Кто учил Рафаэля, Леонардо и Микеланджело: забытые художники Ренессанса

Восхищаясь гениальными художниками эпохи Ренессанса, мы нередко забываем о тех, кто научил их живописи и ваянию, кто показал, как сохранить для вечности такую изменчивую и преходящую красоту. А ведь учителя выдающихся творцов Возрождения и сами были одаренными людьми, знаменитыми художниками. Они мечтали передать свой опыт и знания молодому поколению – и оказались в тени славы своих учеников…


Фра Филиппо Липпи – учитель Боттичелли


Липпи в пятнадцатилетнем возрасте принял монашеский обет - «фра» в его имени означает «брат». Глядя на трогательных Мадонн, созданных им, невозможно даже представить, какой безумной была биография художника. В двадцать четыре года он сбежал из монастыря, хотя практически всю жизнь продолжал носить иноческие одежды.

Мадонна с младенцем

Богоматерь с Младенцем на троне со святыми Франциском, Дамианом, Космой и Антонием Падуанским

По легенде, он побывал в плену у берберов и несколько лет провел в Африке. Нетрудно заметить, что все его Богоматери – на одно лицо, и это не идеальная непорочная дева, а реальная женщина … его жена. Монах Фра Филиппо Липпи был женат, мало того – он похитил прекрасную Лукрецию Бути из монастыря. Этот брак доставил обоим немало переживаний – Липпи тревожило то, что их союз не был признан законным (правда, вмешался Козимо Медичи, и папа римский освободил чету от монашеских обетов), а Лукрецию беспокоила безалаберность супруга. Его постоянно преследовали кредиторы, он регулярно ввязывался в авантюры и сомнительные предприятия…

Мадонну с младенцем Липпи писал со своей жены и сына

В живописи же Липпи был новатором. Он пропагандировал реализм и чувственность, отказывался от канонов и жестких правил в религиозной живописи и первым начал писать круглые картины – в дальнейшем эту композцию использовали многие флорентийские художники, в том числе и Боттичелли. Последний был учеником Липпи – и, по-видимому, натурщиком.

Андреа дель Верроккьо – учитель Леонардо


Андреа дель Верроккьо происходил из богатой семьи и получил образование как ювелир, однако занимался живописью, скульптурой и архитектурой. Его юность была омрачена случайным убийством сверстника, и его первой, правда, не сохранившейся, живописной работой был портрет погибшего юноши.

Христос со св. Фомой. Давид

Впрочем, в истории Верроккьо остался как скульптор. Самая ранняя из известных его работ – бронзовая статуя Давида. Утонченный, почти женственный, слегка нарциссичный юный победитель предстает перед зрителями с торжествующей улыбкой. Верроккьо одним из первых начал создавать статуи, которые сохраняли выразительность с любого ракурса. Верроккьо и его мастерская выполняли работы как для католической церкви, так и для светских заказчиков. Нежные ангелы и лиричные Мадонны соседствуют здесь с суровыми кондотьерами и блистательными представителями семейства Медичи.

Мадонна с младенцем. Товия с ангелом.

Верроккьо стал одним из провозвестников Ренессанса, соединял в своих работах античную чувственность и средневековый спиритуализм. Он не завел собственной семьи, отдавая все силы искусству и педагогике. Мастер много и талантливо преподавал, воспитав целое поколение мастеров Возрождения. В его мастерской постоянно велись жаркие споры о живописи, цвете, символике изображения.

Рисунок женской головы. Крещение Христа

Самым знаменитым учеником Верроккьо был Леонардо да Винчи. Молодой Леонардо принимал участие при создании некоторых работ учителя – как подмастерье. Известно, что Леонардо написал образ ангела для картины Верроккьо «Крещение Христа». Сохранившиеся рисунки Верроккьо однозначно указывают на то, что мастерство владения серебряным карандашом великий Леонардо унаследовал именно от него.

Доменико Гирландайо – учитель Микеланджело


Настоящая фамилия Гирландайо – Бигорди, и существует легенда, что его отец был изобретателем ювелирных «гирлянд», которые носили в волосах юные флорентийские модницы. Учился Доменико у вышеупомянутого Верроккьо.

Рождество Христово

Гирландайо был знаменит фресковыми циклами на библейские темы, где наряжал ветхозаветных и евангельских персонажей в современные ему одежды и досконально прорабатывал бытовые детали. Прообразами героев его картин служили знатные жители Флоренции, заказывавшие свои портреты «в роли» волхва или святого.

Встреча Марии и Елисаветы

Вместе со своим братом – в дальнейшем тот предпочел должность администратора в мастерской Доменико – он расписывал стены Ватиканской библиотеки. По приглашению Папы Сикста IV он участвовал в росписи Сикстинской капеллы. В дальнейшем Гирландайо, овеянный славой и буквально заваленный заказами, работал исключительно во Флоренции. Помимо фресок, он выполнял портреты и мозаики, а также руководил огромной мастерской, где выполнение заказов от церкви и знатных горожан было буквально поставлено на поток.

Портрет девушки. Портрет Джованны Торнабуони

Гирландайо был учителем одного из «титанов Возрождения» - Микеланджело. Правда, тот провел в мастерской Гирландайо лишь год в качестве подмастерья. Удивительно, но это имя – Микеланджело – принял в монашестве один из сыновей Гирландайо от второго брака.

Пьетро Перуджино – учитель Рафаэля


В отличие от своих коллег, Перуджино родился в бедной семье и всю свою юности провел едва ли не в нищете. Однако это не помешало ему снискать славу и богатство, которым он был совершенно неспособен распорядиться – ходили слухи, что всю жизнь он спал в сундуке, хотя и мог позволить себе более пристойное ложе.

allpainters.ru Мадонна и младенец со Св. Екатериной и Св. Розой. Портрет юноши

Сам Перуджино учился все у того же Верроккьо, а затем побывал в ученичестве у самого Леонардо да Винчи. Вместе с Гирландайо и Боттичелли участвовал в работе над росписями Сикстинской капеллы. Его фреска «Вручение ключей святому Петру» демонстрирует виртуозное владение перспективой и отличается реалистичностью типажей, мимики и жестикуляции персонажей. В то же время Перуджино – мастер лирических образов. Его нежные золотоглазые святые и Мадонны взирают на зрителей с мягким укором.

