Платья, как отражение моды, в живописи разных эпох

Испокон веков искусство и мода влияли друг на друга, заставляя критиков и модниц пристально следить за новыми тенденциями, наспех сменяющих друг друга. И пока одни оценивали картину с точки зрения технических характеристик, другие – бежали к портным, дабы в скором времени заполучить платье точь-в-точь, как у героинь, изображённых на полотнах.


1. Ренессанс


Ренессанс был временем культурного и художественного возрождения, поскольку классицизм совершил революционное возвращение в европейские общества. Однако в этот период также произошли значительные изменения в моде. Посмотрите, как знаменитые платья на картинах повлияли на моду в эпоху Возрождения.

Мученичество святой Екатерины, Лукас Кранах. \ Фото: nevsepic.com.ua

Портрет четы Арнольфини, Ян ван Эйк, 1434 год. \ Фото: educacion.ufm.edu.

«Портрет четы Арнольфини» Яна ван Эйка является одним из основных элементов изучения ткани в портретной живописи. Изумрудно-зелёный цвет шерстяной одежды на женщине и рукава с подкладкой из горностая демонстрируют статус семьи, поскольку только богатые люди могли позволить себе подобного рода ткани. Шерсть, шёлк, бархат и мех были редкостью и более дорогими в производстве, по сравнению с хлопком или льном, и были символом статуса и достатка. Один из самых обсуждаемых вопросов, связанных с картиной, заключается в том, беременна ли изображённая женщина (предположительно жена Арнольфини). Юбки эпохи Возрождения были такими пышными и тяжёлыми, что женщины задирали их, чтобы было легче двигаться.

Великолепный часослов герцога Беррийского, братья Лимбург, 1412-16 гг. \ Фото: digitalmedievalist.com

Добавленные пышные складки платья также показывают тенденцию к изображению женщин с ярко выраженным животом, поскольку это намекало на зачатие детей во время брака. Другой пример этого «Les Très Riches Heures du Duc de Berry» братьев Лимбург. На обоих изображениях женщины изображены с более округлыми животами. «Великолепный часослов герцога Беррийского» изображает свадьбу, и оно сопоставимо с портретом Арнольфини, поскольку обе женщины проецируют образ материнства в ожидании беременности. Не глядя на картину с современной точки зрения, можно увидеть это как запись того, что носили женщины и что было важно для людей, чтобы показать другим.

2. Периоды барокко и рококо


Княгиня Елизавета Эсперовна Трубецкая, Франц Ксавер Винтерхальтер. \ Фото: ru.wikipedia.org.

Периоды барокко и рококо характеризуются изысканным декором, декадансом и игривостью. Эти тенденции проявлялись не только в искусстве, но и в моде через замысловатые орнаменты и роскошные платья. Взгляните на некоторые из знаменитых платьев, вдохновлённых произведениями искусства.

Внимание неизвестного художника к деталям и к одежде - вот что делает картину «Элизабет Кларк Фрик (миссис Джон Фрик) и Малышка Мэри» важной записью жизни пуритан Новой Англии. В этом образе Элизабет одета в изысканные ткани и аксессуары Америки 1600-х годов. Её белый кружевной воротник указывает на популярное европейское кружево, встречающееся среди аристократических женщин. Из-под её платья виднеется вышитая золотом бархатная нижняя юбка, а рукава украшены лентами. Также на женщине есть украшения: жемчужное ожерелье, золотое кольцо и гранатовый браслет, что в свою очередь говорит о статусе и достатке. Эта картина предлагает уникальный взгляд на пуританскую жизнь Элизабет и её семьи.

Элизабет Кларк Фрик (миссис Джон Фрик) и Малышка Мэри, неизвестный художник, 1674 год. \ Фото: pinterest.com

Стоит также отметить тот факт, что художнику мастерски удалось смешать образы богатства в скромной обстановке. Картина ясно демонстрирует богатство Элизабет, подчёркивая её лучшую одежду и украшения. Это также отражает богатство её мужа, Джона Фрика, который мог позволить себе выполнять любые прихоти супруги, покупая ей различного рода наряды и украшения. Ко всему прочему картина символизирует их пуританское отношение благодарности к Богу, поскольку без Его благословения они не смогли бы иметь такую роскошь.

