Если осень чаще всего становилась поводом для меланхоличных рассуждений у художников, то весну все почти единогласно называют положительным явлением. Самым важным символом весны большинство художников считают цветы, но какие еще еще сюжеты искусство считает весенними?

Одна из самых популярных для обсуждения картин была написана художником Возрождения по заказу государственного деятеля Лоренцо де Медичи.

Он подарил романтичное произведение племяннику на свадьбу, которая происходила по политическим причинам. Точной трактовки современные исследователи знать не могут, но большинство считает, что на картине изображена богиня любви Венера, богиня цветов Флора и бог западного ветра Зефир. Ботаники насчитали на картине около 500 цветов, относящихся к 138 видам растений.

Джон Уотерхаус «Песня весны» (1913)

Английский художник был одним из последних представителей прерафаэлитизма. Эти мастера опирались на творения деятелей эпохи Возрождения – например, Пьетро Перуджино или Джованни Беллини. Уотерхаус отдавал главные роли в своих произведениях женщинам, часто – героиням романтизированного Средневековья или древнегреческой мифологии.

На этой картине рыжеволосая героиня, в белом платье, с цветами в подоле, гуляет на природе с детьми. Ее тело символизирует жизненную силу, а рыжие волосы – страсть.

Альфред Сислей «Лужайки весной» (1881)

Французский живописец – один из самых недооцененных представителей импрессионизма. В ту эпоху его нежные глубокие картины померкли на фоне новаторских произведений коллег – однако они высоко ценятся сейчас.

В 1880 году Сислей вынужден был покинуть Париж, ставший слишком дорогим для него. В деревне его творчество обрело новую силу, стало более выразительным. На этой картине на деревьях совсем нет листьев, зато благодаря цвету чувствуется приближение весны. Героиней «Лужаек» исследователи уверенно считают дочь художника, которой тогда было 12 лет.

Исаак Левитан «Весна. Большая вода» (1897)

Одна из самых лиричных картин русского художника изображает момент половодья, когда вода затопила земли и деревья, обычно остающиеся сухими.

Если у других живописцев весна предстает изменчивой, то у Левитана она получилась неподвижной, как изображенная вода. Одну из самых светлых картин художника иногда называют музыкальной: плавный основательный берег сочетается с тонкими, как ноты, гибкими березками.

Весеннее половодье уже привлекало внимание живописца в гораздо более мрачной работе 1885 года «Половодье».

Джузеппе Арчимбольдо «Весна» (1573)

Итальянский художник жил в XVI веке, но его произведения легко перепутать с картинами сюрреалистов XX столетия. Он предвосхитил многие направления и настроения в искусстве будущего.

На этой работе сотни фотографически изображенных цветов составили фигуру мистической женщины. Щеки сделаны из роз, губы – из ярких лепестков, нос – из лилии, ухо – из камелии, модное испанское платье того времени – из листьев, ириса и дикой земляники.

У Арчимбольдо есть подобные картины и на остальные времена года. Необычные наряды были воспроизведены на фестивале с королем среди гостей.

Пьер Огюст Кот «Весна» (1873)

Весна во многом ассоциируется с импрессионизмом: эта эмоциональная, импульсивная техника как нельзя лучше передает самое изменчивое время года.

Но есть и те, кто смог изобразить весеннее настроение и с помощью методов классицизма. Причем успешно, да еще и в разгар расцвета импрессионистского течения.

Это получилось у французского художника Пьера Огюста Кота. Он изобразил двух влюбленных, в которых часто узнают героев древнегреческого романа «Дафнис и Хлоя», в нежный момент обмена чувствами на качелях в весеннем саду.

Лоуренс Альма-Тадема «Весна» (1894)

Еще один представитель академизма высказал свое мнение о весне. Британец нидерландского происхождения увлекался археологией и любил историю Римской империи, поэтому изобразил сцену из той эпохи.

Женщины и дети в характерных одеяниях идут через улицы мраморного Рима, празднуя оптимистичное время года. Альма-Тадема застал кубизм, импрессионизм, постимпрессионизм и футуризм, искренне принимал новые направления. Но сам был верен викторианскому академизму, поэтому его картины идеалистичные и гармоничные.

Клод Моне «Весна» (1872)

В 1871 году Моне перебрался из Парижа в маленький живописный городок Аржантей. Туда часто приезжали и коллеги художника для вдохновения и работы – это место имеет большое значение для импрессионизма.

Для «Весны» Моне позировала его первая жена Камилла Донсье – с книгой в руках под кустом сирени. Вторая жена импрессиониста Алиса Ошеде распорядилась уничтожить все вещи и изображения, связанные с Камиллой, но картины ей пришлось пощадить из-за их ценности. Так что работы Моне – единственное, что осталось от первой супруги художника.

Картина создана в короткий период, когда французский живописец заинтересовался символизмом, проживая в Париже. Лиса около девушки воплощает похоть. Позади героини идет свадебная процессия, стремящаяся совершить заявленные в названии действия.

Гоген всемирно признан гениальным творцом и новатором в искусстве. При этом его творческие качества плохо сочетались с личностными. Для картины позировала 20-летняя девушка Гогена, которую он бросил, когда она забеременела, уехав на Таити. Похожим образом он поступил и с женой ранее.

Винсент ван Гог «Цветущие ветки миндаля» (1890)

Несмотря на очевидную мрачность жизни депрессивного и нищего художника, который достаточно времени проводил в психиатрических учреждениях и санаториях, в его творчестве полно оптимизма и восхищения миром.

Цветущие деревья не раз появлялись на его полотнах. Эти он начал создавать, узнав о пополнении в семье брата Тео: у того родился сын. Ветки миндаля одними из первых раскрываются весной, что должно было стать символом новой жизни. Все произведение занято цветами, а в четкости линий ощущается влияние японского искусства.

Таинственные и мрачные, тихие и спокойные, такие разные лунные пейзажи.

Не секрет, что большинство творцов предпочитают писать при ярком солнечном свете или при уникальном освещении рассвета или заката. Ночные же картины - это редко исследуемый вид художественного выражения, который требует исключительных способностей, а также мастерства иного рода.

В определенные фазы цикла Луна способна дать более чем достаточно света, чтобы скрасить темноту ночи и оживить все, что художник хочет изобразить под покровом темноты.