Мадонна с младенцем в окружении ангелов, св. Розы и св. Екатерины.

Перуджино возглавлял большую мастерскую, но самым его прославленным – и, вероятно, самым любимым – учеником был Рафаэль. Перуджино было суждено пережить своего ученика на четыре года. Ему выпала нелегкая, хотя и благородная, участь – завершить работы Рафаэля для церкви в Перудже.

Текст: Софья Егорова
Источник: kulturologia.ru
Поделись
с друзьями!
931
2
15
4 месяца

Художники - о высших материях

Как художники прошлого рассказывали о высших материях: Справедливость, тщеславие, бег времени и не только в аллегоричных образах.

Великая способность изобразительного искусства показывать невидимое глазу – это в первую очередь об аллегориях. Как написать на холсте власть? Бег времени? Справедливость? Безысходность? Как отобразить мировоззрение художника, не используя слов, а прибегая лишь к тем возможностям, что дают кисти и краски? Аллегории обычно обращены к зрителям, владеющим определенным уровнем знаний либо готовым эти знания получить, ведь многие иносказания основаны на элементах мифологии, философии, истории искусства и истории человечества. Для людей сведущих смысл старинных холстов раскрывается по-новому, и становится понятнее феномен бессмертия искусства и его востребованности в любую эпоху и в любых исторических условиях.

Аллегории – почему и как они возникают


А. Питерс ван де Венне. «Аллегория тщеславия»

Живопись в силах воплотить любой образ, в том числе и все, что могут выразить слова – такой подход существовал уже во времена Возрождения. В случае, когда от художника требуется запечатлеть чье-то лицо, или композицию из нескольких предметов на столе, или природное явление, все более-менее понятно: на холст переносится то, что видит глаз, – с неминуемым субъективным искажением увиденного, просто потому, что автор - человек.

Дж. Вазари «Аллегория непорочного зачатия»

Однако же иногда мастерам приходится выполнять другие запросы – от заказчиков ли, а может, и от себя самих – написать нечто абстрактное, создать художественный образ какой-либо идеи, философского понятия, того, что существует, но по своей природе нематериально. Постмодернисты решили эту задачу, отпустив на волю и фантазию, и художественные средства самовыражения, объявляя художника полностью свободным в его деятельности. А вот мастера прошлых эпох в искусстве оставались верны и себе, и существовавшим в их времена традициям.

С. Вуэ «Аллегория богатства»

Растения, животные, люди, предметы – это те инструменты, с помощью которых аллегория воплощалась на холсте, и если художник достигал своей цели, то впечатление зрителя от картины соответствовало тому, что вкладывал в нее мастер. Либо же – и довольно часто – шедевра не получалось, а картина становилась одной из неудачных аллегорий.
Первоначально аллегория зарождалась там, где говорить напрямую о явлении было нельзя или даже опасно, и в первую очередь она воплощалась в литературе. Множеством аллегорий наполнено искусство Древнего Востока. В Египте прибегали к изображению богов с человеческими телами и головами разных животных – так аллегорически показывали смерть, или власть, или вечность.

По всей видимости, и Большой Сфинкс, и пирамиды - тоже аллегории

Благодаря Аристотелю появился термин «троп» и вообще философское описание переноса значения одного предмета на другой; это стало основой в том числе и дальнейшего развития изобразительного искусства.

Голубь, собака и другие примеры аллегорий


Если итальянский Ренессанс лишь прокладывал дорогу аллегориям в живописи, то в эпоху барокко без этого художественного приема уже практически не обходилось: главным поставщиком образов для картин становились античные и христианские мифы, а порой – и их смешение. Свою роль сыграло и то, что аллегории, метафоры, иносказания в изобразительном искусстве любили многие из меценатов и заказчиков, да и сами художники охотно использовали возможности такого подхода для отражения собственных философских и жизненных воззрений, материализации своих страхов, надежд и устремлений.

Ф. Бароччи. «Мадонна дель Пополо». На картине можно увидеть голубя - символ Святого Духа

Любой жанр живописи способен вместить аллегорическое послание мастера – в том числе и натюрморт, и портрет, и пейзаж. Часто можно встретить традиционные, привычные образы, в которых художники зашифровывали абстрактные понятия: например, собака символизировала верность, голубь воплощал образ Святого Духа, женщина с весами и с повязкой на глазах – справедливость или правосудие, корабль, идущий по морю – чей-либо жизненный путь.

Ян Вермеер «Аллегория живописи»

«Аллегория живописи» Яна Вермеера стала любимейшей картиной художника: с ней он не расставался до самой смерти, несмотря на проблемы с деньгами. Это произведение украшало мастерскую и отражало то, что Вермеер считал сущностью своего рода деятельности. Книжный том символизирует теоретические знания об искусстве, маска, возможно, намекает на подражание великим учителям, а модель, чью фигуру скрывают античные драпировки, олицетворяет собой славу художника.

Аллегории на картинах других великих художников


П.П. Рубенс «Счастье регентства»

К аллегориям можно относить не только полотна, напрямую сообщающие зрителю о своей сущности – как «Аллегория добродетелей» и «Аллегория пороков» Корреджо. Когда в 1622 году французская королева Мария Медичи, мать Людовика XIII, заказала Рубенсу цикл больших картин, который рассказывал бы о главных эпизодах ее жизни, именно к аллегорическим образам и прибегнул великий нидерландский живописец. Королева предстает перед зрителем в образе античной богини, окруженная персонажами из греческой мифологии, в руке у нее символ правосудия, у ног – поверженные пороки. Каждое из полотен этой серии несет определенное настроение и смысл, передаваемое с помощью аллегорических приемов.

С. Боттичелли «Сила»

Сандро Боттичелли выразил идею силы в образе девушки, черты лица которой напоминают его же ранних мадонн – но в этом случае ее облик отличается большей жесткостью и упрямством.

П. Брейгель «Лень»

Мастером аллегории был Питер Брейгель Старший, в числе его работ – цикл гравюр, которые иллюстрируют семь смертных грехов. Лень показана через изображения улиток, спящих людей, медленно ползающих животных, игральные кости, которыми заняты те, кто просиживает в таверне – и еще множество символов, далеко не все из которых имеют общепризнанное толкование.