«Качели» Жана-Оноре Фрагонара - пример стиля рококо во французских аристократических кругах. Картина была частным заказом, когда французский придворный попросил художника написать свой портрет и портрет своей любовницы. Несмотря на то, что картина хранилась за закрытыми дверями, она раскрывает роскошь, легкомыслие и тайную природу французского королевского двора.

Качели, Жан-Оноре Фрагонар, 1767 год. \ Фото: hashtagtravelling.com.

Пастельно-розовое платье выделяется среди пышного сада и находится в центре внимания. Жан нарисовал платье свободными мазками кисти, которые имитируют широкие юбки и оборчатый лиф её платья. Его свободная кисть совпадает с сюжетом этой идиллической садовой сцены, наполненной кокетливыми и причудливыми образами.

Халат а-ля Франсез, сшитый во Франции XVIII века, 1770 год. \ Фото: google.com.

Его картина также демонстрирует тенденции, установленные во французском дворе для моды. Рококо превзошло моду, искусство и архитектуру, чтобы создать что-то уникально французское. Мода рококо включала в себя самые роскошные ткани, в том числе шелка пастельных тонов, бархат, кружева и цветочные узоры, а также чрезмерное количество бантов, драгоценных камней, оборок и декоративных украшений, чтобы создать образ, глядя на который, придворные и гости, сворачивали бы себе головы. Стиль определял разницу между бедными и богатыми, поскольку аристократия могла позволить себе роскошь изысканных тканей и украшений. Для женщин, носящих такие наряды в стиле рококо, картина является воплощением французского королевского двора до революции.

3. Знаменитые платья на картинах XIX века


Симфония в белом № 1, Джеймс Эббот Мак-Нейл Уистлер, 1862 год.\ Фото: post.naver.com

В XIX веке произошёл художественный сдвиг от неоклассицизма к раннему модернизму, уступив место стилям и школам мысли. В этом столетии также произошли изменения в моде. Читайте дальше, чтобы увидеть, как картины повлияли на появление знаменитых платьев и стилей, которые были заметно более современными, чем раньше.

«Искусство ради искусства» стало связано с «Симфонией в белом № 1» Джеймса Эббота Мак-Нейла Уистлера, который намеревался придать картине духовный смысл. Критики, однако, не увидели всего этого, поскольку на картине была изображена любовница художника, одетая в лёгкое белое платье. В итоге, этот портрет стал скандальным. В течение 1800-х годов женская одежда часто включала нижнюю юбку с кринолином, сделанную из стали. Женщины также носили корсеты среди множества других предметов нижнего белья, чтобы иметь возможность создавать более широкие юбки.

«Женщина в белом» - полная противоположность тому, что было модным и статусным по тем временам. Платье главной героини, изображённой на картине, представляло собой своего рода нижнюю одежду, которую мог видеть либо муж, либо любовник, поскольку считалось, что такую одежду очень легко снять. Для Уистлера его муза должна была стать частью общей сцены, которая радовала глаз. Он изобразил Хиффернан такой, какой видел её, и для зрителей в то время картина была одновременно запутанной и немного неприличной. Тем не менее, с приходом 1900 года такое платье стало нормой для повседневного ношения.

Слева направо: Портрет мисс Ллойд, Джеймс Тиссо, 1876. \ Портрет Кэтлин Ньютон, Джеймс Тиссо, 1878 год. \ Фото: pinterest.ru.

Джеймс Тиссо создал множество картин, изображающих женскую моду в конце 1800-х годов. Он опередил европейскую моду и хорошо известен тем, что рисовал свои сюжеты с учётом последних модных тенденций. Женская мода начала меняться среди молодых леди в Париже и Лондоне в конце 1800-х годов. Широкие и тяжёлые юбки их викторианских предшественников были заменены более узкими с пышными складками сзади.

Портрет мадам Х, Джон Сингер Сарджент, 1883-84 гг. \ Фото: ru.wikipedia.org

На картине «Мисс Ллойд» героиня одета в платье так, как его носили в обществе в то время, подчёркивая узкую талию и фигуру песочные часы. «Портрет Кэтлин Ньютон» (его тогдашней спутницы) – полная противоположность образу мисс Ллойд. Художник изобразил женщину в платье так, будто она излучает томность и соблазнительность. Тем не менее, у обеих женщин есть своё особое очарование и тайна, окружающая их. Само платье символизирует различия в популярной культуре в своё время. Один образ - традиционен и условен, в то время как другой - откровенно интимен и скандален для зрителей в 1800-х годах.

