«Занимательная орнитология» или «Птицы, как символ в искусстве»

Птицы всегда вызывали восторг способностями, которыми природа обделила человека. Ни тебе полететь к заоблачным высям навстречу солнцу, ни махнуть крылом в теплые края… Конечно, живописцы не обошли вниманием легкокрылых представителей фауны, где тем отведена особая роль: начать с того, что мировое яйцо — универсальный символ происхождения жизни. Продолжаем исследовать занимательную орнитологию.


Лебедь, петух, павлин и щегол. Возлюбленные детища Творца?


Верующие в каждом живом создании искали знаки и уроки Господа. Так, на Алтаре апостола Петра из Грабова, выполненного Мастером Бертрамом из Миндена, изображены лебедь, петух, павлин и щегол, расположившиеся около своего Создателя. Быть может выбор художника субъективный и не самый убедительный с точки зрения важности этих пернатых в человеческой судьбе, но рассмотрим предложенный квартет болем внимательно.

Алтарь апостола Петра из Грабово. Бертрам Мастер из Миндена XIV век

Щегол. Птичка невеличка, да коготок остер


Выше всех в изображенной сцене порхает щегол. Жизнерадостного и сообразительного щегла любят за пение и яркое оперение, за то, что птичка поддается дрессировке… Маленький храбрец еще и отличился перед Всевышним. В католической традиции бытовала легенда о том, что проворный малыш избавил Христа от засевшей в брови терновой колючки. Тогда-то капля крови случайно попала на оперение птички, и ее изображение в религиозных сюжетах — указание на будущие страдания сына Божьего ради искупления грехов человечества.

Святое семейство. Бегство в Египет. Бартоломе Эстебан Мурильо 1650, 263×210 см

Белые лебеди Бога посланники


Совершенство белоснежного оперения грациозных красавцев свидетельство гения Творца, и в христианской символике лебедь — один из атрибутов Девы Марии, символизирующий ее добродетели.

Превращение в прекрасную птицу было не редкостью для героев древнегреческих мифов, существовало и обобщающее понятие — «кикн», что означает «лебедь». Кикнами были и сын Аполлона, и сын Ареса, и сын Посейдона, и один из женихов Пенелопы, и друг Фаэтона… Неудивительно, что всемогущий и любвеобильный Зевс также прибегнул к трансформации, дабы сочетаться браком с Немесидой и Ледой. Леда снесла яйцо, из которого вылупились братья Диоскуры, олицетворяющие утреннюю и вечернюю зарю, и Прекрасная Елена — абсолют женской красоты. Человеческой, а не божественной. Как гласит латинская эпиграмма:"Трое в этом яйце, но несхожий им выпадет жребий: Звездами двое взрастут, третья — Троянской войной".

Атомная Леда. Сальвадор Дали 1949, 61.1×45.3 см

Этот миф вдохновил многих живописцев, поскольку обессмертил союз земного и небесного, материального и духовного, воспел не ведающую преград страсть мужчины к избранной женщине, и магию женской красоты, заставляющую мужчину забыть обо всем на свете.

Леда и лебедь. Антонио Корреджо

Моногамные в природе, лебеди — эти благородные птицы, — стали для людей воплощением преданности, верной и чистой любви.

Два лада. Михаил Васильевич Нестеров 1905, 61×74 см

Кроме понятия «лебединая верность», не менее популярно устойчивое словосочетание «лебединая песня». Античные легенды гласят, что лебедь поет только перед смертью. На самом деле эта птица никогда не пела. И не споет. Но миф сохранился и воплотился в известный образ славянского фольклора: Царевна-Лебедь навечно покидает супруга, когда тому удается подсмотреть, как она сбрасывает перья. «Лебединую песнь» — последние мгновения жизни сказочной царевны, — изобразил Михаил Врубель. Его героиня смотрит с тревогой и страхом: она решается на фатальный шаг, оставляя бренный мир.

Царевна-Лебедь. Михаил Александрович Врубель 1900, 142.5×93 см

И петух свои часы знает…


Этот представитель пернатых, прежде всего, известен тем, что будит по утрам пронзительным пением. Петух — символ не только бдительности, но и воскресения: его крик пробуждает ото сна, а пробуждение, по мнению христиан должно напоминать верующим о Страшном суде и всеобщем воскресении мёртвых.
Петух — эмблема отречения и раскаяния Петра. О причине такой символики единогласно сообщают все четыре евангелиста. Как следует из их записей, Христос открыл своему верному ученику, что в ночь после Тайной Вечери Петр успеет трижды отречься от него «прежде, нежели пропоет петух». Так и произошло. С тех пор петух стал неизменным атрибутом и постоянным укором отступника.

Раскаяние св. Петра. Жорж де Латур 1645, 95×114 см

Несмотря на то, что благочестивый вестник зари принадлежал в качестве атрибута и другим святым — Галлунусу и Витту, — в христианском аллегорическом искусстве петух иногда персонифицировал один из семи смертных грехов — Похоть. Один кочет за всем курятником поспевает.

А вот на полотне Рембрандта ван Рейн «Ночной дозор» петух на поясе девочки — пародия на герб голландских ополченцев. Их называли кловенирами (klover — вид мушкета). Слово «кловенир» созвучно голландскому klauw — «птичий коготь». На гербах нидерландских гильдий самообороны изображались скрещенные лапы хищных птиц. У девочки же за поясом когтистые, четко выписанные лапки петуха. Ох уж эти доморощенные вояки!

Ночной дозор, или Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга. Рембрандт Харменс ван Рейн 1642, 379.5×453.5 см

Столь пышный символизм со временем начал сдавать свои позиции, но у некоторых художников была своя знаковая система и, например, в образный язык Марка Шагала органически вошли такие традиционно еврейские символы, как петух и рыба в значениях соответственно мужского и женского начала.

Петух. Марк Захарович Шагал 1929, 81×65 см

Знать паву по перьям


Экзотические птицы в качестве домашних любимцев были весьма популярны в Древнем Риме. Жители империи настолько любили своих питомцев, что не только увековечивали их в искусстве и поэзии, но даже хоронили питомцев со своими хозяевами. Павлин считался эмблемой императрицы и ее дочерей, тогда как орел был птицей императора.

Благовещение со святым Эмидием в Асколи Пичено Карло Кривелли 1486, 207×147 см

Роскошный хвост, на котором отразились все цвета радуги, воспринимался как универсальный знак единства Бытия. Свойство экзотической птицы сбрасывать дивные перья и вновь их отращивать вызвало появление мифа о нетленности его плоти. Скорее всего, павлин ассоциировался с феніксом — мифической птицей, возрождающейся из пепла. Эту идею восприняло христианское учение, и образ павлина вошел в иконографию как символ обновления и воскрешения Иисуса Христа — об этом свидетельствуют мозаики и настенная живопись в катакомбах Древнего Рима.

Довольно часто павлин представлялся на изображениях грота в Вифлееме, где родился Христос: два павлина, которые пьют из одной чаши, указывают на духовное возрождение.

Мадонна и дитя Джироламо даи Либри (Girolamo dai Libri) 1520

Nativity Джироламо даи Либри (Girolamo dai Libri) • Живопись, 1515, 17×12 см

Раскрытый хвост павича похож на сотни глаз, которые наблюдают за нами. Из-за этого павлин ассоциируется и со всевидящим оком Бога. Перо павлина — эмблема святой Варвары.
В чередовании времени суток павлин соответствует сумеркам. Со змеей в клюве он обозначает победу света над тьмой.

Но нельзя забывать и о том, что церковь призывала к скромной смиренной жизни, и надменный, распустивший хвост павлин превратился в олицетворение греха гордыни, роскоши и тщеславия. В эпоху барокко на изображениях сцен крестного пути на Голгофу Иисус, лишенный своих одежд, искупает за людей грех тщеславия, которое представлено помещенным рядом павлином.

В России разводить этих экзотических птиц мог позволить себе только очень состоятельный человек и все качества, которые ненавидели в барине, переносились на «барскую птицу». Поэтому в России павлин — популярная аллегория надменности, самодовольства и спеси.

Для прерафаэлитов прекрасная птица — один из любимых символов — «красота ради красоты»


Девушка кормит павлинов Сэр Фредерик Лейтон • Живопись, 1863, 188×160 см

Павония Сэр Фредерик Лейтон • Живопись, 1859, 53×41.5 см

Очень любили использовать павлина в декоративных сюжетах представители арт-нуово. Интерьер ювелирного магазина Жоржа Фуке, разработанный Альфонсом Мухой, экспонируется в музее истории Парижа.

Павлин Альфонс Муха. 1901

Особое место павлин занимал в творчестве Натальи Гончаровой. Он был ее символом, символом ее искусства, знаком единства Бытия, уходящим корнями в древние культуры. Художница рисовала одного и того же павлина в 5 стилях, но сохранилось только 2 варианта (на «египетский» манер, в виде «русской вышивки»).