Н. Пуссен. Автопортрет

Как правило, аллегоричность образа и натуралистичность исключают друг друга, при использовании метафор в живописи художник часто прибегает к идеализации в ущерб портретному сходству. Но вот автопортрет Никола Пуссена, в котором аллегорически показана способность живописца проникать в суть вещей – ее символизирует изображенное слева лицо женщины – музы – в профиль, как бы демонстрируя «третий глаз». Руки, протянутые к женщине в стремлении обнять, символизируют любовь художника к искусству, а все вместе передает то, как ощущал себя Пуссен в деле своей жизни.


А вот «Натюрморт с шахматной доской» Любена Божена сочетает образы предметов, которые вместе являются аллегорией пяти человеческих чувств. Ноты и музыкальные инструменты символизируют слух, зеркало – зрение, шахматная доска, карты, кошелек – осязание, цветы – обоняние, хлеб и вино – вкус.
Источник: kulturologia.ru
Поделись
с друзьями!
803
5
10
7 месяцев

Последние картины великих художников. Часть I

Вы когда-нибудь задумывались о том, какая картина стала последней в жизни того или иного знаменитого художника? Так вот, не нужно гадать, потому что мы собрали для вас галерею последних шедевров самых известных художников, от Пикассо до Матисса, от Караваджо до Рафаэля.

Клод Моне — декорация «Водяные лилии» (1926)



«Великие декорации» (1920-1926) — это коллекция фресок, ставших последними работами Клода Моне. На них изображены его любимые водяные лилии. Он рисовал их, когда уже почти потерял зрение. По мере того как зрение художника ухудшалось из-за катаракты, в его работах свежие и яркие цвета сменялись на размытые насыщенные коричневые и красные тона. В письмах друзьям он писал, как блекнут цвета и как ему трудно отличать их, и поэтому ему приходилось подписывать тюбики с краской. Моне хотел, чтобы после смерти его похоронили как простого человека: «Прежде всего, помните, что я не хочу ни цветов, ни венков. Это пустые почести. Было бы кощунством нарвать цветы в моем саду ради такого случая».

Пабло Пикассо — последний автопортрет (1972)



Последний известный автопортрет Пикассо называется метко — «Лицом к смерти». Он нарисовал его цветными мелками на бумаге в 1972 году, менее чем за год до смерти. Пикассо работал до самой смерти в 91 год. Он рисовал до трех часов утра в воскресенье 8 апреля и закончил лишь за несколько часов до ухода в мир иной.

Сальвадор Дали — «Ласточкин хвост» (1983)



Сальвадор Дали завершил свою последнюю картину весной 1983 года. Работа называется «Ласточкин хвост», и это последнее произведение в серии на основе теории катастроф, разработанной французским математиком Рене Томом в 1960-х. Теория катастроф — раздел математики, изучающий, как малые изменения в обстоятельствах могут повлечь за собой внезапные сдвиги в событиях. Картина была попыткой Дали отобразить свое понимание этой математической теории. Сальвадор Дали скончался в 1989 году в возрасте 84 лет.

Винсент Ван Гог — «Корни деревьев» (1890)



«Пшеничное поле с воронами» (1890) часто называют последней работой Винсента Ван Гога. Возможно, потому, что этот пейзаж в действительности стал местом, где художник встретил свою смерть, совершив самоубийство. Тем не менее с большей вероятностью его последней картиной стала «Корни деревьев», написанная в Овер-сюр-Уаз немногим после того, как Ван Гог покинул лечебницу в Сен-Реми.

Густав Климт — «Невеста» (1918)



Густав Климт так и не закончил свою последнюю картину под названием «Невеста» (1917-1918), но его незавершенная работа дает нам удивительную возможность взглянуть изнутри на технику художника и его скрытые желания. На картине изображены обнаженные женщины, потому что Климт умер до того, как успел нарисовать им одежду. Это говорит о зацикленности на теме секса, которая скрыта под поверхностью других картин художника.

Фрида Кало — «Да здравствует жизнь! (Арбузы)» (1954)



«Да здравствует жизнь!» (Viva la vida) — это последняя работа мексиканской художницы Фриды Кало. Она закончила ее за восемь дней до того, как умерла 13 июля 1954 года в возрасте 47 лет. Картина — натюрморт с арбузами, популярным символом Дня мертвых, который отмечается в Мексике. Арбузы часто встречаются и в работах других мексиканских художников.

Эдуард Мане — «Бар в „Фоли-Бержер“» (1882)



Эдуард Мане (1832–1883) — французский художник, ставший первым в XIX веке, кто писал современность, а также центральная фигура в переходе реализма к импрессионизму. Его последней картиной стала «Бар в „Фоли-Бержер“», законченная в 1882 году, за год до того, как он умер от гангрены после ампутации стопы. Картина изначально принадлежала композитору Эммануэлю Шабрие, соседу Мане, который повесил ее над своим фортепиано.

Рембрандт — «Симеон во храме» (неоконченная) (1669)



Эта картина Рембрандта ван Рейна (1606-1669) была найдена неоконченной в его мастерской до скоропостижной смерти художника в возрасте 63 лет. Сейчас она выставлена в Национальном музее в Стокгольме. На картине изображен пожилой мужчина, держащий на руках ребенка. Художник ранее обращался к этому сюжету дважды. Работа иллюстрирует фрагмент псалма Евангелия от Луки, в котором Мария и Иосиф приносят младенца Иисуса в храм в Иерусалиме. Персонаж на заднем плане, вероятно, был дорисован кем-то другим позже. Некоторые считают, что это Мария, хотя другие утверждают, что это Анна Пророчица.

Рафаэль — «Преображение» (1520)



Рафаэлло Санцо да Урбино (1483–1520), известный как Рафаэль, был итальянским художником и архитектором эпохи Высокого Ренессанса. Вместе с Микеланджело и Леонардо да Винчи он входит в троицу великих мастеров того времени. Его последней картиной стала «Преображение» (1520). Она была написана по заказу кардинала Джулиано де Медичи, который впоследствии стал папой Климентом VII (1523–1534). Сейчас эта работа выставлена в Ватиканской пинакотеке.

Анри Матисс — «Сноп» (одна из последних работ) (1953)



Анри Матисс (1869-1954) был знаковым и очень влиятельным французским художником первой половины XX века, наиболее известным благодаря экспрессивным цветам и формам направления в живописи, получившего название «фовизм». Его последней работой стала «Сноп» (1953), фрагмент керамической плитки, вставленной в гипс. Сейчас эта работа выставлена в Музее искусств округа Лос-Анджелес (LACMA).