В этой статье мы рассмотрим некоторые из самых популярных лунных картин, когда-либо созданных, а также изучим мотивы и намерения, стоящие за усилиями каждого художника по созданию этих произведений.

1. Мужчина и женщина, созерцающие луну - Каспар Давид Фридрих

Каспар Давид Фридрих запомнился как один из самых известных художников романтического периода, создававших исключительно красивые пейзажные картины.

Его стиль живописи в основном вращался вокруг дневных видов определенных мест, но одна картина, в частности, запомнилась как, возможно, самая известная из когда-либо созданных картин с изображением Луны.

На картине пара смотрит на луну со скалистого выступа, где из склона холма торчит дерево, создавая несколько жуткую и таинственную обстановку, которая усиливается мягким освещением.

Эта картина считается одной из лучших работ Фридриха, поскольку потребовалось невероятная точность творчества, чтобы воплотить в жизнь тонкое освещение, которое луна иногда привносит в ночное небо и пейзаж.

2. Замок и аббатство Линдисфарн, Святой остров, при свете луны - Джон Мур из Ипсвича

Джон Мур из Ипсвича начал свою карьеру как живописец без всякого обучения или руководства со стороны других художников и сумел стать действительно выдающимся художником к концу своей жизни, большую часть которой он провел в портовом городе Ипсвич, расположенном недалеко от Саффолка, Англия.

Одна из самых запоминающихся картин Мура известна как "Замок и аббатство Линдисфарн, Святой остров, при лунном свете". На этой картине, законченной в 1877 году, изображен захватывающий ночной вид на замок в Линдисфарне, который возвышается над окружающим пейзажем.

Этот небольшой остров когда-то был ареной страшного вторжения налетчиков-викингов в IX веке, но к моменту написания Муром этой работы он превратился в северный оплот Англии.

Луна ярко освещает пасмурное ночное небо, играя на спокойных водах в маленькой бухте у подножия замка.

3. Дорога с кипарисом и звездой - Винсент Ван Гог

Винсент Ван Гог считается одной из самых выдающихся фигур эпохи постимпрессионизма, и многие из его наиболее известных картин посвящены природным ландшафтам, а также городским пейзажам Европы 19 века.

Одна из его чуть менее известных картин, которую, однако, многие критики и искусствоведы считают шедевром, называется "Дорога с кипарисом и звездой".

Эта картина была написана в 1890 году и представляет собой характерный для Ван Гога вихревой стиль живописи, очень похожий на его "Звездную ночь".

«Дорога с кипарисов» запоминается спокойной ночной обстановкой, которую запечатлел Ван Гог, а также звездами и луной, которые видны по обе стороны от возвышающегося кипариса.

4. Ноктюрн, синий и золотой - Воды Саутгемптона - Джеймс Макнейл Уистлер

Джеймс Макнейл Уистлер был художником XIX века, известен своими работами, посвященными ночным пейзажам.

Он рисовал некоторые из самых престижных мест Англии и других частей Европы, но, в отличие от других художников, предпочитал изображать эти сцены под покровом темноты.

Одна из его самых знаковых работ называется "Ноктюрн, синий и золотой - вода Саутгемптона".

На картине изображена очень темная и тенистая сцена на берегу Ла-Манша в окрестностях Саутгемптона.

5. Кораблекрушение в море при свете луны - Томас Моран

Штормы, которые часто обрушивались на корабли ночью в море, были одним из самых страшных явлений среди моряков вплоть до конца 19 века, когда в океанах стали господствовать суда с паровым двигателем.

Томас Моран, возможно, самый плодовитый из когда-либо живших художников-пейзажистов, известен своей уникальной способностью изображать на картинах самые красивые природные места всего мира.

Он посвятил свои усилия созданию сцены ужаса и страха открытого моря на своей картине 1901 года под названием "Кораблекрушение в море при свете луны".

Картина Морана отличается характерной для него высокой степенью реализма и изображает бушующее море, ярко освещенное луной, с мелкими обломками, плавающими на поверхности воды.

6. Лунный свет, свет Вуд-Айленда - Уинслоу Хомер

Уинслоу Хомер был известной фигурой в американском искусстве на протяжении 19 века и считался одним из самых одаренных пейзажистов того времени.

Он написал множество сцен, изображающих события Гражданской войны, а также время после нее, когда Соединенные Штаты начали расти и распространяться по западной части североамериканского континента.

Одна из самых высоко оцененных работ Гомера с ночными сценами называлась "Лунный свет, свет Вуд-Айленда".

Эта картина 1894 года представляет собой изображение береговой линии, расположенной на небольшом расстоянии от его студии в Портленде, штат Мэн, где он провел большую часть своих последних лет.

Картина подчеркивает сияние яркого лунного света, отбрасываемого на море прямо на фоне разбивающихся у берега волн. Плотные облака словно усиливают сияние луны и создают несколько потустороннюю сцену вдоль береговой линии.

7. Лунный свет, этюд в Миллбанке - Джозеф Мэллорд Уильям Тернер

Джозеф Мэллорд Уильям Тернер - один из самых известных представителей романтического движения. Он был исключительным пейзажистом и сумел передать красоту природы, которую можно было наблюдать в различных местах Англии и других частей Европы.

На этой работе 1797 года под названием "Лунный свет, этюд в Миллбанке" изображена яркая полная луна, парящая над Темзой в Миллбанке.

Картина имеет почти фотореалистичное качество, а изображение Тернером яркого сияния луны над рекой достаточно, чтобы зритель почувствовал себя стоящим на берегу знаменитой реки и любующимся спокойным ночным небом.

8. Лунный вечер - Аткинсон Гримшоу

Аткинсон Гримшоу был известным художником викторианской эпохи, который запомнился как один из самых искусных художников в истории. Он сосредоточил основную часть своих усилий на ночных и лунных пейзажах.

Многие из его работ были посвящены городским пейзажам и окраинам различных городов Англии середины и конца XIX века, и художественные критики и энтузиасты того времени обратили на них внимание.

Одна из его самых примечательных картин называется "Лунный вечер" и представляет собой безмятежный вид на проезжую часть возле большого дома. Луна ярко светит высоко в небе и бросает свет на омытую дождем улицу и деревья внизу, в то время как одинокая молодая женщина идет по дорожке.