Павлин под ярким солнцем (стиль египетский) Наталья Сергеевна Гончарова • Живопись, 1911, 144×129 см

Известная в 20-х годах XX столетия светская львица, аристократка маркиза Луиза Казати часто использовала павлина и как аксессуар и к своим авангардистским нарядам, и к театральным костюмам, в которых она появлялась на пресловутых маскарадах. Переливающиеся всеми цветами радуги перья павлина идеально соответствовали экстравагантным выходкам маркизы. На один бал Луиза Казати одела головной убор из павлиньих перьев, на другом светская львица появилась как золотая богиня, с живым павлином на поводке.

Портрет маркизы Луизы Казати Джованни Больдини 1913, 136×186 см

Попугай. Всякая птица безгрешна


Смешливые обитатели тропических лесов, еще в античные времена завезенные в Европу, тоже попали в иконографию. За экзотичность и способность имитировать человеческую речь к ним с уважением относились еще древние римляне. Об этом свидетельствует римская мозаика III века, на которой изображены друг над другом, головами в разные стороны: внизу — цесарка, вверху — попугай. Цесарка представляет земное, нижнее, стихийное женское начало. Эти птицы отличаются плотным «тельцем», а, услышав подозрительный шум, подхватываются с места, забывая и о яйцах, и о птенцах. Другое дело — попугай: он хорош собой, бесстрашно сражается и за детенышей, и за свою свободу, да и «говорит», почти как человек. В общем, птица более высокого полета, и для античных ценителей фауны попугай представлял доминирующее мужское, интеллектуальное начало в этом, казалось бы, нелогичном дуэте.

Мадонна каноника Георга ван дер Пале Ян ван Эйк 1436, 122×157 см

Пернатый гость из восточных краев в Средневековье не растерял перьев с «хвоста мифов» о себе. Бытовало поверье о том, что перья попугая не мокнут под дождем, поскольку он сам может вызывать дождь. За эту способность его почитали как один из символов Девы Марии, сохранившей свою девственность и чистоту.

Натюрморт с фруктами Балтазар ван дер Аст • Живопись, 1620-е , 75×104 см

В христианской символике попугай истолковывается как человек, так как эта птица может в совершенстве подражать человеческой речи. Именно это значение было популярно в голландкой живописи. Если взглянуть на натюрморт с фруктами Балтазара ван дер Аста, то на первый взгляд все кажется просто: два попугая опрокинули корзину с фруктами, которые рассыпались по столу. Обычное дело: птицы использованы в сюжете ради того, чтобы показать достаток и изобилие.

Но голландцы и тут не преминули зашифровать назидательный месседж: маленький попугай не обращает внимания на пролетающую мушку — земной соблазн, — а, открыв клюв, пытается подражать слышимым звукам. А крупный попугай сосредоточенно смотрит вниз, где на столе виднеются две груши — «человеческие» символы: праматерью Евы считается грушёвое дерево.

Традиция символического прочтения голландской живописи стремительно угасала к рубежу XVIII—XIX векав, и в дальнейшем зрителю предоставили свободу в расшифровке морального девиза картин. А заморские птицы уже не представляли собой диковинку, став привычным атрибутом экстравагантных господ.

Молодая женщина с попугаем Джованни Баттиста Тьеполо • Живопись, 1758, 72×53 см

Зверинец Мельхиор де Хондекутер • Живопись, 1690-е , 116.5×135 см

Птицы — весьма популярные действующие персонажи в живописи, и на протяжении столетий занимали свое место в иконографии.

Сова — не только символ мудрости, но и предвестница смерти, зла. Ворон из-за черного оперения и привычки питаться падалью — знак дьявола.

Ласточка, в греческой мифологии — птица, посвященная Афродите, а в христианской символике — символ жажды духовной пищи и считается одним из воплощений Иисуса Христа.

Пеликан — аллегория самопожертвования.

Сорока стала символом болтливости и продажности.

Голубь — это чистая и безгрешная душа. Существует даже легенда, что дьявол и ведьмы могут превратиться в любое существо, кроме голубя и овцы.

Перепелка олицетворяет весну и обновление, куропатка — сладострастие.

Сад земных наслаждений. Левая створка. Фрагмент Иероним Босх • Живопись, 1500-е

Крещение Христа Леонардо да Винчи • Живопись, 1475, 151×177 см

Грехопадение Корнелис ван Харлем • Живопись, 1592

Пристальное внимание к животному миру привлекла художников-натуралистов эпоха научных открытий.

Пернатые Мельхиор де Хондекутер • Живопись

На иных картинах — полным-полно экзотики. Льюис Кэрррол сочинил историю для Алисы Линделл, и не только Джон Тенниел запечатлел птицу додо и сцену игры в крикет.

Закрытые гонки Родни Мэтьюз

Впрочем, внимание публики может быть приковано и к самым «простым» представителям мира пернатых. Благодаря роману «Щегол» Донны Тартт, картина и птица образуют совершенно иной символический ряд.

Щегол Карел Фабрициус 1654, 33.5×22.8 см

«…Я смущенно наклонился и взглянул на картину. Она была маленькой, самой маленькой на всей выставке и самой простой: желтый щегол на незатейливом бледном фоне прикован к насесту за веточку-ножку.

— Он был учеником Рембрандта и учителем Вермеера, — сказала мама. — И это крошечное полотно — то самое недостающее звено между ними. Ясный чистый дневной свет — сразу видно, откуда взялся у Вермеера свет такого качества. Конечно, в детстве я ни о чем таком и не подозревала, ни о какой исторической важности. Но она тут.

Я отступил назад, чтобы получше разглядеть картину. Птичка была серьезной, деловитой — никакой сентиментальности, — и то, как ловко, ладно вся она подобралась на жердочке, ее яркость и тревожный, настороженный взгляд напомнили мне детские фотографии моей матери — темноголового щегла с внимательными глазами.

— Знаменитая трагедия в истории Голландии, — говорила мама. — Была разрушена большая часть города.
— Что?
— Взрыв в Дельфте. При котором погиб Фабрициус… Учительница вон там рассказывала про это детям, не слышал?

…В семнадцатом веке в Дельфте взорвались пороховые склады… Фабрициус погиб, и его мастерская была разрушена. Почти все картины были уничтожены, кроме вот этой… Он был одним из величайших художников своего времени, в одну из великих эпох живописи. Он был очень очень знаменит. Печально, потому что сохранилось всего-то пять или шесть его картин. Остальное сгинуло — все-все его работы…» — впрочем, это уже другая история.
Источник: artchive.ru
Поделись
с друзьями!
404
2
4
1 месяц

Отпетые мошенники: топ-5 авторов подделок старых мастеров. От Микеланджело - до «Мориарти фальсификаторов»

Чтобы стать успешным автором подделок, которые трудно будет отличить от настоящих шедевров живописи даже опытному эксперту, одного лишь криминального таланта бывает недостаточно. Триумф в этой специфической сфере деятельности складывается из разных факторов, среди которых — аналитический склад ума, авантюрный дух, изобретательность и также способность влезть в шкуру настоящего мастера живописи. А в эпоху постмодерна авторы подделок иногда и сами становятся знаменитостями: их картины выставляют в музеях уже под собственными именами — правда, не всегда за их художественную ценность.


Микеланджело Буонаротти


Прежде чем самому стать заслуженным мастером, итальянский живописец и скульптор начинал с изготовления копий. Тогда очень ценились древнеримские скульптуры из мрамора, и, по свидетельству историка Паоло Джовио, Микеланджело был замешан в истории с фальсификацией такой скульптуры.

В 1496 году он создал мраморную статую «Спящий купидон» и постарался придать ей состаренный вид, закопав в землю. Продавец антиквариата по имени Бальдассарре дель Миланезе представил «древнеримскую» скульптуру авторства Микеланджело вниманию кардинала Рафаэле Риарио, большого почитателя подобных произведений искусства. Тот с радостью приобрел ее, но спустя какое-то время вернул скульптуру, узнав о ее истинном происхождении.

Мадонна Брюгге. Фрагмент. Микеланджело Буонарроти 1505

«Спящий купидон» в исполнении Микеланджело мог быть похож на младенца Христа со статуи «Мадонна Брюгге».

Казалось бы, дело должно было окончиться скандалом — в лучшем случае, и наказанием для Микеланджело — в худшем. Но талант выручил его из передряги, ведь пока шло разбирательство с «древнеримской» скульптурой, его авторская работа «Пьета», украсившая базилику Святого Петра в Риме, стала настолько популярной, что кардинал захотел вернуть себе злополучного «Купидона». Правда, вскоре он перепродал его, но уже не как римский антик, а как произведение самого востребованного на тот момент скульптора в итальянской столице.

Пьета (Оплакивание Христа) Микеланджело Буонарроти 1499, 174×195 см

Авторы различных биографий Микеланджело расходятся во мнении, сознательно ли он пошел на обман. Некоторые из них предпочитают считать, что авторство преступного замысла принадлежит торговцу римскими древностями, а другие предполагают, что скульптором руководил азарт: он желал проверить, хватит ли его мастерства, чтобы ввести в заблуждение опытного коллекционера. Как бы там ни было, обманутый кардинал Риарио не только не держал зла на Микеланджело, но даже заказал ему еще два произведения уже после всех событий.