Караваджо — «Мученичество Святой Урсулы» (1610)



Микеланджело Меризи да Караваджо (1571–1610) — итальянский художник, чье творчество характеризуется эффектным использованием игры света и тени. В период обучения на него повлияла живопись барокко. Его последней картиной принято считать «Мученичество Святой Урсулы». Сейчас она входит в коллекцию Интеза Санпаоло галереи дворца Зеваллос-Стильяно в Неаполе. Караваджо умер в 1610 году, отправившись за прощением к папе римскому из-за своей причастности к смерти молодого человека на дуэли четыре года ранее. Обстоятельства его смерти неясны, но считается, что он умер от лихорадки.

Рене Магритт — «Империя света» (неоконченная) (1967)



Рене Франсуа Гислен Магритт — бельгийский художник-сюрреалист. Он наиболее известен остроумными и наводящими на размышления картинами. Художник продолжал работать до своей смерти в 1967 году. Его последняя, неоконченная работа называется «Империя света». Картину заказал немецкий коллекционер из Кёльна, но так и не получил ее, потому что она оставалась на мольберте в доме художника в Брюсселе до смерти его супруги Жоржетты в 1986 году.

Питер Брейгель Старший — «Буря» (1569)



Питер Брейгель Старший (1525-1569) — нидерландский художник эпохи Ренессанса, известный сельскими сценами и пейзажами. Его последняя работа «Буря» — неоконченная картина маслом по дереву, на которой изображены корабли на высоких штормовых волнах. Сейчас она выставлена в Художественно-историческом музее в Вене.

Энди Уорхол — «Тайная вечеря» (1986)



Энди Уорхол (1928-1987) — американский художник и знаковая фигура направления в визуальном искусстве, ставшего известным как поп-арт. Его работы исследуют взаимоотношения между культом знаменитостей, творческим самовыражением и рекламой. Его последняя серия картин под названием «Тайная вечеря» была создана в конце 1986 года. Сейчас она выставлена в Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке. Серия была заказом, и идея была придумана покойным парижским галеристом Александром Иоласом, который договорился, что работу оплатит миланский банк Credito-Valtellinese. Картины повесили в новом офисе банка, прямо напротив церкви Санта-Мария-делле-Грацие, где висит благородный оригинал кисти Леонардо да Винчи. Уорхол часто использовал коммерческие репродукции в качестве источника материала.

Эдгар Дега — «Две танцовщицы в желтом и розовом» (1910)



Эдгар Дега был французским художником, известным своими картинами, скульптурами, рисунками и гравюрами. Его часто ассоциируют с темой танца: на большей части его работ изображены танцовщицы в том или ином виде. Считается, что «Две танцовщицы в желтом и розовом» — это его последняя картина пастелью, которую он создал, когда уже почти потерял зрение. У Дега ухудшалось зрение с 36 лет, а к 40 годам он потерял центральное зрение из-за дегенерации сетчатки. Художник скончался в 1917 году в возрасте 83 лет.

Иероним Босх — «Христос, несущий крест» (1535)



Иероним Босх (1450-1516) хорошо известен своими изображениями ада и загробной жизни, и его последняя работа не исключение. Картина под названием «Христос, несущий крест» (1490) — жесткое обвинение человеческому злу. Девятнадцать голов плотно прижаты одна к другой, лица звероподобны и ужасны. Возле Христа человеческий облик сохранили только добрый вор и Святая Вероника, чье пассивное выражение лиц отделяет их от окружающих персонажей.

Бартоломе Эстебан Мурильо — «Мистическое обручение святой Екатерины» (1682)



Бартоломе Эстебан Мурильо — испанский художник эпохи барокко. Он родился в Севилье в 1617 году и умер в апреле 1682 года. Большего всего Мурильо известен картинами по библейским сюжетам, однако он также много писал современных ему женщин и детей. Его последняя работа — «Мистическое обручение святой Екатерины» (около 1682), написанная для алтаря церкви Святой Каталины в Кадисе. Тем не менее его биографы утверждают, что в действительности картина была закончена рукой другого художника. Мурильо упал с лесов во время работы и через несколько месяцев умер, предположительно — от полученных травм, и поэтому картину закончили его ученики.

Поль Сезанн — «Садовник Валье» (1906)



Поль Сезанн (1839-1906) — французский художник-постимпрессионист. В период с 1902 по 1906 год он создал несколько портретов Валье, садовника в его студии Ле Лов. Работа, написанная в 1906 году, которую можно сравнить с поздними портретами Рембрандта как по мрачному настроению, так и по яркой и грубой технике исполнения, считается последней картиной художника.

Тициан — «Пьета» (1576)



Тициано Вечелли, известный как Тициан, — итальянский художник, родившийся в 1490 году. Он считается одним из самых многогранных итальянских художников, поскольку писал и пейзажи, и портреты, и мифологические, и библейские сюжеты. Тициан умер от лихорадки во время эпидемии чумы в Венеции в 1576 году. Его последняя картина «Пьета» — выразительная ночная сцена страдания.

Альбрехт Дюрер — «Четыре апостола» (1526)



Альбрехт Дюрер — художник и гравер эпохи германского Ренессанса, родившийся в Нюрнберге. Дюрер завоевал репутацию и влияние по всей Европе, когда ему было всего двадцать с небольшим, благодаря ксилогравюрам. Однажды он сказал: «Когда человек посвящает себя искусству, многих бед он избежит, если не будет бездельничать». Его последняя работа — живописное панно «Четыре апостола». В 1627 году картину приобрел курфюрст Баварии Максимилиан I. С тех пор картина находится в Мюнхене, и, несмотря на усилия нюрнбергских властей с 1806 года, работу так и не вернули в родной город художника.