Джон Сингер Сарджент создал образ женщины, который, хотя и был неприемлем для его времени, стал одной из его самых узнаваемых и почитаемых картин. Это портрет мадам Виржини Готро, американской красавицы, смешанной с французским высшим обществом. Это вызвало такой скандал, что самому Джону пришлось уехать из Парижа в Лондон.

Вечернее платье от Hoschede Rebours, 1885 год. \ Фото: metmuseum.org.

Её корсет чрезвычайно заострён к нижней половине живота. Острый глубокий v-образный вырез и расшитые бисером бретельки едва прикрывают плечи и обнажают то, что считалось интимными частями женщины, неуместными для демонстрации на публике. После того как Сарджент представил картину на Парижском салоне 1884 года, она вызвала возмущение критиков и зрителей, ведь негоже замужней женщине высшего класса быть в столь провокационно виде. Зрителям в Салоне показалось, что на героине картины надето нижнее бельё, а не платье. И репутация Готро в глазах людей стала скатываться к нулю, ведь многие считали её непристойной личностью. В конце концов Сарджент убрал её имя с портрета, переименовав его в «Мадам Х».

4. Знаменитые платья на картинах ХХ века


Адель Блох-Бауэр, Густав Климт, 1907 год. \ Фото: mariapaulazacharias.com

Искусство в ХХ веке было сосредоточено на абстракции и выражении, претерпевая значительные изменения с новыми стилями и темами. Это также привело к исследованию новых форм и синтезов моды и искусства. Здесь представлены знаменитые платья, изображённые на картинах в течение двадцатого века.

Золотое платье Адель Блох-Бауэр, по сравнению с другими нарядами дам из высшего общества её времени, выделяется среди остальных. Вместо того, чтобы изображать женщину из высшего класса, отдыхающую в саду или читающую на диване, Климт превращает Адель в потустороннюю фигуру. Её платье - это кружащаяся фигура, наполненная треугольниками, глазами, прямоугольниками и иконографией. Нет никаких признаков корсетов с прямой шнуровкой или слоёв одежды. Модерн содержит темы природы и мифические образы. Это также относится к богемной моде, которую Густав носил сам и использовал в различных других картинах.

Эмили Флеге и Густав Климт в саду виллы, 1908 год. \ Фото: twitter.com.

Он часто рисовал рисунки, созданные модельером Эмили Флеге. Она не так хорошо известна в мире моды, как её современники или предшественники, но она сделала неплохой успех в создании моды для женщин своего времени. Временами это была совместная работа, поскольку Густав использовал её знаменитые платья и во многих других своих картинах.

La Musicienne, Тамара Лемпицка, 1929 год. \ Фото: bloombergquint.com.

Тамара Лемпицка создавала портреты, которые исследовали женственность и независимость в 1920-е годы. Художница в стиле ар-деко стала известна своими портретами знаменитостей, которые исследовали стилизованную и отшлифованную форму кубизма, ставшую её торговой маркой. Ира Перро (близкая подруга и, вероятно, любовница Лемпицки) рассматривается как буквальное проявление музыки в «La Musicienne». Что выделяет картину, так это её изображение синего платья. Техника Тамары отбрасывания резких теней с её насыщенной цветовой палитрой придаёт движение платью, так что кажется, будто оно парит в воздухе. Короткий подол платья и ниспадающие складки всё ещё напоминают о моде 1920-х годов, которая стала поворотным моментом в женской моде. Женщины носили платья, которые обнажали их ноги и руки, а также плиссированные юбки, в которых было легче танцевать.

Тамара вдохновлялась и изучала работы мастеров эпохи Возрождения и использовала аналогичные темы с современным подходом. Традиционно синий цвет можно увидеть на платьях Девы Марии на средневековых или ренессансных картинах. Ультрамариновый синий был редок и использовался для значительных картин.

Две Фриды, Фрида Кало, 1939 год. \ Фото: wordpress.com

Красочные и ручной работы мексиканские ткани вплетены в работы Фриды Кало. Она приняла эту одежду как часть своего наследия и носила её на многочисленных автопортретах и фотографиях. Знаменитые платья, показанные на картине «Две Фриды», символизируют её связи с обеими сторонами её европейского и мексиканского наследия.

