Художник Сол Левитт и скульптор Ева Гессе переписывались 10 лет. Это письмо Сол послал Еве в 1965 году и в нём он убеждал её перестать сомневаться в себе и просто продолжать делать свою работу. Это письмо стало источником вдохновения и уверенности для многих творческих людей.

Дорогая Ева,

Скоро месяц с тех пор, как ты мне написала, и, возможно, ты уже забыла о своём душевном состоянии (хотя я сомневаюсь в этом). Ты кажешься такой же, как обычно и ежеминутно ненавидишь себя за это. Не надо! Научись иногда говорить миру: «Катись к черту!» У тебя есть на это право.

Просто перестань думать, беспокоиться, оглядываться по сторонам, размышлять, сомневаться, бояться, страдать, надеяться на какой-то простой выход, бороться, хвататься, сбиваться с толку, раздражаться, отказываться, бормотать, чувствовать себя неловко, ворчать, стесняться, спотыкаться, ошеломляться, жаловаться, рисковать, метаться, заходиться краской, суетиться, спотыкаться, высиживать яйца, жаловаться, стонать, стенать, роптать, просить, брехать, ссориться по пустякам, придираться к мелочам, совать нос, задирать задницу, выпучивать глаза, показывать пальцем, шнырять по переулкам, долго ждать, ходить короткими шагами, зло смотреть, подхалимничать, искать, выделяться, мараться, морочить, морочить, морочить себя. Перестань и просто

ДЕЛАЙ!

По твоему описанию и по тому, что я знаю о твоей предыдущей работе и твоих способностях, я могу судить: то, над чем ты работаешь, очень хорошо. «Рисовать-чистые-ясные, но безумные машины, шире и смелее… настоящий абсурд». Звучит здорово, чудесно: настоящий абсурд. Рисуй ещё. Ещё абсурднее, ещё безумнее, ещё машин, ещё грудей, чего угодно — сделай их изобилующими абсурдом. Пробуй и щекочи что-то внутри себя, твой «причудливый нрав». Ты принадлежишь своей самой секретной части.

Не переживай насчёт крутизны, создай свою собственную не-крутизну. Создай свой собственный, свой собственный мир. Если ты боишься, заставь страх работать на себя: рисуй и крась свои страх и тревогу. И перестань беспокоиться о таких серьёзных и глубоких вещах как «избрать цель и стиль жизни, постоянно приближаться к какому-то невозможному или воображаемому окончанию». Ты должна попробовать быть глупой, тупой, не-думающей, пустой. Тогда ты сможешь

ДЕЛАТЬ!

Я полон уверенности в тебе и, даже несмотря на то, что ты мучаешь себя, то, что ты делаешь — очень хорошо. Попробуй сделать что-то ПЛОХО — худшее, что ты можешь придумать — и посмотри что будет, но главное — расслабься и позволь всему катиться к чертям. Ты не несёшь ответственности перед миром. Ты ответственна только за свою работу — так ДЕЛАЙ ЕЁ. И не думай, что твоя работа должна соответствовать какой-то ранее установленной форме, идее или вкусу. Она может быть всем, чем ты пожелаешь. Но если тебе станет легче жить, когда ты перестанешь работать, то перестань. Не наказывай себя. Хотя, я думаю, что это так глубоко укоренилось в тебе, что проще будет просто

ДЕЛАТЬ.

Кажется, я всё-таки, каким-то образом, понимаю твоё отношение, потому что и сам каждый раз прохожу через подобное. У меня случается "агонизирующий пересмотр" моих работ и я меняю всё настолько, насколько это возможно; я ненавижу всё, что я сделал и пытаюсь сделать что-то совершенно другое и лучшее. Может такой процесс необходим мне, чтобы подталкивать меня вновь и вновь. Чувство, что я могу сделать что-то лучше, чем то дерьмо, которое я только что сделал.

Может, и тебе нужна твоя агония, чтобы довести до конца твое дело. И возможно, она заставляет тебя работать лучше. Но я знаю - это очень больно. Было бы лучше, если бы у тебя была уверенность, чтобы просто делать дело, не рассуждая. Ты можешь оставить в покое «мир» и «ИСКУССТВО» и перестать ласкать своё эго. Я знаю, что ты (как и все) можешь работать только определённое время, а потом ты остаёшься наедине со своими мыслями. Но во время или до работы тебе надо опустошить свой разум и сосредоточиться на том, что ты делаешь. После, когда ты создала что-то, оно готово — и баста.

Позже ты увидишь, что какие-то работы лучше, чем остальные, но также ты увидишь направление своего движения. Я уверен, что ты всё это знаешь. Ещё ты должна знать, что ты не обязана оправдывать свою работу, даже перед самой собой. Ну, ты знаешь, что я очень восхищаюсь твоими произведениями и не могу понять, почему они тебя так тревожат. Но ты видишь следующие, а я нет.

Ещё ты должна поверить в свой талант. Мне кажется, ты веришь. Так попробуй самые вопиющие вещи, которые можешь — шокируй себя. В твоей власти талант, с помощью которого ты можешь создать всё.

...

С любовью к вам обоим.

Сол

Тема любви – одна из самых популярных в искусстве и картины известных художников не стали исключением. Яркие, романтические, чувственные и эмоционально насыщенные, они позволяют окунуться в необычный водоворот эмоций. Какие же картины и каких мастеров искусства сегодня являются самыми яркими воплощениями романтической темы – то, о чем мы расскажем сегодня.

Немногие произведения искусства так обожаемы или широко воспроизводятся, как «Поцелуй» Густава Климта. Роскошные позолоченные объятия украшают плакаты, чашки и футболки за десять долларов по всему миру, но история картины гораздо больше, чем её сегодняшняя коммерческая вездесущность.

Когда Климт создавал свой шедевр, он был уже бесстрашным лидером Венского Авангарда. Кроме того, он нажил себе непримиримых врагов в чопорном австрийском художественном истеблишменте, которому претила беззастенчивая чувственность и эстетический декаданс его работ.

«Поцелуй» Климта - это архетип человеческой нежности и желания. Он представляет страстный эротизм и то, как этот эротизм поглощает любовников. Картина, рождённая «золотым периодом» Климта, отличается сверкающими золотыми тонами, стилизованными штрихами и очень романтической визуальной аллегорией, вдохновлённой византийскими мозаиками. Примечательно, что привлекательный главный цвет включает в себя частицы сусального золота для эффекта.