Освещение в этой работе часто рассматривается как настолько реалистичное и завораживающее, что только такой ночной мастер, как Гримшоу, был способен создать такую картину.

9. Лунный свет Бармута - Кристофер Уильямс

Лунный свет Бармута - Кристофер Уильямс
Уэльский художник Кристофер Уильямс почитаем за свою способность запечатлеть захватывающие дух сцены из разных уголков Англии и других регионов в конце 19-го и начале 20-го веков.

Он быстро поднялся и стал одним из самых известных художников своего времени, создав широкий спектр работ, включающих городские пейзажи, портреты и ландшафты, все из которых были выполнены мастерски. Одна из его наиболее интригующих работ называется "Лунный свет Бармута" и была написана в 1913 году.

На картине изображена светящаяся луна, ярко освещающая маленький, причудливый приморский городок Бармут.

10. Лунный свет в Неаполе - Иван Айвазовский

Иван Айвазовский - один из самых известных живописцев, который большую часть своей карьеры посвятил созданию невероятных морских пейзажей.

Он является автором таких удивительных шедевров, как "Девятый вал" и других работ, которые способны поставить зрителя в такое положение, что он почти ощущает себя на морских волнах с океанскими брызгами, омывающими нос парусника.

Айвазовский создал одну картину, на которой изобразил луну во всей ее ночной красе, под названием "Лунный свет в Неаполе".

Эта картина, законченная в 1842 году, изображает тихую, спокойную ночь в бухте Неаполя. Луна светит над водой, освещая корабли, стоящие на якоре в гавани.

"Ночь на южном берегу", Н.Н. Дубовской

Николай Никанорович Дубовской также писал лунные пейзажи, он был широко известен в дореволюционное время именно как маринист, хотя, на мой взгляд, он не был настолько узкопрофильным специалистом. Его лунные пейзажи также очень реалистичны и

Наверное, каждый кто бывал на море, видел нечто подобное собственными глазами: лунная дорожка на слегка колышущейся водной глади, легкий ветерок, спавшая ночью жара и безмятежность внутреннего состояния.

Так плавно мы с вами и подошли к главному специалисту по лирическому пейзажу или пейзажу настроения. Две работы Исаака Ильича Левитана, написанные в один и тот же год - 1899, относятся уже к финальному периоду его творчества, ведь уже через год его не станет. Искусствоведы опишут этот период его жизни следующим образом:

Мотив спускающихся на землю сумерек часто привлекал художника. Очарование этого умиротворенного состояния природы особенно проникновенно передавалось им в поздние годы жизни, [...] период, отмеченный напряженными творческими раздумьями мастера, ищущего средства максимальной эмоциональной выразительности образа, стремящегося к остроте его звучания.

И далее продолжат, описывая вторую картину из представленных:

В меланхолических, пронизанных тонкой музыкальностью образах Левитана современники находили отражение переживаний одинокой и страдающей души, близких людям «конца столетия». «Сумерки. Луна» — замечательный образец зрелого творчества этого самого крупного русского мастера «пейзажа настроения». Призрачный лунный свет, зеркало озера, «удвоившее» мир, преобразили пейзаж, сделав его одновременно «похожим – непохожим». Одухотворенный и замкнутый в своих тайнах, отчужденный и холодный для человека, он замер в еженощном ритуале «предстояния» своему печальному светилу.

Изобразительное искусство всегда было под пристальным вниманием и активно обсуждалось. Но некоторые картины вызывали настолько сильные эмоции, что стали объектом запрета в различных странах. Попавшие в опалу полотна прятали, а некоторые фрески и вовсе были близки к полному уничтожению и сохранились до нашего времени лишь по случайному стечению обстоятельств. Однако иногда цензура бессильна перед настоящими шедеврами. Рассказываем о произведениях мирового искусства, которые то и дело пытались запретить.

Весь мир знает картину под названием «Иван Грозный убивает своего сына». Когда Репин представил законченное полотно императору Александру III, ему и его семье сюжет и само натуралистичное и эмоциональное изображение очень не понравились. В связи с этим 1 апреля 1885 года картина была запрещена, став первой художественной работой, подвергшейся цензуре в Российской Империи.

«Страшный суд» Микеланджело Буонарроти, 1541 год

Не картина, а фреска «Страшный Суд» украсила алтарную стену Сикстинской капеллы. Заказчик папа Павел III остался работой доволен, но его восторга не разделил инквизитор, кардинал Корафа. Обнаженная натура, изображенная на фреске вызвала у последнего негодование и гнев. Уже став папой римским, кардинал приказал уничтожить произведение, однако его замыслу не дано было сбыться. Следующий папа римский Пий IV приказал закрыть срамные места на фреске, дорисовав складки ткани.

«Что есть истина?», Николай Ге, 1890 год

Картина русского художника Николая Ге вызвала негативный отклик со стороны церкви и властей. Работа спровоцировала серьёзный резонанс из-за необычного светового решения. Изображенный на ней Иисус находился в тени, а Пилат залит яркими лучами света, хотя в художественной культуре свет используется для изображения святости, а тьма — образ зла. Картина так не понравилась Священному Синоду и правительству, что её практически сразу сняли с выставки. Сейчас полотно находится в Третьяковской галерее, реабилитированная по просьбе самого Льва Толстого.

«Авиньонские девицы», Пабло Пикассо, 1907 год

Эта картина повергла общественность в шок. Чем именно, спросите вы? Ну разумеется, чрезмерно откровенным изображением работниц публичного дома. Яркая, агрессивная сексуальность не понравилась зрителю, из-за чего Пикассо был вынужден снять картину с выставки и долгие годы прятал её в закромах мастерской.

«Раздача продовольствия», Иван Айвазовский, 1892 год

Наиболее известная картина Айвазовского — «Девятый вал». А о произведении «Раздача продовольствия» слышал далеко не каждый. Оно и понятно, ведь картина не понравилась правительству и самому Николаю II, вследствие чего была запрещена. Сюжет работы Ивана Айвазовского посвящён доставке американской гуманитарной помощи в бедствующие на тот момент Среднее Поволжье и Черноземье. Посетив США, художник подарил работу Вашингтонской галерее.

«Святой Христофор», 17 век

Икона с изображением святого Христофора, известного также как Псоглавец, была не единственной в своём роде. Хоть, согласно преданию, у Христофора действительно была голова пса, церковь такое изображение юноши считала «противным естеству». В 18 веке почти все картины с изображением святого были уничтожены, запрещены или переписаны.