Фрида слева отражает её воспитание в семье высшего среднего класса. Её отец был родом из Германии, и домашняя жизнь в детстве содержала западные обычаи. Белое кружево платья символизирует стиль, популярный в европейской моде. Эта вестернизированная версия контрастирует с желанием правой Фриды принять своё мексиканское наследие, надев традиционное платье. Эта одежда - то, что поощрялось её мужем Диего Риверой, особенно в их борьбе за перемены в своей стране. Платье демонстрировало её гордость за то, что она носит местную и традиционную одежду из Мексики.

Одежда Кало - важный аспект её жизни и работы. После того как в детстве она заболела полиомиелитом, и одна её нога стала короче другой, разноцветные юбки стали для неё способом скрыть свою ногу таким образом, чтобы защитить её от пристального внимания. В гардеробе художницы были платья из tehuana, блузки huipil, ребозо, украшенные цветами головные уборы и старинные украшения. Эти предметы одежды Кало, являются иллюстрацией её любви, боли и страданий, которые она включала в свои работы.
Источник: kulturologia.ru
Поделись
с друзьями!
512
6
27 дней

Мастер эпатажа и провокаций Жан-Поль Готье ушёл на пенсию: каким был его последний парижский показ

22 января 2020 года мир высокой моды торжественно и с размахом проводил на пенсию Жана-Поля Готье. Над созданием одежды «от кутюр» этот дизайнер работал ни много ни мало полвека – с восемнадцати лет, когда получил свою первую работу у Пьера Кардена. Значит ли это, что Готье уйдет на заслуженный отдых и откажется от провокаций и эпатажа? К счастью, нет.


Из истории моды: дизайнер Жан-Поль Готье


Жан-Поль Готье в детстве

«Анфан-террибль» мировой моды появился на свет 24 апреля 1952 года, детство и юность он провел в пригороде Парижа. Потом, в интервью, он расскажет, как любил копаться в вещах у бабушки и однажды нашел нечто удивительное – корсет; расскажет, что взрослые не ругали его за интерес к одежде и белью, а еще поведает, как сделал свой первый бюстгальтер в форме конуса из картона для плюшевого мишки. Подарить мальчику куклу, как он просил, взрослые по каким-то причинам не решились.

Мода увлекала Жана-Поля с детства, и первую работу в этой индустрии он получил не имея никакого специального образования. Просто однажды создал коллекцию эскизов костюмов и стал наудачу рассылать ее по разным домам моды. Большинство проигнорировало инициативу новичка, Сен-Лоран прислал вежливый отказ, зато из дома моды Пьера Кардена поступило приглашение пройти собеседование. И вот в восемнадцать лет Жан-Поль начал карьеру в фэшн-индустрии.

Больше, чем просто мода: стиль Готье подразумевал постоянный выход за рамки

Спустя шесть лет он уже выпустил свою первую коллекцию, а продолжив работать над созданием собственного стиля, к восьмидесятым уже был известен как модельер, которому есть что сказать, а точнее – что показать. Эпатаж от Готье не был самоцелью, через возникающие в его голове образы будущих моделей Жан-Поль как будто общался с миром, транслируя таким образом свои убеждения и взгляды. Мода к концу XX века была уже не просто способом красиво одеться. Готье, например, был противником объективизации женщин – а потому в 1985 году выпустил коллекцию мужских костюмов с юбками: и нет, речь шла не о шотландских килтах.

В 1985 году по подиуму шли мужчины в платьях

Новое развитие идея получила позже, когда на показе 2003 года манекенщицы в буквальном смысле слова стали «вешалками» для одежды – костюмы были закреплены на демонстрирующих их девушках своеобразным способом.

Показ весна-лето 2003 г.

Корсет, созданный Готье для Мадонны

А знаменитые остроконечные бюстгальтеры, которые прославила Мадонна и ее мировое турне 1990 года, впервые после истории с плюшевым медведем появились на подиуме в коллекции осень-зима 1984 года. И, разумеется, в творчестве Готье большое внимание всегда было уделено корсетам.

Больше, чем просто одежда


Знаменитый костюм героини «Пятого элемента» - детище Готье

Готье в истории моды – не просто создатель одежды. «Пятый элемент» Бессона воздействовал на зрителей в том числе и через образы, созданные Жан-Полем, образы победительниц Евровидения Даны Интернешнл и Кончиты Вурст – работа французского дизайнера, как и костюмы Мэрилина Мэнсона и других звезд.