Сюжет портрета - пара, разделяющая интимные объятия, их тела частично скрыты величественным одеянием, когда они стоят на коленях на полевых цветах и по выражению лица женщины видно, как она радуется тому, что находится в объятиях своего возлюбленного и получает его поцелуй.

Эта картина пересекает социальные границы: она иллюстрирует, что как только люди поглощены страстью, они духовно освобождаются от привязанности к этому миру и его ограничениям. Они становятся единым целым с космосом, который принимает всех существ, независимо от генетики.

Интересный факт: в то время, когда «Поцелуй» был написан, он рассматривался пост-викторианским обществом как порнографический материал, а на сегодняшний день это произведение искусства считается одним из самых выдающихся и уникальных в своём роде.

Рой Лихтенштейн

На первый взгляд эта романтическая картина влюбленных может показаться весьма странной. Но на самом деле всё гораздо проще, стоит лишь углубиться в контекст данной работы.

Американский красавчик встречается с симпатичной блондинкой. Их «любовь» настолько глубока, что внешний мир перестал существовать, и им даже не нужен воздух, чтобы дышать, когда они с головой уходят под воду в объятиях друг друга.

Однако Рой Лихтенштейн на самом деле высмеивает поверхностность любви здесь. Весь этот образ ложен и искажён, поскольку он представляет собой иллюзию «совершенной любви».

Не случайно он сделал её похожей на рекламу, заставив картину служить гораздо более глубокой цели: показать реальность того, как люди «покупают» такие иллюзии, не задумываясь о том, что же им предлагают на самом деле.

Интересный факт: для этого холста Лихтенштейн использовал композицию разделённой панели между текстом и изображением. Это должно было смешать повествование между двумя персонажами.

Рене Магритт

«Влюблённые II» - это произведение, которое раскрывает реальность любви, когда она идёт не так, как ожидалось. С одной стороны, это романтическая картина, изображающая влюблённых, разделяющих поцелуй крупным планом. Но, с другой стороны, это печальный, почти навязчивый образ. Рене Магритт был известен своими темами неудовлетворённых желаний, поэтому, возможно, вуали, обёрнутые вокруг голов главных героев, можно было бы интерпретировать как таковые. Они мешают паре вступить в полноценный поцелуй, ведь они изолированы и, таким образом, разочарованы.

Однако другие интерпретации склоняются к тому, что здесь всё гораздо печальнее, чем кажется на первый взгляд. Может ли это быть отражением отвержения, отрицания любви? Представляет ли он отношения в целом, и как они часто нарушаются из-за различных проблем, в том числе из-за отсутствия общения?

Эта картина настолько противоречива, что, исходя из вышеприведённых интерпретаций, художник также может показать в этом образе то, что как бы близко ни подходил человек к своему партнеру, он никогда не узнает свою истинную природу, которая представлена барьерами из ткани.

Ибо, как говорится, «каждый человек - это остров». Такой творческий приём играет на реальности, которую люди часто скрывают—они надевают маски, позволяя другим видеть только то, что лежит на поверхности, а не то, что находится в глубине их души.

Интересный факт: когда Рене было четырнадцать, его мать покончила с собой, утонув. Он видел, как её тело вытаскивали из воды, а лицо закрывала ночная рубашка.

Было высказано предположение, что общий для художника мотив окутанных лиц родился из этой травмы. Однако позже он опроверг это, заявив: «Моя живопись - это видимые образы, которые ничего не скрывают. Они пробуждают тайну, и действительно, когда человек видит одну из моих картин, он задаёт себе такой простой вопрос: «Что это значит?» На самом же деле это ничего не значит, потому что тайна тоже ничего не значит. Это непознаваемо».

Судзуки Харунобу

Японская пара прогуливается по снегопаду под одним зонтом. Сам зонтик может быть истолкован как придающий сцене дополнительную интимность. Как будто зритель почти прерывает прогулку влюблённых. Тот факт, что их лица серьёзны, почти печальны, предполагает потенциальную потерю или горе. Поэт Ногучи даже прокомментировал это полотно так: «Если бы не существовало «влюблённых под зонтиком» юного Харунобу, я бы только удивился, что же это за одинокая и заброшенная вещь - наша укиё-э?»

Спокойствие влюблённых, идущих под снегом, воплощает японскую эстетику ваби-саби, которая ценит несовершенную красоту природы. Эта пара олицетворяет молодую любовь, и, подобно героям «Поцелуя» Климта, они пользуются своим желанием побыть наедине, не привязанные к внешнему миру, доказывая, что, независимо от происхождения, все разделяют подобный опыт романтической любви.

Рембрандт

«Еврейская невеста» Рембрандта - романтическая картина влюблённых, что получила своё название в начале девятнадцатого века после того, как коллекционер искусства уверил, что это был портрет еврейского отца, дающего своей дочери ожерелье в день её свадьбы. Однако позже это было опровергнуто, и наиболее распространённым мнением является то, что это Исаак и Ревекка из Ветхого Завета.

На полотне изображено выражение любви между супругами - стиль, редкий для голландских художников-реалистов эпохи барокко. Мужчина ласково касается левой рукой плеча женщины, в то время как его правая рука точно так же лежит на её груди. Этот лёгкий физический контакт указывает скорее на невинную любовь, чем на похоть. В противоположность этому, лица персонажей намекают на нечто более глубокое. Глаза мужчины означают неуверенность, в то время как взгляд женщины подразумевает созерцание, но никто из них не смотрит друг на друга. Может быть, это намёк на сомнение в их будущем?

Как и другие картины, «Еврейская невеста» может быть истолкована как смесь духовной и физической любви. Однако это толкование также допускает некоторую ложь, поскольку это неаутентичный образ еврейской невесты и жениха из Библии. Вместо этого это приукрашенное романтизированное изображение культурного ритуала, выходящего за рамки опыта преимущественно христианского общества.

Ренуар

Любовники Ренуара в смятении от музыки, танцев, летней жары... и друг от друга. Их пикник был оставлен ​​в беспорядке; шляпа (его?) упала на землю; и девушке только остается поддаться поклоннику, который крепко держит ее за запястье и талию. Кажется, что вся картина колеблется. Центром мягкой и знойной композиции является улыбка на прекрасном лице девушки. Направленный прямо к зрителю, этот образ — фиксация момента истинного счастья.