Пит Мондриан — «Победа буги-вуги» (1944)



Питер Корнелис (Пит) Мондриан — нидерландский художник и представитель абстрактного художественного направления «Де Стейл» (неопластицизм), основанного Тео ван Дусбургом. Мондриан рисовал на белом фоне основу из вертикальных и горизонтальных черных линий, после чего использовал три основных цвета. Художник скончался от пневмонии в 1944 году. «Победа буги-вуги» — его последняя, неоконченная работа. С 1998 года она является частью коллекции Муниципального музея Гааги. Картину купили за 80 миллионов гульденов (около 35 миллионов евро) у американского коллекционера Сэмьюэла Ирвинга Ньюхауса.
Источник: Bigpicture
Поделись
с друзьями!
1144
6
30
11 месяцев

8 реальных мест с известных картин, которые вы можете посетить сегодня

Вы хотели когда-нибудь почувствовать себя персонажем известной картины? Оказаться «внутри» знаменитого произведения искусства? Оказывается, это возможно! Посмотрите на эту подборку реальных мест, которые были запечатлены на известных картинах и сохранились до сих пор!


1. Café La Nuit (Винсент ван Гог. «Ночная терраса кафе»)


В 1888 г. Ван Гог посетил Арль, живописный город на юге Франции. Здесь он написал многие знаменитые картины, в том числе «Ночную террасу кафе».

Картина, на которой мы видим светящееся кафе на фоне звездного неба, изображает сентябрьский вечер на площади Форум в центре города. «На террасе, — писал Ван Гог в письме своей сестре, — несколько выпивающих людей. Огромный желтый фонарь освещает террасу, фасад, тротуар и даже прожекторы над булыжником улицы, которая приобретает фиолетово-розовый оттенок».

Фото: Kelly Richman-Abdou / My Modern Met

Сегодня вы можете увидеть кафе как раз с того места, где художник когда-то установил свой мольберт. Кстати, теперь оно называется Café La Nuit, или Café van Gogh

2. Мастерская Сезанна (Серия натюрмортов Поля Сезанна)



Как и Ван Гог, Поль Сезанн нашел своё вдохновение на идиллическом юге Франции. Правда, в отличие от голландского художника, здесь он родился и вырос, а Экс-ан-Прованс был его домом значительную часть жизни. Здесь Сезанн превратил старый сельский дом в солнечную студию, в которой и написал несколько известных натюрмортов, в том числе «Натюрморт с гипсовым Купидоном». Сегодня туристы могут посетить эту студию и увидеть мебель и художественные принадлежности Сезанна.


3. Вид из Парка художников в Провансе (Серия картин Поля Сезанна «Гора Сент-Виктуар»)



Сезанн написал не менее 87 картин (44 картины маслом и 43 акварели), изображающих горную гряду Сент-Виктуар в окрестностях Экс-ан-Прованса. Большинство этих работ были написаны с обзорной площадки, расположенной неподалеку от студии художника. Сегодня это место известно как «Парк художников», и попасть в него можно по «Тропе Сезанна».


4. Сад Моне в Живерни («Пруд с лилиями» и «Японский мостик» Моне)



Импрессионист Клод Моне остановился в Живерни, коммуне на севере Франции, в 1883 году. Здесь художник создал «самый прекрасный шедевр» — собственный сад. В этот личный рай Моне не раз приезжали погостить его коллеги-художники — Сезанн, Анри Матисс, Камиль Писсарро и другие. Они привозили ему в подарок растения, зная о его садоводческой страсти. Так, к примеру, у Моне появились древовидные пионы из Японии. С годами сад разрастался: Моне приобрел участок болотистой земли рядом, где протекал небольшой ручей. Художник создал на этом месте пруд и высадил кувшинки разных сортов, плакучие ивы, ирисы и бамбук, розы и рододендроны. Через пруд были переброшены несколько мостиков, самый известный из которых — увитый глицинией японский мост. Его Моне часто изображал на своих полотнах. Здесь и сегодня можно прогуляться по любимым пейзажам французского живописца.


5. Вестминстерский дворец (серия картин Моне «Парламент в Лондоне)



Из своего прекрасного сада Моне периодически выбирался в Лондон. В окутанной туманами столице Англии он написал 25 эскизов Вестминстерского дворца, проведя своего рода экспериментальное исследование меняющего цвет неба и его отражения в Темзе. Эта художественная задача, по его словам, стала «ежедневной одержимостью, удовольствием и мучением».


Считается, что эти работы Моне писал с террасы на втором этаже больницы Сент-Томас. Хотя сегодня сложно пробраться в это место, прогулка вдоль берегов Темзы позволяет рассмотреть примерно такие же виды, какие запечатлел в свое время художник.

6. Ресторан Фурнез (Пьер Огюст Ренуар. «Завтрак гребцов»)




Пьер Огюст Ренуар написал «Завтрак гребцов» в ресторане Фурнез, расположенном на острове на реке Сена, в Шату, немного к западу от Парижа. Ренуар любил это место — здесь родился не только «Завтрак гребцов», но и некоторые другие картины. Ресторан долгое время был закрыт (с 1906 по 1990 годы), но сейчас он снова приглашает гостей насладиться «радостями импрессионизма».


7. Вальхалвейен Роуд (Эдвард Мунк. «Крик»)


С 1893 по 1910 год Эдвард Мунк работал над серией картин «Крик». На них изображен кричащий в отчаянии человек на фоне кроваво-красного неба.


На этот пейзаж Мунка вдохновила прогулка, которую он описал в своем дневнике: «Я шел по тропинке с двумя друзьями — солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фьордом и городом — мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу».


Принято считать, что «тропинка», упомянутая Мунком, расположена на Вальхалвейен Роуд. Отсюда открывается вид Осло-фьорда с холма Экеберг в Христиании, который угадывается в пейзаже.

8. Дом Диббла (Грант Вуд. «Американская готика»)


Американский художник Грант Вуд написал «Американскую готику» в 1930 году. Мрачные люди на фоне белого дома стали одним из самых узнаваемых образов в американском искусстве XX века.


Многие считают, что пара, увековеченная Вудом, на самом деле фермеры. Однако художник изобразил свою сестру и личного дантиста, тщательно подобрав им соответствующий гардероб.


Дом в стиле плотницкой готики, на фоне которого мы и стоят пуританского вида персонажи, расположен в Элдоне (штат Огайо). Теперь здесь находится музей, где посетителям настолько рады, что предоставляют одежду и реквизит для фото в образе «Американской готики».