Последний показ мэтра состоялся 22 января – завершалась парижская Неделя Высокой моды. Мэтр сообщил о завершении карьеры всего за несколько дней до этого в соцсетях: грядущее шоу должно было стать чем-то вроде путешествия во времени – сквозь все пятьдесят лет творчества Готье. Показ проходил под девизом «Мода на всю жизнь» и получился действительно незабываемым, как того хотел модельер.

Для Милен Фармер Готье создавал костюмы на протяжении долгого времени

В течение сорока пяти минут на сцене-подиуме изображались символические похороны моды, а затем – ее возрождение. Перед зрителями появились сестры Джиджи и Белла Хадид, Коко Роша, Карли Клосс, Ирина Шейк, Ясмин Ле Бон, Карен Элсон. Шоу украсило, помимо прочих приглашенных, появление Милен Фармер, для которой Готье создавал костюмы в 2009, 2013 и 2019 годах – для концертных туров певицы, а еще – выступление Диты фон Тиз и английского поп-исполнителя Боя Джорджа.

Готье замышлял устроить «крутую вечеринку», и так оно и вышло – после завершения шоу началась дискотека, которая продлилась до самого утра.

Без корсетов снова не обошлось

Фото с показа

На пенсию?


В XXI веке провокациями уже никого не удивишь, теперь они носят новое название – хайп. Во времена, когда начинал творить Готье, было по-другому – выходить за рамки привычного и допустимого отваживались немногие. Жан-Поль в этом смысле был верен себя и руководствовался лишь собственными убеждениями.

Жан-Поль Готье

Легенда гласит, что он трижды просил руки Мадонны – и трижды получал отказ – таким способом мэтр выражал восхищение творчеством и личностью певицы, таким образом она отдавала ему должное.

«Пришла пора отдохнуть: не в смысле перестать работать, а в смысле – заняться чем-то новым», - говорит Готье о своем последнем показе высокой моды. Что это будет – пока неизвестно. Во всяком случае, зима 2020 года отмечена в его календаре и посещением России: 31 января состоялось его шоу Fashion Freak в Санкт-Петербурге, в начале февраля оно же будет показано в Москве.

Жан-Поль Готье

Шоу должно продолжаться
Источник: kulturologia.ru
Поделись
с друзьями!
847
10
30
18 месяцев

Нина Риччи: очарование буржуазии

Дочь бедного сапожника, с 12 лет работавшая в ателье одежды и ставшая одним из самых влиятельных парижских дизайнеров XX века. Её стиль был одним из определяющих для европейской моды 30-х и 40-х, а её судьба – способна вдохновить на подвиги и сегодня. Трудолюбивая, женственная и элегантная – Нина Риччи.


1. Мария Аделаида – дочь сапожника



Мария-Аделаида Нейи – таково настоящее имя знаменитой Нины Риччи, родилась в 1883 году в Турине в семье сапожника. Семья часто переезжала – Флоренция, Монте-Карло, Париж – отец стремился в места, где его обувь пользовалась бы спросом среди богатых. Однако добиться успеха в обувном деле не успел. Он умер, когда Марии было всего 12, оставив жену и детей почти без средств. Мама не могла в одиночку обеспечивать семью, поэтому Марии пришлось устроиться в галантерейный магазин. В то же время она начала учиться шить.

Когда Марии исполнилось 18, за её плечами уже был заметный трудовой путь. Из девочки на посылках она стала сначала младшей, а затем и старшей модисткой, и начала создавать собственные модели одежды. А в 21 год стала художественным директором ателье, под началом которой трудилось несколько портних. Со временем о талантливом начинающем дизайнере узнали популярные модные дома Парижа, которые время от времени стали заказывать у неё одежду.

2. Нина Риччи



В то же время Мария не забывала и о личной жизни. В 1904 году она вышла замуж за Луиджи Риччи. Брак продлился всего несколько лет, но в нём Мария родила сына – Робера, без которого она впоследствии вряд ли пустилась бы в такую авантюру как собственный Дом моды.