Рубенс

Эта картина создана Рубенсом вскоре после женитьбы и изображает супругов на фоне куста жимолости. Спокойствие и безмятежность исходят от картины, на которой фигуры изображены одинаково большими и рядом друг с другом — выражение самостоятельности и равноправного положения супругов. Рубенс расположился на скамье, а Изабелла — на коленях возле него на брошенном на землю голубом плаще. Все в саду процветает и эти двое оберегают друг друга своей любовью. Поза художника исполнена крайней непринужденности и свободы, он сидит, закинув ногу на ногу. История мирового портрета еще не знала подобной раскованности движения позирующей для портрета модели.

Марк Шагал

Муза и жена Шагала, Белла, вспоминала, как в день рождения мужа она собрала у себя дома яркие платки, нарвала в соседнем саду синие цветы и украсила его мастерскую: «Я все еще держала цветы. Сначала порывалась поставить их в воду. Завянут же. Но очень скоро про них забыла. Ты так и набросился на холст; он, бедный, задрожал у тебя под рукой. Кисточки окунулись в краски. Разлетались красные, синие, белые, черные брызги. Ты закружил меня в вихре красок. И вдруг оторвал от земли и сам оттолкнулся ногой. Как будто тебе стало тесно в маленькой комнатушке. Вытянулся, поднялся и поплыл под потолком». Потолок раздвинулся — и влюбленные устремились в синеву витебского неба. Кто-то называет эту картину «метафорой обретенного счастья», а Марк Захарович был проще в определении: «Только открыть окно — и она здесь, а с ней лазурь, любовь, цветы. С тех давних пор и по сей день она, одетая в белое или в черное, парит в моих картинах, озаряет мой путь в искусстве».

Испокон веков кошки были частью культуры, вплоть до Древнего Египта, где им поклонялись и прославляли, в прочем, как и на Руси. Хотя в некоторой культуре кошки считались исчадием Ада, безустанно следовавшим за ведьмами. Но как бы то ни было, а их изображение можно встретить практически в любой период времени. Исключением не стали и картины известных художников, которые сделали кошек частью своего творчества.

Луис Уэйн был одним из самых популярных английских иллюстраторов и его кошки заслуживают отдельной статьи. Он родился в 1860 году и прославился своими антропоморфными изображениями кошек. По словам английского писателя Герберта Уэллса, Луис придумал не только свой собственный кошачий стиль, а и создал самое настоящее кошачье общество и кошачий мир.

Именно из-за психического расстройства (шизофрения) художник так яро был одержим кошками. Они стали для него главным объектом во всех сферах жизни: от быта до искусства.

В итоге, Луис стал одним из самых известных ведущих специалистов по кошачьим и был избран президентом Национального кошачьего клуба. Кроме того, он был судьёй на соревнованиях и принимал активное участие в жизни благотворительных организаций для животных. За тридцать лет своей работы он создал множество тысяч рисунков, что и по сей день забавляют и радуют ценителей подобных творений.

Марк Франц – Белый кот

Франц Марк прославился с помощью ярко раскрашенных творений, где особое место занимали именно животные – лошади, собаки и, конечно же, кошки. И совсем неудивительно, что он неоднократно выставлялся на выставках, привлекая внимание толпы. Зачастую на его картинах изображены животные, в том числе и кошки в их естественном состоянии сна или ухода. На некоторых его знаменитых картинах изображены кошки на жёлтой подушке, две кошки - голубая и жёлтая, кошки в корзине и кошки на красной ткани.

Именно животные стали для него тем самым идеалом и символом, ассоциирующимся с невинностью, красотой и, конечно же, правдой. Он уделял особое внимание цветам и их символике: синий представлял собой силу, красный стал отображением жестокости, а жёлтый – тепла и истинно женского счастья.

Хиросигэ II – Белый кот, играющий со шнурком

Столь необычная гравюра была создана Хиросигэ II, что на протяжении нескольких лет внимательно наблюдал за работой своего непосредственного наставника. Но тем не менее, данное изображение отражает собственный уникальный подход Хиросигэ II к творчеству и стилю. Картина создана благодаря наблюдениям художника за поведением домашней кошки, которая всегда знает, как и чем себя занять и, конечно же, напакостить. Впрочем, изображение говорит само за себя, а владельцы кошек уже давным-давно оценили эту работу по достоинству.

Сюзанна Валадон – Рамину

Сюзанна Валадон была не только натурщицей, но и художницей, уроженкой Франции. В конце 1890-х годов ей была оказана великая честь стать первой творческой леди, допущенной в Национальное общество изящных искусств. Изначально она отдала своё предпочтение рисованию натюрмортов, а также творила различные портреты, растения, а также пейзажи, которые отличались и выделялись сильной идеей и сочными красками. Однако наибольшей популярности она заслужила своими красочными, обнажёнными дамскими телами, изображёнными с точки зрения леди. Ко всему прочему, она была ярой любительницей кошек и часто рисовала их, особенно свою любимую толстую Рамину.

Марк Шагал – Поэт

Марк Шагал – художник, который стал популярен в эпоху модернизма, а также остался в памяти как еврейский творец. Так называемый «золотой век» данной художественной эпохи он переживал в столице Франции, где занимался разработкой и синтезом нескольких отдельно взятых течений, начиная от кубизма, и заканчивая фовизмом, сюрреализмом и другими. В течение всей жизни, что была достаточно долгой, он творил и воплощал в своих картинах уникальные идеи и сюжеты. Среди них особенно ярко выделялись сцены крестьянской жизни, а также весьма интимные моменты пребывания в маленьком мирке еврейских деревень. Всё это было подано в мечтательной, лёгкой манере.

Что же касается кошек, то они зачастую подчёркивали нереальность его картин и становились главными действующими лицами на многих полотнах. Зачастую они были спутниками людей, которых изображал художник, будь то поэты, музыканты или женщины.

Пабло Пикассо – Кошка, поймавшая птицу/h2>

Кот Пикассо, ловящий птицу, был создан в двух вариантах в 1939 году, буквально за несколько месяцев до того, как грянула война. Как вспоминал художник, его постоянно беспокоила эта тематика, и к сожалению, он сам не мог понять, из-за чего именно.

