью-Йоркской студийной школе.

Кристофер ввёл граффити в свою работу. Так же Вул подключил к своему творчеству шелкографию и малярные валики. Его работы были выставлены во многих галереях по всему миру, в том числе в Музее современного искусства в Лос-Анджелесе, в музее «Gesellschaft fur Moderne Kunst am Ludwig» в Кельне и в музее Гуггенхайма в Нью-Йорке.

Кристофер Вул в настоящее время живет и работает между Марфой, штат Техас, и Нью-Йорком, со своей женой художницей Шарлин фон Хейл. Художник создает контраст в своих работах с помощью жирных трафаретных текстов или абстрактных мазков и белого фона.

10. ДЭМИЕН ХЕРСТ



Дэмиен Херст (Damien Hirst) родился в 1965 г. в Великобритании. Играет заметную роль на сцене современного искусства с 1990-х годов. Картины и скульптуры Дэмиена Херста известны как неясные интерпретации реальности с одержимостью смертью.

В 2008 году Дэмиен Херст сделал один из самых знаковых шагов для сольного художника, создав целую галерею для «Beautiful Inside My Head Forever». В конце своего шоу на Sotheby’s Дэмиен Херст выставил на аукцион ряд картин на 198 миллионов долларов, став одним из самых богатых художников современности. В целом, Дэмиен Херст занял 422-е место в списке 1000 самых богатых людей в 2016 году благодаря капиталу в 362 миллиона долларов.

Несмотря на заявление Дэмиена Херста о славе и непомерных ценах, ему несколько раз предъявляли иск за плагиат. Тем не менее, эти судебные процессы не помешали Херсту продолжать расширять свои доходы от современного искусства до колоссальных размеров.

9. АНСЕЛЬМ КИФЕР



Ансельм Кифер (Anselm Kiefer) — немецкий художник и скульптор. Родился в 1945 г. в Германии. Учился на протяжении всех 1970-х годов.

Его работы включают в себя микс-медиа. Ансельм Кифер разработал темы для своих картин на основе немецкой истории и ужасов Холокоста, а также духовных концепций каббалы. Ансельм спорит с прошлым и рассматривает спорные вопросы истории, например, период нацистского правления. Его работы отражают готовность противостоять темному прошлому его культуры и ее нереализованному потенциалу. Работы художника имеют подписи и / или имена людей, имующих историческое значение, легендарных деятелей или исторических мест. Ансельм Кифер стремится показать прошлое, будучи связанным с движениями Нового Символизма и Неоэкспрессионизма.

8. АЙ ВЭЙВЭЙ



Ай Вэйвэй (Ai Weiwei) родился в 1957 г. в Китае. Известен своими мощными современными картинами, которые отражают человеческую борьбу как в политическом, так и в культурном плане. Ай Вэйвэй был признан на международном уровне как политический активист и открыто относится к правительству Китая.

В 2017 году Ай Вэйвэй воссоздал популярный образ утопающего сирийского беженца. Это побудило некоторых считать Ай Вейвея сторонником бесчеловечности, в то время как другие утверждают, что он постыдно извлекает выгоду из человеческих страданий. Хотя Ай Вэйвэй подвергается жесткой критике, он продолжает очаровывать мир своими невероятными, культурно-жестокими работами. Две из его наиболее известных скульптур — это «Круг животных», «Зодиакальные головы», проданные с коллекцией золота на аукционах за 4,4 миллиона долларов и бронзовой коллекцией за 5,4 миллиона долларов. Другие произведения современного дизайна, созданные Ай Вейвеем, включают вазу «Coca-Cola» (665 000 долларов на аукционе), велосипеды «Forever» (730 000 долларов на аукционе) и цветные вазы (735 296 долларов на аукционе).

7. ЁШИТОМО НАР



Он известен своими картинами детей и животных. Его картины кажутся одновременно милыми и зловещими, как видно из работы «Не беспокоить!» 1996года. Ёшитомо Нар находился под влиянием массовой культуры как в восточного, так и в западного обществ. Его разностороннее искусство освещает темы изоляции, протеста и духовности с помощью гравюр, живописи, скульптуры, керамики и всевозможных инсталляций.

Некоторые люди неверно истолковывают произведения Ёшитомо Нар как мангу, ссылаясь на образы, которые обычно присутствуют на его картинах. Ёшитомо Нар говорит, что не многие люди видят духовную сторону его работы. Он заявляет, что его творчество наполнено религиозными и философскими категориями.

Работы художника хранятся в коллекциях Чикагского художественного института, Национального музея искусств в Осаке и коллекции семьи Рубелл в Майами.

6. РИЧАРД ПРИНС



Ричард Принс (Richard Prince) родился 6 августа 1949 года в зоне Панамского канала. Переехал в Нью-Йорк в 1973 году. В настоящее время Принс живет и работает в северной части штата Нью-Йорк.

Ричард Принс известен необычным использованием художественных образов. Художник черпает идеи из рекламы, развлечений и контента социальных сетей. Он исследует идеи подлинности и уникальности. Спорная практика Ричарда Принса вызывает дискуссии об авторском праве, интеллектуальной собственности и воровстве в мире искусства.

На Принса оказал влияние Виллем де Кунинг в его технике живописи. Он фотографировал рекламные страницы, выявлял типологии и повторяющиеся архетипы. Его серия «Ковбои» (1980–1992, продолжается) была снята с рекламы сигарет Marlboro. В 2014 году художник вновь доказал свою способность вызывать споры. Серия «Новые портреты» Ричарда Принса состояла из взорванных скриншотов, сделанных из селфи, опубликованных юношами и девушками в социальных сетях.

Его работы хранятся в коллекциях Музея современного искусства в Нью-Йорке, Чикагского художественного института, коллекции Гетца в Мюнхене и Музея Виктории и Альберта в Лондоне.

5. ГЕОРГЕ ВИРТОСУ



Георгий Виртосу (Gheorghe Virtosu) родился в 1968 году в Кишиневе, Молдова. Он считается одним из самых влиятельных современных художников. Учился в Санкт-Петербургской Академии художеств, однако бросил ее для учебы в Академии государственной безопасности. Оставив военную карьеру в 1992 году, он отправился в Лондон, где получил британское гражданство.

Особый интерес Георгий проявляет к абстрактной живописи и письму. В настоящее время Виртосу живет и работает в Лондоне, Амстердаме, Люксембурге.

Художник пишет, ориентируясь на свой опыт и знания, переводя социальные явления и персонажей в абстрактные.

Он разработал свой собственный стиль, и доказательством тому является серия иконописи «Пророки Мухаммеда» (2016). Художник был центром большой ретроспективы в Музее современного искусства в Париже в 2016-2017 годах. В 2017 году он представлял Великобританию на Венецианской биеннале. Художник освоил абстракцию, однако не отрицает реализм в своей живописи.

Его картина Фатима Бинт Мухаммед (2016) побила рекорды в 2017 году и стала самой кассовой работой современного британского художника. Картины Виртосу продаются в 39 странах, и есть в частных коллекциях Дмитрия Рыболовлева и Салмана бин Абдулазиза.

4. ПИТЕР ДОИГ



Питер Доиг (Peter Doig) родился 17 апреля 1959 года в Эдинбурге, Великобритания. Переехал в Лондон в 1979 году, чтобы учиться в Уимблдонской школе искусств. Вскоре Питер получил степень магистра в колледже искусств и дизайна в Челси. С 2002 года Доиг живет в Тринидаде.

Сегодня его работы хранятся в коллекциях Чикагского института искусств, Национальной галереи искусств в Вашингтоне, округ Колумбия, в галерее Тейт в Лондоне и в коллекции Гетца в Мюнхене.

Питер Доиг известен как один из самых представительных художников на сегодняшний день. Его творчество знаменито живописными абстракциями с характерными композициями. Работы Питера Доига очень разные, это и небольшие этюды и крупные, универсально значимые картины.

3. РУДОЛЬФ СТИНГЕЛЬ



Рудольф Стингель (Rudolf Stingel) родился в 1956 году в Мерано, Италия. В настоящее время Стингель живет и работает в Нью-Йорке.

Он известен с конца 1980-х годов благодаря своей серебряной живописи, в которой смешивает серебро с различными основными цветами. В 1990 году Рудольф Стингель начал художественные эксперименты между живописью и ощущением пространства. Он создал серию инсталляций, которые покрывали стены и полы художественными коврами.

Рудольф Стингель использует в своём творчестве такие материалы, как резина, текстиль, окрашенный алюминий и краски. Художник подвергает сомнению и разрушает понимание зрителем традиционного художественного произведения. В своих работах он часто размышляют над фундаментальными вопросами относительно живописи: таких, как роль подлинности и контекста в современном искусстве.

Рудольф Стингель принимал участие в Венецианских биеннале в 1999, 2003 и 2013 годах и был предметом ретроспективы в середине карьеры в Музее современного искусства.

2. МАРК ГРОТЯН



Марк Гротян (Mark Grotjahn) — американский художник. Родился в 1968 году в Пасадене, штат Калифорния, затем поступил в Колорадский университет в Боулдере, а затем получил степень магистра искусств в Калифорнийском университете в Беркли.