Давид. Фрагмент руки Микеланджело Буонарроти 1504

А тем, кому хочется верить в искренность и праведность живописца, придутся не по нраву слова Вазари, который писал о неоднократных махинациях Микеланджело с работами других авторов:

«Он воспроизводил также рисунки различных старых мастеров так схоже, что можно было ошибиться, ибо дымом и разными другими вещами он подкрашивал их, придавая старый вид, и пачкал так, что они действительно казались старыми и, при сравнении их с подлинными, один от другого отличить было невозможно. И делал он это только для того, чтобы, возвратив воспроизведенные, заполучить подлинные рисунки, которые его восхищали совершенством искусства и которые он пытался превзойти своей работой, чем и приобрел широчайшую известность».

Но кто теперь станет обвинять Микеланджело в его отчаянном желании завладеть произведениями своих кумиров? Ведь, как водится, победителей не судят.

Хан ван Меегерен


Говоря о фальсификаторах старых мастеров, невозможно не упомянуть о соотечественнике Вермеера, осмелившимся пойти на отважную авантюру — явить миру целых семь неизвестных до того момента шедевра «авторства» живописца из Делфта.

Хенрикус ван Меегерен был не особо одаренным художником, который в начале прошлого века пытался построить карьеру на создании полотен в стиле старых мастеров вроде Рембрандта. И хотя у него были некоторые поклонники среди голландской знати, арт-критики были настроены весьма скептически по отношению к творчеству неудачливого подражателя. Меегерен даже задумал коварный план мести отвергнувшему его искусствоведу Абрахаму Бредиусу.

Он задумал разыграть своего заклятого врага, создав блестящую подделку под признанного мастера Вермеера. А когда тот не сможет отличить его творчество от оригинала, Меегерен опозорит его, сообщив о своем авторстве живописного шедевра. Он раздобыл холст и краски 17-го века и отважился написать картину на религиозную тему — подобных сюжетов практически не было среди известных работ Вермеера.

Христос в доме Марфы и Марии Ян Вермеер 1660-е , 160×142 см

Затея удалась: «Христос в Эммаусе» был признан подлинником Вермеера и произвел настоящий фурор в арт-мире. Тот самый Бредиус настолько поспешил стать первооткрывателем неизвестных шедевров Вермеера, что не стал обращать внимания ни на сомнительный провенанс картины, ни на малое соответствие художественных навыков Меегерена мастерству прославленного живописца.

И когда фальсификатору удалось выручить за свое произведение огромные по тем временам деньги, он не смог следовать своему первоначальному замыслу и поддался соблазну продолжать творить новые неизвестные доселе работы Вермеера.

«Христос в Эммаусе» — первое полотно Меегерена, успешно выданное им за неизвестного Вермеера

Он успел написать еще шесть таких полотен, пока его не подвела связь с нацистами. Одним из покупателей подделки Меегерена — картины «Христос и грешница» — стал Герман Геринг. В 1945 году расследование о происхождении полотна из тайников обергруппенфюрера СС привело к аресту художника, которому грозила смертная казнь за сотрудничество с нацистами. Чтобы ее избежать, Меегерен признался, что сам написал все «вновь обнаруженные» картины Вермеера. В итоге его признали виновным в мошенничестве и приговорили к одному году тюрьмы, но всего месяц спустя он скончался от сердечного приступа.

Меегерен на судебном процессе. Фото: kommersant.ru

Примечательно, что благодаря своей афере нерадивому художнику все-таки удалось войти в историю мировой живописи. А его первое и самое известное произведение «под Вермеера» до сир пор выставляется в одной из крупнейших художественных галерей Нидерландов — музее Бойманса — ван Бёнингена.

Во всей этой истории остается непонятным лишь одно: насколько сильно нужно хотеть обрести новые шедевры Вермеера, чтобы поверить в его авторство - холсты Меегерена, сколь их не состарь, откровенно грубые, топорные. Видимо, тщеславие и алчность были главными сообщниками самого известного фальсификатора ХХ века.

«Тайная вечеря» Меегерена была продана как полотно Вермеера за 7 миллионов долларов в сегодняшнем эквиваленте

Эрик Хебборн


Имя британского художника и арт-дилера не так известно, как его нидерландского коллеги, хотя он был куда более плодовитым и талантливым, чем Меегерен.

В своей автобиографии Хебборн признался в создании более тысячи подделок, лишь немногие из которых были разоблачены, а остальные могут до сих пор храниться в лучших музеях мира под видом оригиналов.

Выпускник Королевской академии художеств в Лондоне и Британской школы в Риме приобрел много полезных навыков во время работы реставратором. Как и Меегерен, он был разочарован и обозлен тем, что в 1960-х годах его собственные картины в реалистичном стиле пользовались не таким спросом, как авангардные работы его более удачливых современников. И он начал мстить ценителям живописи, создавая безупречные подделки старых мастеров.

Эрик Хэбборн был обаятельным мужчиной и настоящим гедонистом

Хебборн действовал чрезвычайно осторожно и даже элегантно. Он никогда не продавал свои фальшивки тем, кто не разбирался в искусстве и не мог определить подлинность картины. Таким образом, он давал возможность экспертам самим решить, приобретают они подделку или оригинал, и назвать цену, которую они готовы заплатить.
Он утверждал: «Нет ничего преступного в том, чтобы нарисовать рисунок в любом избранном стиле, и нет ничего преступного в том, чтобы спросить эксперта, что он думает о нем». По этой причине после разоблачения никто из пострадавших от обмана так и не подал на него в суд.

Кроме того, разбирательство с Хэбборном могло привести к катастрофическим последствиям для крупнейших аукционных домов, которые перепродавали его работы в качестве оригинальных, а некоторые музеи до сих пор отказываются признавать, что у них хранятся подделки его авторства, несмотря на прямые заявления мошенника. Он взял на себя ответственность за фальсификацию работ Питера Брейгеля Старшего, Питера Рубенса, Джованни Пиранези, Антониса ван Дейка, Камиля Коро и других старых мастеров.

Святой Иво Рогир ван дер Вейден 1464, 45×35 см

Хэбборн использовал для своих фальшивок настоящую бумагу и пигменты соответствующей эпохи, а его навыки рисования были настолько хороши, что его очень долго не могли раскрыть. Но в 1978 году куратор Национальной галереи искусств в Вашингтоне Конрад Оберхубер обратил внимание, что два рисунка разных живописцев были выполнены в одинаковом художественном стиле и на одном и том же типе бумаги. По утверждению Хэбборна, в течении 10 лет после разоблачения он изготовил и успешно продал еще 500 подделок рисунков старых мастеров. Причем некоторые арт-дилеры даже просили его «найти» определенные рисунки старых мастеров, которые он подделывал, а затем продавал им. «Я просто не думаю, что вы найдете честного человека, который при этом будет дилером», — говорил Хебборн в документальном фильме канала BBC 1991 года «Портрет мастера-фальсификатора».

Подделка Хебборном наброска к картине Антониса ван Дейка «Христос в терновом венце» была приобретена Британским музеем в 1970 году. Теперь он подписан на сайте музея как «Рисунок Эрика Хебборна в манере Антониса ван Дейка».

8 января 1996 года Хебборн был найден лежащим без сознания на одной из улиц Рима, где он жил последние 30 лет. Он умер в результате тяжелой травмы черепа, но расследование его смерти проводилось формально и причины травмы не были установлены. Многие считали, что его убрала итальянская мафия, с которой он, возможно, сотрудничал. По предположению газеты The Daily Mail, смерть Хэбборна стала местью какого-то обманутого им коллекционера.

По некоторым сведениям, он даже получал угрозы от одного арт-дилера и опасался его. За несколько недель до смерти была опубликована последняя книга «Справочник фальсификатора произведений искусства», в которой подробно описываются инструкции для создания произведений в стиле европейских классиков. Хэбборн считал, что он применял те же приемы, что и живописцы прошлого, поэтому это издание годится также и для изучения искусства старых мастеров.

Хэбборн утверждал, что картина Аннибале Каррачи «Пьющий мальчик» из Художественного музея Кливленда — также дело его рук.

Шон Гринхал


Британский мошенник, осужденный в 2007 году на 4 года и 8 месяцев за попытку продать «древний» ассирийский артефакт, работал на семейном подряде. Аферу с продажей поддельных предметов искусства Гринхал проворачивал совместно со своими пожилыми родителями. Как и предыдущие герои, он таким образом стал мстить арт-сообществу за непризнание его талантов художника.

Семейство придумало хитроумную схему с использованием слабых мест в аукционных каталогах. Так, они приобрели каталог с описанием лотов аукциона 1892 года в Сильвертон-Парке, графство Девон. Среди них были «восемь египетских фигур из потрясающего полупрозрачного алебастра». Такое неконкретное описание позволило Шону Гринхалу создать статую «Принцесса Амарны». В 2003 году ее приобрел музей Болтона за почти 440 тысяч фунтов стерлингов, причем после предварительной консультации с экспертами Британского музея и аукционного дома Christie’s.