На картине изображена птица, которая всеми силами старается вырваться из цепких лап своего мучителя. И даже нейтральный фон не спасает сложившуюся ситуацию, а лишь напротив, акцентирует внимание на насильственной сцене, где кот до последнего тянет время, дабы сохранить птичке жизнь, и чем дольше он удерживает момент, тем сильнее испытывает глубокое чувство власти, ощущая своё превосходство.

Минь Чжэнь – Чёрный кот

Мин Чжэнь был творцом родом из Китая, а также резчиком печатей. На свет он появился в Наньчане, Цзянси, и провёл большую часть своей жизни в китайском городе Хубэй. Свою популярность он заслужил, рисуя человеческие фигуры пальцами. Согласно определенным теориям, его относят к группе из восьми необычных творцов – китайских художников, активно трудившихся в начале XVIII века. Свою популярность в династии Цин они заслужили тем, что активно и резко отбрасывали ортодоксальные сюжеты в художественном искусстве, возводя на первое место стиль, который они считали выразительным и индивидуалистическим.

К сожалению, никакой конкретной информации о данном изображении не сохранилось. Но, впрочем, глядя на столь довольного кота, ничего добавлять не хочется. Кто знает, вдруг он слопал весь корм поблизости и теперь попросту счастлив и гордится собой.

Генриетта Роннер-Книп – Игра котёнка

Генриетта Роннер-Книп известна изображением домашних животных, особенно кошек.
Картины с домашними животными были популярны у богатых буржуа в Викторианский период, а её бесчисленные кошачьи полотна оказались фаворитами.

Как правило, её картины представляют исключительно кошачьих и не несут в себе никаких метафорических значений. Художница с интересом следила за жизнью кошек, дабы после перенести это на свои полотна. В итоге, она построила в своей мастерской специальное, прозрачное помещение, где кошки могли вытворять всё что угодно, не обращая внимания на происходящее вокруг. Так стали рождаться максимально живые и реалистичные изображение кошек, увлечённых играми, выкрутасами и различного рода шкодными проделками.

Барт ван дер Лек – Кошка

Барт ван дер Лек обрел популярность, прежде всего, как соучредитель журнала De Stijl. В начале 1900-х годов, совместно с другими творцами, такими как Мондриан и Кандинский, он начал трудиться непосредственно в жанре абстракции, заложив её основы. Для этого он пользовался тремя основными красками – красной, желтой и синей.

К такому решению он пришел, долго находясь в поисках так называемой идиомы. Искусство родом из Египта, с которым он познакомился в Лувре, когда посещал Париж с визитом, оказало на него серьёзное влияние.

Вдохновлённый этим, он создал новую стилистику с сильно упрощёнными деталями и пастельными оттенками. Поэтому, при создании своей работы «Кошка», он акцентировал внимание на белом, чёрном, а также теплых оттенках красного, сделав их ключевыми цветами данной картины.

Пьер Огюст Ренуар – Жюли Мане (Девочка с кошкой)

Берта Моризо и её муж Эжен Мане, брат легендарного творца, знали Ренуара много лет. Ссылаясь на восторг художественными данными Ренуара, супруги сделали заказ у художника, попросив у него портрет своей дочери. Кстати, изначально кошка являлась лишь приятным дополнением, но позже стала ключевой фигурой в данной работе, играя на контрасте эмоций между девочкой и тем, как котёнок сладко посапывает у неё на руках.

Маргерит Жерар – Обед кошки

Маргерит Жерар была известна тем, что писала картины маслом и гравюры под руководством своего шурина, великого Жана-Оноре Фрагонара. Возможно, именно он убедил её добавить кошек к своим композициям, поскольку он также был знаменит этим. Как жанровый художник, Жерар сосредоточилась на прорисовке деталей интимной, бытовой жизни. Однако при этом она разительно отличалась от иных женщин-живописцев, которые любили ссылаться на классическую древность, она же частенько использовала одежды и декор более новых времен. Многие из её полотен иллюстрируют переживания матери, а также раннего детства в семье, а некоторые подчёркивают важность музыки и женского общения. Но как известно, кошки – не менее важны. Особенно, если взглянуть на данную картину, где и так всё понятно без лишних слов.

Пьер Боннар – Белый кот

Здесь Боннар воспользовался новым приемом деформации, стремясь воссоздать юмористический образ этого животного, занявшего весьма причудливую позу. Художник долго решал вопрос не только с внешним видом, но и с позицией конечностей, что видно на подготовительных рисунках. Японское вдохновение можно найти в искусной композиции, что строится на основе асимметрии, а ещё непосредственно в подборе сюжета – тот, который был весьма распространен в гравюрах, которые он так любил. Большую часть своего существования художник трудился над нереальным количеством полотен, где кошачьи изображались зачастую как небольшие, вкрадчивые детали, что можно было даже не заметить, а в другом случае, как животное на этой работе, становились акцентами и ключевыми фигурами.

Утагава Куниёси – Коты, представляющие 53 станции Токайдо

Пятьдесят пять кошек изображены на этих полотнах иллюстратора из Японии Утагавы Куниеси. Один из них выползает из корзины, несколько ловят крыс, другие едят рыбу. И вовсе не стоит упоминать о том, что художник любил кошек. Когда он стал учителем, молодые люди, учащиеся у него, заметили, что его мастерская была переполнена ими. Его любовь к кошкам прокралась в его творчество, и они стали появляться во многих его лучших гравюрах. Иногда они предстают как персонажи из хорошо известных историй, в других случаях они являются прекрасно выразительными этюдами. Часто Куниеси изображал кошек в полностью антропоморфной форме.

«55 кошек» - это веселая имитация «Пятидесяти трёх станций Токайдо», которая была наиболее успешной коллекцией Укиё-э. Так называемая Восточная Морская дорога имела пятьдесят три различные почтовые остановки на своём маршруте, и они обеспечивали лошадей, пропитание и жилье для путешественников. Куниеси принял решение изобразить их через кошачьи каламбуры.