Художник известен своими абстрактными картинами. Творчество Марка Гротяна отображает исчезающую точку зрения. Он использует её как катализатор для создания выразительных и ярких картин. Марк также известен своими скульптурами в маске. Он работает с бронзовыми листами и картонными коробками. В 2008 году у него была единственная выставка «Танцующие черные бабочки» в Гагосянской галерее в Нью-Йорке. Гротян живет и работает в Лос-Анджелесе, штат Калифорния.

Его работы хранятся в коллекциях Музея Молота в Лос-Анджелесе, Музея современного искусства в Нью-Йорке, Музея Стеделийк в Амстердаме.

1. ФРЭНК СТЕЛЛА



Фрэнк Стелла (Frank Stella) родился 12 мая 1936 года в Малдене, штат Массачусетс. Стелла поступил в Принстонский университет, а в 1958 году переехал в Нью-Йорк. Он находился под влиянием абстрактного экспрессионизма. Черную живопись Стеллы вдохновило творчество Джаспера Джонса 1958-1960 годов.

Художник известен своими геометрическими узорами и формами при создании картин и скульптур. Работы Фрэнка изображают типичные свойства формы, цвета и композиции. Абстракция не должна быть ограничена видом прямолинейной геометрии или даже простой геометрией кривой. В них может быть геометрия, которая оказала бы повествовательное влияние, как работы Виртосу, рассказывающие историю с формами. Художник утверждает, что это не будет буквальная история, но формы и взаимодействие форм и цветов дадут вам ощущение повествования.

В течение следующих десятилетий Фрэнк Стелла завоевал популярность в мире искусства. В 1970 году он стал самым молодым художником, когда-либо проводившим персональную выставку в Музее Современного Искусства.
Фрэнк Стелла живет и работает в Нью-Йорке, Нью-Йорк.

Его работы хранятся в коллекциях Метрополитен-музея в Нью-Йорке, художественного музея Базеля, художественного института Чикаго.
Источник: bit.ly
Поделись
с друзьями!
242
13
27
1 месяц

Еда как вдохновение: топ-10 натюрмортов в истории живописи

Праздность и гедонизм, хлеб насущный и пир горой, накрытые столы, рынки и завтраки. Тема еды в живописи всегда была одной из самых актуальных.

Питер Артсен «Сцена на рынке», 1569 © Hallwyl Museum, Stockholm

Питер Артсен «Сцена на рынке», 1569


В XVI веке, придя на смену религиозным сюжетам, в жанровую живописи Нидерланд пришла еда — на столе, на рынке, на кухне. Питер Артсен, вошедший в историю мировой живописи как один из основоположников этого жанра, стал бытописателем повседневной жизни простолюдинов, крестьян, слуг, торговцев. Из картины в картину зритель попадает то в «Мясную лавку» (1551) или на «Обильную кухню» (1570), где столы ломятся от огромных окороков и рыбин, разделанных туш, коровьих голов и колбас, монументальных сырных голов и пирамид из овощей и фруктов; то на «Крестьянский праздник» (1951), где танцуют «Яичный танец» (1552), полный скрытых символов и смыслов; то в «Блинную» (1960) или к «Кухарке» (1559), осанкой, статью и взглядом похожую на императрицу и нанизывающую на вертел туши с видом величественным и грозным.

Рынок, со всеми его персонажами — продавщицей с овощами, торговцем дичью, мясником — отдельная тема Артсена, позволяющая бесконечное количество раз обыгрывать любимые сюжеты и сцены. Во всех его лавках и рынках всевозможная снедь занимает большую часть пространства и «играет» главную партию, в то время как человеческие персонажи отходят на второй план.

Флорис Ван Дейк «Натюрморт с сырами», 1615


Флорис Ван Дейк «Натюрморт с сырами», 1615 © Rijksmuseum, Amsterdam

«Breakfast piece», так называется тип натюрморта, зародившегося в 1610 году в Харлеме и Антверпене. Флорис Ван Дейк был одним из первых, кто начал рисовать эти «части завтрака», столы, сервированные на одного человека, при этом еда на них столь обильна, что ею вполне можно было накормить большую компанию: пирамида из сырных голов возвышается в центре стола, накрытого восточной скатертью; рядом стоят корзины с фруктами и хлебами, тарелки с маслинами и орехами, кувшин и бокалы с вином. Иллюзия реальности поразительна; недаром в XVII веке Теодор Шревелиус писал: «Это Флорис ван Дейк, который может заманить и поймать страстных женщин и даже птиц своей художественной кистью».

Франс Снейдерс «Фруктовая лавка», между 1618-1621

Франс Снейдерс «Фруктовая лавка», между 1618-1621 © Государственный Эрмитаж

«Фруктовая лавка» входит в серию из четырех картин фламандского художника, знаменитого своими потрясающе изобильными натюрмортами: «Лавка дичи», «Овощная лавка» и «Рыбная лавка». Фламандский натюрморт — это праздник жизни, торжество природы. В своих натюрмортах Снейдерс не только воспевал изобильную природу, но и зашифровывал в них разные смыслы. В «Фруктовой лавке» все имеет свое символическое значение: и знатная дама, выбирающая персики, и лающая у ее ног собачка, и обезьянка, опрокидывающая корзину с фруктами. И конечно, невозможно оторвать взгляд от массивного деревянного прилавка, ломящегося от корзин со всеми мыслимыми фруктами. Кажется, все, что растет и плодоносит, есть во «Фруктовой лавке»: виноград и смоква, гранаты и апельсины, лимоны и сливы, черешня и груши, персики, яблоки и ежевика. «Полная драгоценных яств кладовая», — так называл картины Снейдерса Левинсон-Лессинг.

Джузеппе Арчимбольдо «Лето», 1573


Джузеппе Арчимбольдо «Лето», 1573 © Musée du Louvre, Paris

Итальянский живописец, декоратор, маньерист, Джузеппе Арчимбольдо был одним из самых замечательных насмешников своего времени. Он создавал портреты, но так, как прежде никто не делал. Его портреты смело можно назвать и натюрмортами, ведь «лица» на них собраны, наподобие мозаики, из фруктов, овощей, птичьих перьев, рыбьих плавников, грибов и травы. Люди эпохи Возрождения любили головоломки, загадки и всевозможные странности, так что Арчимбольдо не был более странным, а просто потакал вкусам своего времени.

«Лето» — одна из четыре картин цикла «Времена года», символизирующая этапы человеческой жизни: юность, молодость, зрелость и старость. Юность жизни у Арчимбольдо состоит из сочных и спелых фруктов, овощей и ягод — айвы, персиков, вишни, винограда, малины и ежевики, огурца, помидора и баклажана, в обрамлении колосьев пшеницы.

При жизни Арчимбольдо бы невероятно популярен, но после смерти на долгие годы впал в забвение. Интерес к его творчеству снова появился в 30-е годы ХХ века и уже не ослабевал. Картины Джузеппе Арчимбольдо можно найти музеях Вены, Инсбрука, Мадрида, в парижском Лувре и Галерее Уффици, в Швеции и США.

Жан Батист Симеон Шарден «Натюрморт с фарфоровым кувшином, гранатом и виноградом», 1763


Жан Батист Симеон Шарден «Натюрморт с фарфоровым кувшином, гранатом и виноградом», 1763 © Musée du Louvre, Paris

В эпоху, когда французская живопись была известна своим величием и декоративными украшениями, натюрморты и жанровые сцены Жана-Батиста-Симеона Шардена удивляли своей простотой и скромностью. А еще они всегда были почти математически выверены: все предметы на картинах аккуратно и тщательно расставлены, нет ни одной небрежной детали. Но несмотря на непритязательность, натюрморты Шардена очаровательны. «Кто-то пишет красками, а кто-то — чувством». Эти слова художника о живописи в самой большой степени относятся к его картинам.
Мир домашних, обжитых вещей под кистью художника оживает, показывая зрителю повседневную жизнь парижан третьего сословия. За мизансценой — кувшин с вином, два бокала, фрукты — угадывается часть этой повседневности, с укладом, традициями, событиями, которые можно проживать вдвоем. «Манера Шардена своеобразна. У нее есть общее с наброском, о котором вблизи не знаешь, что это такое; по мере удаления вещь оформляется, и, наконец становится самой природой», — так говорил о живописи Шардена Дени Дидро.

Иван Хруцкий «Грибы, рыба и овощи», 1838


Иван Хруцкий «Грибы, рыба и овощи», 1838 © Киевский национальный музей русского искусства

Иван Фомич Хруцкий, русский живописец второй половины XIX века, наиболее известен в отечественном искусстве как мастер «цветов и плодов», иными словами, как создатель чудесных натюрмортов. В них — связь с художественными традициями, а также «живописная тщательность» кисти, вызывавшая ассоциации с картинами старых мастеров. «Грибы, рыба и овощи» по настроению, цветовому решению и стилю максимально близки к голландскому натюрморту XVII века.

Предметный мир натюрмортов Хруцкого лишен особого символического значения, но говорит о многом. Незатейливая кухонная утварь, овощи и грибы, ягоды и фрукты показывают жизнь в небольшом сельском поместье второй трети XIX столетия, все напоминает о летнем приволье и домашнем уюте.