После разоблачения Гринхала «Принцесса Амарны» была снята с экспозиции музея Болтона, но в 2018 году вновь возвращена — на сей раз в разделе подделок. Фото: wikipedia.org

Успех семейного предприятия по изготовлению и сбыту подделок во многом обеспечивал Джордж, отец Шона. Пожилой джентльмен в инвалидом кресле производил благонадежное впечатление на покупателей. Когда он сообщил, что «Принцесса Амарны» была куплена его дедом на аукционе в Сильвертон-Парке сто лет назад, эксперты с готовностью поверили, что эта статуя — одна из тех восьми египетских фигур возрастом более трех тысяч лет из описания в старом каталоге.

По такой схеме семейству Гринхалов за 17 лет удалось заработать более 800 тысяч фунтов стерлингов на продаже не менее 120 подделок. И по оценкам следствия еще более сотни фальшивок могут до сих пор храниться в собраниях музеев и частных коллекциях по всему миру в качестве оригинальных произведений искусства. Среди тех, что были раскрыты, числятся подделки скульптур Константина Бранкузи и Поля Гогена, картины и рисунки художников Отто Дикса, Лоуренса Лоури, Томаса Морана и других.

Шон Гринхал с отцом Джорджем. Источник: expertmus.livejournal.com

Погорели Гринхалы на клинописи. Представители аукционного дома Bonhams обратились к экспертам Британского музея, чтобы те проверили подлинность изготовленных Шоном барельефов «из дворца древнего ассирийского царя». Но знатоки обнаружили ошибки в написании клинописного текста и обратились в отдел искусства и древностей Скотланд-Ярда. Через полтора года семья мошенников была арестована. Пожилые родители Шона получили условные сроки, а он отсидел почти пять лет и вышел на свободу в 2011 году.


По выходу из тюрьмы Гринхал не только написал автобиографию, но и получил за нее премию критиков «Лучшая книга об искусстве» в 2018 году. А в октябре 2019 года он появился в «Сделано в Болтоне» — короткометражном документальном сериале, в котором продемонстрировал процесс создания четырех «древних» произведений искусства, используя традиционные материалы и методы.

Прекрасная принцесса Леонардо да Винчи 1496, 33×23.9 см

В книге «История фальсификатора» Гринхал утверждает, что он написал «Прекрасную принцессу», аттрибутированную Леонардо да Винчи, в 1978 году, а прообразом для этой картины якобы была кассирша Салли из супермаркета Болтона.

Лино Фронджиа


Автор подделок, вызвавших самый громкий скандал на рынке старых мастеров за последние 70 лет (с тех пор как Меегерен замахнулся имитировать наследие Вермеера), достоверно не установлен. Но в центре следствия о нескольких картинах сомнительного происхождения фигурирует имя итальянца Лино Фронжиа.
Охота на «Мориарти фальсификаторов», как успела прозвать пресса автора искусных подделок картин Пармиджанино, Хальса, Эль Греко и других, началась еще в 2015 году. Тогда французская полиция изъяла с выставки во французском Экс-ан-Провансе картину «Венера», якобы написанную Лукасом Кранахом Старшим. В 2013 году князь Лихтенштейна заплатил за нее около 7 млн евро. Позже экспертиза показала, что эта работа — современная подделка.

Лабораторное исследование показало, что пигменты на картине «Венера» не соответствуют мастерской Кранаха, подпись не принадлежит художнику, а сеть трещин на ней обладает признаками того, что панель нагревали для имитации эффекта старины.

Похожая ситуация возникла с портретом мужчины якобы авторства Франца Хальса, который был продан с аукциона «Сотбис» за 11 миллионов долларов. После того как эксперты признали его фальшивкой, аукционный дом вернул покупателю всю уплаченную за него сумму. Аналогичная судьба ожидала проданную в 2012 году на нью-йоркских торгах «Сотбис» картину с изображением святого Иеронима, приписываемую Франческо Пармиджанино. Спустя шесть лет лабораторные исследования обнаружили современные пигменты в красочном слое и аукционному дому вновь пришлось компенсировать покупателю полную стоимость картины.

Картина с изображением святого Иеронима авторства «Пармиджанино или школы Пармиджанино» обошлась покупателю в 842,5 тысячи долларов.

В сентябре 2019 года французский суд выдал ордер на арест итальянского художника Лино Фронджиа. Он был арестован, но выпущен под залог и до сих пор остается на свободе. О нем известно совсем немного: родился в 1958 году в Монтеккьо и окончил Академию изящных искусств в Болонье. Его собственное творчество — жутковатые модернистские картины — не особо пользуются успехом у коллекционеров: самая дорогая из них ушла с молотка всего за 15 тысяч евро. Зато он достиг большого мастерства в имитации работ старых мастеров.

Еще задолго до разразившегося скандала куратор Витторио Згарби, бывший заместитель секретаря Министерства культуры Италии, восхищался тем, что его друг Фронджиа настолько искусно написал Христа, что некоему Джулиано Руффини удалось продать эту картину Фонду Корреджо под видом оригинальной работы Антонио Корреджо. Но художник опровергает эту информацию, хотя и признает, что среди его работ есть копии произведений старых мастеров и картина с Христом в стиле Корреджо в их числе. Он заявлял, что никогда не продавал свои копии под видом настоящих работ.

Автопортрет Лино Фронджиа, написанный в 1989 году.

Однако в его биографии есть нехороший момент с подозрительным полотном, хотя и не связанный с его продажей. В 2018 году Фронджиа одолжил картину Эль Греко из своей коллекции для выставки в Тревизо. Но полиция арестовала изображение святого Франциска из-за подозрения в подделке. Несмотря на то, что французский суд отказывается вернуть картину (в процессе расследования она была перевезена в Париж), Фронджиа продолжает утверждать, что это — настоящий шедевр Эль Греко. Так же считает и Витторио Згарби, что, впрочем, не мешает ему называть своего товарища «величайшим из ныне живущих старых мастеров».

Одна из картин Лино Фронжиа 1980-го года написана под влиянием старых мастеров.

Второй подозреваемый в этом громком деле — коллекционер Джулиано Руффини, через которого на рынок попали все скандальные фальшивки — также до сих пор остается на свободе, несмотря на ордер, выданный верховным судом Рима. Якобы это происходит из-за неоконченного расследования, но выглядит так, что процесс тормозится какими-то влиятельными силами извне. Учитывая место действия, на ум приходит итальянская мафия, но даже без ее участия на кону слишком большие суммы и репутация многих людей: дилеров, представителей аукционных домов, участвовавших в масштабном финансовом мошенничестве.

Джулиано Руффини почему-то избегает публичности, и единственный его известный снимок датируется 1970-ми годами. Источник: theartnewspaper.com

Для того чтобы хоть как-то компенсировать репутационные потери вследствие серии «возвратов» проданных фальшивок, «Сотбис» пришлось купить американскую лабораторию Orion Analytical — ту самую, установившую нечестное происхождение картин, проданных под видом работ Пармиджанино и Хальса.

Только за один год эксперты лаборатории провели анализ произведений на сумму более ста миллионов долларов.

Кроме того, они отвечают за сохранение и поддержание лотов аукционного дома в надлежащем состоянии. Но вряд ли этот шаг сможет радикально изменить ситуацию с поддельными произведениями искусства на современном арт-рынке, которые, по оценкам некоторых экспертов, составляют до половины от общего числа продаваемых и покупаемых работ старых мастеров.
Источник: artchive.ru
Поделись
с друзьями!
428
0
3
3 месяца

7 художниц, изменивших отношение к женщинам в мире искусства

На протяжении веков женщины были гораздо меньше заметны в искусстве, чем мужчины. Талантливым художницам приходилось прилагать в разы больше усилий, чтобы только получить право заниматься творчеством, еще больше — чтобы добиться признания. Однако они смогли привнести в искусство не меньше, чем коллеги-мужчины. В этой публикации мы собрали 7 историй выдающихся художниц разных эпох.

Работы японской художницы Яеи Кусамы. Фото: legion-media.ru

Артемизия Джентилески (1593–1656)


«Сусанна и старцы». Фото: wikimedia

Артемизия Джентилески родилась в Риме в семье художника и с юных лет начала проявлять творческие способности. Когда ей было около 20 лет, ее изнасиловал друг отца, и тяжелые чувства по поводу произошедшего и последовавшего унизительного суда Артемизия выразила в картине «Юдифь, обезглавливающая Олоферна», на которой ветхозаветная героиня пронзает мечом человека, очень напоминавшего обидчика художницы. Впоследствии в своем творчестве Джентилески не раз обращалась к образам сильных женщин — Есфирь, Клеопатры, Царицы Савской.

«Юдифь, обезглавливающая Олоферна». Фото: wikimedia

Одна из самых известных ее картин, «Сусанна и старцы», написана по мотивам эпизода из «Книги Даниила». На ней два немолодых мужчины домогаются до юной купальщицы. Благодаря яркому таланту Артемизии удалось добиться признания, и она стала первой женщиной, избранной в члены Академии живописного искусства во Флоренции.

