На протяжении существования человечества стандарты красоты непрерывно менялись, что находило отражение в изобразительном искусстве. А на них, в свою очередь, влияли самые разные факторы — начиная от доступности пищи и заканчивая религиозными догматами. Разбираемся, кто, когда и почему живописал людей «в теле».

Эволюция Венеры

Один из наиболее древних памятников телесности — статуэтка, обнаруженная археологами в Австрии больше ста лет назад, которая получила название Венеры Виллендорфской: ее возраст составляет около 30 тысяч лет. Для людей палеолита наиболее важными частями женского тела были те, которые гарантировали успешное размножение — полная грудь и широкий таз. Поэтому статуэтки этого периода, найденные в разных регионах, нередко обладают этими признаками. Они символизировали плодородие и выступали в качестве своеобразного оберега, защищавшего племя от вымирания.

С расцветом религии и философии в древнеримской и древнегреческой культурах наступил затяжной период культа атлетического телосложения. Это было связано с одной стороны с верой в то, что божества имеют человеческий облик, поэтому их тела должны быть безупречны с точки зрения пропорций. С другой стороны, сыграли роль убеждения древних философов о том, что увлечение едой и другими чувственными удовольствиями свидетельствует о болезни и неподобающем поведении. Обычно толстый персонаж в греческих комедиях Аристофана и других авторов был пьяницей, обжорой или бездельником. Хотя по современным меркам древнегреческие Венеры все еще достаточно полнотелые.

Если греки стремились уменьшить удовольствие от еды, христиане предпочитали полностью его подавить. Некоторые богословы Средневековья считали, что прием пищи отвлекает от религиозных занятий: озабоченность едой рассматривалась как путь, ведущий к худшим грехам — похоти и лени.

Поэтому в средневековом искусстве долгое время отдавалось предпочтение не тронутым печатью порока худым телам. Естественно, кроме случаев, когда на картине изображались реальные личности с присущими им особенностями телосложения. Либо напротив — герои мифов или сказок, обладавшие характерными чертами внешности.

Первый значительный прорыв в живописании полновесных персонажей произошел в период Высокого Возрождения. Повышенный интерес к античной культуре и подражание древнегреческому культу тела привел к появлению большого количества картин с прекрасной Венерой, которую традиционно изображали с ярко выраженными женственными формами — округлыми плечами и полными бедрами.

Тело как улика

Строго говоря, у средневековых художников было не так уж много поводов рисовать полных моделей. Долгие европейские зимы, быстро истощавшие запасы еды, регулярные эпидемии чумы и другие болезни не оставляли шансов среднестатистическому гражданину для набора лишнего веса. Неограниченный доступ к пище долгое время оставался недостижимой мечтой.

Ситуация начала меняться с открытием Американского континента и внедрением в Европе таких высококалорийных и неприхотливых культур, как картофель и кукуруза. К концу 16 века также значительно ослабло давление религиозных догм и церковь начала терять безусловный авторитет в социальной и государственной жизни европейцев. Появление на картинах обнаженных персонажей стало все больше распространенным явлением, а их полнота превратилась в синоним благополучия и сытой жизни.

В начале 17-го столетия Амстердам обогнал Антверпен в статусе крупнейшего международного порта на севере Европы, а также ее главного банковского центра. Возможно, именно с этим фактором связан расцвет в Голландской республике живописи, свидетельствующей об уменьшении перебоев с полноценным питанием. Больше других прославился на этом поприще, конечно, Рубенс. Именно его творчество приводят в пример в первую очередь, когда говорят о «бодипозитиве» в классическом искусстве.

Но не только изображение женского тела в его естественной форме получило индульгенцию в это время. В 1620-х годах сразу несколько европейских художников написали картины с участием Силена — древнегреческого бога, воспитавшего покровителя виноделия Диониса. Его традиционно изображали вечно веселым и пьяным, с плотно набитым закусками выдающимся животом.

Если персонажи Рубенса пышут жизнелюбием и красотой, то у его соотечественника Рембрандта полные могут быть и бедными, и больными, и некрасивыми, что подчеркивает доступность пищи в изобилии для всех категорий населения.