Глядя на «Грибы, рыба и овощи», можно почти физически ощутить свойства каждого из изображенных предметов: шершавость лукошка, замшевую мягкость грибных шляпок, прохладный бок рыбины и гладкость медного блюда. Можно даже почувствовать запах леса, еловой хвои, реки, жизни рядом с природой, в гармонии с ней.

Пьер Огюст Ренуар «Лук», 1881


Пьер Огюст Ренуар «Лук», 1881 © Институт искусств Стерлинга и Франсин Кларк, Williamstown

Натюрморт в творчестве импрессионистов занимал не главную роль, но, тем не менее, встречается почти у всех художников этого направления. Ренуар — не исключение, за жизнь он написал 1880 натюрмортов!

Фруктово-овощные миксы Ренуара не всегда реалистичны с точки зрения гастрономической совместимости, но всегда восхитительны по цвету, свету и «вкусу». Он писал натюрморты сразу по окончании очередного портрета, чтобы отдохнуть и перезагрузиться, отчасти поэтому все они такие очаровательные и легкие. Натюрморт «Лук» прост и аскетичен. Шесть луковиц и две головки чеснока выписаны мастерски, текстура всех предметов выписана виртуозно, круглые луковые бока кажутся лакированными. Несмотря на простоту, в натюрморте ощущается жар и яркость Средиземноморья — картина была написана Ренуаров во время путешествия по Италии.

Борис Кустодиев «Купчиха за чаем», 1918


Борис Кустодиев «Купчиха за чаем», 1918 © Государственный Русский музей

Трудно представить, что душевное и колористически щедрое, светоносное искусство Кустодиева сохранило свои удивительные качества даже в ту пору, когда болезнь лишила его возможности двигаться. Но художника, по его же словам, спасала «чудесная страна воспоминаний» — сюжеты и люди уже ушедшей, но не утратившей свой терпкий аромат жизни. «Купчиха за чаем», написанная Кустодиевым в голодном Петрограде 1918 года — замечательный и характерный пример такого образного воспоминания о пышных красавицах, о теплых лазоревых вечерах, о ритуалах торжественных чаепитий, о жизни такой прекрасной в ее неторопливости и размеренности.

В этом натюрморте Кустодиева всего в избытке, всего вдосталь, но эта избыточность не кажется вульгарной. Мраморные плечи дородной купчихи, огромный сверкающим самовар, очевидно пышущий жаром, истекающий сахарным соком арбуз соседствует на столе с выпечкой и фруктами, кот, ластящийся к хозяйке, — это не лубок, а воплощенная на холсте мечта. Мечта о жизни, которая могла бы быть такой.

Кузьма Петров-Водкин «Утренний натюрморт», 1918


Кузьма Петров-Водкин «Утренний натюрморт», 1918 © Государственный Русский музей

Предметный мир натюрмортов Петрова-Водкина, как некая внутренняя вселенная, очень точно показывает настроение окружающего мира. Глядя на неодушевленные предметы, лежащие на столе (единственным «живым» персонажем картины является собака, но ее замечаешь в последнюю очередь), сразу чувствуешь настроение этого утра. Кажется, за столом кто-то только что сидел и отошел на минуту, оставил недопитый стакан с чаем, не притронулся к еде. Впереди целый летний день, в котором, возможно, будет небольшое путешествие, может быть даже приключение — на столе мы видим фонарик и спички. Верный пес не отходит от стола, в ожидании хозяина и, возможно, какого-то лакомства.

Возможно, за границами этого идиллического фрагмента, находится что-то более суровое, не видимое нам, и можно бесконечно фантазировать на тему предполагаемых событий этого летнего дня, очевидно лишь то, как мастерски Петров-Водкин простым языком вещей смог рассказать жизнь, со всеми ее радостями и тревогами.

Зинаида Серебрякова «На кухне. Портрет Кати», 1923


Зинаида Серебрякова «На кухне. Портрет Кати», 1923 © Музей изобразительных искусств, Нижний Тагил

Зинаида Серебрякова — одна из первых и наиболее любимых публикой в России профессиональных художниц, мирискусница «новой волны». В своем творчестве она создала множество обаятельных и милых женских и детских образов, много рисовала мужа, себя, детей, передавая атмосферу своего дома и теплоту домашней обстановки. Почти все семейные портреты представлены как жанровые сцены, в которых большую роль играет натюрморт. «На кухне» — не исключение.

Самое сложное в детском портрете — не скатиться в кукольность и сентиментальность. Серебряковой удалось избежать этого, дети на ее картинах не играют какую-то определенную роль, навязанную взрослыми, а живут своей важной жизнью, в которой множество разных серьезных и интересны дел. Именно так изображена на картине и младшая дочь художницы, Катя. Привычный быт здесь возведен в ранг красоты и гармонии, все настолько пронизано любовью и теплом, что даже рыбины на переднем плане не кажутся холодными. То, с какой почти идеализированной реалистичностью выписаны все детали натюрморта, говорит нам: в домашнем, семейном кругу не бывает неважных мелочей, все значимо и ценно.
Источник: magazineart.art
Поделись
с друзьями!
484
1
2
2 месяца

25 выдающихся картин художников-маринистов

Мы собрали для вас восхитительные пейзажи с изображением морской стихии. Здесь представлены великие и современные художники-маринисты разных направлений живописи, а также представители цифрового искусства.

Что мы подразумеваем под словом “лучшие”? В этом списке оказались морские пейзажи великих художников и молодых авторов, жемчужины современного и классического искусства. Мы отобрали масляные полотна из богатейших арт-галерей и новые работы, популярные в сети. Так или иначе, этими шедеврами искренне восхищаются, мечтая украсить свой дом “портретами” водной стихии. Какое произведение придется по вкусу именно вам?


1. Иван Айвазовский, “Девятый вал”



Айвазовский и море неразрывно связаны друг с другом. Великий русский маринист посвятил водной стихии всю жизнь, создав несколько сотен произведений с изображением моря и кораблей. “Девятый вал”, пожалуй, самая известная из его работ. Полотно иллюстрирует горстку людей, потерпевших кораблекрушение и выживших после жуткого шторма. В произведении чувствуется тревога, но теплый солнечный свет олицетворяет надежду и указывает путь к спасению.
2. Л. А. Афремов, “Касание горизонта”


Афремова сложно назвать типичным маринистом. Известный художник, скорее, заядлый импрессионист, которому близка морская тематика. Его работы наполнены красками и выполнены в уникальной манере, выделяющей руку мастера среди прочих.

3. Клод Жозеф Верне, “Кораблекрушение во время шторма”



Верне — мастер эпических полотен. Французский живописец прославился как автор грандиозных картин с изображением шторма. Бушующее море приводило в восторг аристократов XVIII века, которые охотно украшали работами Верне свои дворцы и поместья по всей Европе.

4. Зарина Форман, “Гренландия”



“Гренландия” — это целая серия картин, созданных талантливой художницей из Австралии. Её картины в жанре гиперреализм посвящены единственному герою — воде. Стихия на полотнах Зарины настолько реалистична и холодна, что по коже пробегают мурашки.

5. Бато Дугаржапов, “Ласпи”



Если будете рассматривать полотно Бато Джулиатова вблизи, совершенно ничего не поймете. Но стоит отойти на несколько шагов, как перед взором откроется великолепный пейзаж. Сверкающее море, освещенное солнцем, словно оживает и разливается яркими красками.

6. Эдвард Брайен Сигоу, “Баржи на тихой воде”



Работа талантливого импрессиониста родом из Англии. Сигоу учился мастерству художника сам, не посещая модных школ и частных репетиторов. Тем не менее, талант привел живописца к успеху и признанию Британского Королевского Дома. Сегодня Эдварда Сигоу называют одним из крупнейших импрессионистов-пейзажистов последнего времени.

7. Кацусика Хокусай, “Большая волна в Канагаве”



Картины Кацусики Хокусая — гордость японской культуры. Художника считают самым известным и любимым на Западе гравером из страны восходящего солнца. Картина “Большая волна в Канагаве” выполнена в стиле Укиё-э и является частью серии морских пейзажей “Тридцать шесть видов Фудзи”.

8. Поль Синьяк, “Сен-Тропе после шторма”



Эта картина — жемчужина коллекции музея Аннонсиад в Сен-Тропе. Художник был заядлым путешественником и любил ходить под парусом в поисках вдохновения и подходящих ландшафтов. Здесь Синьяк часто экспериментировал, комбинируя масляные краски с акварелью, что давало интересный результат.

9. Клод Лоррен, “Высадка царицы Савской”



Пейзаж как самостоятельный жанр стал развиваться только в XVII веке. До этого морскую гладь или бушующие волны никогда не ставили в центр сюжета. Художник писал пейзаж только в привязке к какому-нибудь историческому, религиозному или мифологическому событию. Знаменитое произведение Клода Лоррена не оказалось исключением.

10. Клод Моне, “Впечатление. Восход солнца”



Картина, изображающая порт Гавр, является знаковой в истории искусства. Именно эта работа и множество последующих творений Клода Моне положили начало эпохе импрессионизма.