Элизабет Виже-Лебрен (1755–1842)


Автопортрет. Фото: wikimedia

Талант француженки заметил ее отец и всячески поощрял его развитие. Элизабет стала одной из самых знаменитых портретисток своего времени, обогнав по популярности многих коллег-мужчин. Ее герои выглядят живыми и естественными не только из-за уникального мастерства художницы, но и тонкого подхода к каждому клиенту во время позирования. Элизабет попала в Королевскую академию живописи и скульптуры благодаря французской королеве Марии-Антуанетте — та была большой поклонницей ее таланта.

Портрет жены фельдмаршала Кутузова. Фото: wikimedia

В первой же работе художница решила позлить академиков, изобразив обнаженную женскую грудь. Элизабет еще раз шокировала публику, когда на автопортрете с дочерью изобразила себя с приоткрытым в улыбке ртом. Это было практически скандально — по канонам того времени так писать было не принято. Такая эпатажность не помешала Виже-Лебрен стать портретисткой Марии-Антуанетты. После революции во Франции художница на время перебралась в Россию, где писала портреты знати и членов царской семьи.

Мэри Кэссетт (1844–1926)


«Молодая мать за шитьем». Фото: wikimedia

Переезд на другой континент ради карьеры, которую не одобряют родители, и сейчас считается бунтарским поступком, а в XIX веке это было революционным решением, особенно для молодой женщины. Мэри Кэссетт перебралась в Париж из США в 22 года.

«Летняя пора». Фото: wikimedia

До этого она пыталась получить образование в сфере искусства на родине, но неравное отношение к студентам разных полов угнетало ее. Девушкам не разрешалось писать с обнаженных моделей, как делали это мужчины. Зато во Франции Кэссетт быстро влилась в импрессионистское течение. Темой для творчества она выбрала жизнь женщин и изображала ее с восхищением, но без романтизации и прикрас.

Джорджия О’Кифф (1887–1986)


О’Кифф в 1918 году. Фото: wikimedia

Дочь молочных фермеров смело решила посвятить творческую жизнь модернизму и абстрактным образам, в то время как многие ее американские коллеги оставались привержены более традиционным формам.

«Красная канна». Фото: wikimedia

Больше всего О’Кифф знаменита картинами с изображением цветов. Многие зрители и критики предлагали интерпретировать их как аллюзии на женские гениталии, но сама художница выступала против такого видения, утверждая, что это лишь цветы. Однако их чувственность была очевидна. О’Кифф часто сталкивалась с отсутствием равноправия в мире искусства и наотрез отказывалась участвовать в выставках только для женщин.

Фрида Кало (1907–1954)


Кало в 1932 году. Фото: wikimedia

Сейчас сложно представить, но при жизни обладательница одного из самых известных имен в искусстве была знакома публике в первую очередь как жена испанского художника Диего Риверы. Ее гениальность по-настоящему начала открываться в 1970-х. Творчество Фриды предсказало остроту вопросов о женской независимости, гендерной идентичности и неоднозначности сексуальности.

«Автопортрет с ожерельем из шипов и колибри». Фото: wikimedia

Мексиканка настойчиво отказывалась от звания сюрреалиста, указывая на то, что она рисует «не сны, а свою реальность». Действительно в своих работах она изображала физическую боль, которая преследовала ее после страшной аварии, и моральную, вызванную проблемами в отношениях с мужем.

Марина Абрамович (1946)


«Пять стадий танца майя». Фото: legion-media.ru

Сербская художница справедливо зовется «бабушкой искусства перформанса». Уже пять десятилетий она исследует человеческую природу, отношения и выносливость тела через работы, которые с годами не становятся менее захватывающими и смелыми. В 1974 году она устроила шестичасовой перформанс, во время которого стояла неподвижно, а зрителям разрешалось делать все что угодно с ее телом. Для этого можно было использовать 72 предмета, в числе которых были мед, вино, перо, роза, ножницы, скальпель, металлический прут. Чем дольше продолжался перформанс, тем глубже раскрывалась пугающая сущность людей, которые становились агрессивнее с каждым часом. В 2010 году в Нью-Йорке Абрамович приглашала желающих сесть за стол напротив и безмолвно посмотреть ей в глаза. В перформансе неожиданно поучаствовал бывший возлюбленный Абрамович, растрогав ее до слез.

Яеи Кусама (1929)


Яеи Кусама и ее работы. Фото: legion-media.ru

Японская художница начала видеть галлюцинации в раннем возрасте, и рисование стало способом справляться с ними. Неизвестно, что стало катализатором ментальных проблем Яеи — поразительно жестокая мать или какая-то болезнь мозга — но именно они определили направление ее творчества. Кусама начала покрывать работы красным узором горошек, который видела в галлюцинациях, и он стал ее фирменным знаком и предвосхитил направления минимализма и поп-арта.

Яеи Кусама и ее работы. Фото: legion-media.ru

Кусама — одна из самых дорогих ныне живущих женщин-художниц. Ее работы уходят с молотка за миллионы долларов. Яеи уже много лет живет в токийской психиатрической клинике, но ни этот факт, ни весьма преклонный возраст не мешают ей продолжать творить.
Источник: timeout.ru
Поделись
с друзьями!
563
1
5
4 месяца

Пионы в творчестве известных художников

Пионы. Эти нежнейшие цветы самых разных оттенков, от светло-розовых и белых до насыщенных бордовых, аромат которых сложно спутать с чем-то другим, такие пышные, величественные, их можно найти в творчество очень многих художников, как начинающих, так и профессионалов. Пион - королевский цветок, символ власти с чистой энергией. Неудивительно, что парфюмеры стремятся увековечить его запах в своих работах, а художники красоту и утонченность.

Художник Олег Чувашев

Согласно историческим источникам пион получил своё название в честь Пеонии – местности, откуда произошёл один из его видов. Однако существуют и другие версии. Согласно одной из них, название этого растения связано с именем персонажа древнегреческой мифологии – Пионом, который был талантливым учеником врача Эскулапа.

Однажды Пион вылечил владыку загробного мира Плутона, раненного Геркулесом. Чудесное исцеление повелителя подземного царства возбудило в Эскулапе зависть, и он решил убить своего ученика. Однако Плутон, узнавший о злых намерениях Эскулапа, в благодарность за оказанную ему помощь, не дал Пиону умереть. Он превратил искусного врача в красивый лекарственный цветок, названный в честь него пионом. В Древней Греции этот цветок считался символом долголетия и целительства. Одарённых греческих врачей называли «пиониями», а лекарственные растения «травами пионий».

Александр Герасимов. Натюрморт с пионами. 1930-40-е гг. Фото: Фото: artpriced.ru

Народный художник СССР, архитектор и доктор искусствоведения Александр Михайлович Герасимов родился в 1881 году в Мичуринске. Он был первым Президентом советской Академии художеств. Надо сказать, что пионам Герасимов посвятил не одну работу. В основном это натюрморты, то с гвоздикой, то с предметами быта: графином, чайной чашкой, книгой и часами. Но ничто не отвлекает от главного героя работ - прекрасных пышных цветов. Ими явно любуется автор и не останется равнодушен зритель. Красиво, гармонично и радостно в комнатах с пионами. Они создают особую атмосферу и настроение, что очень тонко передает художник. Пионы Герасимова - про уют, про особую домашнюю ауру. Практически все его работы с пионами находятся в частных коллекциях.

Александрр Герасимов. Натюрморт с пионами и гвоздикой. 1950-е гг. Фото: artpriced.ru

Анри Фантен-Латур. Пионы в вазе. 1881 год. Фото: yandex.ru/images

Французский художник Анри Фантен-Латур родился в Гренобле в 1836 году. Его отец писал портреты, да и сын создавал не только натюрморты. Есть в коллекции Латура, например, портрет самого Эдуарда Мане. Мать художника, Елена, была родом из России, она родилась в Орле. Талант сына проявился еще в детстве, отец отправил его учиться в новаторскую художественную школу Лекока де Буабодрана. Анри обожал Лувр, проводил там много времени, писал репродукции великих и этим некоторое время зарабатывал на жизнь. Именно в этом музее он познакомился с будущей женой, брак с которой стал счастливым. Цветочные натюрмотрты Фатен-Латура были очень популярными, он получал множество заказов. Его пионы, например, были не просто прекрасными цветами в вазе - это в первую очередь настроение: лиричное, немного грустное, тревожное, но все же светлое и доброе.

Анри Фантен-Латур. Пионы в вазе. 1902 г. Фото: artchive.ru

Клод Моне. Ваза с пионами. 1882 год. Фото: artchive.ru

В частной коллекции находится работа великого импрессиониста Клода Моне «Ваза с пионами», написанная им в 1882 году. Его пионы - про эмоции. Красивые цвета, нежнейшие оттенки, объемные мазки и даже опавшие лепестки - всё это кричит о страсти, любви, порыве чувств. Шикарная, яркая охапка цветов, то ли собранных, то ли подаренных с любовью, вызывает бурю позитивных эмоций. Так красоту цветов мог передать только художник-легенда, тонко чувствующий суть простых вещей. Его пионы хочется обнять, прижать к щеке и долго ощущать их непередаваемый аромат.