Одновременно с тем, как росло благосостояние среднего европейца, постепенно люди в теле становились героями картин все большего числа художников. Среди импрессионистов они встречаются у Ренуара, Дега и прочих.
Эдгар Дега. Женщина, в

На протяжении долгого времени крупное телосложение не было чем-то знаковым или символичным в искусстве и рассматривалось всего лишь как часть отображения действительности.

В течение около четырех столетий, примерно между 1500 и 1900 годами, солидный вес и объем тела, как для мужчин, так и для женщин, считался привлекательным. В зависимости от страны и века этот стандарт несколько варьировался, но в целом считалось не только красивым, но и естественным выглядеть полным.

Тело как протест

Когда доступность еды окончательно перестала быть показателем статуса в индустриальном обществе, постепенно начал формироваться новый идеал красоты — стройное и подтянутое тело. Лишь некоторые редкие художники 20-го века исследовали на своих картинах телесность во всех ее проявлениях, а современники часто находили их картины вызывающими и даже отвратительными.

Британский художник Люсьен Фрейд писал обнаженных людей обоего пола любой комплекции, словно изучая все вариации физического проявления человека. Но одними из самых знаменитых его работ стали картины, для которых ему позировала социальная работница Сью Тилли весом 127 кг. Полотна с «Большой Сью» бьют рекорды на аукционах: «Социальная смотрительница спит II» (1995) в 2015 году продана на Christie’s за 56,1 млн долларов.

Некоторые современные художники сделали изображение полных людей своим фирменным стилем или частью идеологии. Французская художница и скульптор Ники де Сен-Фалль, выступавшая против стереотипных представлений о роли женщины в обществе, одной из форм протеста выбрала создание в 1960-х годах серии скульптур под общим названием «Нана». Масштабные фигуры из стеклопластика, ярко расписанные акриловыми красками, изображали полную жизнерадостную женщину в различных танцевальных и акробатических позах.

Фернандо Ботеро, один из наиболее известных современных художников Латинской Америки, пишет исключительно полных людей и зверей. Однако он утверждает, что его персонажи не толстые, а «объемные». «Я не рисую полных женщин. Никто не верит мне, но это правда. То, что я рисую — объемно. Когда я пишу натюрморт, я также делаю его объемным. То же самое касается животных и пейзажей, — говорит он. — Кого бы я ни писал — женщину, мужчину, собаку или лошадь, — я всегда делаю это с идеей объема, а не потому, что одержим толстяками».

К концу прошлого века индустрия моды довела стремление показывать на подиумах и обложках журналов исключительно экстремально худых моделей до такого абсурда, что маятник неминуемо качнулся в обратную сторону. Все больше и больше людей стало заявлять о своем праве не вписываться в узкие модельные рамки. Но еще в 1994 году, когда в лондонской галерее Саатчи впервые показали триптих «Стратегия» британской художницы Дженни Сэвилл, в прессе появилось много негативных отзывов из-за «чрезмерного» объема и веса модели.

Сэвилл подчеркивает, что в фокусе ее внимания вовсе не была полнота ее подруги, которая позировала для картины. «Я попросила ее стать моделью, потому что считала ее красивой, — отмечает художница. — Я не представляла себе, что изображение вызовет такую реакцию. Но меня очень тронуло количество людей, которые написали мне, что моя картина стала первым разом, когда они увидели на холсте кого-то похожего на себя».

Автор: Наталья Азаренко

Оптические иллюзии — это обман зрения, когда мы воспринимаем изображения не такими, какие они есть. Наш мозг создает некие образы там, где их на самом деле нет, складывая мозаику из предметов и явлений. Именно в таком жанре пишет свои картины украинский художник Олег Шупляк. Его работы имеют двойной смысл, открывающийся только при внимательном рассмотрении.