«Успение Девы Марии», Микеланджело Караваджо, 1604-1606 годы

Этот традиционный сюжет, изображающий смерть Девы Марии, заказали у Караваджо для церкви Санта-Мария делла Скала. Художник понял заказ слишком буквально и изобразил святую мёртвой в самом прозаичном смысле. Заказчиков возмутило распухшее тело, мертвецкий цвет кожи и грязные ступни Девы Марии, чьё тело на картине они хотели видеть нетленным, будто она всего лишь уснула крепким сном. Картина была отвержена священнослужителями, а чуть позже её приобрел герцог Мантуи.

«Сельский крестный ход на Пасху», Василий Перов, 1861 год

Картина Перова — одна из самых скандальных работ своего времени. Сама княгиня Мария Николаевна грозила художнику ссылкой за изображение представителей духовенства в неприглядном, порочащем церковь виде. Княгиня буквально приказала уничтожить работу. Но указ так и не был исполнен, ведь картину для своей личной коллекции успел приобрести купец Третьяков.

Представленная картина являлась последней масштабной работой художника. Здесь изображены не только рабочие, но и комиссар в военном костюме, старый крестьянин, солдаты, вернувшиеся с фронта, женщины и их дети. Время действия — весна 1922 года. Рабочая семья получает новое жильё, а её прежние хозяева, фабриканты или банкиры, сбежали за границу.

Полотно демонстрировало процесс перехода ленинградского пролетариата к мирному строительству, его вливанию в новое советское общество. Комиссия неоднократно отказывала художнику в просьбе выставить картину на всеобщее обозрение из-за неоднозначности трактовки сюжета.

«Святой Матфей и ангел», Микеланджело Караваджо, 1602 год

Картина была написана художником по заказу церкви. Однако, заказчиков работа не устроила, так как изображённый на ней апостол предстаёт с грязными босыми ногами. К тому же выглядит проповедник малограмотным, ведь даже писать ему помогает сам ангел, поддерживающий перо в его руке. Церковь отказалась от работы, и, нуждающийся в деньгах Караваджо, написал новую картину, учтя все правки. Сам первоисходник был утерян в 1945 году при штурме Берлина. Судьба картины неизвестна по сей день. Вероятно, работа хранится в чьей-то частной коллекции

«Принцесса Грёза», Михаил Врубель, 1896 год

Это панно Врубелю заказали для Нижегородской всероссийской выставки. Увидев набросок работы, куратор мероприятия Александр Бенуа тут же отправил телеграмму жюри, назвав работу «ужасной» и призвав немедленно снять её. Академики прибыли на выставку и единогласно постановили убрать панно. Позже панно были дописаны и выставлены в Москве.

«Святая Троица», фреска церкви Святой Агаты, 13 век

Смесоипостасная «Святая Троица» не является картиной в привычном понимании. Это икона с изображением трёх ликов Господа — Отца, Сына и Святого Духа. Смелая работа буквально возмутила общественность и самого папу Урбана VIII. Работу назвали еретической, кощунственной и непристойной. В Европе икону запретили в 1628, а в России в 1764 году.

«Освящение монополии» (Молебен в казенке), Николай Орлов, 1894 год/h2>

На скандальной картине Орлов изобразил освящение церковными служителями только что открытого заведения, где в том числе разрешена торговля спиртным. Художник продемонстрировал свою работу на выставке в 1904 году. Однако встречена работа была холодно, её тут же назвали «нецензурной» и потребовали убрать.

Картину у Орлова пытался приобрести Максим Горький, однако у него возникли финансовые проблемы. Тогда Орлов, остро нуждающийся в деньгах, начал искал покупателей среди русских коллекционеров, однако так и не нашёл желающих приобрести полотно. Неожиданно работой заинтересовался американец по фамилии Гринвальд. Орлов, обнадёженный радостной вестью, отдал картину, однако оплаты за неё так и не получил, покупатель просто пропал вместе с работой художника.

«Протодиакон, провозглашающий на купеческих именинах долголетие», Николай Неврев, 1866 год

Картина не была запрещена фактически, однако во времена, когда она была написана, автору то и дело напоминали о том, что его работа безнравственна и больше походит на грубую карикатуру, чем на произведение искусства. Столь реалистичное изображение эмоций священнослужителя, а также его далёкое от аскетичного телосложение вызвало в православном обществе серьёзное негодование.

Возможно, с точки зрения ценителя, эти картины — потрясающие произведения искусства, но разглядеть его в них, согласитесь, непросто.

Изображение рыбы в живописи мы встречаем нередко. Это популярный, красивый и многообразный символ, известный на протяжении многих веков в различных культурах.

Рыб почитают как символ зарождения жизни в соответствии с традиционными космогоническими представлениями большинства народов Земли: жизнь произошла из воды, поэтому и ассоциируется с процессом оплодотворения. Рыбные блюда, а также жертвоприношения рыбы преподносились в ритуальном богослужении всем богам подземного мира и лунным богиням вод, а также любви и плодородия. Этот символизм был известен как в Древнем Египте, так и в кельтской, индийской, месопотамской, бирманской, персидской культурах, искусстве восточных славян. В бронзовых фибулах VII века, найденных у села Зеньково на Полтавщине, связывающие звенья, по форме напоминают змей, рыб и хищных птиц, тем самым, соединяя три природные стихии: воздух, вода, земля. Изображение этого животного часто встречается в декоре ювелирных изделий Центральной Азии, где онo также было связано с идеей плодородия. В древности золотую фигурку рыбки носили как амулет (Амударьинский клад V—IV вв. до н.э., рыбка из Новой Нисы II вв. до н.э.); рыбы-дельфины изображены в виде застежек из Тилля-Тепе (Афганистан, I в. до н.э.). Образ рыбы нашел отражение и в орнаменте некоторых традиционных украшений северных таджиков и узбеков. Этот орнамент известен под названием «рыбий хвост «или «рыбья чешуя» и трактовался как символ многочисленного потомства, а в некоторых случаях выступал олицетворением богатства и счастья.