Теофиль-Александр Стейнлен – Чёрный кот

Le Chat Noir был развлекательным заведением XIX века в богемном парижском районе Монмартр. Он был открыт осенью 1881 года на бульваре Рошешуар и закрыт в 1897 году вскоре после гибели Салиса. Историки с уверенностью утверждают, что оно было первым задокументированным кабаре – местом, где посетители могли отдохнуть за небольшими столами, распивая определенные виды питья и наслаждаясь выступлением варьете.

Данный рисунок, созданный Теофилем Стейнленом, является непосредственной рекламой места, которое в свою золотую эпоху было отчасти местом встречи художников, а отчасти – музыкальной, творческой площадкой. Также на протяжении нескольких лет кабаре выпускало еженедельник с аналогичным именем, где были опубликованы не только новости из жизни «Чёрного кота», а и множество литературных произведений, политических сатир и поэзий. На сегодняшний день любой желающий может купить репродукцию с изображением «Чёрного кота», которая продаётся на каждом шагу в столице Франции.

Осень в картинах русских художников самая яркая и трогательная пора, где красно-желтые, золотистые и теплые краски прекрасной поры бабьего лета, а где дождливый и трогательный пейзаж по-настоящему русской природы во всей ее красе осеннего великолепия.

Восхищаясь гениальными художниками эпохи Ренессанса, мы нередко забываем о тех, кто научил их живописи и ваянию, кто показал, как сохранить для вечности такую изменчивую и преходящую красоту. А ведь учителя выдающихся творцов Возрождения и сами были одаренными людьми, знаменитыми художниками. Они мечтали передать свой опыт и знания молодому поколению – и оказались в тени славы своих учеников…

Фра Филиппо Липпи – учитель Боттичелли

Липпи в пятнадцатилетнем возрасте принял монашеский обет - «фра» в его имени означает «брат». Глядя на трогательных Мадонн, созданных им, невозможно даже представить, какой безумной была биография художника. В двадцать четыре года он сбежал из монастыря, хотя практически всю жизнь продолжал носить иноческие одежды.

По легенде, он побывал в плену у берберов и несколько лет провел в Африке. Нетрудно заметить, что все его Богоматери – на одно лицо, и это не идеальная непорочная дева, а реальная женщина … его жена. Монах Фра Филиппо Липпи был женат, мало того – он похитил прекрасную Лукрецию Бути из монастыря. Этот брак доставил обоим немало переживаний – Липпи тревожило то, что их союз не был признан законным (правда, вмешался Козимо Медичи, и папа римский освободил чету от монашеских обетов), а Лукрецию беспокоила безалаберность супруга. Его постоянно преследовали кредиторы, он регулярно ввязывался в авантюры и сомнительные предприятия…

В живописи же Липпи был новатором. Он пропагандировал реализм и чувственность, отказывался от канонов и жестких правил в религиозной живописи и первым начал писать круглые картины – в дальнейшем эту композцию использовали многие флорентийские художники, в том числе и Боттичелли. Последний был учеником Липпи – и, по-видимому, натурщиком.

Андреа дель Верроккьо – учитель Леонардо

Андреа дель Верроккьо происходил из богатой семьи и получил образование как ювелир, однако занимался живописью, скульптурой и архитектурой. Его юность была омрачена случайным убийством сверстника, и его первой, правда, не сохранившейся, живописной работой был портрет погибшего юноши.

Впрочем, в истории Верроккьо остался как скульптор. Самая ранняя из известных его работ – бронзовая статуя Давида. Утонченный, почти женственный, слегка нарциссичный юный победитель предстает перед зрителями с торжествующей улыбкой. Верроккьо одним из первых начал создавать статуи, которые сохраняли выразительность с любого ракурса. Верроккьо и его мастерская выполняли работы как для католической церкви, так и для светских заказчиков. Нежные ангелы и лиричные Мадонны соседствуют здесь с суровыми кондотьерами и блистательными представителями семейства Медичи.

Верроккьо стал одним из провозвестников Ренессанса, соединял в своих работах античную чувственность и средневековый спиритуализм. Он не завел собственной семьи, отдавая все силы искусству и педагогике. Мастер много и талантливо преподавал, воспитав целое поколение мастеров Возрождения. В его мастерской постоянно велись жаркие споры о живописи, цвете, символике изображения.

Самым знаменитым учеником Верроккьо был Леонардо да Винчи. Молодой Леонардо принимал участие при создании некоторых работ учителя – как подмастерье. Известно, что Леонардо написал образ ангела для картины Верроккьо «Крещение Христа». Сохранившиеся рисунки Верроккьо однозначно указывают на то, что мастерство владения серебряным карандашом великий Леонардо унаследовал именно от него.

Доменико Гирландайо – учитель Микеланджело

Настоящая фамилия Гирландайо – Бигорди, и существует легенда, что его отец был изобретателем ювелирных «гирлянд», которые носили в волосах юные флорентийские модницы. Учился Доменико у вышеупомянутого Верроккьо.

Гирландайо был знаменит фресковыми циклами на библейские темы, где наряжал ветхозаветных и евангельских персонажей в современные ему одежды и досконально прорабатывал бытовые детали. Прообразами героев его картин служили знатные жители Флоренции, заказывавшие свои портреты «в роли» волхва или святого.

Вместе со своим братом – в дальнейшем тот предпочел должность администратора в мастерской Доменико – он расписывал стены Ватиканской библиотеки. По приглашению Папы Сикста IV он участвовал в росписи Сикстинской капеллы. В дальнейшем Гирландайо, овеянный славой и буквально заваленный заказами, работал исключительно во Флоренции. Помимо фресок, он выполнял портреты и мозаики, а также руководил огромной мастерской, где выполнение заказов от церкви и знатных горожан было буквально поставлено на поток.

Гирландайо был учителем одного из «титанов Возрождения» - Микеланджело. Правда, тот провел в мастерской Гирландайо лишь год в качестве подмастерья. Удивительно, но это имя – Микеланджело – принял в монашестве один из сыновей Гирландайо от второго брака.

Пьетро Перуджино – учитель Рафаэля

В отличие от своих коллег, Перуджино родился в бедной семье и всю свою юности провел едва ли не в нищете. Однако это не помешало ему снискать славу и богатство, которым он был совершенно неспособен распорядиться – ходили слухи, что всю жизнь он спал в сундуке, хотя и мог позволить себе более пристойное ложе.