11. Рембрандт, “Шторм на Галилейском озере”



Рембранта нельзя отнести к маринистам, поскольку это единственное полотно художника, на котором изображен морской пейзаж. Но именно из-за этого факта произведение так выделяется на фоне остальных. Кроме того, полотно прославилось своим бесследным исчезновением — шедевр был украден в 1990 году, его местоположение до сих пор неизвестно.

12. Аркадий Рылов, “В голубом просторе”



Птицы у воды — настоящая “фишка” знаменитого русского художника. Мастер был предан своей страсти и писал при любых обстоятельствах. Полотно с лебедями, например, было создано в жутких условиях ледяного Петрограда. Автор вспоминал, что в его самоваре замерзала вода, а сам художник был вынужден спать под двумя одеялами и шубой.

13. Алексей Боголюбов, “Афонское сражение 9 июня 1807 года”



Десятки полотен с изображением парусников вышли из-под руки Боголюбова. Сегодня величественные покорители моря с иллюстрации Афонского сражения выставлены в военно-морском музее. Это не только прекрасное произведение искусства, но и памятник истории.

14. Каналетто, “Вид мола от Бачино ди Сан-Марко”



Перенесемся в Италию, где писал свои великолепные пейзажи художник Каналетто, он же Джованни Антонио Каналь. Глава венецианской школы ведутистов писал искусные городские пейзажи, но поскольку водоемы — неотъемлемая часть Венеции, марина часто присутствует в его работах.

15. Уильям Тернер, “Последний рейс корабля «Отважный»”



Сложно выбрать что-то одно из портфолио Тернера, поскольку каждое его полотно гениально. Но это, пожалуй, одна из самых известных работ живописца. Картина изображает паровой буксир, который тянет боевой корабль английского флота из последнего рейса на разборку в доки.

16. Ван Гог, “Вид моря близ Ле Сент-Мари-де-ла-Мер”



Не вспомнить великого Ван Гога в этом ТОПе было бы преступлением. Художник написал эту картину на юге Франции, когда отправился в маленький рыбацкий городок поправить здоровье у моря. Живописец называл Средиземное море переменчивым, по цвету похожим на макрель: в один момент оно синее, в другой — фиолетовое или зеленое.

17. Марек Ланговский, “К шторму”



Марек Ланговский — всемирно известный маринист родом из Польши. Он прославился не только морскими, но и городскими и природными пейзажами. Импрессионист до сих пор создает свои шедевры, параллельно занимаясь искусством фото.

18. Артем Чебоха, цифровой маринизм



Современное искусство живет не только благодаря краскам и кисти, но и магии Photoshop. Пиксельные труды молодого художника сложно отличить от традиционной живописи. Его фантастические сюжеты настолько реалистичны, что оживают в нашем воображении.

19. Дехонг Хе, цифровой маринизм



Иллюстратор из Сингапура прославился невероятными работами в цифровом формате. Море Дехонг Хе величественно и волшебно! Картина заставляет восхищаться и одновременно страшиться могущества стихии.

20. М. А. Алисов, “Морской пейзаж”



Искусный маринист считается лучшим учеником Ивана Айвазовского. Алисов написал множество работ, посвященных морю. Сейчас его картины выставляются в лучших художественных музеях Украины.

21. Георгий Дмитриев, “Маяк и солнце”



Георгий Дмитриев — современный маринист, влюбленный в море. Волна Дмитриева достойна восхищения, поскольку выполнена в лучших традициях Айвазовского. Живое и дышащее море художника всегда находится в движении, словно вот-вот выйдет за пределы холста.

22. Алексей Адамов, “У причала”



Еще один современный русский маринист, заслуживший любовь искусствоведов. Его пейзажи можно увидеть на престижных выставках России и США, а репродукции полотен неизменно пользуются популярностью у дизайнеров.

23. Том Нельсен, “Изумрудный прибой”



Возможно ли поверить, что это не настоящие волны? Потрясающая работа кисти современного мариниста. Американский художник создаёт настоящие шедевры в жанре морского пейзажа. В своем мастерстве Тому Нельсену сложно отыскать равных.

24. Илья Репин, “Какой простор”



Картина знаменитого русского классика вызвала бурю негодования среди его современников. Работу критиковали из-за несвойственного кисти Репина легкомысленного и эмоционального сюжета. Нотки импрессионизма, которые чувствуются в произведении, наталкивали на мысль о потокании западным течениям. Но Репин не хотел никому подражать или вкладывать в полотно особый подтекст. Он просто увидел пару студентов, которых застигла непогода у моря. Душа художника запела при виде чудесной сцены, поэтому он не задумываясь увековечил её на холсте.

25. Тим Томпсон, “Парус”



Произведения английского мариниста легко узнать по строгим геометрическим формам парусников, развивающимся над морскими просторами. На полотнах живописца можно встретить и корабли XIX века, и современные яхты.

Морской пейзаж целиком заслуживает выделения в отдельный жанр. Изображение водной стихии требует особого мастерства и страсти, оно подчиняется собственным законам. Картины маринистов с кораблями и берегами далеких городов будоражат воображение.

Море — это символ путешествий, бесконечности, свободы. Если всё это вам по душе, значит, маринисты корпели над холстами не зря. Кроме того, морские пейзажи передают определенное настроение: корабль посреди бури — величие и тревога, лодка на тихой водной глади — безмятежность и покой, игривые волны с разноцветными переливами — радость к жизни. Как и человек, море может быть разным!
Поделись
с друзьями!
770
2
17
3 месяца

Привычки известных художников. От странных - до пугающих

То, что гении — люди сложные, истина, не требующая доказательств. Мы уже привыкли к стереотипному образу художника — бунтаря и гуляки, который не прочь злоупотребить алкоголем или наркотиками, а также не слишком разборчив в любовных делах. Однако помимо «традиционных» пристрастий, в копилке деятелей искусства можно найти немало действительно странных и не самых приятных причуд, которые раскрывают их личности с неожиданной стороны. О том, кто из знаменитых живописцев не соблюдал элементарные правила гигиены, кто третировал близких и жестоко обращался с животными, а кто и вовсе страдал синдромом Плюшкина, — в материале искусствоведа Елизаветы Климовой.


Проблемы с гигиеной


Проблемы с гигиеной у творческих людей не такая уж редкость, часто их условия труда лишены привычного комфорта, да и сам образ жизни не способствует какому-либо режиму. Охваченные вдохновением, они порой забывают поесть и поспать, куда уж тут до банных процедур. Однако нечистоплотность некоторых художников поражала даже их биографов.

Например, великий гений эпохи Ренессанса Микеланджело Буонарроти не просто пренебрегал мытьем — он спал, не снимая одежды и сапог.

Кстати, жил он довольно аскетично, и это при весьма впечатляющих заработках. А еще художник почти не пил вина, что по тем времена было подлинной редкостью. Всему причиной являлся безмерный трудоголизм Микеланджело, впрочем, как и распространенные предрассудки. В XVI веке отношение к мытью действительно было неоднозначным — бытовало мнение, что через открытые поры может проникнуть всякая зараза, а бушующие каждое десятилетие эпидемии еще больше утверждали людей в их страхах. Как бы то ни было, Микеланджело при таком режиме прожил долгих 89 лет, хотя и заработал себе репутацию не слишком приятного человека. И, возможно, не только из-за неуживчивого характера.

Винсент Ван Гог во многом походил на ренессансного мастера — и талантом, и характером, и жуткой неряшливостью. В бытность проповедником в шахтерском поселке в Бельгии он нарочно отказался от всех удобств, буквально ведя жизнь библейского отшельника. Вот как описывает этот факт его биограф Анри Перрюшо:

«Перед жителями Вама он предстал совершенно опрятным — таким, каким может быть только голландец, в приличном костюме. Но уже на другой день все переменилось. Обойдя дома Вама, Винсент раздал беднякам всю свою одежду и деньги. Отныне он будет делить свою жизнь с нищими, жить для нищих, среди нищих, как велел своим последователям Христос. И Винсент облачился в старую военную куртку, скроил себе обмотки из мешковины, нахлобучил на голову кожаную шахтерскую фуражку и обул деревянные башмаки. Мало того, движимый сладостной потребностью в самоуничижении, он вымазал себе руки и лицо сажей, чтобы внешне ничем не отличаться от углекопов».

Ван Гог ограничивал себя и в питании, что привело к печальным последствиям: будучи еще совсем молодым, художник потерял половину зубов, из-за чего никогда не улыбался на автопортретах. Не слишком хорошо на здоровье влияла и зависимость от курения: часто находясь в затруднительном финансовом положении и экономя на продуктах, Винсент глушил чувство голода табаком.

Винсент Ван Гог, «Автопортрет с отрезанным ухом и трубкой», 1889 год

Неряхами с полной уверенностью можно назвать и молодых авангардистов, обитавших в легендарном фаланстере «Бато-Лавуар» («Плавучая прачечная»). К сожалению, условия жизни в мастерских на Монмартре не способствовали заботе о себе: в фаланстере отсутствовали какие-либо удобства, кроме единственного туалета на целый этаж. Жан-Поль Креспель так описывает знаменитую «Плавучую прачечную»:

«Надо признать, что даже для самых молодых художников условия жизни на площади Равиньян становились большим испытанием: ни газа, ни электричества, ни водопровода. Единственный кран располагался на втором этаже, и по утрам там выстраивалась очередь желающих наполнить кувшины для умывания».

