9 современных художников, завоевавших известность

Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.


Wojciech Babski


Войцех Бабски – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с живописью. В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.

Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.






Warren Chang


Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области живописи. В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.

Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.

Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.





Aurelio Bruni


Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет. В настоящее время живёт и работает в Умбрии.

Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.






Alekasander Balos


Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной живописи. Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.

В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.

После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.

Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.
Alekasander_Balos_08



Alyssa Monks


Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.

Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.

“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.

Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.

Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.



ЮAntonio Finelli


Итальянский художник – “Наблюдатель времени” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.

Рисунки карандашом “Наблюдателя времени” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.

Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.






Denis Chernov


Денис Чернов – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.

Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.

Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.




Iruvan Karunakaran


Ируван Карунакаран – индийский художник, пишущий реалистичные картины, основная тема которых индийская деревня. Незатейливая сущность сельской Индии оживает в его произведениях.

Искусство Ирувана – тщательные, но все же запутанные изображения сцен деревенской жизни, улиц, различных напоминаний о древности деревни, людей, выполняющих ритуалы или поглощённых ежедневной рутиной, которая глубоко укоренилась в крови сельских жителей. Его реалистичные произведения искусства, сделанные с использованием мастихина, поражают вас одинаково сильно каждый раз, когда вы рассматриваете их.

“Приезжая из Мадурай, штат Тамилнаду, в деревню, я наслаждаюсь ощущением отсутствия течения времени в деревни и спокойствием её людей. Меня, городского жителя, проживающего в Хайдарабаде уже более десяти лет, восхищает замысловатое переплетение исторического и современного, интересное сочетание которого вы видите в самых знаковых местах в Индии. Особенно сильно меня вдохновляют улицы. Они приходят откуда-то и уходят куда-то еще….

Возникает ощущение, как будто стоишь в точке, называемой сегодня, с вчера за спиной и завтра впереди. Люди стремятся к улицам и дорогам… они хотят попасть “куда-то” и “что-то” сделать. Персонажами моих картин может быть кто угодно: мужчина тянущий тележку – он просто смирился с жизненными трудностями… занятой торговец, который упорно шагает к своей цели… одинокий мото рикша или велосипедист… пожилая женщина, продающая цветы и сонная собака, отдыхающая не смотря на шум… непрерывное движение и смена улиц заставляет людей чувствовать себя живыми. Бывает ли место лучше, чтобы наблюдать жизнь, если не на улицах?”






Vasiliy Hribennikov


Имя художника Василия Ивановича Грибенникова хорошо известно широкому кругу коллекционеров живописи России, Европы, США и Китая. Его живопись является ярким примером продолжения традиций классической школы великих русских мастеров. Василий Иванович родился в 1951 году в село Заветное Ростовской области.

Основой для восхождения к профессиональным вершинам послужило художественное образование. В 1974 году окончил художественно-графическое отделение Кубанского государственного университета. Развитию природных способностей художника и совершенствованию технических навыков, полученных в годы учебы, содействовала активная творческая работа, которая продолжилась после окончания университета. Сегодня приобретенный живописцем опыт позволяет ему свободно обращаться к разным жанрам живописи, создавать пейзажи и натюрморты, работать в историческом жанре.





Поделись
с друзьями!
1465
6
58
3 месяца
РЕКЛАМА

Cамые странные картины, проданные за бешеные деньги

Казимир Малевич говорил, что «Черный квадрат» он написал, находясь под воздействием «космического сознания». Мы не знаем, под воздействием чего находились авторы этих картин и уж точно — что заставляло покупателей выкладывать за них такие деньги. Или мы ничего не понимаем в искусстве?

1. Лучо Фонтана. «Пространственная концепция. Ожидание» — 1,5 млн долларов.


2. Герхард Рихтер. «Кроваво-красное зеркало» — 1,1 млн долларов.


3. Эльсуорт Келли. «Зеленое белое» — 1,6 млн долларов.


4. Блинки Палермо. «Без названия» — 1,7 млн долларов.


5. Эльсуорт Келли. «Ковбой» — 1,7 млн долларов.


6. Жоан Миро. «Собака» — 2,2 млн долларов.


7. Барнетт Ньюман. «Белый огонь I» — 3,8 млн долларов.


8. Кристофер Вул. «Синий дурак» — 5 млн долларов.


9. Марк Ротко. «Без названия» — 28 млн долларов.


10. Кристофер Вул. «Восстание» — 29,9 млн долларов.


11. Барнетт Ньюман. «Onement VI» — 43,8 млн долларов.


12. Сай Твомбли. «Без названия» — 69,6 млн долларов.


13. Барнетт Ньюман. «Черный огонь I» — 84,2 млн долларов.


14. Марк Ротко. «Оранжевый, красный, желтый» — 86,9 млн долларов.


15. Барнетт Ньюман. «Свет Анны» — 105,7 млн долларов.


А как Вы относитесь к такому современному искусству?
Поделись
с друзьями!
1444
396
219
8 месяцев

Как это сделано? Живые скульптуры из бумаги

Белоснежные скульптуры китайского автора Ли Хунбо (Li Hongbo) вряд ли покажутся интересными и оригинальными тому, кто видит их впервые. Такие гипсовые статуэтки используют в художественных школах, обучая новичков азам изобразительного искусства. Но они не так просты, как кажется.

Интерес к бумаге у художника появился еще во время работы редактором, но, по-настоящему, Лу Хунбо вдохновила сота- популярная бумага для создания детских игрушек или праздничных украшений в Китае. Ее удивительная гибкость, устойчивость и прочность привлекли внимание художника, и он начал использовать ее в качестве материала для свои гуттаперчевых скульптур.