Из катакомб к вершинам

Самое широкое распространение и толкование изображение рыбы получило в раннехристианском искусстве III—VI вв. н.э., о чем свидетельствуют многочисленные образцы, обнаруженные в катакомбах, служивших местом собраний христиан в период первых гонений. Тогда символика употреблялась в первую очередь как тайнопись, чтобы единоверцы могли узнавать друг друга во враждебном окружении.

Символ Рыбы поясняет происхождение монограммы Иисуса. Христиане увидели в этом слове своего рода акростих (первые буквы каждого слова составляют осмысленный текст), рассказывающий о Христе. Каждая буква «древнегреческой рыбы» была для них соответственно первой буквой других, очень важных слов, выражающих исповедание христианской веры: «Iesous Christos Theou Hyios Soter» (греч.) — «Иисус Христос, Сын Божий, Спаситель» (сокращенно: ICHTHUS — Рыба).

С распространением христианства и его изобразительной культуры символ рыбы обрел многозначность. Прежде всего, это — символ крещения: как рыба не может жить без воды, так истинный христианин не обретет спасения, не пройдя через воды крещения. Насыщение пяти тысяч человек пятью хлебами и двумя рыбками служило не только примером милосердия, но и широко употреблялось как метафора евхаристии (Рыбы и хлеба. Мозаика. Табха. Израиль. IV в. н. э.).

Встречающиеся на церковных эмблемах три рыбы, переплетенные между собой или имеющие одну голову, обозначают Троицу, явленную тем, у кого открыто духовное зрение. Не менее значимы сюжет о пророке Ионе, проглоченном «большой рыбой» и исторгнутом через три дня невредимым, символизирующий воскресение, а также евангельская притча о чудесном улове учениками Христа символизирующая «ловлю человеков» в лоно христианства.
Средневековую живопись, с ее строго религиозным характером реальный мир не интересовал. Поэтому выбор тем и сюжетов, разрабатываемых художниками, был крайне ограничен, а символика — строго зафиксирована рамками церковного богословия. От каждого художника требовалось четкое следование каноническим предписаниям и для этого существовали специальные учебники. В книжных миниатюрах и надгробных рельефах ХII — XIV вв. птицы и рыбы символизировали «верхнюю и нижнюю бездны». В эмблемах рыбы использовались сравнительно редко, поскольку означали немоту и безгласие.

Код алхимиков и язык крестьян

Символы, аллегории, метафоры, сложные ассоциации, аналогии и параллели были элементами специфического языка средневекового мышления. Каждая отрасль знаний видела в реальном мире, прежде всего, определенную систему символов в зависимости от точки зрения, с которой они рассматривались. Например, рыба для астрономов и астрологов была знаком Луны; алхимики рассматривали её как символ воды; в медицине она связывалась с флегматическим темпераментом; толкователи снов интерпретировали её как воплощение плотского вожделения, а для простого народа она ассоциировалась с постом. Изображение рыбы, подвешенной за голову, означало беспорядок, нарушение моральных норм. Причем, такими разнохарактерными значениями средневековое сознание наделяло каждую вещь, явление или предмет.


Ренессансное мироощущение пробило брешь в системе средневековых эстетических представлений, и сквозь нее в религиозную живопись хлынул широким потоком земной мир. Существенный вклад в развитие европейской живописи был сделан Нидерландами в XV- XVI вв. Художники искали новые сюжеты, средства и способы выражения творческих идей. По прежнему в ходу были символы, но смысл изображения менялся в зависимости от того, какой именно язык мог быть приписан автору.

Творчество Иеронима Босха можно рассматривать как кульминацию перехода религиозной живописи в светскую, учитывая сохранение многозначности изобразительного кода. Художественный язык Босха никогда не укладывался целиком и полностью в канонические толкования. Художник часто употреблял определенные символы в значении обратном общепринятому, а также изобретал новые символы. Одна из самых известных работ мастера — триптих «Сады земных наслаждений» (1500−1510 гг.).

В творчестве другого великого художника той эпохи — Питера Брейгеля Старшего изображение рыбы иллюстрирует исключительно фламандские пословицы. Например, на картине «Голландские пословицы» (1559 г.) герои картины визуально обращаются с рыбой, как с продуктом, но художник в свои сюжеты вложил смысл, который до сих до конца не прочитан искусствоведами, поскольку не все пословицы дожили до наших дней.

Например, сюжет, где мужчина жарит рыбу, иллюстрирует пословицу «Жарить селёдку, чтобы поесть икры» (означает «сорить деньгами»). При этом возможно, в этом случае зашифрована пословица «Его селедка жарится не здесь» (все идет не по плану). К этому же фрагменту применима другая голландская пословица: «Там селёдка не жарится», т. е. его попытки терпят неудачу, он не получает того, на что надеется. В другой части картины крестьянин безуспешно ловит рыбу сачком: «Он рыбачит ниже сети» (упускать удобный случай).

Конечно, на многих картинах присутствует любимый сюжет «Большие рыбы пожирают малых» (как на работе Питера Брейгеля Старшего, 1556) — могущественные угнетают слабых; съесть самому или быть съеденным и др.

Особое место в этом контексте занимает образный ряд Джузеппе Арчимбольдо, который отразил водную стихию в женском портрете «Вода» (1563−1564 г.), составленном из различных морских обитателей.

Застолье сменило престол

Европейское общество претерпевало изменения и постепенно стала происходить переоценка ценностей. Символ Рыбы начал утрачивать свое сакральное значение и переходить в плоскость утилитарную: ловим, едим, получаем удовольствие. Это произошло в Голландии, где Реформация, запретив художникам писать картины на религиозные темы, вынудила их искать новые направления. Так появился натюрморт.

Первые натюрморты были сюжетно просты, изображение в них выстраивалось торжественно и чинно в соответствии с устоявшимися канонами: хлеб, бокал вина, рыба (символы Христа); нож (символ жертвы); лимон (символ неутоленной жажды); орехи в скорлупе (душа, скованная грехом); яблоко (грехопадении) и так далее. (Питер Клаас. Натюрморт. 1597−1661).
Рыба-символ, наделённая разнообразием смыслов и оттенков (от сатиры на человеческую похоть до отзвука споров о церковных таинствах и иерархии) получила широкое распространение в сценах рыбных рынков и лавок, ловли Рыбы и. т.д. Религиозные сюжеты постепенно начали уступать место буржуазным. Заказчиками произведений искусства уже стали не только церковь, но и новый зарождающийся класс. Каждая гильдия старалась заказать полотно для увековечивания своих заслуг, стало популярным иллюстрировать деятельность различных специальностей, ремесел.