Из: My Modern Met
Источник: mymodernmet.com
Поделись
с друзьями!
771
5
26
12 месяцев

Санкт-Петербург глазами современных художников

У каждого города есть своя индивидуальная черта, являющаяся своеобразной визитной карточкой. В Питере - это Его Величество Петербургский мост. Через многочисленные реки, каналы, озера и пруды Санкт-Петербурга их перекинуто более трехсот.
Стрелка Васильевского острова. Автор: Бэгги Боем.
Поэтому увидеть мосты «северной Венеции» — равнозначно тому, что очень близко познакомиться с городом. И эти удивительные сооружения, наполненные романтикой и историческим духом, всегда были, есть и будут излюбленной темой питерских живописцев и поэтов.
Нева, белые ночи. Автор: Бэгги Боем.
Весьма необычен город и его окрестности, расположенные между девяносто трех рек, рукавов, протоков и каналов, а еще между ста озёр, прудов, искусственных водоёмов. Воистину Питер можно назвать «северной Венецией», где весь город и его близлежащая территория соединена между собой более чем 800 мостами. Из них непосредственно в самом Петербурге возведено ни много, ни мало - 342 моста.
Мойка, вечер. Поцелуев мост. Автор: Бэгги Боем.
И каких инженерных строений здесь только не увидишь... Одним из первых постоянных мостов через Неву является Благовещенский - 1850 года постройки. Есть и самый длинный мост - Большой Обуховский - почти в три километра, и самый широкий - Синий мост через Мойку, раскинувшийся почти на 100 метров вширь. Ну и знаменитые разводные мосты, самый длинный из которых более чем 600 метров, названный в честь Александра Невского.
Эрмитажный мост. Автор: Сергей Сиделев.

Поцелуев мост


Этот мост с интригующим названием соединяет два острова Казанский и 2-й Адмиралтейский. И свое легендарное название носит ни от того, что здесь любили целоваться влюбленные, а от фамилии купца Поцелуева, хозяина популярного питейного заведения «Поцелуй».
Поцелуев мост. Автор: Бэгги Боем.
Однако дыма без огня не бывает... В народе издавна ходило поверье, что если при расставании поцеловать человека этом мосту, то он обязательно вернется. А ежели здесь поцелуются влюбленные, то они непременно будут счастливы, причем, чем длительнее будет поцелуй, тем долговечнее будет и их счастье. Уникальность этого моста и в том, что он считается памятником начала чугунного мостостроения.
Мойка зимой. Поцелуев мост. Автор: Бэгги Боем.

Египетский мост


Этот мост соединяет Лермонтовский проспект через реку Фонтанку. Древнеегипетские мифические звери - это единственный сохранившийся до наших дней архитектурный элемент от старого моста. В 1905 году здесь произошла трагедия. Конструкция, на которую въехала целая вереница повозок, не выдержав тяжести, обвалилась. И мост пришлось возводить заново.
Египетский мост. Автор: Сергей Сиделев.
Первоначально он имел архитектурные элементы, колонны, порталы, украшенные иероглифами переплетенными в причудливых орнаментах. При самом въезде гостей встречали сфинксы, вылитые из чугуна, на голове у которых стояли шестигранные фонари. Эта вся экзотика и дала название мосту - Египетский.

Аничков мост


Еще один мост - символ Питера, обросший легендами - Аничков. Многие считают, что назван он от уменьшительно-ласкательного женского имени Аничка. На самом же деле мост получил имя подполковника и инженера Михаила Аничкова, чьи батальоны во времена Петра I располагались за Фонтанкой, в Аничковой слободе.
Невский проспект, Аничков мост. Автор: Бэгги Боем.
Этот мост украшают четыре скульптурные композиции П. Клодта - «Укротители коней». Что интересно, приглядевшись можно заметить, что у скакунов, повернутых к Адмиралтейству, на копытах есть подковы. А вот у скульптур, глядящих на площадь Восстания, подковы отсутствуют. Объяснение здесь может быть одним - в 18 столетии на Литейном проспекте стояли кузницы. Поразмыслив, можно прийти к логичному выводу: подкованных лошадей ведут с кузницы, а неподкованных, наоборот.
Аничков мост. Автор: Сергей Сиделев.

Синий мост


Синий мост – весьма уникален, так как его ширина составляет 97,3 метра, что позволило ему получить звание самого широкого моста в мире. Он еще известен как мост-невидимка. Соединяя Исаакиевскую площадь с Вознесенским проспектом, он из-за своей ширины не воспринимается как мост, а как продолжение площади.

А синий - он потому, что давным-давно власти Петербурга, дабы отличать 4 однотипных построенных рядом моста, окрасили в разные цвета. Самому широкому достался синий цвет.
Синий мост. Автор: Бэгги Боем.

Красный мост


Красный мост - «брат» Синего моста, также выкрашен яркой краской. Его эстетический вид может показаться несколько грубоватым, по сравнению со многими другими изящными, ажурными питерскими мостами. Тем не менее его уникальность заключена в том, что из четырех схожих между собой мостов Мойки, он сохранился до наших дней в своем первозданном виде.
Красный мост. Автор: Сергей Сиделев.
Его вначале воздвигли еще в 1717 году из дерева и называли - «Белым». А почти через столетие деревянный мост был заменен металлическим и окрашен в красный цвет. И с тех пор он не менял свой облик.

Львиный и Банковский мосты

Львиный мостик. Автор: Бэгги Боем.
Известный Львиный мост через канал Грибоедова находится совсем вблизи от Банковского моста. Как и свой «сосед», этот мостик - совсем небольшое сооружение, созданное одним и тем же скульптором - П.П. Соколовым. Схожесть между ними заключена еще и в том, что как и грифоны банковского моста, так и львы, выполняют роль опор, соединенных цепями, поддерживающими конструкцию.
Банковский мост. Автор: Сергей Сиделев.
И если к Банковскому идут за решением денежных проблем: основываясь на поверье, мифические чудовища с позолоченными крыльями дарят свое покровительство тому, кто поцелует их выше хвоста или же положит любую монетку под лапу. Это один из трех уцелевших цепных мостов дореволюционного Петербурга. Ну а ко Львиному мостику идут скорее за романтической атмосферой.
Львиный мост. Автор: Сергей Сиделев.