Французский писатель Пьер Мак-Орлан, вспоминая о годах, проведенных на Монмартре, говорил: «Какая может быть поэзия в неотапливаемой комнате, где вся обстановка — грубо сколоченный стол, стул и матрас?!» Однако даже в таких условиях находились те, кто был буквально помешан на чистоте, — итало-еврейский художник Амедео Модильяни вошел в историю не только как дебошир и непризнанный гений, но и как человек с лоханью, которую он неизменно перевозил с собой в каждое новое жилище. Вот что пишет о Модильяни автор книги «Повседневная жизнь Монмартра во времена Пикассо» Жан-Поль Креспель:

«Он выглядел невероятно красиво в бархатном костюме бежевого цвета, с перламутровым от бесконечных стирок оттенком, в ежедневно стиравшейся голубой рубахе — Модильяни отличался мнительной чистоплотностью — и с небрежно повязанным шейным платком».

Амедео Модильяни в своей мастерской на улице Коленкур. Монмартр, Париж, около 1918 года. Фото: Reproduction Bruno Descout / Centre Pompidou

Отношение к животным


Любовь к животным делает любого человека гораздо более привлекательным в наших глазах. Примеры гуманного отношения к братьям нашим меньшим можно встретить среди библейских образов — от Франциска Ассизского, проповедующего птицам, до святого Иеронима, вытащившего занозу из лапы льва. Даже в далеком XV веке, когда и человеческая жизнь не имела такой уж большой ценности, находились зоозащитники: например, существует гипотеза, что Леонардо да Винчи был вегетарианцем.

Сано ди Пьетро, «История святого Иеронима и льва» (фрагмент), XV век

Животных, особенно птиц, любил пейзажист Архип Куинджи. Его ученик Николай Рерих вспоминал:

«Мощный Куинджи был не только великим художником, но также был великим учителем жизни. Его частная жизнь была необычна, уединенна, и только ближайшие его ученики знали глубину души его. Ровно в полдень он всходил на крышу дома своего, и как только гремела полуденная крепостная пушка, тысячи птиц собирались вокруг него. Он кормил их из своих рук, этих бесчисленных друзей своих: голубей, воробьев, ворон, галок, ласточек… Казалось, все птицы столицы слетались к нему и покрывали его плечи, руки и голову. Он говорил мне: „Подойди ближе, я скажу им, чтобы они не боялись тебя“. Незабываемо было зрелище этого седого и улыбающегося человека, покрытого щебечущими пташками! Оно останется среди самых дорогих воспоминаний».

Иван Владимиров, «На крыше. А.И. Куинджи кормит голубей», 1910 год

Мексиканская художница Фрида Кало и вовсе подменяла любовью к многочисленным зверушками, жившим в ее саду, нереализованное материнство. Фрида была владелицей не только собак, попугаев и обезьянок, но и олененка по кличке Гранисо, который изображен на некоторых ее картинах.

Фрида и Гранисо. Фотограф: Николас Мюрей. 1939 год

Удивительно, но даже Пабло Пикассо при своей репутации довольно жестокого человека слыл любителем животных. Жан-Поль Креспель, описывая скромное жилище художника на Монмартре, подмечает:

«Из мебели — только колченогий стул, к которому была привязана Фрика, помесь сторожевой овчарки и бретонского спаниеля. В одном из ящиков стола Пикассо поместил белую мышку, ее отвратительный запах перебивал даже запах псины и скипидара. Пикассо, обожавший животных, в разное время держал здесь трех сиамских котов, черепаху и мартышку».

Эта привязанность к разнообразным представителям фауны сохранится у художника на всю жизнь: разбогатев, он также будет держать дома собак, кошек, птиц и даже козу.

Лидер английских прерафаэлитов Данте Габриэль Россетти организовал целый зоопарк в своем доме на Чейни-уок. Автор книги «Завтрак у Sotheby’s» Филип Хук пишет:

«За домом располагался большой заросший сад с настоящим зверинцем, в котором преобладали экзотические животные: кенгуру, валлаби, хамелеон, саламандры и вомбаты, броненосец, сурок-байбак, сурок лесной североамериканский, олень, осел, енот, а еще китайские голуби, попугаи и павлины. Павлины поднимали в саду столь невыносимый шум, что компания по продаже и аренде недвижимости „Кэдоген эстейт“, которой и сейчас принадлежит значительная часть домов в Челси, с тех пор запретила держать их и в качестве особого условия внесла этот пункт во все договоры аренды».

Любимцами Россетти были вомбаты, одного из них он назвал Топом в честь своего коллеги Уильяма Морриса по прозвищу Топси и изобразил вместе с музой и любовницей, а также по совместительству женой Морриса — Джейн Бёрден.

Данте Габриэль Россетти, «Миссис Моррис с нимбом, ведущая на поводке вомбата по облачному дну небес», 1869 год

Россетти даже посвящал любимому вомбату стихи:

Oh! How the family affections combat
Within this heart; and each hour flings a bomb at
My burning soul; neither from owl nor from bat
Can peace be gained, until I clasp my wombat!

(Любовь на части сердце рвет, затеяв жаркий бой.
Не может быть обещан мир ни мышью, ни совой.
И будет до тех пор душа огнем объята,
Пока я не прижму к груди любимого вомбата!)

Однако судьба Топа сложилась не самым счастливым образом: Россетти совсем не следил за его питанием, бедное животное ело что попало, включая окурки сигар. Через несколько месяцев у вомбата начала выпадать шерсть, потом он ослеп и скончался.

Куда хуже приходилось питомцам эксцентричного сюрреалиста Сальвадора Дали. Испанский художник не отличался эмпатией по отношению к людям, что уж говорить о братьях наших меньших. Например, чтобы снять знаменитую фотографию Dali Atomicus, ассистенты фотографа Филиппа Халсмана в течение шести часов подбрасывали 28 кошек и обливали их водой. Что чувствовали при этом кошки — ни Дали, ни Халсмана не волновало.

Филипп Халсман и Сальвадор Дали, Dali Atomicus, 1948 год. © Philippe Halsman | Magnum Photos

Еще Дали любил разгуливать с муравьедом на поводке, однако завести собственного так и не решился — поэтому брал напрокат в зоопарке. На телешоу Дика Каветта 1970 года видно, как он совершенно бездумно швыряет и тянет несчастное животное, не представляя, как с ним обращаться. Главное для испанского художника было произвести впечатление — чем скандальнее, тем лучше.

И всё же питомец у сюрреалиста был — оцелот Бабу. Правда, заботился о нем помощник Дали — Джон Питер Мур.

Вряд ли жизнь оцелота была похожа на сказку: Дали таскал его с собой как экзотический аксессуар, зачем-то поил розовым шампанским и кормил вредными деликатесами, да и на фотографиях видно, что художник даже держать оцелота толком не умеет.

Друг Дали, актер Карлос Лосано писал в мемуарах:

«Я видел улыбку оцелота только один раз, в тот день, когда он сбежал и заставил гостей в „Мерисе“ носиться, как крысы в поисках укрытия».

Дали и Бабу, 1965 год. Фотограф: Роджер Хиггинс

Коллега Дали по сюрреализму Рене Магритт в юности вообще отличался живодерством: переживая самоубийство матери, он охотился на соседских котов, душил их и подвешивал на двери хозяевам. Об этом упоминается в документальном фильме режиссера Майкла Бёрка «Магритт. Человек в шляпе».

Повзрослев и женившись, бельгийский художник завел себе питомца — померанского шпица Лулу, который сопровождал его даже на выставках. Магритты всегда селились на первом этаже, чтобы у собаки был доступ к саду. Однажды Рене Магритт отказался идти в музей, объявив жене:

«Моя собака Лулу не желает смотреть эту выставку. Мы с ней подождем вас в кафе, попивая яичный ликер».

После смерти из Лулу сделали чучело, которое художник держал у себя дома.

Рене Магритт с женой Жоржеттой Бергер. © Hulton Archive / Getty Images

Семейный деспотизм


Однако не только животные становились жертвами скверных причуд известных художников, бывало, что доставалось и их домочадцам.

Милейший в жизни Огюст Ренуар дома вел себя довольно авторитарно — например, запретил состригать сыну Жану золотистые локоны, которые очень любил писать. И это несмотря на то, что мальчишку жестоко дразнили сверстники.