Художник Олег Шупляк родился 23 сентября 1967 года в селе Бище, под Тернополем. Рисовать он начал еще до школы, а высшее образование получил во Львовском политехническом институте. Защитив диплом архитектора, он решил посвятить себя обучению детей. Шупляк много лет преподавал живопись в художественной школе города Бережаны.

Среди работ Олега Шупляка есть немало картин в традиционных стилях. Но всемирную славу ему принесли именно работы с оптическими иллюзиями. На своих выставках, которые проходят в Украине и за рубежом, художник представляет картины в стиле ассоциативного символизма, сюрреализма и абстракционизма.

Полотна Олега Шупляка высоко ценятся экспертами и коллекционерами. За заслуги мастера в области искусства, ему присвоили звание заслуженного художника Украины. Но есть у художника еще и хобби, о котором знают не все. В свободное время он занимается церковной росписью, создавая фрески в храмах родной Тернопольщины.

Гиперреалистичные портреты художницы Алены Литвин заставят вас протереть глаза от изумления: неужели ЭТО нарисовано обычными карандашами?! Портреты получаются невероятно детальными, а люди на них выглядят совсем как живые.

Гиперреализм ─ это всегда визуальное удовольствие. Это тот вид искусства, который заставляет нас пристально вглядываться в картины и не верить своим глазам, потому что-то, что на них изображено, кажется, не может быть нарисованным ─ настолько реалистично выглядит. Российская художница Алена Литвин обладает этим талантом: она пишет невероятно реалистичные портреты людей, используя лишь цветные карандаши. Ее мастерством уже восхищается более 180 тысяч подписчиков в социальных сетях, куда она выкладывает свои впечатляющие работы. И на многих из них ─ российские и зарубежные знаменитости.

Октавио Окампо (Octavio Ocampo) родился в семье мексиканских художников и дизайнеров в 1943 году в городе Селая. Он с детства изучал искусство, образование получил в Школе живописи и скульптуры, затем в Художественном институте Сан-Франциско. На этапе поисков себя работал художником-декоратором в театре и кино, создал декорации к более 120 мексиканским и американским фильмам.

Октавио Окампо – представитель стиля метаморфоз, очень близкого к испанскому сюрреализму, родоначальником которого был Сальвадор Дали. Окампо пишет картины-иллюзии со скрытыми изображениями и бесконечными смыслами. Игрой воображения мастер сплетает реалистические и метафорические детали в неповторимые картины с зашифрованными образами. Немалое место в его творчестве занимает католическая символика.

«Я называю свой стиль «метаморфическим», потому что когда вы смотрите на мои картины, они переходят от одного изображения к другому. Моя философия в том, что мы живём в разных вселенных, параллельных друг другу. Вселенная и философия – вот мой стиль...», – говорит художник.

Окампо популярен и как портретист. Наиболее известны его портреты таких известных личностей как Джимми Картер, Хосе Лопес Портильо, Мигуэль Алеман Вальдес, Сезар Чавес, Джейн Фонда и Шер (портрет использовали для обложки альбома «Heart Of Stone»). Работы Октавио Окампо демонстрируют в персональных и коллективных выставках по всему миру. В родном городе художника создали музей его имени.

Турецкий художник Муса Челик рисует великолепные портреты в технике фотореализм, используя лишь простой карандаш. Посмотрите на его нежные и абсолютно живые работы. Кажется, что они прямо сейчас начнут разговаривать!

Муса Челик (Musa Çelik) — художник из Турции, родившийся в Алании. Окончил факультет изобразительного искусства в университете. Работал учителем рисования, а затем решил сосредоточиться на дизайне. Имеет множество национальных и международных наград.

Автопортреты писали не только художники-портретисты. Познание мира через исследование собственного образа широко распространено среди мастеров кисти всех времен.

Подвид портрета, автопортрет осмелился выйти на арену творчества художников во времена Ренессанса, Возрождения. Название жанра «автопортрет» происходит от двух слов — «автор» и «портрет», то есть автопортрет — портрет самого себя.

Некоторые художники написали множество автопортретов, другие помещали собственное изображение в групповые картины.