Мост Ломоносова

Ломоносовский мост. Автор: Бэгги Боем.
Мост, расположенный на Фонтанке, до конца 18 века был деревянным и назывался "Чернышев" в честь известного графа Чернышева. Перестроен был по проекту инженера Перроне. И имел уникальную конструкцию: два крайних пролета были каменными, а центральный - деревянным, так как он раздвигался для пропуска судов.
Вечерний Ломоносовский мост. Автор: Бэгги Боем.
Долгие годы этот мост был одним из визитных карточек Санкт-Петербурга. А в средине 19 века суда по Фонтанке прекратили свое движение и раздвижную часть моста за ненадобностью заменили на постоянную. В наши дни он считается архитектурным памятником и охраняется государством.
Ломоносовский мост. Автор: Бэгги Боем.
Питер - это город творцов слова и кисти, который они представляют в своих творениях перед зрителем и читателем то в ненастной прохладной дымке, то в потоках дождя или хлопьях мокрого снега, но наполненного всегда "вечной романтикой и особым притягательным шармом бывшей столицы великого государства, столицей поэтов и художников, столицей великих людей и великих событий, которые изменяли судьбы целых народов".
У Никольского собора. Автор: Бэгги Боем.
"Путешествуя" по живописным мостам питерской художницы Бэгги Боем и живописца Сергея Сиделева, невольно вспомнились поэтические строки поэтессы Елены Рябцевой, посвященные питерским мостам.
У Пикалова моста. Автор: Бэгги Боем.
Мосты величием красуясь,
Соединяют берега.
Течет Нева, на них любуясь,
Сквозь дивный город, сквозь века.
Почтамтский мост. Автор: Сергей Сиделев.
В чугун, гранит мосты одеты,
В ажур решеток и оград.
Не раз поэтами воспеты
Мосты, что в городе стоят.
Теплый сентябрь. Автор: Бэгги Боем.
Каналы, реки и протоки...
И строго вниз взирают львы
С мостов и пристаней высоких
На воды хладные Невы.
Лебяжий мост. Автор: Сергей Сиделев.
Едва удерживает страсти
На Невском вечно суета
Созданий Клодта, черной масти,
Коней АнИчкова моста.
Улочка с видом на Исаакий. Автор: Бэгги Боем.
По берегам стоят пилоны,
Цепями скованы мосты.
Там златокрылые грифоны
На спины вскинули хвосты.
Петра Великого огнями,
В ночи сияет гладь реки.
Как крылья между берегами
И башни словно маяки.
Мойка. Вечер. Автор: Бэгги Боем.
Творенья мастеров великих
Санкт-Петербургские мосты
Стоят в веках и невских бликах
Шедевры дивной красоты.
Набережная Мойки. Автор: Бэгги Боем.
Певческий мост. Автор: Сергей Сиделев.
Прачечный мост. Автор: Сергей Сиделев.
Питерские художники - это особая каста творцов, воспевающая свой родной город, его неординарную красоту.
Источник: kulturologia.ru
Поделись
с друзьями!
1459
1
50
30 месяцев

Красный – это любовь, это кровь, это дьявол в ярости

Женщины в красном на картинах художников разных эпох
Ни для кого не секрет, что художники всех эпох, влюбленные в женскую красоту, трепетно воспевали ее на своих полотнах. А особенно чувственно и притягательно женщины выглядели на них в красных одеждах. И если заглянуть глубоко в историю живописи, то увидим огромное множество полотен мастеров кисти, посвященных загадочной женщине в красном.
Ни для кого не секрет, что художники всех эпох, влюбленные в женскую красоту, трепетно воспевали ее на своих полотнах. А особенно чувственно и притягательно женщины выглядели на них в красных одеждах. И если заглянуть глубоко в историю живописи, то увидим огромное множество полотен мастеров кисти, посвященных загадочной женщине в красном.

Культ красного



Красная гамма различных оттенков испокон веков считалась символом любви и страсти, а вместе с тем ассоциировалась во многих племенах с агрессией и опасностью.
Женщина в красном. Автор: Гоген Поль.
У каждого народа есть свое интуитивное восприятие различных цветов. Так, к примеру, у некоторых из них белый – цвет чистоты и невинности, а черный – печали, траура, горя. А у иных - все то же, только наоборот. А вот красный практически все население планеты воспринимает в первую очередь в любовно-сексуальном значении, а уж потом как цвет жертвенности и агрессивности.
Автор: Alexander John White.
При том при всем все восприятия цветов и отношение их с каким-либо чувствам и символам весьма абстрактно и противоречиво. Все в полной мере зависит от конкретных ассоциаций той или иной народности и их культуры.
Леди в красном. Автор: Frank Mason.
В наши дни красный цвет широко применим в восприятии любви, страсти и секса. Особенно ярко он эксплуатируется в современной западноевропейской культуре. Это и невинные сердечки на открытках ко дню влюбленных, и красные обтягивающе сексуальные платья на роковых женщинах в кинофильмах и на страницах глянцевых журналов, и красная помада, и, наконец «Кварталы красных фонарей».
Танцующая женщина в красном. Автор: Андрей Атрошенко.
Давно доказано, что о сексуальной символике красного человечество знало с незапамятных времен, когда не было ни красных одежд, ни красной помады. Так откуда же взялась эта пикантная символика, пришедшая из глубины веков? А объяснять тут можно не только в энергетическом, психологическом, а и в биологическом аспекте.
Женщина в красном. (1919). Автор: Архипов Абрам Ефимович.
Достаточно лишь вспомнить, что у самок некоторых приматов краснеют гениталии, когда они готовы к спариванию и размножению. И соответственно можно предположить, что у древних людей был такой же сигнал. Однако со временем люди стали прятать свои гениталии под одеждами и в качестве сигнала готовности к продолжению рода женщины начали использовать символический макияж и одежду.
Автор: Владимир Волегов.
Ученые не раз проводили различные эксперименты, чтобы выяснить как влияет на психологическое состояние мужчин красный. Им предоставлялась возможность оценить, насколько женщина расположена к романтическим отношениям. Эксперимент показал, что красные одежды побуждали мужчин завышать свои ожидания. В их понятии такая женщина была более склонна к близости, нежели женщина одетая в другого цвета одежды. И при том фасон наряда не играл абсолютно никакой роли: обтягивающее или свободное платье, рубаха или футболка — при любом раскладе красная одежда оказывалась более возбуждающей.
Художники: Михаил и Инесса Гармаш.
И что интересно, на красный реагируют и сами женщины с повышенной возбудимостью. Они видят в женщине в красном большую опасность как соперницы, нежели от женщины одетой в одежды другого цвета.
Автор: Kelvin Lei
Поэтому с уверенностью можно сказать, что красный имеет невероятное влияние на человека из-за своей рефлекторной способности вызывать у него природные инстинкты, а также "передавать нужные сигналы, как никакой другой цвет".