Благодаря этому браку родилось и знаменитое имя – Нина Риччи. Фамилия досталась от мужа, а Нина – это домашнее прозвище, которое Мария решила использовать, когда стала выпускать одежду под собственным брендом. Впрочем, тогда до этого было ещё далеко. От собственного модного дома дизайнера отделяли 20 лет работы.


3. Дом Раффин


В 1908 году Мария Риччи пришла в дом моды Raffin. «Я работала как проклятая, день и ночь», – вспоминала Нина впоследствии об этом времени. И труды не были напрасны. Она довольно быстро стала одним из ведущих дизайнеров модного дома и получила широкую известность среди модниц Парижа. К началу 20-х Мария Риччи вошла в правление компании и стала совладелицей бренда.

Всего в доме Raffin Риччи проработала более 20 лет. Однако компания не пережила Великую депрессию и была закрыта. К тому времени Мария заработала приличное состояние. Ей было почти 50, и она собиралась отойти от дел.

4. Мать и сын


Через несколько лет после закрытия Raffin Робер Риччи предложил матери создать собственный модный дом. Не сразу, но она поддалась уговорам и согласилась. В 1932 году на одной из улиц Парижа появилась вывеска Nina Ricci. Накануне Второй мировой войны предприятие, начавшееся с небольшого салона одежды, стало одним из самых влиятельных и богатых модных домов Парижа.

Мария вернулась к любимому делу – придумыванию и созданию одежды, а Робер взял на себя управление компанией. Дом Риччи стал одним из первых модных домов, заявивших о себе после Великой депрессии.

Во многом Нина Риччи определила европейскую моду 30-40-х. Бренд не прекращал работать даже во время войны, а после её окончания именно Робер Риччи стал одним из самых активных организаторов модных показов в Европе, которые должны были постепенно вернуть интерес европейских женщин к красивой одежде.


5. Романтичная женственность


Нина Риччи придерживалась сдержанного классического стиля. Она сочетала аккуратную красоту и элегантность с практичностью и простотой. Не любила вычурных экспериментов и стремилась найти новые формы для выражения уже известного – мягкой элегантной женственности, может быть, чуть приправленной мечтательностью.

Её основные клиенты – средняя и крупная буржуазия, однако она никогда не ставила во главу угла роскошь. Напротив – сдержанность, умение подать дорогое и красивое платье просто и без позерства.

Классические женские силуэты и всегда безупречный крой – отличительная черта одежды от Нины Риччи. Огромное внимание она уделяла фактуре, выбору материала – бархат, шёлк, кружева, органза – в ход всегда шли лучшие ткани. Интересно, что в отличие от большинства дизайнеров Риччи не рисовала эскизов, но подкалывала ткань прямо на модели или манекене.

Нина Риччи сделала ставку на вечную классику – женственность, изящество, простоту. В этом смысле она была верной ученицей Шанель. Со временем менялись представления о том, как могут выражаться эти константы в конкретных моделях одежды, но общие представления остаются неизменными. Именно поэтому, стиль от Нины Риччи не только стал одним из определяющих для 30-х и 40-х, но и получил развитие в будущем.

6. Модная империя


С самого начала дом моды Нины Риччи строился не только на таланте основательницы. Огромное значение для его развития имела фигура сына Нины – Робера Риччи. Он не только был инициатором создания предприятия, но и внёс огромный вклад в его расширение.

Именно по инициативе Робера в 1946 году дом Риччи вышел на парфюмерный рынок. Первым продуктом модного дома стали духи «Радость для сердца». А спустя два года появился аромат «Запах времени», который вывел компанию в лидеры. Духи вполне составляли конкуренцию даже знаменитому аромату Chanel №5. Всё это способствовало дальнейшему росту популярности бренда.

В 50-х Нина Риччи постепенно отходит от дел. В 1954 году ведущим дизайнером модного дома стал Жюль Франсуа Крае. Однако лидером компании оставался Робер Риччи, и к концу 50-х бренд Nina Ricci вышел уже на международный рынок и дошёл даже до Японии.

В 1963 году новым главным дизайнером стал Жерар Пипар, вместе с которым компания продолжала расти. После смерти Нины и Робера Риччи компанией 10 лет руководил Жиль Фуш – приёмный сын Нины, но в 1998 компания была продана и перестала заниматься высокой модой. Сегодня бренд Nina Ricci принадлежит испанской корпорации Puig. Под ним до сих пор выпускается одежда, хотя основной упор сделан на парфюмерные линии.