Сам Перуджино учился все у того же Верроккьо, а затем побывал в ученичестве у самого Леонардо да Винчи. Вместе с Гирландайо и Боттичелли участвовал в работе над росписями Сикстинской капеллы. Его фреска «Вручение ключей святому Петру» демонстрирует виртуозное владение перспективой и отличается реалистичностью типажей, мимики и жестикуляции персонажей. В то же время Перуджино – мастер лирических образов. Его нежные золотоглазые святые и Мадонны взирают на зрителей с мягким укором.

Перуджино возглавлял большую мастерскую, но самым его прославленным – и, вероятно, самым любимым – учеником был Рафаэль. Перуджино было суждено пережить своего ученика на четыре года. Ему выпала нелегкая, хотя и благородная, участь – завершить работы Рафаэля для церкви в Перудже.

Текст: Софья Егорова

Как художники прошлого рассказывали о высших материях: Справедливость, тщеславие, бег времени и не только в аллегоричных образах.

Великая способность изобразительного искусства показывать невидимое глазу – это в первую очередь об аллегориях. Как написать на холсте власть? Бег времени? Справедливость? Безысходность? Как отобразить мировоззрение художника, не используя слов, а прибегая лишь к тем возможностям, что дают кисти и краски? Аллегории обычно обращены к зрителям, владеющим определенным уровнем знаний либо готовым эти знания получить, ведь многие иносказания основаны на элементах мифологии, философии, истории искусства и истории человечества. Для людей сведущих смысл старинных холстов раскрывается по-новому, и становится понятнее феномен бессмертия искусства и его востребованности в любую эпоху и в любых исторических условиях.

Аллегории – почему и как они возникают

Живопись в силах воплотить любой образ, в том числе и все, что могут выразить слова – такой подход существовал уже во времена Возрождения. В случае, когда от художника требуется запечатлеть чье-то лицо, или композицию из нескольких предметов на столе, или природное явление, все более-менее понятно: на холст переносится то, что видит глаз, – с неминуемым субъективным искажением увиденного, просто потому, что автор - человек.

Однако же иногда мастерам приходится выполнять другие запросы – от заказчиков ли, а может, и от себя самих – написать нечто абстрактное, создать художественный образ какой-либо идеи, философского понятия, того, что существует, но по своей природе нематериально. Постмодернисты решили эту задачу, отпустив на волю и фантазию, и художественные средства самовыражения, объявляя художника полностью свободным в его деятельности. А вот мастера прошлых эпох в искусстве оставались верны и себе, и существовавшим в их времена традициям.

Растения, животные, люди, предметы – это те инструменты, с помощью которых аллегория воплощалась на холсте, и если художник достигал своей цели, то впечатление зрителя от картины соответствовало тому, что вкладывал в нее мастер. Либо же – и довольно часто – шедевра не получалось, а картина становилась одной из неудачных аллегорий.
Первоначально аллегория зарождалась там, где говорить напрямую о явлении было нельзя или даже опасно, и в первую очередь она воплощалась в литературе. Множеством аллегорий наполнено искусство Древнего Востока. В Египте прибегали к изображению богов с человеческими телами и головами разных животных – так аллегорически показывали смерть, или власть, или вечность.

Благодаря Аристотелю появился термин «троп» и вообще философское описание переноса значения одного предмета на другой; это стало основой в том числе и дальнейшего развития изобразительного искусства.

Голубь, собака и другие примеры аллегорий

Если итальянский Ренессанс лишь прокладывал дорогу аллегориям в живописи, то в эпоху барокко без этого художественного приема уже практически не обходилось: главным поставщиком образов для картин становились античные и христианские мифы, а порой – и их смешение. Свою роль сыграло и то, что аллегории, метафоры, иносказания в изобразительном искусстве любили многие из меценатов и заказчиков, да и сами художники охотно использовали возможности такого подхода для отражения собственных философских и жизненных воззрений, материализации своих страхов, надежд и устремлений.

Любой жанр живописи способен вместить аллегорическое послание мастера – в том числе и натюрморт, и портрет, и пейзаж. Часто можно встретить традиционные, привычные образы, в которых художники зашифровывали абстрактные понятия: например, собака символизировала верность, голубь воплощал образ Святого Духа, женщина с весами и с повязкой на глазах – справедливость или правосудие, корабль, идущий по морю – чей-либо жизненный путь.

«Аллегория живописи» Яна Вермеера стала любимейшей картиной художника: с ней он не расставался до самой смерти, несмотря на проблемы с деньгами. Это произведение украшало мастерскую и отражало то, что Вермеер считал сущностью своего рода деятельности. Книжный том символизирует теоретические знания об искусстве, маска, возможно, намекает на подражание великим учителям, а модель, чью фигуру скрывают античные драпировки, олицетворяет собой славу художника.

Аллегории на картинах других великих художников

К аллегориям можно относить не только полотна, напрямую сообщающие зрителю о своей сущности – как «Аллегория добродетелей» и «Аллегория пороков» Корреджо. Когда в 1622 году французская королева Мария Медичи, мать Людовика XIII, заказала Рубенсу цикл больших картин, который рассказывал бы о главных эпизодах ее жизни, именно к аллегорическим образам и прибегнул великий нидерландский живописец. Королева предстает перед зрителем в образе античной богини, окруженная персонажами из греческой мифологии, в руке у нее символ правосудия, у ног – поверженные пороки. Каждое из полотен этой серии несет определенное настроение и смысл, передаваемое с помощью аллегорических приемов.

Сандро Боттичелли выразил идею силы в образе девушки, черты лица которой напоминают его же ранних мадонн – но в этом случае ее облик отличается большей жесткостью и упрямством.

Мастером аллегории был Питер Брейгель Старший, в числе его работ – цикл гравюр, которые иллюстрируют семь смертных грехов. Лень показана через изображения улиток, спящих людей, медленно ползающих животных, игральные кости, которыми заняты те, кто просиживает в таверне – и еще множество символов, далеко не все из которых имеют общепризнанное толкование.