Еще у Ренуара был свой собственный подход к организации семейного быта. Жан Ренуар вспоминал, что отец признавал лишь свежие и экологически чистые продукты, выступал за грудное вскармливание и считал, что малышей нужно окружать только светлыми и радостными вещами, а детские спальни отапливать дровами и освещать восковыми свечами или масляными лампами, мягкий свет которых не так вреден для глаз. Писатель Жан-Поль Креспель в книге «Повседневная жизнь импрессионистов. 1863–1883» подробно перечисляет домашние требования и запреты Ренуара:

«Овощи следовало варить, используя в качестве топлива древесный уголь, а готовить все блюда желательно в котелках и глиняных горшках. Сливочное масло покупалось только большими кусками, а не пластинками. Маргарин был с позором изгнан, равно как и соусы, заправленные мукой. Мясо запекалось на вертеле в духовке. Хлеб следовало отламывать, а не резать кусками, фрукты очищали от кожуры только серебряными ножами. Вместо хлопчатобумажного белья — льняное; нельзя было пользоваться центральным отоплением и надевать чехлы на кресла, пользоваться мебелью с инкрустацией или бронзовыми украшениями, никелированными и резиновыми изделиями… Ренуар вынес обвинительный приговор фигуркам из каррарского мрамора, изделиям из саксонского фарфора, наручным часам из стали (допускались только золотые и серебряные), очкам с дымчатыми стеклами и духам. Одеколон применяли только для растираний рукавицей из конского волоса».

Анри Матисс не уступал своему коллеге в семейном деспотизме: например, детям, коих у художника было трое, строго запрещались любые разговоры за столом, чтобы не отвлекать отца от раздумий — вдруг какая-нибудь гениальная идея в голову придет. Так что обедать семейству Матисса приходилось в гробовой тишине.

Синдром Плюшкина и страсть к коллекционированию


Несносным характером Пикассо уже вряд ли кого удивишь — его внучка Марина оставила пронзительную и полную обид биографию, где раскрывает личность деда далеко не с лучшей стороны. Например, он заставлял своих внуков называть себя «мэтр» и принимал их только по предварительной договоренности. Однако у великого художника были и гораздо более странные привычки и фобии.

Пикассо маниакально боялся болезней и смерти, так что даже когда его собственные дети от Франсуазы Жило заболели, он не удосужился вызвать им врача.
При этом художник искренне верил в разные приметы и скрупулезно их соблюдал. В браке с балериной Ольгой Хохловой он усвоил еще и русские суеверия.

Но самой странной привычкой Пикассо была его одержимая привязанность к прошлому. Выражалось это в том числе в нежелании выбрасывать старую одежду. В автобиографии «Моя жизнь с Пикассо» Жило подробно описывает, как ей не раз доставалось за то, что она пыталась избавиться от костюмов с дырками или на худой конец отдать их кому-нибудь из прислуги, — Пикассо буквально впадал в бешенство.

«В конце концов, мне пришлось сжигать изношенную, траченную молью одежду Пабло. Чувствовала я себя при этом почти как Ландрю или месье Верду, сжигающий трупы своих жен. Потом мне приходилось рыться в золе, чтобы достать пуговицы, которые могли уцелеть и выдать меня», — писала Жило.

Пабло Пикассо, Франсуаза Жило и их дети Клод и Палома в саду Ла Голуаз. Валлорис, 1953 год. Фотограф: Эдвард Куинн

Кстати, со своим искусством Пабло тоже расставался с трудом. Он складировал картины в мастерской, пока она не заполнялась сверху донизу, после чего ему приходилось снимать новое помещение, где ситуация повторялась. После смерти художника осталось такое количество его работ, что никто не понимал, что с ними делать дальше.Поклонником вещизма был король поп-арта Энди Уорхол. Его дом был буквально забит всякой всячиной. Дорогой антиквариат соседствовал с безвкусными безделушками, не имевшими никакой ценности, а на полу в спальне валялись настоящие бриллианты. И среди всего этого разнообразия отдельное место занимали работы самого Энди. После смерти художника его душеприказчик Фред Хьюз провел полную инвентаризацию имущества и устроил грандиозную распродажу.

автор: искусствовед Елизавета Климова
Источник: knife.media
Поделись
с друзьями!
560
4
9
3 месяца

В здоровом теле. Полнота в искусстве - от древних времен до наших дней

На протяжении существования человечества стандарты красоты непрерывно менялись, что находило отражение в изобразительном искусстве. А на них, в свою очередь, влияли самые разные факторы — начиная от доступности пищи и заканчивая религиозными догматами. Разбираемся, кто, когда и почему живописал людей «в теле».

Тамара Лемпицка. Розовая туника. 1927

Эволюция Венеры


Один из наиболее древних памятников телесности — статуэтка, обнаруженная археологами в Австрии больше ста лет назад, которая получила название Венеры Виллендорфской: ее возраст составляет около 30 тысяч лет. Для людей палеолита наиболее важными частями женского тела были те, которые гарантировали успешное размножение — полная грудь и широкий таз. Поэтому статуэтки этого периода, найденные в разных регионах, нередко обладают этими признаками. Они символизировали плодородие и выступали в качестве своеобразного оберега, защищавшего племя от вымирания.

Венера Виллендорфская. Известняк. 29-е тысячелетие до н.э. Музей естествознания. Вена, Австрия. Источник: itinari.com

С расцветом религии и философии в древнеримской и древнегреческой культурах наступил затяжной период культа атлетического телосложения. Это было связано с одной стороны с верой в то, что божества имеют человеческий облик, поэтому их тела должны быть безупречны с точки зрения пропорций. С другой стороны, сыграли роль убеждения древних философов о том, что увлечение едой и другими чувственными удовольствиями свидетельствует о болезни и неподобающем поведении. Обычно толстый персонаж в греческих комедиях Аристофана и других авторов был пьяницей, обжорой или бездельником. Хотя по современным меркам древнегреческие Венеры все еще достаточно полнотелые.

Венера Милосская Шедевры неизвестных художников

Если греки стремились уменьшить удовольствие от еды, христиане предпочитали полностью его подавить. Некоторые богословы Средневековья считали, что прием пищи отвлекает от религиозных занятий: озабоченность едой рассматривалась как путь, ведущий к худшим грехам — похоти и лени.

Брак в Кане. Сцены из жизни Христа Джотто ди Бондоне 1306, 185×200 см

Поэтому в средневековом искусстве долгое время отдавалось предпочтение не тронутым печатью порока худым телам. Естественно, кроме случаев, когда на картине изображались реальные личности с присущими им особенностями телосложения. Либо напротив — герои мифов или сказок, обладавшие характерными чертами внешности.

Портрет Маддалены Дони, урожд. Строцци Рафаэль Санти 1506, 63×45 см

Первый значительный прорыв в живописании полновесных персонажей произошел в период Высокого Возрождения. Повышенный интерес к античной культуре и подражание древнегреческому культу тела привел к появлению большого количества картин с прекрасной Венерой, которую традиционно изображали с ярко выраженными женственными формами — округлыми плечами и полными бедрами.

Венера, Церера и Юнона Джованни да Удине • Фреска, 1517

Тело как улика


Строго говоря, у средневековых художников было не так уж много поводов рисовать полных моделей. Долгие европейские зимы, быстро истощавшие запасы еды, регулярные эпидемии чумы и другие болезни не оставляли шансов среднестатистическому гражданину для набора лишнего веса. Неограниченный доступ к пище долгое время оставался недостижимой мечтой.

Страна лентяев Питер Брейгель Старший 1567, 51.5×78.3 см

Ситуация начала меняться с открытием Американского континента и внедрением в Европе таких высококалорийных и неприхотливых культур, как картофель и кукуруза. К концу 16 века также значительно ослабло давление религиозных догм и церковь начала терять безусловный авторитет в социальной и государственной жизни европейцев. Появление на картинах обнаженных персонажей стало все больше распространенным явлением, а их полнота превратилась в синоним благополучия и сытой жизни.

В начале 17-го столетия Амстердам обогнал Антверпен в статусе крупнейшего международного порта на севере Европы, а также ее главного банковского центра. Возможно, именно с этим фактором связан расцвет в Голландской республике живописи, свидетельствующей об уменьшении перебоев с полноценным питанием. Больше других прославился на этом поприще, конечно, Рубенс. Именно его творчество приводят в пример в первую очередь, когда говорят о «бодипозитиве» в классическом искусстве.

Туалет Венеры Питер Пауль Рубенс 1615, 137×111 см

Но не только изображение женского тела в его естественной форме получило индульгенцию в это время. В 1620-х годах сразу несколько европейских художников написали картины с участием Силена — древнегреческого бога, воспитавшего покровителя виноделия Диониса. Его традиционно изображали вечно веселым и пьяным, с плотно набитым закусками выдающимся животом.

Пьяный Силен Хосе де Рибера • Гравюра, 1628, 35×27.6 см

Если персонажи Рубенса пышут жизнелюбием и красотой, то у его соотечественника Рембрандта полные могут быть и бедными, и больными, и некрасивыми, что подчеркивает доступность пищи в изобилии для всех категорий населения.

Сидящая обнаженная Рембрандт Харменс ван Рейн 1631, 17.6×16 см

Одновременно с тем, как росло благосостояние среднего европейца, постепенно люди в теле становились героями картин все большего числа художников. Среди импрессионистов они встречаются у Ренуара, Дега и прочих.
Эдгар Дега. Женщина, в

После купания Пьер Огюст Ренуар • Живопись, 1900

На протяжении долгого времени крупное телосложение не было чем-то знаковым или символичным в искусстве и рассматривалось всего лишь как часть отображения действительности.

В течение около четырех столетий, примерно между 1500 и 1900 годами, солидный вес и объем тела, как для мужчин, так и для женщин, считался привлекательным. В зависимости от страны и века этот стандарт несколько варьировался, но в целом считалось не только красивым, но и естественным выглядеть полным.