Конечно, это уже совсем не та компания, у истоков которой 85 лет назад стояла Нина Риччи. Её оригинальный стиль превратился в один из символов высокой моды XX века и остался там.
Источник: style-info.guru
Поделись
с друзьями!
1734
0
31 месяц

Оригинальный подход к созданию модных иллюстраций

Работы некоторых модных иллюстраторов настолько прекрасны, что хочется прикрепить эскизы над кроватью! К таким мастерам, бесспорно, относится художник Шамех Аль-Блюви, рисующий потрясающие портреты девушек в платьях haute couture. Его работы пронизаны легкостью и игривостью, которой пронизан весь фэшн-мир, они увлекают за собой в эту невероятную атмосферу, где каждый день подобен сказке.
Поделись
с друзьями!
1770
3
50
48 месяцев

А знаете ли вы, зачем носят галстук?

Название «галстук» в русском языке произошло от нидерл. halsdoek и нем. h.Halstuch, что означает «шейный платок». Однако в европейских языках более распространен другой корень — от фр. cravate, которое происходит от «кроат» («хорват»).

Первые упоминания


Первое упоминание о галстуках можно найти в истории Древнего Египта, где кусок ткани правильной геометрической формы, наброшенный на плечи, служил своеобразным символом социального статуса его обладателя. Также, одними из первых галстуки носили древние китайцы. Об этом свидетельствуют каменные статуи возле усыпальницы императора Шихуанди — на шеях вельмож и воинов завязаны повязки, напоминающие по форме современные галстуки. Однако данные повязки были слишком далеки от современных галстуков как по способу ношения, так и по форме и были лишены главного атрибута современного галстука — узла.
До этой находки изобретателями галстука считались римские легионеры, носившие так называемые «фокале». Их изображения сохранились на колонне императора Траяна, воздвигнутой в честь его побед в 113 году н. э. На барельефах колонны, опоясывающих её спиральной лентой, можно насчитать 2500 фигур римских воинов в доспехах. На шее у большинства из них — завязанные узлом платки. Появление в Древнем Риме шейных платков ознаменовало начало эпохи галстуков в современном понимании этого слова.

Средние века


Начиная с конца XVI века время мужчины носили камзолы. А в качестве украшения они надевали круглый гофрированный жесткий воротник. Часто он представлял собой большой охватывающий шею диск, который в толщину мог достигать нескольких сантиметров. Его делали из белой ткани и крахмалили, чтобы он не терял форму.

Со временем на смену ему пришел широкий отложной воротник с зубцами, который покрывал плечи. Такой фасон воротника называли иногда «ван-дейком». Его носили, например, пуритане.

Предполагается, что когда хорватские офицеры, которые в XVII веке носили яркие шелковые шейные платки, в награду за своё мужество и доблесть, проявленные во время Тридцатилетней войны, были приглашены ко двору французской королевы Анны Австрийской, их необычный аксессуар заприметил сам король Людовик XIV, который не удержался и тоже повязал на себя нечто подобное, став первым законодателем галстучной моды Франции, а следовательно и всей Европы. Отсюда и одна из версий происхождения французского слова cravate (фр. — галстук), как производной от самоназвания хорватов.

В XVII веке в моду вошел длинный жилет, который мужчины надевали под обычный камзол. На шею повязывался платок наподобие шарфа. Он несколько раз обматывался вокруг шеи, а его свободные концы свисали на груди. Живописные полотна конца XVII столетия свидетельствуют о том, что к тому времени такие шейные платки завоевали чрезвычайную популярность. Их делали из муслина, батиста и даже кружева.

Существовало множество вариантов узлов на таком платке. Иногда, чтобы он не съезжал, поверх него повязывали шелковую ленту, делая большой бант под подбородком. Бант напоминал современный галстук-бабочку. Как известно, было по меньшей мере сто способов завязывания шейного платка. Говорят, что английский франт Браммел (Брюммель), оказавший влияние на мужскую моду, мог потратить все утро на то, чтобы по всем правилам завязать шейный платок.