Как правило, аллегоричность образа и натуралистичность исключают друг друга, при использовании метафор в живописи художник часто прибегает к идеализации в ущерб портретному сходству. Но вот автопортрет Никола Пуссена, в котором аллегорически показана способность живописца проникать в суть вещей – ее символизирует изображенное слева лицо женщины – музы – в профиль, как бы демонстрируя «третий глаз». Руки, протянутые к женщине в стремлении обнять, символизируют любовь художника к искусству, а все вместе передает то, как ощущал себя Пуссен в деле своей жизни.

А вот «Натюрморт с шахматной доской» Любена Божена сочетает образы предметов, которые вместе являются аллегорией пяти человеческих чувств. Ноты и музыкальные инструменты символизируют слух, зеркало – зрение, шахматная доска, карты, кошелек – осязание, цветы – обоняние, хлеб и вино – вкус.

Вы когда-нибудь задумывались о том, какая картина стала последней в жизни того или иного знаменитого художника? Так вот, не нужно гадать, потому что мы собрали для вас галерею последних шедевров самых известных художников, от Пикассо до Матисса, от Караваджо до Рафаэля.

Клод Моне — декорация «Водяные лилии» (1926)

«Великие декорации» (1920-1926) — это коллекция фресок, ставших последними работами Клода Моне. На них изображены его любимые водяные лилии. Он рисовал их, когда уже почти потерял зрение. По мере того как зрение художника ухудшалось из-за катаракты, в его работах свежие и яркие цвета сменялись на размытые насыщенные коричневые и красные тона. В письмах друзьям он писал, как блекнут цвета и как ему трудно отличать их, и поэтому ему приходилось подписывать тюбики с краской. Моне хотел, чтобы после смерти его похоронили как простого человека: «Прежде всего, помните, что я не хочу ни цветов, ни венков. Это пустые почести. Было бы кощунством нарвать цветы в моем саду ради такого случая».

Пабло Пикассо — последний автопортрет (1972)

Последний известный автопортрет Пикассо называется метко — «Лицом к смерти». Он нарисовал его цветными мелками на бумаге в 1972 году, менее чем за год до смерти. Пикассо работал до самой смерти в 91 год. Он рисовал до трех часов утра в воскресенье 8 апреля и закончил лишь за несколько часов до ухода в мир иной.

Сальвадор Дали — «Ласточкин хвост» (1983)

Сальвадор Дали завершил свою последнюю картину весной 1983 года. Работа называется «Ласточкин хвост», и это последнее произведение в серии на основе теории катастроф, разработанной французским математиком Рене Томом в 1960-х. Теория катастроф — раздел математики, изучающий, как малые изменения в обстоятельствах могут повлечь за собой внезапные сдвиги в событиях. Картина была попыткой Дали отобразить свое понимание этой математической теории. Сальвадор Дали скончался в 1989 году в возрасте 84 лет.

Винсент Ван Гог — «Корни деревьев» (1890)

«Пшеничное поле с воронами» (1890) часто называют последней работой Винсента Ван Гога. Возможно, потому, что этот пейзаж в действительности стал местом, где художник встретил свою смерть, совершив самоубийство. Тем не менее с большей вероятностью его последней картиной стала «Корни деревьев», написанная в Овер-сюр-Уаз немногим после того, как Ван Гог покинул лечебницу в Сен-Реми.

Густав Климт — «Невеста» (1918)

Густав Климт так и не закончил свою последнюю картину под названием «Невеста» (1917-1918), но его незавершенная работа дает нам удивительную возможность взглянуть изнутри на технику художника и его скрытые желания. На картине изображены обнаженные женщины, потому что Климт умер до того, как успел нарисовать им одежду. Это говорит о зацикленности на теме секса, которая скрыта под поверхностью других картин художника.

Фрида Кало — «Да здравствует жизнь! (Арбузы)» (1954)

«Да здравствует жизнь!» (Viva la vida) — это последняя работа мексиканской художницы Фриды Кало. Она закончила ее за восемь дней до того, как умерла 13 июля 1954 года в возрасте 47 лет. Картина — натюрморт с арбузами, популярным символом Дня мертвых, который отмечается в Мексике. Арбузы часто встречаются и в работах других мексиканских художников.

Эдуард Мане — «Бар в „Фоли-Бержер“» (1882)

Эдуард Мане (1832–1883) — французский художник, ставший первым в XIX веке, кто писал современность, а также центральная фигура в переходе реализма к импрессионизму. Его последней картиной стала «Бар в „Фоли-Бержер“», законченная в 1882 году, за год до того, как он умер от гангрены после ампутации стопы. Картина изначально принадлежала композитору Эммануэлю Шабрие, соседу Мане, который повесил ее над своим фортепиано.

Рембрандт — «Симеон во храме» (неоконченная) (1669)

Эта картина Рембрандта ван Рейна (1606-1669) была найдена неоконченной в его мастерской до скоропостижной смерти художника в возрасте 63 лет. Сейчас она выставлена в Национальном музее в Стокгольме. На картине изображен пожилой мужчина, держащий на руках ребенка. Художник ранее обращался к этому сюжету дважды. Работа иллюстрирует фрагмент псалма Евангелия от Луки, в котором Мария и Иосиф приносят младенца Иисуса в храм в Иерусалиме. Персонаж на заднем плане, вероятно, был дорисован кем-то другим позже. Некоторые считают, что это Мария, хотя другие утверждают, что это Анна Пророчица.

Рафаэль — «Преображение» (1520)

Рафаэлло Санцо да Урбино (1483–1520), известный как Рафаэль, был итальянским художником и архитектором эпохи Высокого Ренессанса. Вместе с Микеланджело и Леонардо да Винчи он входит в троицу великих мастеров того времени. Его последней картиной стала «Преображение» (1520). Она была написана по заказу кардинала Джулиано де Медичи, который впоследствии стал папой Климентом VII (1523–1534). Сейчас эта работа выставлена в Ватиканской пинакотеке.

Анри Матисс — «Сноп» (одна из последних работ) (1953)

Анри Матисс (1869-1954) был знаковым и очень влиятельным французским художником первой половины XX века, наиболее известным благодаря экспрессивным цветам и формам направления в живописи, получившего название «фовизм». Его последней работой стала «Сноп» (1953), фрагмент керамической плитки, вставленной в гипс. Сейчас эта работа выставлена в Музее искусств округа Лос-Анджелес (LACMA).