Купчиха, пьющая чай Борис Михайлович Кустодиев • Живопись, 1923, 81×99 см

Женщина в красном фартуке Филипп Андреевич Малявин • Живопись, 1900-е

Тело как протест


Когда доступность еды окончательно перестала быть показателем статуса в индустриальном обществе, постепенно начал формироваться новый идеал красоты — стройное и подтянутое тело. Лишь некоторые редкие художники 20-го века исследовали на своих картинах телесность во всех ее проявлениях, а современники часто находили их картины вызывающими и даже отвратительными.

Сидящая обнаженная с рубашкой Амедео Модильяни 1917, 92×67.5 см

Британский художник Люсьен Фрейд писал обнаженных людей обоего пола любой комплекции, словно изучая все вариации физического проявления человека. Но одними из самых знаменитых его работ стали картины, для которых ему позировала социальная работница Сью Тилли весом 127 кг. Полотна с «Большой Сью» бьют рекорды на аукционах: «Социальная смотрительница спит II» (1995) в 2015 году продана на Christie’s за 56,1 млн долларов.

Социальный смотритель спит Люсьен Фрейд 1995, 219×314.2 см

Некоторые современные художники сделали изображение полных людей своим фирменным стилем или частью идеологии. Французская художница и скульптор Ники де Сен-Фалль, выступавшая против стереотипных представлений о роли женщины в обществе, одной из форм протеста выбрала создание в 1960-х годах серии скульптур под общим названием «Нана». Масштабные фигуры из стеклопластика, ярко расписанные акриловыми красками, изображали полную жизнерадостную женщину в различных танцевальных и акробатических позах.

Нана Ники де Сен Фалль XX век

Фернандо Ботеро, один из наиболее известных современных художников Латинской Америки, пишет исключительно полных людей и зверей. Однако он утверждает, что его персонажи не толстые, а «объемные». «Я не рисую полных женщин. Никто не верит мне, но это правда. То, что я рисую — объемно. Когда я пишу натюрморт, я также делаю его объемным. То же самое касается животных и пейзажей, — говорит он. — Кого бы я ни писал — женщину, мужчину, собаку или лошадь, — я всегда делаю это с идеей объема, а не потому, что одержим толстяками».

Семейная сцена Фернандо Ботеро • Живопись, 1969, 210×194.5 см

К концу прошлого века индустрия моды довела стремление показывать на подиумах и обложках журналов исключительно экстремально худых моделей до такого абсурда, что маятник неминуемо качнулся в обратную сторону. Все больше и больше людей стало заявлять о своем праве не вписываться в узкие модельные рамки. Но еще в 1994 году, когда в лондонской галерее Саатчи впервые показали триптих «Стратегия» британской художницы Дженни Сэвилл, в прессе появилось много негативных отзывов из-за «чрезмерного» объема и веса модели.

Дженни Сэвилл. Стратегия, 1994. Холст, масло, на трех панелях. Источник: artnews.com

Сэвилл подчеркивает, что в фокусе ее внимания вовсе не была полнота ее подруги, которая позировала для картины. «Я попросила ее стать моделью, потому что считала ее красивой, — отмечает художница. — Я не представляла себе, что изображение вызовет такую реакцию. Но меня очень тронуло количество людей, которые написали мне, что моя картина стала первым разом, когда они увидели на холсте кого-то похожего на себя».

Автор: Наталья Азаренко
Источник: artchive.ru
Поделись
с друзьями!
697
6
7
3 месяца

Лето в живописи

Работы, посвященные прекрасной поре-лету. Когда все цветет и пахнет. когда жизнь ярче и теплее.


Деревенское лето Дмитрия Лёвина


«Есть что-то прекрасное в лете,
А с летом прекрасное в нас»
© Сергей Есенин.


Дмитрий Левин — признанный мастер русского пейзажа, зарекомендовавший себя как талантливый представитель русской реалистической школы. Важнейший источник его искусства — привязанность к природе, которую он нежно и страстно любит и частью которой себя ощущает. Его летние картины рассказывают о том, что близко каждому из нас с самого детства.





Солнечные зайчики Лорана Парселье


«Пришло лето, и ветер был летний — теплое дыхание мира, неспешное и ленивое.
Стоит лишь встать, высунуться в окошко, и тотчас поймешь: вот она начинается,
настоящая свобода и жизнь, вот оно, первое утро лета»
© Рэй Брэдбери


Живопись Лорана Парселье (Laurent Parcelier) — это удивительный мир, в котором нет ни грусти, ни уныния. У него вы не встретите хмурых и дождливых картин. На его полотнах много света, воздуха и ярких красок, которые художник наносит характерными узнаваемыми мазками. Это создает ощущение, будто картины сотканы из тысячи солнечных зайчиков.




Нежное лето Абе Тошиюки


«Я пью лето, как дикие пчелы пьют мед. Собираю огромный ком лета, чтобы его хватило на то время, когда будет уже другая пора» © Астрид Линдгрен.


Абе Тошиюки (Abe Toshiyuki) получил художественное образование и 20 лет посвятил преподаванию, ни на минуту не оставляя мечту стать художником. В 2008 году он наконец забросил учительскую профессию и полностью посвятил себя творческой самореализации. «Я верю в то, что мои акварели способны выразить идеи неуловимой красоты и изменчивости природы. Я стараюсь не изображать на своих картинах места, которые легко узнать, чтобы у зрителя не возник эффект „дежа-вю“. Живопись должна пробуждать живые эмоции из самой глубины сердца».





Южное взморье Юрия Обуховского


«Только суровой зимой я осознаю, что в душе моей — вечное лето»
© Альбер Камю.


Любимые жанры Юрия Обуховского — городской и морской пейзаж в стиле «романтического реализма». Свои картины художник пишет маслом и акварелью. Наполненные солнцем, игрой света, очень оптимистичные и позитивные, его картины переносят зрителя в красивейшие места, уводя от обыденности и повседневности серых будней.





Тенистое лето Малгожаты Шчечинской


«Я буду любить тебя всё лето», — это звучит куда убедительней, чем «всю жизнь» и — главное — куда дольше! © Марина Цветаева



Польская художница Малгожата Шчечинска (Malgorzata Szczecinska) саму себя называет просто «любителем». «Я рисую главным образом для того, чтобы запечатлеть красоту природы. Мне нравится смотреть на нее, и я могу делать это сколь угодно долго. Хочу я или не хочу, но я запоминаю весь это клубок из листьев, ветвей, трав, цветов, света и цвета, и хочу это изобразить».





Неуловимое лето Жан-Клода Папье


«Лето — это время года, когда очень жарко, чтобы заниматься вещами,
которыми заниматься зимой было очень холодно»
© Марк Твен.


Акварелист Жан-Клод Папье (Jean-Claude Papeix) живет и работает во Франции. Главное в его работах — ощущение воздуха, вибрации жизни. Страсть к рисованию художник почувствовал в раннем детстве, когда находился на отдыхе в деревне. Он говорит, что именно в тот момент почувствовал и полюбил эту особую атмосферу раннего июльского утра.





Поделись
с друзьями!
678
0
6
4 месяца

Розы в живописи

Если бы составляли топы самых популярных цветов, то лидером, несомненно, снова и снова становилась бы она. Роза - эта прекрасная огненная чаша, которая расцвела на бесчисленных живописных картинах маслом, привлекает внимание своей надменной, колкой красотой. Во все времена художники не оставляли без внимания этот прекрасный цветок.


Розы с давних пор начали занимать свои позиции на полотнах великих мастеров. К эпохе Возрождения ранящие неопытных владельцев цветы покорили большинство европейских стран и появились в национальной живописи. Розовые бутоны непременно участвовали в украшении важнейших обрядов. Со временем значение розы только увеличивалось, она обретала новые смыслы, становилась символом, наполненным совершенно различными расшифровками.

Сандро Боттичелли «Дева Мария с Младенцем и Иоанном Крестителем», 1475;

Символ розы


Роза в живописи старых мастеров всегда на своем месте. Цветок, как и многие другие растения и представители фауны, наделялся значениями, которые легко считывались в свое время. Теперь же нам часто приходится вспоминать забытые коды. Например, что бутон розы обозначал чистоту, святость. Он стал частым атрибутом Девы Марии (Сандро Боттичелли «Дева Мария с Младенцем и Иоанном Крестителем», 1475; Ян ван Эйк «Дева Мария», 1426-1429).

Душа розы. Джон Уильям Уотерхаус

Общая склонность к естеству, внимание к живой природе сказалась на частом появлении розовых цветов на картинах прерафаэлитов (Джон Уильям Уотерхаус «Срывайте розы поскорей», 1908; «Моя сладкая роза (Душа розы)», 1908). На картине Уотерхауса «Психея, проникающая в сад Купидона» (1904) мы видим только девушку, держащую в руке розу. Она входит в сад, наполненный цветущими кустами, что в этом такого? Зная, что роза в живописи часто выступает как символ любви, мы понимаем, что путь, усеянный именно этими цветами, ведет к любимому. А зная этот мифологический сюжет мы добавляем к разгадке то, что сам возлюбленный и есть воплощение любви.