Художник сперва склеивает особым образом между собой несколько тысяч листов бумаги, после чего обрабатывает ее как скульпторы мрамор.
Дети обожают наблюдать за тем, как плоская бумажная коробочка вдруг растягивается на несколько метров, превращаясь в змею, дракона или гусеницу. Взрослых людей гусеницами уже не удивить, считает Ли Хунбо, стало быть, им необходимо что-то более серьезное. Потому его скульптуры — не плоские коробочки, а "полноразмерные" изваяния, практически не отличимые от обычных скульптур.
Но стоит потянуть такую скульптуру за выступающие части, как она начнет растягиваться, забавно деформируясь, но оставаясь при этом цельным объектом. Играть такой гармошкой можно бесконечно, скульптура не испортится, разве что бумага может не выдержать активных действий, и в какой-то момент испортиться.
В серии гибких бумажных скульптур талантливого автора — бюсты и полноразмерные фигуры людей, черепа и конечности, а также выдуманные существа, не поддающиеся классификации.


И небольшое видео об этих удивительных скульптурах
Живые скульптуры из бумаги
Источник: nnm.me
Поделись
с друзьями!
1523
5
27
21 месяц

Замысловатые абстрактно-архитектурные фотографии Питера Стюарта

Намба Парк
Красочные работы Питера Стюарта (Peter Stewart) производят на зрителя неизгладимое впечатление, создавая эффект чего-то нереального. Ведь автору непросто удаётся запечатлеть здания под новым углом, но и полностью передать царящую вокруг атмосферу. И совсем неудивительно, что эти яркие, абстрактно-геометрические кадры, привлекают внимание, мало кого, оставляя равнодушным…
В квадрате.
Стальной купол.
Золотые башни
Башня Х.
Три шпиля.
Аврора.
Стоит ли говорить о том, что это не единственная серия работ, в которой застыли необычные паттерны зданий, уходящих высоко в небо. Виртуозно владея камер, объектив которой постоянно направлен вверх, автор создаёт поистине замысловатые сюжеты, больше похожие на абстрактные изображения, глядя на которые не сразу так и поймёшь, что это городские постройки. Пёстрые, залитые огнями высотки Гонконга напоминают собой кадры из фантастических фильмов, мимо которых трудно пройти, не обратив внимания…
Повышающийся уровень.
Звёздная материя.
Стеклянный дом.
Портал.
Подняться.
Иду к цели.
Большие квадраты, маленькие квадратики.
Источник: kulturologia.ru
Поделись
с друзьями!
943
1
12
40 месяцев

Кинетическое искусство: видео 8 лучших оживших скульптур

Кинетическое искусство в последние годы находится на пике популярности, ведь мастерам, совладавшим со светом и движением, удается добиться потрясающего эффекта – преодолеть статичность скульптуры. В нашем обзоре – 8 самых оригинальных примеров того, как оживают арт-объекты.

1.Фантастический механизм от художника Лайми Янг
2.Силуэты автомобилей из металлических сфер
Кинетическая скульптура в музее BMW появилась несколько лет назад, однако до сих пор вызывает восторг. 714 металлических сфер складываются в форме моделей автомобилей разного года выпуска.
3. Взмах крыла от Боба Поттса
70-летний скульптор Боб Поттс создает минималистичные, но от этого не менее впечатляющие работы. Его кинетические скульптуры имитируют взмах крыльев птицы или движение весла во время гребли. Поразительно, как мастеру удается столь точно передать траекторию движения.
4. "Танцующие" скульптуры Энтони Хоува
Энтони Хоув работает с грубым материалом – стальной арматурой, но создает удивительно гармоничные кинетические скульптуры. В тихую погоду они выглядят элегантно и утонченно, а с первым дуновением ветерка начинают свой причудливый танец.
5. "Механические рыбы" от художественной группы ArtMechanicus
Усилиями художественной группы ArtMechanicus на свет появилась уже не одна «механическая рыба». В коллекции московских мастеров «Рыба-дом», напоминающая Ноев ковчег, «Рыба-рыцарь», олицетворяющая одинокого всадника, «Ореховая рыба», символизирующая стремление к красоте, и «Рыба-таран» - аллегория борьбы живого и неживого начала.
6. Деревянные чудеса от Дэвида Роя

Своим кинетическим скульптурам Дэвид Рой дает трогательные и нежные имена - «Фиеста», «Летний дождь», «Солнечный танец», «Серенада», «Зефир». Деревянные творения приводятся в движение ветром и тут же становятся легкими и изящными.
7. Кинетическое устройство, играющее на скрипке. Автор - Сет Гольдштейн (Seth Goldstein)

Сет Гольдштейн (Seth Goldstein) – инженер-механик, которому удалось создать устройство, способное копировать движение рук. Кинетическая скульптура, оснащенная приводами, роторами, шкивами и компьютерными чипами, распознает аудиофайлы, воспроизводимые на электронной клавиатуре, и после играет на скрипке мелодию.
8.Скульптуры гигантских животных от Тео Янсена

Гигантских чудо-монстров, которые, повинуясь порывам ветра, оживают, Тео Янсен создает из пластиковых трубок, кабельного шнура, нейлоновых веревок и клейкой ленты. А после - устраивает веселые пляжные прогулки насекомовидных животных. Без сомнений, Тео Янсен - один из гениев кинетического искусства.
Источник: www.kulturologia.ru
Поделись
с друзьями!
697
1
13
48 месяцев