Удивительна природа женского очарования, которое всегда пленило живописцев и поэтов. Поэтому несметное количество картин и поэтических строк посвящено женщине, одетой в красное.
Портрет графини Варвары Головиной. 1798г. Автор: Виже-Лебрен.
Вспомнились пронзительные лирические строки Михаила Гуськова, наполненные страстью и драматизмом, о пресловутом красном платье.

Красный запретным казался,
Влек и отпугивал нас.
В красное платье влюблялся
Каждый хотя б один раз.
Помню, цыганка гадала,
Сглазила видно меня,
Чтобы со мной не плясала
Женщина в платье огня.
Женщина в красном платье. Автор: Юрий Леман.
Женщина в красном опасна,
Женщину в красном не тронь,
Женщина в красном – прекрасна,
Женщина в красном – огонь.
Графиня Кастильоне Барбара фон. (1838г). Автор: Фридрих фон Амерлинг.
Кажется, что в нем такого?
Глянул – и бросило в дрожь.
Платье сошьешь у портного,
А красоту не сошьешь,
Красный цвет ранит и манит,
Радость мне в нем и беда…
Женщина в красном – обманет,
Но не предаст никогда.
Портрет молодой женщины в восточном наряде. (1838г). Автор: Фридрих фон Амерлинг.
Женщина в красном опасна,
Женщину в красном не тронь,
Женщина в красном – прекрасна,
Женщина в красном – огонь.
Портрет Александры Осиповны Смирновой-Россет. (1830). Автор: Орест Кипренский.
Платье износишь и бросишь,
Вспомнишь, быть может, потом.
Где он? – однажды ты спросишь,
Кто целовал тебя в нем.
А музыканты играют,
Мы с тобой очень близки,
И тесно пальцы сплетают
Две наших жарких руки.
Портрет дамы в греческом костюме. Автор: Gеorg Decker.
«Портрет мадам Эдгар Стерн». (1889). Автор: Каролюс-Дюран.
Portrait Of Mrs Charles Frederic Toppan. (1935г). Автор: William Paxton.
Элиза Креусбеогер. Автор: Фридрих фон Амерлинг.
Женский портрет. Автор: Karl Joseph Stieler.
Девушка в жёлтой шляпе (1838г). Автор: Фридрих фон Амерлинг.
Портрет жены художника. (1903). Автор: Сычков Федот. Портрет жены художника. (1903). Автор: Сычков Федот.
Энни и Бетти, Дочери Ашера и г-жи Вертхаймер (1901). Автор: Сингер Сарджент.
Портрет королевы Марии Лещинской. Автор: Натье Жан-Марк.
Sybуlla Palmifella. Автор: Данте Габриэль Россетти.
Лукреция Панчиатики. (1540г). Автор: Аньоло Бронзино.
Изабелла португальская. (1548). Автор:Тициан Вечеллио.
Portrait Of A Woman Holding. (1530). Автор: Paris Bordone.
Lady with a Basket of Spindles. (1516). Автор: Jacopo Pontormo.
Красный - является цветом планеты Марс и символом стихии огня. А согласно восточной медицине красный - это цвет крови, жизненной энергии, мироздания. Его используют в цветотерапии как стимулятор при общем физическом истощении и слабости.

Женщина в красном – заметная и притягательная женщина. Этот цвет является символом амбициозности, импульсивности и мощнейшей энергии; это цвет власти женственности зажигательной страсти и любви.
Художники: Михаил и Инесса Гармаш.
«Красный — самый лучший цвет. Он подходит любой женщине, просто нужно помнить, что существует более 30 разных оттенков красного. Жизнь, смерть, страсть, лучший способ покончить с тоской — вот что такое красное. От женщины в красном нельзя оторвать взгляда», - так сказал известный итальянский дизайнер и основатель марки Valentino Валентино Гаравани.
Источник: kulturologia.ru
Поделись
с друзьями!
1363
2
45
30 месяцев

Самые дорогие картины из когда-либо проданных

Этот список не учитывает инфляцию и не охватывает самые известные картины мира, которые, как правило, принадлежат государственным музеям. Так, если какая-либо картина Леонардо да Винчи будет выставлена на продажу — она наверняка будет продана по цене значительно более высокой, чем перечисленные в списке картины, но это невозможно в силу того, что полотна Леонардо отсутствуют в частных собраниях. И, естественно, цена картины не определяется только лишь ее художественной ценностью. Это бизнес.

Поль Гоген
Когда ты выйдешь замуж? (1892)


Цена - $300,000,000. Год продажи - 2015. Частные торги.

Поль Сезанн
Игроки в карты (1895)


Цена - $250,000,000. Год продажи - 2012. Частные торги.

Марк Ротко
№ 6 (Фиолетовое, зелёное и красное) (1951)


Цена - $186,000,000. Год продажи - 2014. Частные торги.

Пабло Пикассо
Алжирские женщины (версия О) (1955)


$179,365,000. Год продажи - 2015. Кристис. В 1997 была продана на Кристис за $31,903,000.

Амедео Модильяни
Лежащая обнаженная (1917-1918)


$170,400,000. 2015. Кристис.


Пабло Пикассо
Сон (1932)


$155,000,000. 2013. Кристис.

Фрэнсис Бэкон
Три эскиза с Лусиеном Фрейдом (1969)


$142,400,000. 2013. Кристис.

Джексон Поллок
Номер 5 (1948)


$140,000,000. 2006. Сотбис.

Виллем де Кунинг
Женщина III (1953)


$137,500,000. 2006. Частные торги.

Густав Климт
Портрет Адели Блох Бауер (1907)


$135,000,000. 2006. Сотбис.
Источник: www.art-spb.ru
Поделись
с друзьями!
1723
40
199
40 месяцев
Уважаемый посетитель!

Показ рекламы - единственный способ получения дохода проектом EmoSurf.

Наш сайт не перегружен рекламными блоками (у нас их отрисовывается всего 2 в мобильной версии и 3 в настольной).

Мы очень Вас просим внести наш сайт в белый список вашего блокировщика рекламы, это позволит проекту существовать дальше и дарить вам интересный, познавательный и развлекательный контент!