Собственно, градации разновидностей автопортрета не так много. Часто художники изображают себя за работой, с кистью и красками, пишущими картину — такой автопортрет условно можно назвать профессиональным.

Проникновение в глубины личного сознания, выраженного художником на полотне, можно назвать личностным автопортретом.

Поскольку собственное лицо — самая доступная мастеру натура, автопортреты художников встречаются в групповых картинах. Мастера изображали себя в качестве персонажей картин на историческую, библейскую или мифологическую тему, помещали себя в групповых изображениях вместе с друзьями или членами семьи.

Одним из первых художников, изобразивших себя в групповом портрете, был итальянец Томазо Мазаччо. Его автопортрет (1425) изображен на росписи в капелле Бранкаччи. Считается также, что Сандро Боттичелли изобразил себя на картине «Поклонение волхвов»: обратите внимание на фигуру справа.

Искусствоведы долгие годы пытаются выяснить, является ли знаменитая «Мона Лиза» своеобразным автопортретом Леонардо да Винчи?

Автопортрет, помимо всего прочего — ценнейший исторический документ, отражение отношения художника к окружающему его миру и обществу, отражение его социальных ценностей. Свои образы оставили потомкам Рафаэль Санти (1483—1520), Микеланджело Буонарроти (1475—1564), Тициан Вечеллио (1477—1576).

Стремясь передать самую сущность портретируемого, его глубокие внутренние стремления, потаенные мысли, художники, как правило, старались «разговорить», узнать получше свою модель. Что же касается автопортрета, изображения себя самого — этот опыт для многих из них становился достаточно тяжелым личным переживанием, ни с чем не сравнимым опытом. Заглянуть в собственную душу, откровенно изобразить свою натуру, которую многие люди стараются прятать как можно глубже… Пожалуй, автопортрет для художника — это всегда испытание, акт самопознания — дело нелегкое, но очищающее. Также по автопортрету судят о творчестве художника в целом: насколько он откровенен в своих работах, хотя мало кто из людей бывает до конца честен с самим собой.

Известные художники — мастера автопортрета: Альбрехт Дюрер, Рембрандт, Орест Кипренский, Иван Крамской, Поль Сезанн, Ван Гог, Фрида Кало, Зинаида Серебрякова, Михаил Сарьян, Фернандо Ботеро.

Кто такой великий художник? Тот, кто хорошо пишет картины? Тот, кто устраивает множество своих выставок? Тот, чьи работы красуются в лучших музеях и картинных галереях мира? Наверное, несколько лет назад можно было бы так сказать. Сейчас художника называть великим можно, если его признает «старая» школа, если он идет параллельно новому, не переходя грани безумного, сублимируя классику и модерн. Безусловно, работы гения вызывают эмоции у зрителя. Сегодня мы расскажем о потрясающем современном художнике из Италии, работы которого можно смело ставить в ряд с шедеврами художественного искусства.

Аурелио Бруни, так зовут итальянского художника. Он был рожден в городке Блера в октябре 1955 года. Бруни не имеет художественного образования, юноша выучился на сценографиста в институте искусств Сполето. Аурелио является самородком, ведь как художник он состоялся исключительно благодаря самообразованию, фундаментом послужили знания, полученные о живописи еще в школьные годы. Писание картин маслом Бруни открыл для себя в возрасте 19 лет, с тех пор с кистью он не расставался. Сейчас художник работает и творит в Умбрии.

Самые ранние работы Бруни больше примыкают к направлению сюрреализма, это очень четко ощущается в созданных им образах.

По мере взросления художник переходит на сторону лирического романтизма, символизма. Утонченность, пластичность линий, детализация — все это начинает прослеживаться на полотнах итальянца. Удивительно то, что неодушевленные предметы встают в ряд с одушевленными, а именно с человеком: каждый элемент выглядит гиперреалистично, однако, это не мешает разглядеть суть, уловить смысл, заложенный художником.

Изысканность, эстетика, чувственность работ вызывает легкое ощущение меланхолии, одиночества и задумчивость. Именно таким духом насквозь пропитаны потрясающие картины Аурелио Бруни.