Джон Уильям Уотерхаус - Психея, проникающая в сад Купидона, 1904, 71×109 см

Соединяя христианские и античные образы, прерафаэлиты создавали по-новому зашифрованные картины. Например, на картине Данте Габриэля Россетти «Венера Вертикордия» (1868) богиня окружена розовыми бутонами и жимолостью, которые означают любовь и чувственность. Это очень подходящие атрибуты для разжигательницы любовных чувств.

Данте Габриэль Россетти «Венера Вертикордия» (1868)

Кроме того, женщина держит в руке стрелу, очевидно, Амура, на которой сидит бабочка - обозначение Психеи. Мы снова вспоминаем историю о двух влюбленных. Несмотря на большое количество языческих элементов, над головой Венеры изображен нимб святой. Интересная комбинация.

Знак раздора


Но есть у розы и более специфическое значение. Например, красно-белый цветок, который появляется на картинах и витражах в Англии - это фамильная эмблема королевской семьи Тюдор. Такой комбинированный бутон является объединением эмблем двух благородных семейств. Их вражда принесла большие потери Англии. В качестве напоминания об этом тяжелом противостоянии, мы наблюдаем белый бутон в руках Елизаветы Йоркской (из ветви Йорков), а с красным цветком нередко изображается Генрих IV (представитель династии Ланкастеров).


Все же не всегда цветы розы в живописи так многозначны. Иногда красивый бутон - это только то, что мы видим. Таковы розы в пейзажах и натюрмортах импрессионистов (Э. Мане «Сирень и розы», 1882; К. А. Коровин «Розы», 1912; П. И. Петровичев «Натюрморт. Розы», 1920).

Э. Мане «Сирень и розы», 1882;

К. А. Коровин «Розы. Букет у моря»

Художники этого направления не стремились усложнить свои картины, они просто ловили красоту мира вокруг. Не всегда даже можно точно определить, розы ли в живописи маслом перед нами (К. Моне «Мадам Моне с ребенком в саду художника в Аржантее», 1875). В итоге мы получаем совсем другое впечатление от растений - как от части целого, части большого букета или наполненного светом цветочного сада. Это изображение отсылает только само к себе, к быстротечной красоте нежного цветка. Хотя и этого, кажется, достаточно.

К. Моне «Мадам Моне с ребенком в саду художника в Аржантее», 1875

Живопись расцвела после первых цветочных коллекций во многом благодаря розе — цветку с совершенными формами и оттенками. Рисуя картины с розами, художники наслаждались эстетикой и гармонией природы. Многие из них увлекательно экспериментировали с сюжетами, рассказывая литературные произведения в разноцветных тонах. С каждой эпохой появлялись новые обличия и символика королевы садов.

Розы в вазе. Пьер Огюст Ренуар

Ваза с розами Франс Мортельманс

Розы и тюльпаны. Эдуард Мане

Корзина с розами. Франс Мортельманс

Натюрморт с розами. Франс Мортельманс

Красные розы


Алая роза знаменуется как символ любви, желания, расцвета, безупречной красоты и страсти. Она выражает одновременно язык души и плоти, что дает огромное количество идей для написания картин маслом и акварелью. Мастера живописи в разные эпохи отражали эмоции в закрытых бутонах, а раскрытый цветок считали королевским, увядшие розы показывали прошедшую любовь, разлуку, боль и разочарование. Так картины с красными розами олицетворяли глубокие чувства влюбленных и характеризовали стиль романтизма.

Посланник любви. Мария Спартали Стиллман

Сюжетная линия с алым букетом воспроизведена во многих работах художницы-прерафаэлиты Марии Спартали Стиллман. В ее знаменитой картине, выполненной акварелью «Посланник любви», 1885, символом чувственности и любви одновременно стали красный цветок, голубь и девушка с вышивкой Купидона.

Красные розы в стеклянном кувшине Пауль де Лонгпре

Совсем по-иному чувство романтики и красоты выражает знаменитый художник-декоратор Уильям Моррис в собственном произведении «Решетка», 1864. Красивые бутоны изящно обвивают садовую конструкцию. Этот орнамент стал широко известен в мире и до сих пор применяется в английском дизайне.

Птицы и цветы на решетке Уильям Моррис

Совсем по-иному чувство романтики и красоты выражает знаменитый художник-декоратор Уильям Моррис в собственном произведении «Решетка», 1864. Красивые бутоны изящно обвивают садовую конструкцию. Этот орнамент стал широко известен в мире и до сих пор применяется в английском дизайне.

Красные розы Пьер Огюст Ренуар

Пьер Огюст Ренуар создал одну из лучших цветочных коллекций – рисуя розы в вазах, венках, кувшинах, корзинах. Он обладал неиссякаемым воображением и стремился к живости, естественности, чарующей красоте. Картины его сильно отличались от голландских натюрмортов, в них ощущалась невероятная магия. Можно сказать, что розы Ренуара впитали в себя буйство всех природных оттенков и форм.

Букет красных и белых роз Пьер Огюст Ренуар

В ряды Ренуара относят и Константина Коровина. Русский живописец нарисовал около двадцати картин маслом с розами. Особое внимание заслужила его работа «Розы и фиалки», 1912. Изображение вазы с ярко-красными бутонами, рядом с которой нарисован маленький букет фиалок, кофейные принадлежности, сахарница и оранжевый апельсин, а за окном все тот же манящий Париж.

Розы и фиалки Константин Коровин

Белые розы


О белой розе впервые упоминается в мифологических рассказах, восхваляющих ее первозданность. По легендам цветок с белыми бутонами рос в великолепных садах Древней Греции и Древнего Рима и олицетворял символ чести и невинности. В живописи садовые розы нежного оттенка символизируют то же самое – молодость, совершенство и чистоту.

Белые розы. Рауль де Лонгпре

Белые розы в голубых кувшинах. Константин Коровин

Голландские и французские живописцы нарисовали множество картин с белыми розами в виде натюрмортов: одиночных композиций; в сочетание с цветными розами; с другими цветами. Часто сюжет разбавлялся красочными элементами – добавлением алой вишни, сочных фруктов, разложенных рядом. Это идеальное перенесение даров природы на белоснежный холст.

Белые розы и вишня. Анри Фантен-Латур

Яркий след в цветочной живописи оставил Анри Фантен-Латур. Преданный реализму, он совершенствовал свое цветочное мастерство. Написал маслянистыми красками 800 композиций, среди которых запоминающаяся картина в классическом стиле «Белые розы в стеклянной вазе», 1875.

Белые розы в стеклянной вазе. Анри Фантен-Латур

Иначе исполнен нежный букет из роз в поэтической работе советского художника Александра Головина «Девочка и фарфор (Фрося)», 1916.

Девочка и фарфор Александр Головин

Розы в стеклянной вазе. Александр Головин

Желтые розы


Великолепие садов и парков, как и в ранние эпохи, невозможно представить без изящной розы, плетущейся или расстилающейся кустами. Палитра ее оттенков настолько многогранна, что художники посвящают немало времени для отражения полной красоты цветочного естества. Желтая роза, о которой сложено не так много легенд, заслуживает отдельного внимания из-за летнего и сочного оттенка.

Желтая роза. Анри Фантен-Латур

Не равнодушен к букету из желтых роз и французский живописец Пауль де Лонгпре, в собственных работах он, так же как и Э. Мане, сочетает пестрые бутоны с сиренью. Он редко рисовал цветы в вазах, предпочитал свежесобранные букеты, оставленные на столе или на деревянном пороге.

Желтые и белые розы. Пауль де Лонгпре

Абсолютный шедевр «Цветы в кувшине. Купальницы» нарисовал знаменитый советский пейзажист Петр Петровичев. Огромный желтый букет передал красоту лета в осенних мотивах. Больше всего П. Петрович привлекала чайная роза.

Цветы в кувшине. Купальницы Петр Петровичев

Розовые розы


Отражение розовых бутонов в живописи символизирует нежность, очарование и молодость. Живописцы, практикующие жанр «натюрморт», превосходно передают многоликость оттенка. Красота розового заключается в элегантности – ни один цветок в живописи не отражен так тонко как нежно-розовая роза.

Розы в вазе Эдуард Мане

Все оттенки розоватого встречаются в композициях Анри Фантен-Латура, Петра Петровичева, Пьер Огюст Ренуара, Константина Коровина. Живописцы с большим восторгом передали символику красивейшего цветка мира в собственных творениях.

Розовые розы. Константин Коровин

Букет роз в зеленой вазе. Пьер Огюст Ренуар

Розовые розы. Рауль де Лонгпре

Корзина роз. Анри Фантен-Латур

Венок из роз Пьер Огюст Ренуар
Поделись
с друзьями!
501
1
8
4 месяца
Уважаемый посетитель!

Показ рекламы - единственный способ получения дохода проектом EmoSurf.

Наш сайт не перегружен рекламными блоками (у нас их отрисовывается всего 2 в мобильной версии и 3 в настольной).

Мы очень Вас просим внести наш сайт в белый список вашего блокировщика рекламы, это позволит проекту существовать дальше и дарить вам интересный, познавательный и развлекательный контент!