Караваджо — «Мученичество Святой Урсулы» (1610)

Микеланджело Меризи да Караваджо (1571–1610) — итальянский художник, чье творчество характеризуется эффектным использованием игры света и тени. В период обучения на него повлияла живопись барокко. Его последней картиной принято считать «Мученичество Святой Урсулы». Сейчас она входит в коллекцию Интеза Санпаоло галереи дворца Зеваллос-Стильяно в Неаполе. Караваджо умер в 1610 году, отправившись за прощением к папе римскому из-за своей причастности к смерти молодого человека на дуэли четыре года ранее. Обстоятельства его смерти неясны, но считается, что он умер от лихорадки.

Рене Магритт — «Империя света» (неоконченная) (1967)

Рене Франсуа Гислен Магритт — бельгийский художник-сюрреалист. Он наиболее известен остроумными и наводящими на размышления картинами. Художник продолжал работать до своей смерти в 1967 году. Его последняя, неоконченная работа называется «Империя света». Картину заказал немецкий коллекционер из Кёльна, но так и не получил ее, потому что она оставалась на мольберте в доме художника в Брюсселе до смерти его супруги Жоржетты в 1986 году.

Питер Брейгель Старший — «Буря» (1569)

Питер Брейгель Старший (1525-1569) — нидерландский художник эпохи Ренессанса, известный сельскими сценами и пейзажами. Его последняя работа «Буря» — неоконченная картина маслом по дереву, на которой изображены корабли на высоких штормовых волнах. Сейчас она выставлена в Художественно-историческом музее в Вене.

Энди Уорхол — «Тайная вечеря» (1986)

Энди Уорхол (1928-1987) — американский художник и знаковая фигура направления в визуальном искусстве, ставшего известным как поп-арт. Его работы исследуют взаимоотношения между культом знаменитостей, творческим самовыражением и рекламой. Его последняя серия картин под названием «Тайная вечеря» была создана в конце 1986 года. Сейчас она выставлена в Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке. Серия была заказом, и идея была придумана покойным парижским галеристом Александром Иоласом, который договорился, что работу оплатит миланский банк Credito-Valtellinese. Картины повесили в новом офисе банка, прямо напротив церкви Санта-Мария-делле-Грацие, где висит благородный оригинал кисти Леонардо да Винчи. Уорхол часто использовал коммерческие репродукции в качестве источника материала.

Эдгар Дега — «Две танцовщицы в желтом и розовом» (1910)

Эдгар Дега был французским художником, известным своими картинами, скульптурами, рисунками и гравюрами. Его часто ассоциируют с темой танца: на большей части его работ изображены танцовщицы в том или ином виде. Считается, что «Две танцовщицы в желтом и розовом» — это его последняя картина пастелью, которую он создал, когда уже почти потерял зрение. У Дега ухудшалось зрение с 36 лет, а к 40 годам он потерял центральное зрение из-за дегенерации сетчатки. Художник скончался в 1917 году в возрасте 83 лет.

Иероним Босх — «Христос, несущий крест» (1535)

Иероним Босх (1450-1516) хорошо известен своими изображениями ада и загробной жизни, и его последняя работа не исключение. Картина под названием «Христос, несущий крест» (1490) — жесткое обвинение человеческому злу. Девятнадцать голов плотно прижаты одна к другой, лица звероподобны и ужасны. Возле Христа человеческий облик сохранили только добрый вор и Святая Вероника, чье пассивное выражение лиц отделяет их от окружающих персонажей.

Бартоломе Эстебан Мурильо — «Мистическое обручение святой Екатерины» (1682)

Бартоломе Эстебан Мурильо — испанский художник эпохи барокко. Он родился в Севилье в 1617 году и умер в апреле 1682 года. Большего всего Мурильо известен картинами по библейским сюжетам, однако он также много писал современных ему женщин и детей. Его последняя работа — «Мистическое обручение святой Екатерины» (около 1682), написанная для алтаря церкви Святой Каталины в Кадисе. Тем не менее его биографы утверждают, что в действительности картина была закончена рукой другого художника. Мурильо упал с лесов во время работы и через несколько месяцев умер, предположительно — от полученных травм, и поэтому картину закончили его ученики.

Поль Сезанн — «Садовник Валье» (1906)

Поль Сезанн (1839-1906) — французский художник-постимпрессионист. В период с 1902 по 1906 год он создал несколько портретов Валье, садовника в его студии Ле Лов. Работа, написанная в 1906 году, которую можно сравнить с поздними портретами Рембрандта как по мрачному настроению, так и по яркой и грубой технике исполнения, считается последней картиной художника.

Тициан — «Пьета» (1576)

Тициано Вечелли, известный как Тициан, — итальянский художник, родившийся в 1490 году. Он считается одним из самых многогранных итальянских художников, поскольку писал и пейзажи, и портреты, и мифологические, и библейские сюжеты. Тициан умер от лихорадки во время эпидемии чумы в Венеции в 1576 году. Его последняя картина «Пьета» — выразительная ночная сцена страдания.

Альбрехт Дюрер — «Четыре апостола» (1526)

Альбрехт Дюрер — художник и гравер эпохи германского Ренессанса, родившийся в Нюрнберге. Дюрер завоевал репутацию и влияние по всей Европе, когда ему было всего двадцать с небольшим, благодаря ксилогравюрам. Однажды он сказал: «Когда человек посвящает себя искусству, многих бед он избежит, если не будет бездельничать». Его последняя работа — живописное панно «Четыре апостола». В 1627 году картину приобрел курфюрст Баварии Максимилиан I. С тех пор картина находится в Мюнхене, и, несмотря на усилия нюрнбергских властей с 1806 года, работу так и не вернули в родной город художника.

Пит Мондриан — «Победа буги-вуги» (1944)

Питер Корнелис (Пит) Мондриан — нидерландский художник и представитель абстрактного художественного направления «Де Стейл» (неопластицизм), основанного Тео ван Дусбургом. Мондриан рисовал на белом фоне основу из вертикальных и горизонтальных черных линий, после чего использовал три основных цвета. Художник скончался от пневмонии в 1944 году. «Победа буги-вуги» — его последняя, неоконченная работа. С 1998 года она является частью коллекции Муниципального музея Гааги. Картину купили за 80 миллионов гульденов (около 35 миллионов евро) у американского коллекционера Сэмьюэла Ирвинга Ньюхауса.