Голландия и Фландрия, как ключевые центры развития европейской живописи, сосредоточили свое внимание на новых гуманистических ценностях: человек и его интересы.
Фламандский художник Франс Снейдерс в знаменитой серии «лавок» — «Рыбная лавка», «Фруктовая лавка», «Натюрморт с лебедем» (1613−1620 гг.) и др., изобразил столы, переполненные всевозможной снедью, чаще всего дичью или рыбой.
На полотнах сверкает серебристая рыбья чешуя, этим изобилием художник напоминает не о смерти, а об отшумевшей жизни. Не следует слишком доверять столь богатой картине — реальный быт того времени был значительно более скромным. Перед зрителем — воплощение духа старой доброй Фландрии, любви ее народа к земным дарам и простодушной мечты о благодатной Стране бездельников, где жареные куропатки влетают в рот всем желающим.

Всегда в цене

Активно использовали в своем творчестве «рыбную» тему художники начала XX века. Участники группы «Бубновый валет» стремились приблизить свое творчество к «народному лубку», создавая сочные красочные натюрморты конкурирующих с уличными вывесками, таких как «Натюрморт» (1910 г.) Ильи Машкова.

Одно из ярких упоминаний, апелирующее к классической традиции — картина основоположника метафизической живописи Джорджио Кирико «Священные рыбы» (1918 г.), в которой сюжет полон таинственности и многозначности. Да и название прямо указывает на смысл. Через десять лет Кирико создал натюрморт с рыбами, в котором он отказался от иррациональной загадочности, обратившись к традиционной образной системе.

Художников авангарда уже интересовали оптические иллюзии, игра форм, цвета, фактур (Зинаида Серебрякова, Жорж Брак, Анри Матисс).

По-своему интерпретировал образ обитательницы водной стихии Пауль Клее, создав в 1925 году картину «Золотая рыбка». Своим свечением, угрожающими «колючками» рыбка приковывает к себе взгляд зрителя. Вполне вероятно, что в этой работе автор решил обратиться к нереализованным детским фантазиям, и милое создание трансформировал в загадочную пиранью.

К мистической теме рыб обратился в 1940 г. Николай Рерих в картине «Заклятие. Терафим», на который изображен шаман, обращающийся в своем обряде к силам воды, огня, земли и воздуха.

Художники любят изображать рыб по сей день и, наверняка, будут все время возвращаться к этому образу. Скорее всего, их интерес будет продиктован свойствами обитателей морских глубин, заложенными на подсознательном уровне: водная стихия, изобилие, богатство и разнообразие природы.

Автор: Елена Настюк

Прерафаэлиты — это красиво. Даже тогда, когда на их полотнах изображены ведьмы. В красавицах, смотрящих на нас с картин прерафаэлитов, всегда чувствуется разрушительная сила, некое зло. Что это — страх перед властными и сильными дамами, как считают феминистки? Или просто отголосок старинных легенд, которые вдохновляли художников?

Темная сторона прерафаэлитов

Если вы, сделав крен в сторону «банальной роскоши» (почему бы и нет?), пожелаете купить авторскую картину для украшения гостиной, стиль прерафаэлитов может показаться идеальным — каждая травинка и листочек пейзажа, каждая складка на платье поражают красотой. Но чем дольше смотришь — тем сильнее ощущение магии, и не всегда белой.

Пожалуй, в наиболее зловещем свете работы прерафаэлитов выставлены в мрачном романе Джоанн Харрис «Небесная подруга» (в оригинале он, впрочем, называется «The Evil Seed»).

«Прозерпина задумчиво и печально смотрит на что-то, находящееся за пределами картины. Ее лицо и руки на полотне темном и узком, как гроб, поразительно бледны, глаза бездонны, словно преисподняя, губы окрашены кровью. Она прижимает к груди гранат, позабыв о нем, и золотистое совершенство плода испорчено кровавым надрезом, разделившим его пополам, — свидетельство того, что Прозерпина уже отведала гранат и утратила свою душу."

Роман рассказывает о вампирах, и после него «Прозерпину» Россетти уже воспринимаешь иначе. Впрочем, вампиров в понимании современной массовой культуры прерафаэлиты не писали. А вот ведьмы и волшебницы на их картинах есть.

Джон Уильям Уотерхаус: не только волшебница Шалот

Чаще всего обращался к теме колдовства и магии Джон Уильям Уотерхаус. При этом, в отличие от Фредерика Сэндиса, изображавшего колдуний злорадными, Уотерхаус делает их более задумчивыми, интригующими или даже решительными. И если «Хрустальный шар», на которой девушка всматривается в магический кристалл, или все три его картины, посвященные Волшебнице Шалот, привлекают избыточной красотой, так свойственной прерафаэлитам, то «Магический круг» выделяется на этом фоне своей мрачностью. Таинственность и экзотичность «Магического круга», на котором присутствуют все атрибуты колдовства (вороны, лягушка, серп в виде полумесяца) зачаровывали современников.

Обратите внимание на образ колдуньи. Ее смуглая кожа говорит о восточном происхождении, и платье украшено в персидском стиле. Это полотно было написано в период увлечения Уотерхауса восточной экзотикой.

Фредерик Сэндис: опасные разрушительницы

А вот Фредерик Сэндис изображал ведьм иначе. В своем творчестве он чаще всего использовал истории о колдуньях, которые соблазняли и уничтожали мужчин — роковые красавицы, наделенные опасными магическими способностями. Им посвящены три самые известные работы — «Вивьен» (волшебница, погубившая Мерлина и запершая его в хрустальном гроте), «Фея Моргана» (во времена Сэндиса ее воспринимали как злодейку) и «Медея».

Образ Медеи вообще был популярен у прерафаэлитов. Очень ярким он получился на картине Валентина Принсепа. Здесь она собирает в лесу ядовитые грибы для своего зелья. А змея в правом верхнем углу подчеркивает связь с древним злом.