В XVIII столетии шейный платок с длинными концами стали называть галстуком, а во второй половине XIX века по виду он уже напоминал современный галстук. Также его называли галстуком-самовязом. В моду вошли рубашки с воротником. Теперь галстук стягивали узлом под подбородком, а его длинные концы свисали на крахмальную рубашку. Именно в это время галстук стал таким, каким мы его знаем сегодня. Следует заметить, что без последующего распространения моды на ношение галстуков в Англии, вряд ли бы они приобрели то значение, которое они имеют в современной деловой моде. В Англии ношение галстуков было возведено в ранг высокого искусства, а джентльмену предлагалось на выбор до сотни различных способов завязывания. Считалось также, что самой серьёзной обидой для мужчины может стать высказывание по поводу его галстука, «обиду от которого можно смыть лишь кровью».

Во время Великой французской революции (1789—1799) цвет «кроата» указывал на политические убеждения человека. В XIX веке франты европейского общества заново «открыли» для себя этот аксессуар. Именно тогда галстук перестал быть принадлежностью одних военных и политиков и перекочевал в гардероб обыкновенных граждан.

В 1827 году известный писатель Оноре де Бальзак написал книгу под названием «Искусство ношения галстука», в которой описал эстетическую необходимость повязывать галстук. Галстук «по-байроновски» представлял собой широко завязанный, не стягивающий горло платок. «Трагический» галстук черного цвета был принадлежностью траурной и форменной одежды. «Вальтер Скотт» шили из клетчатой ткани. Белый галстук предназначался для парадной одежды балов, вечеров и званых обедов; его полагалось носить с фраком или смокингом, но ни в коем случае не с пиджаком. Следует добавить, что во времена Бальзака галстуки были шелковые, шерстяные, атласные с различными узорами.

Современность


В 1924 году всем вариантам шейных платков и шарфов было сказано окончательное «нет»: американский предприниматель Джесси Лангсдорф запатентовал свой «идеальный галстук». Такой галстук шился — и шьется до сих пор — из трех частей, скроенных по косой. Следствием этого патента стало повсеместное вытеснение поперечных галстуков и стандартизация длинных галстуков в полоску, косую клетку или «пейсли». Эти рисунки стали основой для английских клубных и колледж-галстуков, позволяющих своим обладателям таким простым способом сообщать об их принадлежности.
Источник: ru.wikipedia.org
Поделись
с друзьями!
2239
15
108
49 месяцев

Мода и природа: 25 невероятных платьев от талантливых дизайнеров всего мира

Corrie Nielsen S/S 2013 RTW. Photo by Christopher Dadey • & • Pastel landscape. Photo by Yannick Carbonneaux
Andrew Gn S/S 2015 RTW • & • Claude Monet, «Water Lilies», 1916
Dolce & Gabbana S/S 2014 RTW. Photo via fb.com/dolcegabbana • & • White cherry blossom. Photo by Alex O’Neal on Flickr
Oscar de la Renta S/S 2013 RTW • & • Coral rose. Photo by kits.nata
Georges Hobeika Couture Fall 2015. Photo via georgeshobeika.com • & • Floral composition. Photo by @monsterscircus
Marchesa S/S 2016 RTW. Photo via vogue.com • & • «Waterlilies and Japanese Bridge», Claude Monet, 1899
Leanne Marshall Fall 2015. Photo by Dan Lecca via fashionverified.com @fashionverifiedmag • & • Thunderstorm with lightning. Photo via pinterest.com (author unknown)
Renato Balestra S/S 2015 Couture. Photo via renatobalestra.it • & • Amazing sunset. Photo by Stefan Schweihofer on pixabay
Jason Wu S/S 2013 RTW. Photo by Filippo Fior via vogue.com • & • Starry night. Image by unknown
Giambattista Valli Couture Fall 2014 • & • Purple wisteria. Photo (detail) by @norio_airoplane
Christian Siriano Bridal S/S 2017. Photo by Thomas Iannaccone/WWD • & • Wedding Cake by Sylvia Weinstock
Источник: www.instagram.com
Поделись
с друзьями!
2974
5
48
59 месяцев
Уважаемый посетитель!

Показ рекламы - единственный способ получения дохода проектом EmoSurf.

Наш сайт не перегружен рекламными блоками (у нас их отрисовывается всего 2 в мобильной версии и 3 в настольной).

Мы очень Вас просим внести наш сайт в белый список вашего блокировщика рекламы, это позволит проекту существовать дальше и дарить вам интересный, познавательный и развлекательный контент!