Эдуард Мане. Срезанные белые пионы и секатор. 1864 г. Фото: artchive.ru

Французский родоначальник современного искусства, именитый художник Эдуард Мане, весной 1864 года написал целую серию работ с пионами. «Срезанные белые пионы и секатор» - одна из первых композиций автора с этими цветами. Натюрморты составляли важную часть в творчестве художника. В одной из галерей Парижа к 1865 году готовилась его выставка, для нее он написал, том числе, картины с пионами. О чем эта работа? Возможно о том, что ничто не вечно под луной: ни красота, ни жизнь, ни ароматы. Ничего, кроме искусства. Это произведение Мане находится в Париже, в собрании музея д'Орсе.

Пьер Огюст Ренуар. Пионы. 1880 г. Фото: artchive.ru.

В американском Институте искусств Стерлинга и Франсин Кларк представлено немало картин французских мастеров импрессионизма. Среди прочих есть работы Пьера-Огюста Ренуара. Его натюрморт с пионами, написанный в 1880 году, как выражение чувств и эмоций. Такой яркий и нескучный, изысканный по стилю и по выбранным художником цветам и оттенкам, он не может не привлечь внимание, им хочется любоваться бесконечно, как любимой женщиной, например. Картины с цветами Ренуар писал в основном на продажу, поэтому большая их часть находится все же в частных коллекциях по всему миру.

Владимир Гусев

Александр Алёшин

В. Екимов

Рамиль Гаппасов

Сергеев Александр

Хомчик Анна

Дрозда Наталья

Панцирев Ю.Н.

Панцирев Ю.Н.
Поделись
с друзьями!
815
2
7
4 месяца

Оптимистичная, радостная, божественная: весна в произведениях искусства

Если осень чаще всего становилась поводом для меланхоличных рассуждений у художников, то весну все почти единогласно называют положительным явлением. Самым важным символом весны большинство художников считают цветы, но какие еще еще сюжеты искусство считает весенними?


Сандро Боттичелли «Весна» (1482)



Одна из самых популярных для обсуждения картин была написана художником Возрождения по заказу государственного деятеля Лоренцо де Медичи.

Он подарил романтичное произведение племяннику на свадьбу, которая происходила по политическим причинам. Точной трактовки современные исследователи знать не могут, но большинство считает, что на картине изображена богиня любви Венера, богиня цветов Флора и бог западного ветра Зефир. Ботаники насчитали на картине около 500 цветов, относящихся к 138 видам растений.

Джон Уотерхаус «Песня весны» (1913)



Английский художник был одним из последних представителей прерафаэлитизма. Эти мастера опирались на творения деятелей эпохи Возрождения – например, Пьетро Перуджино или Джованни Беллини. Уотерхаус отдавал главные роли в своих произведениях женщинам, часто – героиням романтизированного Средневековья или древнегреческой мифологии.

На этой картине рыжеволосая героиня, в белом платье, с цветами в подоле, гуляет на природе с детьми. Ее тело символизирует жизненную силу, а рыжие волосы – страсть.

Альфред Сислей «Лужайки весной» (1881)



Французский живописец – один из самых недооцененных представителей импрессионизма. В ту эпоху его нежные глубокие картины померкли на фоне новаторских произведений коллег – однако они высоко ценятся сейчас.

В 1880 году Сислей вынужден был покинуть Париж, ставший слишком дорогим для него. В деревне его творчество обрело новую силу, стало более выразительным. На этой картине на деревьях совсем нет листьев, зато благодаря цвету чувствуется приближение весны. Героиней «Лужаек» исследователи уверенно считают дочь художника, которой тогда было 12 лет.

Исаак Левитан «Весна. Большая вода» (1897)



Одна из самых лиричных картин русского художника изображает момент половодья, когда вода затопила земли и деревья, обычно остающиеся сухими.

Если у других живописцев весна предстает изменчивой, то у Левитана она получилась неподвижной, как изображенная вода. Одну из самых светлых картин художника иногда называют музыкальной: плавный основательный берег сочетается с тонкими, как ноты, гибкими березками.

Весеннее половодье уже привлекало внимание живописца в гораздо более мрачной работе 1885 года «Половодье».

Джузеппе Арчимбольдо «Весна» (1573)



Итальянский художник жил в XVI веке, но его произведения легко перепутать с картинами сюрреалистов XX столетия. Он предвосхитил многие направления и настроения в искусстве будущего.

На этой работе сотни фотографически изображенных цветов составили фигуру мистической женщины. Щеки сделаны из роз, губы – из ярких лепестков, нос – из лилии, ухо – из камелии, модное испанское платье того времени – из листьев, ириса и дикой земляники.

У Арчимбольдо есть подобные картины и на остальные времена года. Необычные наряды были воспроизведены на фестивале с королем среди гостей.

Пьер Огюст Кот «Весна» (1873)



Весна во многом ассоциируется с импрессионизмом: эта эмоциональная, импульсивная техника как нельзя лучше передает самое изменчивое время года.

Но есть и те, кто смог изобразить весеннее настроение и с помощью методов классицизма. Причем успешно, да еще и в разгар расцвета импрессионистского течения.

Это получилось у французского художника Пьера Огюста Кота. Он изобразил двух влюбленных, в которых часто узнают героев древнегреческого романа «Дафнис и Хлоя», в нежный момент обмена чувствами на качелях в весеннем саду.

Лоуренс Альма-Тадема «Весна» (1894)



Еще один представитель академизма высказал свое мнение о весне. Британец нидерландского происхождения увлекался археологией и любил историю Римской империи, поэтому изобразил сцену из той эпохи.

Женщины и дети в характерных одеяниях идут через улицы мраморного Рима, празднуя оптимистичное время года. Альма-Тадема застал кубизм, импрессионизм, постимпрессионизм и футуризм, искренне принимал новые направления. Но сам был верен викторианскому академизму, поэтому его картины идеалистичные и гармоничные.

Клод Моне «Весна» (1872)



В 1871 году Моне перебрался из Парижа в маленький живописный городок Аржантей. Туда часто приезжали и коллеги художника для вдохновения и работы – это место имеет большое значение для импрессионизма.

Для «Весны» Моне позировала его первая жена Камилла Донсье – с книгой в руках под кустом сирени. Вторая жена импрессиониста Алиса Ошеде распорядилась уничтожить все вещи и изображения, связанные с Камиллой, но картины ей пришлось пощадить из-за их ценности. Так что работы Моне – единственное, что осталось от первой супруги художника.

Поль Гоген «Потеря невинности (Пробуждение весны)» (1891)



Картина создана в короткий период, когда французский живописец заинтересовался символизмом, проживая в Париже. Лиса около девушки воплощает похоть. Позади героини идет свадебная процессия, стремящаяся совершить заявленные в названии действия.

Гоген всемирно признан гениальным творцом и новатором в искусстве. При этом его творческие качества плохо сочетались с личностными. Для картины позировала 20-летняя девушка Гогена, которую он бросил, когда она забеременела, уехав на Таити. Похожим образом он поступил и с женой ранее.

Винсент ван Гог «Цветущие ветки миндаля» (1890)



Несмотря на очевидную мрачность жизни депрессивного и нищего художника, который достаточно времени проводил в психиатрических учреждениях и санаториях, в его творчестве полно оптимизма и восхищения миром.

Цветущие деревья не раз появлялись на его полотнах. Эти он начал создавать, узнав о пополнении в семье брата Тео: у того родился сын. Ветки миндаля одними из первых раскрываются весной, что должно было стать символом новой жизни. Все произведение занято цветами, а в четкости линий ощущается влияние японского искусства.
Источник: timeout.ru
Поделись
с друзьями!
517
3
2
5 месяцев

Лунный свет на картинах известных художников

Таинственные и мрачные, тихие и спокойные, такие разные лунные пейзажи.

"Лунная ночь", Айвазовский

Не секрет, что большинство творцов предпочитают писать при ярком солнечном свете или при уникальном освещении рассвета или заката. Ночные же картины - это редко исследуемый вид художественного выражения, который требует исключительных способностей, а также мастерства иного рода.

В определенные фазы цикла Луна способна дать более чем достаточно света, чтобы скрасить темноту ночи и оживить все, что художник хочет изобразить под покровом темноты.

В этой статье мы рассмотрим некоторые из самых популярных лунных картин, когда-либо созданных, а также изучим мотивы и намерения, стоящие за усилиями каждого художника по созданию этих произведений.

1. Мужчина и женщина, созерцающие луну - Каспар Давид Фридрих


Мужчина и женщина, созерцающие луну - Каспар Давид Фридрих

Каспар Давид Фридрих запомнился как один из самых известных художников романтического периода, создававших исключительно красивые пейзажные картины.