Коварная колдунья Сидония фон Борк

Отдельно стоит упомянуть картину «Сидония фон Борк». Современному зрителю это имя вряд ли о чем-то скажет. Но в XIX веке была популярна книга Вильгельма Мейнхольда «Сидония фон Борк: Монастырская колдунья». Это история женщины, которую приговорили к смертной казни за колдовство в 1620 году. Сидония фон Борк и в самом деле существовала. В нее был влюблен князь Эрнест Людовик фон Вольгаст. Но жениться на ней ему не позволила семья. И в легендах рассказывают, что Сидония удалилась в монастырь, где изучала черную магию с тем, чтобы отомстить всему княжескому дому. В реальной жизни Сидония конфликтовала с настоятельницей монастыря, даже участвовала в нескольких судебных процессах. Когда настоятельница умерла, в ее смерти обвинили Сидонию (а заодно в убийстве еще десятка человек, а также в колдовстве).

Сидонию фон Борк казнили, но после смерти она стала легендой. Писатели изображали ее роковой женщиной, холодной и безжалостной. Такой мы видим ее и на картине Эдварда Бёрн-Джонса — Сидония явно задумывает очередное преступление. Ее платье выглядит так, как будто покрыто паутиной — на такой дизайн художника вдохновил наряд с портрета Изабеллы д’Эсте. Интересно, что во французском сериале «Проклятые короли» чернокнижница и колдунья Беатриса д’Ирсон также появляется в платье с похожими черно-белыми мотивами. Хотя более известным воплощением этого платья в кино стал наряд ведьмы из «Сонной лощины» Тима Бертона.

Картины прерафаэлитов, даже не связанные напрямую с темой колдовства и магии, часто вдохновляют создателей мистических триллеров. Отсылки к работам прерафаэлитов есть не только в упомянутой «Сонной лощине» Тима Бёртона, и в нашумевшем шведском хорроре «Солнцестояние» (там, впрочем, воспроизводятся не столько конкретные картины, сколько отношение к цветочкам и пейзажам).

Найдем отсылки к пленительным картинам даже в «Багровом пике» Гильермо дель Торо («Подружка невесты» Милле) и в «Малефисенте» («Офелия» Уотерхауса).

Что ж, постоянное цитирование работ мастеров славного братства в кино, да и в целом популярность образов ярких, роковых женщин нас не удивляет. Все потому, что магия в исполнении прерафаэлитов — это всегда красиво.

На протяжении практически всей человеческой истории собаки служили не только защитниками, помощниками и компаньонами, но и музами. Их увековечивали в живописи и скульптуре, на гравюрах и фотографиях (и даже в монументальных творениях в форме воздушного шарика). Сейчас, спустя много веков, собаки по-прежнему сопровождают человека и служат живым символом защиты, верности и безусловной любви. Поэтому несложно понять, почему они так долго являются очень важной и яркой частью нашей визуальной истории.

Символизм в разных культурах

Долгое время собаки считались своего рода проводниками, связующим звеном между физическим и потусторонним миром. Древние египтяне, греки, римляне, кельты и другие народы назначали собаку священным хранителем иных миров — тех, которые находятся за пределами нашего повседневного опыта. Именно по этой причине собаку иногда называют символом смерти — поскольку она может служить стражем эфемерных областей и проводником во внетелесных путешествиях. Здесь можно вспомнить и египетского бога Анубиса с головой шакала, который сопровождал умерших в загробный мир.

Собака — священное животное греческой богини Гекаты, повелительницы теней, богини мрака, волшебства и ночных кошмаров. Однако Геката и ее верные псы еще и служат охранниками и защитниками тех, кто не может постоять за себя сам: детей и младенцев, слабых и кротких, безумных и оклеветанных.

У кельтов собаки служили символом героизма, воплощая в себе такие важные для воинов качества, как отвага, выносливость и мужество. Кельты не только использовали собак для охоты, но и обучали их для помощи в битвах. При этом здесь собака была еще и символом врачевания: этих животных часто ассоциировали с Ноденсом — богом питательных вод, охоты и исцеления.

В Китае, как и у большинства народов, собаки издавна считаются символом верности и послушания, но кроме этого — удачи и процветания. Считается, что виляющая хвостом собака предвещает приход богатства. А мощный защитный талисман по фен-шуй — пара собак Фу — охраняет дом от злых людей и негативной энергии, помогает достичь успеха в делах и материального благополучия. Собак Фу еще называют небесными львами Будды, поэтому пекинесов изначально разводили и скрещивали таким образом, чтобы они были как можно сильнее похожи на миниатюрных львов.

Японская енотовидная собака — Тануки — один из любимых и часто встречающихся героев в японском искусстве (как традиционном, так и современном). В японском фольклоре и легендах этих животных часто наделяли сверхъестественными способностями. Как и лиса-оборотень Кицунэ, Тануки умеет превращаться в других существ и в неодушевленные предметы. В самых ранних легендах эти животные предвещали беду, они могли принимать человеческий облик, преследовали и вселялись в людей. Сейчас, много веков спустя, Тануки превратился в безобидного, в общем-то, трикстера — озорника и обманщика. Керамические статуи Тануки можно часто встретить по всей Японии, особенно в барах и ресторанах.

В традиционном японском искусстве Тануки часто изображают под луной, поскольку считалось, что именно в ночь полнолуния он превращается в других существ. Интересно, что это роднит легенды о енотовидной собаке с другими легендами об оборотнях, распространенных в разных странах по всему миру. В древнем китайском и японском фольклоре услышать вой Тануки под луной по большей части считалось дурным предзнаменованием, но в некоторых случаях оно могло, наоборот, предвещать удачу.

Охрана и охота

Датируемые бронзовым веком пещеры и гробницы часто украшены рисунками и статуями собак (по большей части — охотничьих). Даже среди древних детских игрушек и в узорах на керамических изделиях можно обнаружить этих животных.

Древние греки и римляне ценили собак за преданность и отвагу и в качестве домашних животных предпочитали их кошкам. На греческих и римских рельефах и керамике собаки изображались как символ верности. Собаки были домашними любимцами, символом статуса, охранниками и охотниками. Греки ценили этих животных за доверие и любовь. В рисунках на древнегреческих вазах частым сюжетом было возвращение Одиссея домой после странствий и встреча со своим старым псом Аргусом — единственным, кто узнал Одиссея и умер, дождавшись хозяина.

Древние римляне держали в основном три вида собак: охотничьих, чаще всего борзых (их увековечивали в виде скульптур); крупных сторожевых вроде неаполитанского мастифа (их изображения чаще использовали в рельефах и мозаиках с надписью «Cave Canem»); маленьких декоративных собак, например, мальтийских болонок, обычно заводили женщины, и в искусстве того периода их практически не найти. Животные крупных пород больше ценились из-за того, что их можно было использовать во время битв или охоты на волков.

Преданность и аристократизм

В Средневековье собаки по-прежнему считались символом верности и преданности. По этой причине их стали изображать не только в аллегорических сюжетах, но и на парных супружеских портретах (чаще всего — у ног или на коленях женщины). Собака, присутствующая на портрете вдовы, символизировала ее верность умершему супругу. Кроме того, в Средневековье изображения этих животных высекали на надгробных камнях, чтобы подчеркнуть феодальную или супружескую верность усопшего.

Ярким примером символического изображения собаки может служить «Портрет четы Арнольфини» Яна ван Эйка, хотя в этом случае исследователи не пришли к единому мнению. С одной стороны, собака на этом семейном портрете может символизировать супружескую верность, а с другой — страсть и вожделение, стремление пары иметь ребенка. В конце концов, это вполне мог быть реально существующий домашний питомец, и тогда художник запечатлел его на холсте, чтобы подчеркнуть благосостояние семейства Арнольфини.

В средневековом искусстве получили широкое распространение сюжеты, изображающие людей и животных во время охоты. Человек, запечатленный вместе с охотничьими собаками или соколами, таким образом заявлял о своем социальном статусе, поскольку в то время охота была развлечением исключительно для аристократии и неотъемлемой частью придворного этикета. Кроме того, несмотря на развитие сельского хозяйства, охота по-прежнему оставалась важным источником пищи. Знатные люди тратили много денег на покупку специально выведенных гончих не только ради статуса, но и для того, чтобы обеспечить свою семью мясом.

Политика и человечность

В эпоху Возрождения собаки прочно обосновались в европейском искусстве. В Италии XVI века аристократы часто заказывали собственные портреты со своими питомцами, чтобы продемонстрировать высокий социальный статус. Например, на одной из фресок Андреа Мантеньи в «Камера пикта» в Мантуе под креслом маркиза Лудовико Гонзага удобно устроился его любимый пес Рубино.

Одним из самых больших ценителей и знатоков собак в искусстве Ренессанса считается Якопо да Понте Бассано. Точность и достоверность, с которыми художник изображает псов, например, на картинах «Поклонение волхвов» или «Добрый самаритянин», говорит о том, что Бассано наверняка проводил много времени, наблюдая за этими животными, изучая их строение и повадки.

Особое место занимают собаки и в творчестве Тициана. Они стали чаще появляться на его картинах в 1530-х годах, примерно в то время, когда художник переехал в большой «статусный» дом с садом и завел нескольких псов. Одна из самых ярких «собачьих» работ Тициана — портрет маленькой Клариссы Строцци с комнатной собачкой породы папийон. Кларисса, дочь Роберто Строцци и Маддалены Медичи, была наследницей двух знатных флорентийских родов, так что это в определенном смысле «политический» портрет. И хотя тяжелые украшения на ребенке подчеркивают ее высокое происхождение, присутствие собаки рядом с девочкой привносят в портрет некоторую долю детской беззаботности. То же самое можно сказать и о групповом портрете семейства Вендрамин, в который Тициан добавил нотку человечности и несерьезности, усадив на колени одного из мальчиков такого же бело-рыжего папийона. Похожая собака спит, свернувшись калачиком, на постели «Венеры Урбинской».

Тициан использовал изображения собак как статусного символа знати и в своих картинах с мифологическими сюжетами, которые он писал для короля Испании Филиппа II. Одна из них посвящена знаменитому мифу об охотнике Актеоне, который случайно застал богиню Диану (Артемиду) за купанием, в наказание был превращен в оленя и убит собственными псами. Собака Актеона вновь появляется на другой картине Тициана — «Диана и Каллисто» — и здесь она, по всей видимости, уже принадлежит богине. Гончие псы в похожих позах присутствуют во всех трех версиях картины «Венера и Адонис». Тициан выбирал именно эти мифологические сюжеты, поскольку его заказчик, король Филипп II, был страстным любителем охоты.

Образ жизни и личные качества

В XVI и XVII веках, хотя собаки появлялись в живописи чаще всего в охотничьих сценах или на коленях знатных дам, некоторые художники все же использовали их изображения в качестве символических образов. Жан-Леон Жером, к примеру, изобразил древнего философа Диогена в компании псов, делая отсылку к философской школе киников (от древнегреческого κύων - собака). Антисфен Афинский, считающийся основателем этой школы, полагал, что для достижения блага нужно жить «подобно собаке» — следовать своей природе, уметь постоять за себя, быть верным, храбрым и благородным. Диоген был одним из самых ярых приверженцев кинизма, и на могиле философа даже установили мраморный памятник со скульптурой собаки.

Еще в эпоху Ренессанса начали разрабатываться и устанавливаться стандарты собачьих пород. И уже в XVIII веке в живописи стали появляться полноценные портреты собак, причем иногда за этими портретами стояли удивительные истории. Например, в 1831 году Эдвин Ландсир написал портрет ньюфаундленда по кличке Боб. Этот огромный пес был спасен после кораблекрушения у берегов Англии и поселился в лондонском порту. Боб и сам стал спасателем — за 14 лет он вытащил из воды более 20 тонущих людей. За эти заслуги пса сделали почетным членом Королевского гуманитарного общества, наградили медалью и обеспечивали едой. С тех пор отдельная порода черно-белых собак, родственных ньюфаундлендам, носит название Ландсир.

P.S.
ХХ век со всеми его стремительными переменами и многообразием стилей подарил собакам огромное количество новых обличий. Кассиус М. Кулидж «очеловечил» собак, усадив их за покерный стол. Франц Марк, который любил не только лошадей, писал спящих и играющих собак в своей уникальной манере. Дэвид Хокни нарисовал бессчетное количество портретов своих такс. Домашних любимцев писали Эдвард Мунк, Фрида Кало, Энди Уорхол и Люсьен Фрейд.

В определенном смысле в искусстве ХХ века на передний план гораздо чаще стала выходить личность самого художника, и любой выбранный им сюжет (в том числе и изображение собаки) больше говорит о нем самом, чем несет глубинное символическое значение.