Его стиль живописи в основном вращался вокруг дневных видов определенных мест, но одна картина, в частности, запомнилась как, возможно, самая известная из когда-либо созданных картин с изображением Луны.

На картине пара смотрит на луну со скалистого выступа, где из склона холма торчит дерево, создавая несколько жуткую и таинственную обстановку, которая усиливается мягким освещением.

Эта картина считается одной из лучших работ Фридриха, поскольку потребовалось невероятная точность творчества, чтобы воплотить в жизнь тонкое освещение, которое луна иногда привносит в ночное небо и пейзаж.

2. Замок и аббатство Линдисфарн, Святой остров, при свете луны - Джон Мур из Ипсвича



Джон Мур из Ипсвича начал свою карьеру как живописец без всякого обучения или руководства со стороны других художников и сумел стать действительно выдающимся художником к концу своей жизни, большую часть которой он провел в портовом городе Ипсвич, расположенном недалеко от Саффолка, Англия.

Одна из самых запоминающихся картин Мура известна как "Замок и аббатство Линдисфарн, Святой остров, при лунном свете". На этой картине, законченной в 1877 году, изображен захватывающий ночной вид на замок в Линдисфарне, который возвышается над окружающим пейзажем.

Этот небольшой остров когда-то был ареной страшного вторжения налетчиков-викингов в IX веке, но к моменту написания Муром этой работы он превратился в северный оплот Англии.

Луна ярко освещает пасмурное ночное небо, играя на спокойных водах в маленькой бухте у подножия замка.

3. Дорога с кипарисом и звездой - Винсент Ван Гог


Дорога с кипарисом и звездой - Винсент Ван Гог

Винсент Ван Гог считается одной из самых выдающихся фигур эпохи постимпрессионизма, и многие из его наиболее известных картин посвящены природным ландшафтам, а также городским пейзажам Европы 19 века.

Одна из его чуть менее известных картин, которую, однако, многие критики и искусствоведы считают шедевром, называется "Дорога с кипарисом и звездой".

Эта картина была написана в 1890 году и представляет собой характерный для Ван Гога вихревой стиль живописи, очень похожий на его "Звездную ночь".

«Дорога с кипарисов» запоминается спокойной ночной обстановкой, которую запечатлел Ван Гог, а также звездами и луной, которые видны по обе стороны от возвышающегося кипариса.

4. Ноктюрн, синий и золотой - Воды Саутгемптона - Джеймс Макнейл Уистлер


Ноктюрн, синий и золотой - Воды Саутгемптона - Джеймс Макнейл Уистлер

Джеймс Макнейл Уистлер был художником XIX века, известен своими работами, посвященными ночным пейзажам.

Он рисовал некоторые из самых престижных мест Англии и других частей Европы, но, в отличие от других художников, предпочитал изображать эти сцены под покровом темноты.

Одна из его самых знаковых работ называется "Ноктюрн, синий и золотой - вода Саутгемптона".

На картине изображена очень темная и тенистая сцена на берегу Ла-Манша в окрестностях Саутгемптона.

5. Кораблекрушение в море при свете луны - Томас Моран


Кораблекрушение в море при свете луны - Томас Моран

Штормы, которые часто обрушивались на корабли ночью в море, были одним из самых страшных явлений среди моряков вплоть до конца 19 века, когда в океанах стали господствовать суда с паровым двигателем.

Томас Моран, возможно, самый плодовитый из когда-либо живших художников-пейзажистов, известен своей уникальной способностью изображать на картинах самые красивые природные места всего мира.

Он посвятил свои усилия созданию сцены ужаса и страха открытого моря на своей картине 1901 года под названием "Кораблекрушение в море при свете луны".

Картина Морана отличается характерной для него высокой степенью реализма и изображает бушующее море, ярко освещенное луной, с мелкими обломками, плавающими на поверхности воды.

6. Лунный свет, свет Вуд-Айленда - Уинслоу Хомер


Лунный свет, свет Вуд-Айленда - Уинслоу Хомер

Уинслоу Хомер был известной фигурой в американском искусстве на протяжении 19 века и считался одним из самых одаренных пейзажистов того времени.

Он написал множество сцен, изображающих события Гражданской войны, а также время после нее, когда Соединенные Штаты начали расти и распространяться по западной части североамериканского континента.

Одна из самых высоко оцененных работ Гомера с ночными сценами называлась "Лунный свет, свет Вуд-Айленда".

Эта картина 1894 года представляет собой изображение береговой линии, расположенной на небольшом расстоянии от его студии в Портленде, штат Мэн, где он провел большую часть своих последних лет.

Картина подчеркивает сияние яркого лунного света, отбрасываемого на море прямо на фоне разбивающихся у берега волн. Плотные облака словно усиливают сияние луны и создают несколько потустороннюю сцену вдоль береговой линии.

7. Лунный свет, этюд в Миллбанке - Джозеф Мэллорд Уильям Тернер



Джозеф Мэллорд Уильям Тернер - один из самых известных представителей романтического движения. Он был исключительным пейзажистом и сумел передать красоту природы, которую можно было наблюдать в различных местах Англии и других частей Европы.

На этой работе 1797 года под названием "Лунный свет, этюд в Миллбанке" изображена яркая полная луна, парящая над Темзой в Миллбанке.

Картина имеет почти фотореалистичное качество, а изображение Тернером яркого сияния луны над рекой достаточно, чтобы зритель почувствовал себя стоящим на берегу знаменитой реки и любующимся спокойным ночным небом.

8. Лунный вечер - Аткинсон Гримшоу


Лунный вечер - Аткинсон Гримшоу

Аткинсон Гримшоу был известным художником викторианской эпохи, который запомнился как один из самых искусных художников в истории. Он сосредоточил основную часть своих усилий на ночных и лунных пейзажах.

Многие из его работ были посвящены городским пейзажам и окраинам различных городов Англии середины и конца XIX века, и художественные критики и энтузиасты того времени обратили на них внимание.

Одна из его самых примечательных картин называется "Лунный вечер" и представляет собой безмятежный вид на проезжую часть возле большого дома. Луна ярко светит высоко в небе и бросает свет на омытую дождем улицу и деревья внизу, в то время как одинокая молодая женщина идет по дорожке.

Освещение в этой работе часто рассматривается как настолько реалистичное и завораживающее, что только такой ночной мастер, как Гримшоу, был способен создать такую картину.

9. Лунный свет Бармута - Кристофер Уильямс


Лунный свет Бармута - Кристофер Уильямс

Лунный свет Бармута - Кристофер Уильямс
Уэльский художник Кристофер Уильямс почитаем за свою способность запечатлеть захватывающие дух сцены из разных уголков Англии и других регионов в конце 19-го и начале 20-го веков.

Он быстро поднялся и стал одним из самых известных художников своего времени, создав широкий спектр работ, включающих городские пейзажи, портреты и ландшафты, все из которых были выполнены мастерски. Одна из его наиболее интригующих работ называется "Лунный свет Бармута" и была написана в 1913 году.

На картине изображена светящаяся луна, ярко освещающая маленький, причудливый приморский городок Бармут.

10. Лунный свет в Неаполе - Иван Айвазовский


Лунный свет в Неаполе - Иван Айвазовский

Иван Айвазовский - один из самых известных живописцев, который большую часть своей карьеры посвятил созданию невероятных морских пейзажей.

Он является автором таких удивительных шедевров, как "Девятый вал" и других работ, которые способны поставить зрителя в такое положение, что он почти ощущает себя на морских волнах с океанскими брызгами, омывающими нос парусника.

Айвазовский создал одну картину, на которой изобразил луну во всей ее ночной красе, под названием "Лунный свет в Неаполе".

Эта картина, законченная в 1842 году, изображает тихую, спокойную ночь в бухте Неаполя. Луна светит над водой, освещая корабли, стоящие на якоре в гавани.

"Морской вид", И.К. Айвазовский, 1841.

"Гибралтар ночью", И.К. Айвазовский, 1844.

"Ночь на южном берегу", Н.Н. Дубовской


Николай Никанорович Дубовской также писал лунные пейзажи, он был широко известен в дореволюционное время именно как маринист, хотя, на мой взгляд, он не был настолько узкопрофильным специалистом. Его лунные пейзажи также очень реалистичны и

"Ночь на южном берегу", Н.Н. Дубовской, 1898

Наверное, каждый кто бывал на море, видел нечто подобное собственными глазами: лунная дорожка на слегка колышущейся водной глади, легкий ветерок, спавшая ночью жара и безмятежность внутреннего состояния.

Так плавно мы с вами и подошли к главному специалисту по лирическому пейзажу или пейзажу настроения. Две работы Исаака Ильича Левитана, написанные в один и тот же год - 1899, относятся уже к финальному периоду его творчества, ведь уже через год его не станет. Искусствоведы опишут этот период его жизни следующим образом:

Мотив спускающихся на землю сумерек часто привлекал художника. Очарование этого умиротворенного состояния природы особенно проникновенно передавалось им в поздние годы жизни, [...] период, отмеченный напряженными творческими раздумьями мастера, ищущего средства максимальной эмоциональной выразительности образа, стремящегося к остроте его звучания.

"Сумерки", И.И. Левитан, 1899

"Сумерки. Луна", И.И. Левитан, 1899

И далее продолжат, описывая вторую картину из представленных:

В меланхолических, пронизанных тонкой музыкальностью образах Левитана современники находили отражение переживаний одинокой и страдающей души, близких людям «конца столетия». «Сумерки. Луна» — замечательный образец зрелого творчества этого самого крупного русского мастера «пейзажа настроения». Призрачный лунный свет, зеркало озера, «удвоившее» мир, преобразили пейзаж, сделав его одновременно «похожим – непохожим». Одухотворенный и замкнутый в своих тайнах, отчужденный и холодный для человека, он замер в еженощном ритуале «предстояния» своему печальному светилу.
Поделись
с друзьями!
762
3
18
5 месяцев

13 знаменитых картин, которые в разные времена подвергались цензуре или вовсе были запрещены

Изобразительное искусство всегда было под пристальным вниманием и активно обсуждалось. Но некоторые картины вызывали настолько сильные эмоции, что стали объектом запрета в различных странах. Попавшие в опалу полотна прятали, а некоторые фрески и вовсе были близки к полному уничтожению и сохранились до нашего времени лишь по случайному стечению обстоятельств. Однако иногда цензура бессильна перед настоящими шедеврами. Рассказываем о произведениях мирового искусства, которые то и дело пытались запретить.


«Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года», Илья Репин, 1885 год



Весь мир знает картину под названием «Иван Грозный убивает своего сына». Когда Репин представил законченное полотно императору Александру III, ему и его семье сюжет и само натуралистичное и эмоциональное изображение очень не понравились. В связи с этим 1 апреля 1885 года картина была запрещена, став первой художественной работой, подвергшейся цензуре в Российской Империи.

«Страшный суд» Микеланджело Буонарроти, 1541 год



Не картина, а фреска «Страшный Суд» украсила алтарную стену Сикстинской капеллы. Заказчик папа Павел III остался работой доволен, но его восторга не разделил инквизитор, кардинал Корафа. Обнаженная натура, изображенная на фреске вызвала у последнего негодование и гнев. Уже став папой римским, кардинал приказал уничтожить произведение, однако его замыслу не дано было сбыться. Следующий папа римский Пий IV приказал закрыть срамные места на фреске, дорисовав складки ткани.

«Что есть истина?», Николай Ге, 1890 год



Картина русского художника Николая Ге вызвала негативный отклик со стороны церкви и властей. Работа спровоцировала серьёзный резонанс из-за необычного светового решения. Изображенный на ней Иисус находился в тени, а Пилат залит яркими лучами света, хотя в художественной культуре свет используется для изображения святости, а тьма — образ зла. Картина так не понравилась Священному Синоду и правительству, что её практически сразу сняли с выставки. Сейчас полотно находится в Третьяковской галерее, реабилитированная по просьбе самого Льва Толстого.

«Авиньонские девицы», Пабло Пикассо, 1907 год



Эта картина повергла общественность в шок. Чем именно, спросите вы? Ну разумеется, чрезмерно откровенным изображением работниц публичного дома. Яркая, агрессивная сексуальность не понравилась зрителю, из-за чего Пикассо был вынужден снять картину с выставки и долгие годы прятал её в закромах мастерской.

«Раздача продовольствия», Иван Айвазовский, 1892 год



Наиболее известная картина Айвазовского — «Девятый вал». А о произведении «Раздача продовольствия» слышал далеко не каждый. Оно и понятно, ведь картина не понравилась правительству и самому Николаю II, вследствие чего была запрещена. Сюжет работы Ивана Айвазовского посвящён доставке американской гуманитарной помощи в бедствующие на тот момент Среднее Поволжье и Черноземье. Посетив США, художник подарил работу Вашингтонской галерее.

«Святой Христофор», 17 век



Икона с изображением святого Христофора, известного также как Псоглавец, была не единственной в своём роде. Хоть, согласно преданию, у Христофора действительно была голова пса, церковь такое изображение юноши считала «противным естеству». В 18 веке почти все картины с изображением святого были уничтожены, запрещены или переписаны.

«Успение Девы Марии», Микеланджело Караваджо, 1604-1606 годы



Этот традиционный сюжет, изображающий смерть Девы Марии, заказали у Караваджо для церкви Санта-Мария делла Скала. Художник понял заказ слишком буквально и изобразил святую мёртвой в самом прозаичном смысле. Заказчиков возмутило распухшее тело, мертвецкий цвет кожи и грязные ступни Девы Марии, чьё тело на картине они хотели видеть нетленным, будто она всего лишь уснула крепким сном. Картина была отвержена священнослужителями, а чуть позже её приобрел герцог Мантуи.

«Сельский крестный ход на Пасху», Василий Перов, 1861 год



Картина Перова — одна из самых скандальных работ своего времени. Сама княгиня Мария Николаевна грозила художнику ссылкой за изображение представителей духовенства в неприглядном, порочащем церковь виде. Княгиня буквально приказала уничтожить работу. Но указ так и не был исполнен, ведь картину для своей личной коллекции успел приобрести купец Третьяков.


Представленная картина являлась последней масштабной работой художника. Здесь изображены не только рабочие, но и комиссар в военном костюме, старый крестьянин, солдаты, вернувшиеся с фронта, женщины и их дети. Время действия — весна 1922 года. Рабочая семья получает новое жильё, а её прежние хозяева, фабриканты или банкиры, сбежали за границу.

Полотно демонстрировало процесс перехода ленинградского пролетариата к мирному строительству, его вливанию в новое советское общество. Комиссия неоднократно отказывала художнику в просьбе выставить картину на всеобщее обозрение из-за неоднозначности трактовки сюжета.

«Святой Матфей и ангел», Микеланджело Караваджо, 1602 год



Картина была написана художником по заказу церкви. Однако, заказчиков работа не устроила, так как изображённый на ней апостол предстаёт с грязными босыми ногами. К тому же выглядит проповедник малограмотным, ведь даже писать ему помогает сам ангел, поддерживающий перо в его руке. Церковь отказалась от работы, и, нуждающийся в деньгах Караваджо, написал новую картину, учтя все правки. Сам первоисходник был утерян в 1945 году при штурме Берлина. Судьба картины неизвестна по сей день. Вероятно, работа хранится в чьей-то частной коллекции

«Принцесса Грёза», Михаил Врубель, 1896 год



Это панно Врубелю заказали для Нижегородской всероссийской выставки. Увидев набросок работы, куратор мероприятия Александр Бенуа тут же отправил телеграмму жюри, назвав работу «ужасной» и призвав немедленно снять её. Академики прибыли на выставку и единогласно постановили убрать панно. Позже панно были дописаны и выставлены в Москве.

«Святая Троица», фреска церкви Святой Агаты, 13 век



Смесоипостасная «Святая Троица» не является картиной в привычном понимании. Это икона с изображением трёх ликов Господа — Отца, Сына и Святого Духа. Смелая работа буквально возмутила общественность и самого папу Урбана VIII. Работу назвали еретической, кощунственной и непристойной. В Европе икону запретили в 1628, а в России в 1764 году.

«Освящение монополии» (Молебен в казенке), Николай Орлов, 1894 год/h2>



На скандальной картине Орлов изобразил освящение церковными служителями только что открытого заведения, где в том числе разрешена торговля спиртным. Художник продемонстрировал свою работу на выставке в 1904 году. Однако встречена работа была холодно, её тут же назвали «нецензурной» и потребовали убрать.

Картину у Орлова пытался приобрести Максим Горький, однако у него возникли финансовые проблемы. Тогда Орлов, остро нуждающийся в деньгах, начал искал покупателей среди русских коллекционеров, однако так и не нашёл желающих приобрести полотно. Неожиданно работой заинтересовался американец по фамилии Гринвальд. Орлов, обнадёженный радостной вестью, отдал картину, однако оплаты за неё так и не получил, покупатель просто пропал вместе с работой художника.

«Протодиакон, провозглашающий на купеческих именинах долголетие», Николай Неврев, 1866 год



Картина не была запрещена фактически, однако во времена, когда она была написана, автору то и дело напоминали о том, что его работа безнравственна и больше походит на грубую карикатуру, чем на произведение искусства. Столь реалистичное изображение эмоций священнослужителя, а также его далёкое от аскетичного телосложение вызвало в православном обществе серьёзное негодование.
Источник: twizz.ru
Поделись
с друзьями!
1784
3
9
7 месяцев
Уважаемый посетитель!

Показ рекламы - единственный способ получения дохода проектом EmoSurf.

Наш сайт не перегружен рекламными блоками (у нас их отрисовывается всего 2 в мобильной версии и 3 в настольной).

Мы очень Вас просим внести наш сайт в белый список вашего блокировщика рекламы, это позволит проекту существовать дальше и дарить вам интересный, познавательный и развлекательный контент!